. «Не ручей! - Море должно быть ему имя». Так сказал о Бахе другой музыкальный гений - Бетховен

«Не ручей – море ему имя...» (4 класс)     … Бах! С тобой немногий мог сравниться: Ты стал как органист Великим издавна, А то, что ты нанёс на нотные страницы, На долгие тебя прославит времена… (Г. Телеман)  Удивительна судьба музыки этого великого немецкого композитора, со  дня рождения которого прошло более трёхсот лет. При жизни он получил  признание преимущественно как органист и знаток музыкальных  инструментов, а после смерти был почти забыт на несколько десятилетий.  Но затем постепенно стали словно заново открывать его творчество и  восхищаться им как драгоценным художественным сокровищем,  непревзойдённым по мастерству, неисчерпаемым по глубине и  человечности содержания. «Не ручей! ­ Море должно быть ему имя». Так  сказал о Бахе другой музыкальный гений ­ Бетховен. Посмотрите на портрет великого композитора. На нас смотрит сам Иоганн Себастьян Бах. Обратите внимание, как необычно одевались музыканты  тех времён. На его голове – парик с буклями. Он одет в тёмный кафтан, на шее повязан белый платок. Он глядит на нас через три века. Его взгляд серьёзен, волевой подбородок поджат, губы твёрдо сомкнуты, словно он  предвидит все испытания, которые ему придётся пережить в этом мире, но он готов к проверкам судьбы. Как появился в этом мире такой великий  композитор? Как сложилась его судьба? Какая тайна хранится в его  музыке и почему она безгранична во времени? В музыкальном искусстве фамилия Бах связана с древним немецким  родом. Одни представители этого рода были композиторами, другие –  церковными органистами, третьи – городскими музыкантами… Мировую славу приобрело творчество Иоганна Себастьяна Баха –  гениального композитора и органиста. Он жил почти 300 лет назад, но  писал такую возвышенную и гениальную музыку, что люди до сих пор  слушают её. Родился Иоганн Себастьян Бах в Германии. Представьте себе старинный  немецкий городок Эйзенах – узенькие улочки, забитые камнями, дома с  высокими шпилями, каменная церковь. Здесь в 1685 году 21 марта и  появился на свет мальчик, которому суждено было стать великим,  недосягаемым Бахом. Родился он в семье музыканта, отец учил его игре на скрипке и клавесине,  музыкантами были и его братья. Один из них, Иоганн Кристоф, когда умер отец, взял Себастьяна к себе на воспитание. И мальчик уже с 10 лет сам заботился о себе, он прекрасно играл на скрипке и органе, пел в хоре,  сочинял изумительную музыку. А ещё он не упускал случая изучать  творения великих мастеров, которые создавали свои сочинения раньше, до него. Например, у его брата были ноты старинных композиторов,  которыми он очень дорожил, настолько, что не давал по ним заниматься  Себастьяну. И мальчик по ночам переписывал эти ноты при лунном свете.  Каково же было его несчастье, когда однажды брат вошёл в его комнату и  отобрал почти переписанные ноты! Вот было горе у Себастьяна! Этой  работой Себастьян сильно повредил себе зрение. Но его упорству в овладении музыкальным искусством не было предела!  Например, он очень полюбил звучание органа, работая органистом. Но  когда он услышал, что в соседний город приезжает знаменитый  композитор, прославленный органист Дитрих Букстехуде, чтобы давать  свои концерты, то выпросил у своего начальства отпуск на месяц и  пешком отправился слушать эти концерты. А ведь соседний город  находился почти за 100 км, и весь этот путь молодой Себастьян туда и  обратно проделал пешком. Вот так упорство! Летом 1696 года Себастьян стал учеником местной гимназии. Ордруфская гимназия считалась одной из лучших в Тюрингии. Здесь серьёзно изучали  латынь, читали в подлинниках римских авторов. Очень ценилось грамотное письмо. В старших классах устраивались диспуты на самые  разные темы. 5 часов в неделю отводилось на уроки музыки. Себастьяну исполнилось пятнадцать лет. Закончив гимназию, Себастьян  продолжает учение в лицее Святого Михаэля в г. Люнебурге. Он рад, что  больше не будет сидеть на шее у старшего брата. Он полон мечтаний и  надежд. Начинается новая самостоятельная жизнь. Музыкальная библиотека лицея славилась далеко за пределами  Люнебурга. Себастьян многие часы проводил в школьной библиотеке,  изучая композиторов прошлого и традиционные методы композиции,  включая многоголосие. А в то же время его игра на органе становилась всё более совершенной в результате уроков, которые он брал у знаменитого  органиста Георга Бёма. Бах сочинил органную фугу и принёс её Бёму. Тот небрежно посмотрел  ноты и отложил их в сторону. Потом улыбнулся и сказал: ­ Мой орган захворал. Не желаете, дорогой коллега, проведать его со  мной? Озадаченный Себастьян лишь кивнул в ответ. Служба в церкви Святого Иоанна давно закончилась. Вокруг органа  суетились служащие в рабочих одеждах. Одна из ручных клавиатур была разобрана. Пожилой мастер прилаживал на место западавшую прежде  клавишу. ­ Ну вот, господин Бём. Теперь всё в порядке. ­ А мехи? ­ Кожа действительно истёрлась. Пришлось поменять. Однако же,  господин Бём, сдаётся мне, не в мехах дело. ­ А в чём? Нижние регистры кашляют, как старый пьяница с утра. Мастер почесал затылок: ­ Сдаётся мне, что придётся разбирать трубы. Что­то в них попало. ­ Что в них могло попасть? Что ж, пойдём посмотрим. Они обошли орган с другой стороны. Двое рабочих заканчивали обновлять мехи, способные вдохнуть воздух в молчащее до поры до времени  сооружение. У Себастьяна возникло ощущение, что он находится вблизи  спящего божества. Каким­то голосом заговорит оно, когда проснётся?.. Тем временем мастер маленьким молоточком принялся легонько  простукивать трубы одну за другой. Кто­то из рабочих заговорил, и Бём  шикнул на него, приложив палец к губам. Все замолчали, прислушиваясь к  глуховатому постукиванию латуни о свинец. И вдруг в одной из труб раздался жалобный звук, который ни с каким другим невозможно было  спутать. И это было так неожиданно, что все расхохотались. ­ Котёнок, чёрт меня дери! – воскликнул Бём, забыв, что находится в  Божьем храме. – Как он туда попал? ­ Настоятель наш привечает кошек, чтобы крыс вывести, ­ пояснил мастер. – А этот, верно с верхней балки сорвался. Да прямо в раструб. И как ведь  не задохнулся, бедняга! Через некоторое время котёнка освободили. Учёба в лицее Святого Михаэля подходила к концу. Весной 1703 года  Иоганн Себастьян Бах получил диплом, дающий право продолжить  образование в университете. Но ни учёным, ни пастором он себя в  будущем не представлял. Одна лишь музыка всецело владела его сердцем.  Так зачем же изменять ей? В течение своей жизни Иоганн Себастьян Бах несколько раз переезжал из  города в город, меняя место работы, так как почти всегда были  неудовлетворительные условия работы, унизительное, зависимое  положение. Бах стремился своей музыкой пробудить в людях живые  человеческие чувства, а церковные власти боялись, что эта музыка уведёт  прихожан из­под их власти. Иоганна Себастьяна Баха обвиняли в том, что его музыка слишком сложна и в то же время слишком народна, что она мешает верующим  сосредоточиться в религиозном настроении. Иоганн Себастьян Бах всё  время не ладил с церковным начальством, не раз собирался оставить свою  должность. Только мысль о необходимости прокормить большую семью  останавливала его. А музыку он всё равно продолжал писать такую, какую подсказывало ему его сердце, ­ человечную, одухотворённую живыми  мыслями и глубокими чувствами, свободную от церковных ограничений. Единственной отрадой на протяжении всей жизни были творчество и  семья. Подросшие сыновья – Вильгельм Фридеман, Филипп Эммануэль, Иоганн  Кристиан – оказались талантливыми музыкантами. Ещё при жизни отца  они стали известными композиторами. Большой музыкальностью  отличалась Анна Магдалена Бах – вторая жена композитора. Хорошо пела старшая дочь Баха.  Поэтому в его доме часто звучала музыка. Для своей  семьи Иоганн Себастьян Бах сочинял вокальные и инструментальные  ансамбли. Последние годы жизни композитора были омрачены серьёзной болезнью  глаз. После неудачной операции Иоганн Себастьян Бах ослеп. Но и тогда  он продолжал сочинять, диктуя свои произведения для записи. Однажды июльским утром Бах открыл глаза и понял, что произошло нечто чудесное. Он вновь видит! За окном буйно зеленели знаменитые  лейпцигские сады. На полуоткрытую штору села чёрно­бордовая бабочка.  Небо наполнилось тёплой солнечной синевой. ­ Благодарю Тебя, Господи, что улыбнулся мне на прощание, ­ прошептал  Бах. – Благодарю Тебя, мой единственный Наставник… 28 июля 1750 года, Иоганн Себастьян Бах ушёл из жизни. О нём скоро  забыли... Звуки музыки «Шутка»  Как раньше часто бывало, при жизни Иоганна Себастьяна Баха почти  ничего из его сочинений не было напечатано, он умер в бедности и  безвестности. Только спустя почти 100 лет его музыка была оценена по  достоинству, и сейчас его имя знает весь мир. Но, несмотря на тяжёлую  жизнь, у Иоганна Себастьяна Баха бывали и весёлые минуты. Вероятно, в  одну из таких минут он и сочинил свою «Шутку» ­ пьесу для флейты в  сопровождении камерного оркестра. Для того, чтобы передать шутливый,  искрящийся характер музыки, Иоганн Себастьян Бах избрал достаточно  быстрый темп, и его «Шутку» исполнить не так­то просто. С ней может  справиться только настоящий виртуоз. Менуэт Иоганн Себастьян Бах сочинил множество маленьких лёгких пьес для  детей, для тех, кто учился играть на клавире и органе. И эти пьесы он  записывал нотами в нотную тетрадь. Этот сборник он посвятил Анне  Магдалене Бах. С тех пор он так и называется – «Нотная тетрадь Анны  Магдалены Бах». Менуэт ­ старинный танец французского происхождения. Слово менуэт  произошло от французского слова menu, что означает «маленький,  мелкий». Три столетия назад и позже менуэт был очень популярен в  разных странах. В России его танцевали при дворе царя Петра I. Этот  танец танцуют маленькими, мелкими шажками в умеренном темпе, плавно, церемонно, с поклонами и приседаниями. Это старинный танец,  сдержанный, церемонный, галантный. Токката и фуга ре минор Во время службы в церкви Бах играл на органе. Органист­виртуоз покорял людей искусством исполнения. Многие поражались тому, «как он мог так  особенно и так быстро переплетать пальцы рук и ноги… не допуская не  единого фальшивого звука». Бах часто импровизировал, то есть сочинял музыку в момент исполнения.  Его органные импровизации отличаются мощью, огромной драматической  силой. Вершиной творчества Баха является его органная музыка. Именно в ней  композитор воплотил величие и могущество человеческого духа. Его  органные произведения знают и любят слушатели всего мира. Среди них  органная Токката и фуга ре минор. Что поражает слушателей в музыке Токкаты? За вступительным разделом, похожим на страстную речь человека, начинается взволнованное  движение, напоминающее безостановочный поток, который прерывают  властные аккорды. В свободной импровизационной манере композитор  переходит от одного эпизода к другому: друг друга сменяют пассажи,  звучание органа подобно торжественному пению церковного хора,  возникают переплетения голосов (полифония), словно рисует в  воображении слушателя величественный собор с витражами, арками и  шпилями, устремлёнными в небеса. Токката в переводе с итальянского означает «трогать», «прикасаться» (к  клавишам). Это виртуозная пьеса для клавишного инструмента. Вопросы и задания: 1. 2. 3. С каким музыкальным инструментом в основном связано  композиторское и исполнительское творчество Баха? Слово «бах» по­немецки значит «ручей». В связи с этим интересно  высказывание Л. Бетховена о Бахе: «Не ручей – море ему имя».  Подумайте, какой смысл заключён в приведённом сравнении. Что означает слово «токката»? Каков характер органной токкаты ре  минор И. С. Баха? Форма – Рондо(3 класс) С понятием форма мы встречаемся в повседневной жизни: форма одежды  ­ рабочая, спортивная, школьная; геометрические формы ­ круг, квадрат,  прямоугольник и т. д. Знаем все мы: форма ­ это Очертание предмета. По ней мы сразу узнаём: Лётчика, шахтёра, Врача и полотёра, Повара, железнодорожника, Пожарного и дворника. Если есть щитки и шлем, Хоккеиста видно всем. Бескозырка, брюки клёш, Воротник, рубашка, А под ней тельняшка. Все тогда издалека Распознают моряка. Форма учит нас порядку, В ней мы делаем зарядку. Форма музыке нужна, С ней она всегда стройна, В ней ведут себя достойно Содержание и форма. Композитора можно сравнить с архитектором. Прежде чем построить  здание, архитектор создаёт его план ­ форму ­ конструкцию. Композитор  тоже выстраивает план будущего музыкального произведения. Для этого  каждый композитор использует свои приёмы построения музыкальных  произведений. С давних времён люди любили петь песни и водить хороводы. Нередко во  время исполнения хороводных песен запевала (солист) пел куплеты, а хор  подхватывал припев. Куплеты отличались по музыке друг от друга.  Припев повторялся без изменений. Движение музыки шло как бы по кругу. По­французски «круг» ­ «рондо». Родиной рондо считается Франция.  Здесь в старину был популярен народный танец с пением. Танец назывался рондо», что и означает круг, хоровод. Форма рондо ­ музыкальная форма, которая построена на повторности.  Эта форма основана на многократном (не менее трёх раз) повторении  главной темы, чередующейся с эпизодами различного содержания. В рондо есть наиболее важная тема, которая называется РЕФРЕН – она  повторяется несколько раз, чередуясь с новыми темами – ЭПИЗОДАМИ. Форма рондо, в силу своей выразительности, имеет обширную область  применения в музыкальном искусстве. Очень часто его использование  связано с образами шутливого, юмористического характера. В форме рондо написаны такие известные музыкальные произведения, как Рондо в  турецком стиле В. А. Моцарта, «Ярость из­за потерянного гроша» Л.  Бетховена, Рондо Фарлафа из оперы М. Глинки «Руслан и Людмила» и  многие другие. Людвиг ван Бетховен. «Ярость из­за потерянного гроша» Рондо «Каприччио» соль мажор, op. 129 больше известно под своим  подзаголовком «Ярость из­за потерянного гроша». Когда Бетховену исполнилось 25, он написал рондо «Каприччио», но так и никогда не сыграл его для своих современников. О короткой  пятиминутной пьесе стало известно только после смерти Бетховена: её  нашли в кипе бумаг, которые предназначались для продажи на аукционе.  Это весёлое произведение имело необычный подзаголовок – «Ярость из­за  потерянного гроша». Идея подзаголовка принадлежала не композитору, а  его другу – Антону Шиндлеру. Название достаточно красноречиво поясняет музыку. Эта комическая  сцена полна присущей Бетховену энергии, волевой устремлённости,  динамики. Именно таков характер темы рефрена, не оставляющей  сомнений в том, что ярость героя – шутливая. «Это великая бетховенская шутка, – отмечает музыковед Михаил  Казиник, – бессмертная шутка гения и громовержца, написанная для одного лишь рояля. И каждый раз пианисты соревнуются друг с другом,  кто сыграет её остроумнее, забавнее, задорнее: у кого проявится то самое  бетховенское чувство юмора, приправленное щедрой порцией ярости?..» Современные музыковеды сравнивают это рондо с развёрнутым  комическим рассказом­сценкой, где музыка передаёт различные  контрастные эпизоды и ситуации: начальная безмятежность, затем  обнаружение пропажи, чередования надежды и волнения. Далее следуют  бестолковые поиски с блужданием по тональностям и нарушениями в  композиции, создающими хаос. Наконец, бешеная ярость от  безрезультатного поиска. Дополнительный комический эффект создаёт  контраст понятий «ярость» и «грош». Это гнев по самому ничтожному  поводу. Слушая рондо­каприччио, мы наблюдаем, как его герой в приступе гнева,  под влиянием неконтролируемых эмоций теряет облик разумного  уравновешенного человека. От звуков начальной весёлой и беззаботной  темы в духе польки музыка переходит к бурным пассажам, трелям и  арпеджио в низком регистре, напоминающим возмущённое рычание. И  хотя это лишь музыкальная шутка, она приводит к выводу о  необходимости сохранять человеческий облик в любой ситуации.  «Учитесь властвовать собой». Сегодня рондо часто звучит в концертах и исполняется как именитыми  музыкантами, так и начинающими. Вольфганг Амадей Моцарт. «Рондо в турецком стиле»  Мелодия, которую вы сейчас услышите, любима многими людьми. Она  очень известна и популярна во всем мире. «Турецкое рондо» Вольфганга Амадея Моцарта привлекает красотой  мелодий, изяществом, блеском. В этом произведении В. А. Моцарт  изобразил удары большого турецкого барабана, неизвестного в те времена  в Европе. «Турецкое рондо» («Rondo Alla turca») часто звучит в виде  самостоятельной пьесы, хотя написано оно было как третья часть сонаты  ля мажор для фортепиано. Звуки «Турецкого рондо» сразу же напомнили австрийцам хорошо  знакомое звучание турецких военных маршей. Турция (называвшаяся тогда Османской империей) и Австрия (Osterreich,  Восточная империя ­ именно так переводится с немецкого языка название  страны) были давними и злейшими врагами, и воевали с перерывами с  начала XVI века по конец XVIII века. Однако, несмотря на такую  постоянную вражду, у австрийцев был сильнейший интерес и к турецкой  культуре вообще, и к турецкой музыке в частности. Впервые австрийцы познакомились с игрой турецких музыкантов в 1699  году, когда в Вену прибыла турецкая делегация, чтобы отпраздновать  заключение Карловицкого мирного договора, завершившего очередную  австро­турецкую войну, продолжавшуюся 16 лет. Охрану делегации  Османской империи несли янычары ­ турецкая пехота, и вместе с другими  янычарами делегацию сопровождал и янычарский военный оркестр,  который дал несколько публичных концертов для жителей Вены. Австрийцы пришли от янычарской музыки в такой восторг, что многие  австрийские музыканты стали пытаться имитировать турецкую музыку на  европейских музыкальных инструментах, и даже появились фальшивые  турецкие оркестры, когда коренные австрийцы надевали на себя  янычарскую одежду, и играли на привезённых из Турции инструментах. И никакие последующие австро­турецкие войны не смогли уничтожить  любовь австрийцев к турецкой музыке. Дошло даже до того, что в 1741  году австрийское правительство обратилось к правительству турецкому с  просьбой прислать турецкие музыкальные инструменты для  императорского придворного оркестра. Инструменты были присланы. Это очень живая, бодрая, весёлая музыка, под неё можно делать всё что  угодно, но вот чтобы ходить строем и маршировать по плацу ­ она для  этого не подходит. И действительно, турецкие янычары никогда под музыку строем не ходили. Музыку играли перед боем, во время боя, и  после боя, чтобы отпраздновать победу, а также во время торжественных  мероприятий. Вольфганг Амадей Моцарт, когда писал «Турецкое рондо», переложил  традиционную оркестровую турецкую военную музыку для исполнения на  фортепиано, в результате чего слушать музыку в турецком стиле стало  возможно и не собирая огромный янычарский оркестр, в любом доме, где  был рояль или пианино. Хотя есть и аранжировки «Турецкого марша» для  оркестрового исполнения. «Турецкое рондо» имеет трёхчастную форму с припевом. Повторяющийся припев – рефрен – придаёт форме черты рондо. Празднично­весёлая,  танцевальная мелодия припева звучит с характерным арпеджированным  сопровождением, напоминающим мелкую барабанную дробь. Михаил Иванович Глинка. Рондо Фарлафа из оперы «Руслан и  Людмила» В опере «Руслан и Людмила» Михаил Иванович Глинка использует форму  рондо для характеристики одного из персонажей – Фарлафа. В арии  Фарлафа наиболее полно раскрыты характерные черты его образа –  трусость и бахвальство. … Крикун надменный, В пирах никем непобеждённый, Но воин скромный средь мечей… Так характеризует Фарлафа Пушкин. Фарлаф вместе с Русланом отправляется на поиски Людмилы. Однако  «храбрый спаситель», завидя опасность, предпочитает спасаться бегством. Фарлаф… Со страха скорчась, обмирал И, верной смерти ожидая, Коня ещё быстрее гнал. Так точно заяц торопливый, Прижавши уши боязливо, По кочкам, полем, сквозь леса Скачками мчится ото пса. Большая ария Фарлафа написана в форме рондо (отсюда и идёт её  название): основная тема звучит несколько раз, чередуясь с двумя  эпизодами. Какими же выразительными средствами нарисовал Глинка музыкальный  портрет Фарлафа? Обычно хвастунишка много и быстро говорит – и композитор выбирает  для арии очень быстрый темп. Вокальную партию он насыщает  виртуозными приёмами, например частым повтором одних и тех же  звуков. Это производит впечатление захлёбывающейся скороговорки. И  слушатель невольно подсмеивается над таким «героем». Ведь выражение  юмора вполне доступно музыке. Вопросы: 1. 2. 3. 4. 5. Из каких музыкальных разделов складывается форма рондо? Что означает слово «рондо»? Как называется главная, повторяющаяся тема рондо? Каков характер произведения, которое мы прослушали? Каким предстаёт Фарлаф в музыке М. Глинки? Слова для справок:  уверенным, горделивым, смешным, глупым, самодовольным. 6. Как вы думаете, почему композитор использовал именно форму  рондо для характеристики Фарлафа? Героико­драматический пафос музыки Л. Бетховена. (4 класс) Музыкальный материал: 1. Л. Бетховен. Соната № 8 «Патетическая» для фортепиано. I часть.  Экспозиция (слушание); II и III части (по желанию педагога); Л. Бетховен, стихи Г. Пфеффель. «Свободный человек» (пение). 2. Характеристика видов деятельности: 1. Наблюдать за интонационной образностью музыкальных  произведений. 2. Обнаруживать и выявлять характерные свойства музыки Л.  Бетховена. Соната № 8 «Патетическая» «Героической» назвал Людвиг ван Бетховен свою Третью симфонию.  Героической можно назвать и всю жизнь великого венского классика. 1. Внимательно рассмотрите портрет Л. Бетховена. По изображению  попытайтесь определить, человеком какого характера был выдающийся  композитор. Слова для справок: сильный, волевой, мягкий,  добродушный, мужественный. 2. Какой цвет на картине усиливает восприятие основных черт  характера Бетховена? Ещё в молодости и Бетховена начала развиваться глухота, приведшая к  полной потере слуха. Тяжкая болезнь не сломила волю композитора; год  за годом он упорно трудился. Слова Бетховена «Я возьму судьбу за  глотку» стали девизом всей его жизни. Именно в тяжелейший период Бетховен создал лучшие произведения –  Девятая симфония, Торжественная месса, поздние сонаты для  фортепиано. По этому поводу русский музыкант А. Рубинштейн говорил:  «О глухота Бетховена, какое страшное несчастье для него самого и какое  счастье для искусства человечества!» С молодых лет Бетховен зарекомендовал себя как незаурядный  (необычный, выделяющейся среди других) пианист. «Его игра не  отличалась чистотой, блеском и элегантностью… зато она была  одухотворённой, величественной, в высшей степени полной чувства». Эти  слова принадлежат Карлу Черни – австрийскому пианисту, педагогу и  композитору, ученику Л. Бетховена. Ведущим солирующим инструментом в эпоху венских классиков стало  фортепиано. Для него создаётся много произведений в различных жанрах  (сонаты, вариации, пьесы). Главным был жанр сонаты. Слово «соната» происходит от итальянского «сонарэ» ­ «звучать»,  «играть» (на музыкальном инструменте). Это крупное музыкальное  произведение, предназначенное для солирующего инструмента (или двух  инструментов). Стоит, как правило, из трёх частей. По фортепианным сонатам можно проследить путь становления  композитора. 32 сонаты написаны Бетховеном на протяжении его жизни, в  разные этапы его творчества. Одна из них – соната № 8 – называется  «Патетическая», то есть «страстная», «взволнованная». Это произведение было написано Бетховеном в период, когда он впервые  осознал свой недуг. ...Это гигантский рывок вперёд, к тому, что в искусстве ещё только  должно прийти. Такой музыки ещё не было. Звуки музыки Вступление. Grave­Allegro di molto e con brio Аккорд! Могучий и грозный. Властный голос. Он требует ответа.  Быстрого, ясного. Он нетерпелив. Он не хочет ждать. И ответ приходит. Но робкий и уклончивый. В нём страдание и боль, но  нет решения. И тогда снова раздаётся прежний голос. На этот раз ещё более сильный и  требовательный. И пять тот же ответ. Но голос не умолкает. Он всё настойчивей. От него не скроешься и не  уйдёшь, как не уйти от жизни, требующей решения и ожидающей его.  Жизнь зовёт к действию. И зову её невозможно противостоять. С каждым новым аккордом слабеет сопротивление. И вот оно осталось  только в одиноких и ломких звуках. Устало скатываются они вниз и тонут  во вздымающихся валах начального аллегро. Стремительное и бурное, оно  контрастирует с медленным, напряжённым вступлением. Первая часть. Grave­Allegro di molto e con brio Аллегро первой части полно борьбы ­ острой, кипучей, не затихающей ни  на миг. Главная тема ­ она выросла из мощных аккордов вступления ­  порывистая, мужественная, сильная, Побочная тема сродни ответу вступления. Побочная тема всё больше  подчиняется главной, пока, наконец, могучий разлив совсем не поглощает  её. Ни внезапный возврат скорбных голосов вступления; ни аккорды,  дробящие молотом воли нерешительность и сомнение, не в силах  остановить победного движения, изменить исход борьбы. Вторая часть. Adagio cantabile Вторая часть ­ созерцательная, проникнутая философским раздумьем.  Звучит медленно и певуче. Это размышление о том, что недавно  произошло. Глубокое, спокойное, беспристрастное, свободное от  случайных чувств и переживаний, вспыхнувших под влиянием момента и  возникших в горниле борьбы. Свободно и плавно течёт мелодия,  возвышенная, как сама борьба, развернувшаяся в первой части, и  благородная, как цель, ради которой она велась. Третья часть. Rondo Allegro Третья, заключительная, часть сонаты ­ само движение. Оно вскипает с  первых же тактов и стихает только с последними аккордами. Если  вслушаться в стремительный взлёт главной темы ­ лёгкой и воздушной,  нетрудно угадать знакомые черты побочной темы первой части. Но здесь  она преображена. Нет ни горечи, ни страдания. На смену пришло веселье... И, наконец, короткий, энергичный финал. «Патетическая» соната  пронизана пафосом революционной борьбы. Её образы овеяны пафосом  революции. Главной темой многих произведений Бетховена была борьба людей за своё счастье и стремление к свободе. Герой Бетховена, как и он сам, ­ неистовый борец, мыслитель, личность, обладающая богатым внутренним  миром. Высшее предназначение своего искусства, которому он следовал до конца  жизни, Бетховен выразил всего одной фразой: «Музыка должна высекать  огонь из сердец человеческих». Запомни! Соната Вопросы и задания: 1. Как вы думаете, слова «героизм», «героический» можно отнести к  творчеству Л. Бетховена или также к обстоятельства его жизни? Почему? 2. 3. 4. 5. Преимущественно для какого музыкального инструмента создавали  сонаты венские классики? Что означает слово «соната»? Музыка Бетховена отличается резкой контрастностью –  динамической, темповой, регистровой… Ощутимы ли контрасты в  «Патетической» сонате? Подумайте, с какой целью они применяются. Итальянскому музыканту Радичьотти принадлежит следующее  высказывание: «Бетховен титан (гигант), он часто бьёт нас кулаками;  Моцарт же всегда прекрасен!» Какой смысл, по­вашему, заключён в этих  словах? "Сороковая симфония" В.А. Моцарта (4 класс) Содержание: 1. Индивидуально­характерные стилевые особенности творчества  композиторов ­ венских классиков. 2. 3. 4. Лирические образы в музыке В. А. Моцарта. Роль мелодического начала в его сочинениях. Знакомство с жанром симфонии: композиционное строение,  исполнительский коллектив (симфонический оркестр). Музыкальный материал: 1. 2. В. А. Моцарт. Симфония № 40. I часть. Экспозиция (слушание); В. А. Моцарт. Хор «Послушай, как звуки хрустально чисты» из оперы «Волшебная флейта» (слушание, пение). Характеристика видов деятельности: 1. Анализировать и обобщать жанрово­стилистические особенности  композиторов ­ венских классиков (в соответствии с критериями,  представленными в учебнике). 2. Обнаруживать и выявлять характерные свойства музыки В. А.  Моцарта. 3. Исполнять ритмический аккомпанемент к вокальной партии. Мелодия Моцарта льётся для меня совершенно естественно, как льётся какой­нибудь прекрасный ручей или источник. И. Тургенев Творчество Й. Гайдна, В. А. Моцарта, Л. Бетховена мы ценим за  жизнеутверждающий характер, ясность и выразительность музыкального  языка. При этом музыка каждого из этих композиторов имеет свои яркие  особенности. Так, в произведениях Гайдна преобладают светлые, радостные  настроения, у Бетховена – настроения драматические, отражающие  борьбу, стремление к победе. У Моцарта особенной глубиной отличаются лирические образы. И  радость, и печаль запечатлены у композитора в ярких запоминающихся  мелодиях, передающих чувства человека, его душевные переживания. «Сущность музыки – в мелодии», ­ писал Моцарт. И в каком бы жанре не  были созданы его произведения, будь то опера, симфония, соната, ­ всегда  по выразительности мелодии мы безошибочно угадываем: звучит музыка  Моцарта. В. А. Моцарт прожил недолгую жизнь, но успел создать огромное число  музыкальных произведений – около 600. Это ­ оперы, симфонии, сонаты,  песни. На этом уроке мы познакомимся с выдающимся произведением Моцарта,  известным во всём мире, ­ Симфонией № 40. Её музыка отличается  вдохновенностью и лиричностью, с необычайной искренностью в ней  раскрывается глубина чувств и переживаний человека. Слово «симфония» в переводе с греческого означает «созвучие». Это  крупное музыкальное произведение, состоящее из четырёх частей,  объединённых одним общим замыслом. Чаще всего композиторы выбирали именно жанр симфонии, чтобы рассказать слушателям о тех событиях,  которые во все времена волновали человека. Музыка симфоний говорила о добре и зле, красоте и уродстве, войне и мире. Темами многих симфоний  становились любовь, героизм, подвиги народа.  Симфония звучит в исполнении симфонического оркестра. Сегодня мы послушаем первую часть Симфонии № 40 и поговорим о ней  подробнее. Слушание: В. Моцарт. Симфония № 40, 1­ая часть (экспозиция). 1. В каком темпе начинается симфония? (В быстром.) 2. 3. 4. 5. 6. Какой характер в начале произведения? (Взволнованный,  напряжённый, порывистый.) Какие инструменты играют начальную мелодию? (Струнные –  скрипки.) Появлялась ли в этой музыке позднее другая мелодия? (Да.) Каким стал характер музыки во время звучания второй темы?  (Неторопливым, более спокойным.) Какие музыкальные инструменты исполняли вторую тему? (Духовые  – гобои.) Первая часть симфонии состоит из трёх разделов.  В первом разделе композитор показывает нам основные темы ­ мелодии,  каждая из них имеет свой характер. Этот раздел называется экспозиция,  что означает ­ показ. Вы, наверное, слышали выражение: «экспозиция  картин на выставке», то есть показ картин. В экспозиции симфонии все  основные темы (а их, как правило, четыре) предстают перед нами. Основные темы экспозиции называются так: главная партия, связующая,  побочная и заключительная. Главная и побочная партии контрастны между собой, между ними ­ связующая. Заключительная партия часто  перекликается по характеру с главной. Она завершает экспозицию. Второй раздел называется разработка. В нём темы развиваются,  варьируются, разрабатываются, сталкиваясь друг с другом. Последний, третий раздел ­ реприза повторяет первый (экспозицию), с  некоторыми изменениями. Давайте послушаем основные темы экспозиции (главную и побочную  темы) первой части симфонии и постараемся различить характер основных тем. Слушание: В. Моцарт. Симфония № 40, 1­ая часть (главная и побочная  партии). Тема главной партии напоминает взволнованную речь человека. Кажется,  что он, едва переводя дыхание, спешит рассказать о своих душевных  переживаниях. Короткие, прерывистые мотивы скрипок звучат  необыкновенно трепетно и жалобно. Тема побочной партии – мягкая, нежная. Кажется, что в своих мыслях  человек ненадолго уходит от действительности, погружаясь в мир светлых грёз и воспоминаний. Экспозиция завершается оркестровым forte радостного, энергичного  характера. Музыка Моцарта ослепляет солнечностью и заставляет плакать людей,  говорящих на разных языках, но одинаково чувствующих красоту и  любящих музыку. 1. 2. 3. 4. Музыку какого композитора вы сегодня слушали? Какое произведение называется? (Симфония № 40.) Поясните, что такое симфония? Каков был характер главной партии Симфонии № 40?  (Взволнованный, трепетный.) 5. 6. 7. 8. Каков был характер побочной партии Симфонии № 40? (Мягкий,  нежный, неторопливый.) На уроках музыки мы часто называем произведения словом «шедевр». Кто помнит, что означает это слово? (Вершина творчества, лучший  образец произведения.) Подходит ли к Симфонии № 40 слово «шедевр» и почему? Как вы думаете, что принесло музыке Моцарта такую популярность?  (Красивая мелодия, которая легко запоминается.) Запомни! Симфония Вопросы и задания: 1. 2. 3. В чём заключаются главные отличительные особенности  произведений композиторов – венских классиков? Что означает слово «симфония»? Из скольких частей состоит  симфония? Какое средство выразительности прежде всего определяет образ 1  части Сорокой симфонии В. А. Моцарта? Венские музыкальные классики (4 класс) Содержание: 1. 2. 3. 4. 5. Австрия ­ крупнейший музыкальный центр Европы. Композиторы ­ венские классики: Й. Гайдн, В. Моцарт, Л. Бетховен. Расцвет ряда жанров в их творчестве. Знакомство с жанром квартета. Соединение драматизма и лирики в произведениях В. А. Моцарта (на  примере арии Царицы ночи из оперы «Волшебная флейта»). Музыкальный материал: 1. 2. 3. 4. Й. Гайдн. Квартет ре минор, соч. 76 № 2. IV часть (слушание); В. А. Моцарт. Ария Царицы ночи из оперы «Волшебная флейта»  (слушание); Л. Бетховен. Симфония № 9 «Хоральная», 4 часть (слушание, по  желанию педагога); Й. Гайдн, русский текст Я. Синявского. «Мы дружим с музыкой»  (пение). Характеристика видов деятельности: 1. Анализировать жанрово­стилистические особенности музыкальных  произведений. 2. Наблюдать и оценивать интонационное богатство музыкального мира  (на примере произведений композиторов ­ венских классиков) В контексте истории Австрия была многонациональной империей. В ней наряду с австрийцами,  у которых родной язык ­ немецкий, жили венгры и различные славянские  народы, в том числе чехи, сербы, хорваты. Их песенные и танцевальные  мелодии можно было слышать и в деревнях, и в городах. В Вене народно­ бытовая музыка звучала повсюду ­ в центре и на окраинах, на перекрёстках улиц, в публичных садах и парках, в ресторанах и кабачках,  в богатых и небогатых частных домах. Вена ­ центр огромной страны ­ вбирала в себя эти неисчерпаемые  фольклорные богатства. Венский простой люд был очень музыкален. В  домах и на улицах города, на многочисленных народных гуляниях, наряду  с австрийскими песнями раздавались звуки венгерского чардаша и полных  глубокого чувства мелодий сердца Европы ­ западного славянства.  Процветали австрийские танцы ­ лендлеры и вальсы. Народные мелодии и  музыкальные жанры вливались в музыку венских композиторов  совершенно естественно, часто неприметно для них самих, а заодно и для  их аристократических слушателей. Австрия стала крупнейшим музыкальным центром Европы. С этой страной связаны имена многих выдающихся композиторов, дирижёров,  исполнителей. Огромное значение для мировой музыкальной культуры имеет творчество  австрийских композиторов ­  Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена.     Жизнь и деятельность каждого из них подолгу протекала в столице  Австрии ­ Вене. Поэтому Гайдна, Моцарта и Бетховена называют  венскими классиками. Классиками – потому что созданные ими произведения получили всемирное признание, как выдающиеся,  образцовые. Сочинения композиторов Венской классической школы до  сих пор остаются непревзойдённым образцом. Музыка классического периода отличается объективностью и  элегантностью формы.  Композиторы писали не для церкви, а скорее для  гостиных и балов, которые становятся популярными в это время. В этот  период кларнет стал равноправным инструментом оркестра, а клавесин  был вытеснен только что изобретённым фортепиано. Наследие композиторов «Венской тройки» составляет одну из вершин  мирового музыкального искусства. Оно оказало огромное влияние на всё  последующее развитие классической музыки. Сочинения композиторов  Венской классической школы до сих пор остаются непревзойдённым  образцом. С творчеством венских классиков связан расцвет таких жанров, как опера, симфония, соната, концерт, квартет. Некоторые из них нам уже известны,  с другими мы познакомимся впервые. Гайдн. Краткие биографические сведения Основоположником классической венской школы стал Франц Йозеф  Гайдн. Гайдн родился в деревне Рорау, в Австрии. Его родители не были  профессиональными музыкантами, хотя отец любил народные песни и  играл на арфе, не зная нот. В пять лет Гайдн вместе с отцом пел на  семейных музыкальных вечерах. В детстве Йозеф был наделён прекрасным чистым голосом, благодаря  чему был принят в качестве певчего в хор венского собора св. Стефана. В  хоровой школе он многому научился, но когда начал ломаться голос,  пришлось уйти. Будущий музыкант к 17 годам получил почти полное  исполнительское и композиторское образование. Гайдн зарабатывал на жизнь уроками музыки, а также игрой на клавесине,  органе и скрипке. Постепенно он под опекой итальянского композитора  Никола Порпоры стал сочинять собственную музыку, в том числе свои  первые струнные квартеты. В 1761 году богатый венгерский князь Пал Антал Эстерхази пригласил к  себе Гайдна в Эйзенштадт в качестве вице­капельмейстера. С этого  момента началась служба Гайдна у семейства Эстерхази, которая  продолжалась целых три десятилетия. В своём распоряжении композитор имел один из лучших оркестров  Европы, для которого написал множество опер, сочинений духовного  характера, симфоний и струнных квартетов. Последние годы жизни Гайдн провёл в Лондоне. За свою долгую жизнь Гайдн подарил миру огромное количество  гениальных творений. И хотя многое из его наследия было утеряно и того,  что сегодня известно потомкам, было достаточно чтобы Чайковский  сказал о Гайдне: «Не будь его ­ не было бы ни Моцарта ни Бетховена». Звуки музыки Одним из создателей классического квартета является Йозеф Гайдн.  Классический (струнный) квартет включает четыре инструмента – две  скрипки, альт, виолончель. При том, что каждый участник квартета  исполняет самостоятельную партию, его общее звучание отличается  единством и стройностью. Квартет. Слово «квартус» на латыни означает «четвёртый». От него и  пошло название ансамбля четырёх исполнителей, вокалистов или  инструменталистов. Чаще всего в квартетах собираются родственные  инструменты либо только струнные, либо только деревянные духовые,  либо медные духовые. Квартетом ещё называют произведение, созданное  для ансамбля из четырёх исполнителей, например: «Квартет» Бетховена,  «Квартет» Бородина... Квартеты соч. 76 Гайдн создавал в зените славы и композиторского  мастерства. Они стали итогом длительного совершенствования  композитора, которому в момент их создания было уже 65 лет. Второй  квартет опуса стоит особняком – это единственное произведение,  написанное в миноре. Никакие квартеты не были так любимы исполнителями, как квартеты  Гайдна. Так же и теперь гайдновские квартеты продолжают сохранять  большой интерес и для исполнителей и для слушателей. Слушание: Й. Гайдн. Квартет ре минор, соч. 76 № 2. IV часть. Моцарт. Краткие биографические сведения Высочайший взлёт венской школы связан с творчеством гениального  Моцарта. Вольфганг Амадей Моцарт родился в семье композитора Леопольда  Моцарта. Одарённый феноменальным слухом мальчик с раннего детства  начал учиться игре на клавесине и скрипке под руководством отца. Вскоре Леопольд Моцарт демонстрировал чудо­ребёнка при дворе  архиепископа Зальцбургского, а в 6 лет мальчик уже гастролировал с  концертами по всей Европе. К двенадцати годам Моцарт был автором трёх опер. Поездки расширили музыкальный кругозор и принесли ему множество  ярких впечатлений. Куда бы семья не прибыла, всюду игру юного Моцарта на клавире встречали восторженно. Маленький гений был предметом  разговоров всей Европы. В 1770 году Моцарт вместе с отцом отправился в Италию, где с  триумфальным успехом прошли премьеры его опер, в том числе и новой ­  «Митридат, царь Понта». В Сикстинской капелле Моцарт прослушал  хоровое сочинение Аллегри «Мизерере», которое было запрещено  публиковать и исполнять вне капеллы. Молодой композитор поразил всех, по памяти записав произведение после единственного прослушивания. Однако юный Моцарт не у всех вызывал восхищение, многие музыканты  завидовали ему или относились с недоверием. Так, в городе Болонье  местные музыканты устроили Моцарту настоящий экзамен ­ предложили  сочинить фугу. Обычно на это уходило несколько часов. Моцарт же  справился с ним всего за полчаса. После этого юный композитор был  избран членом Болонской музыкальной академии. После триумфальных поездок по Франции и Италии он вернулся в  Зальцбург и стал капельмейстером в архиепископском оркестре, где  служил его отец. Однако Моцарт пришёлся там не ко двору. Ему  завидовали другие музыканты, а деспотичного архиепископа не устраивал его гордый характер. Тем не менее, Моцарт много работал и именно в  Зальцбурге стал зрелым, самостоятельным мастером симфонической  музыки. Наконец ему надоело находиться в услужении, и он ушёл в  отставку. В 1781 году он уехал в Вену и стал зарабатывать на жизнь своим  творчеством. Там он много сочинял и давал концерты. С его именем  связано становление австрийской оперы: до Моцарта на австрийской сцене шли в основном оперы итальянских композиторов или их подражателей. Композитор так и не смог добиться большого достатка, постоянно  находился в долгах и вынужден был браться за любые заказы. Кроме того,  тяжёлая болезнь подтачивала его силы. Правда, в последние годы жизни Моцарт создал ещё одну оперу ­ светлую  и радостную сказку «Волшебная флейта». В музыке этой оперы  преобладают жизнерадостные тона, ясная, неомрачённая лирика. Вместе с  тем в ней немало сцен, насыщенных страстью, душевным смятением,  драматизмом. Последнее произведение Моцарта гениальный «Реквием» ­ осталось  незаконченным. Работу над ним оборвала смерть, наступившая 5 декабря  1791 г. в Вене. Похоронили Моцарта на кладбище для бедняков, и его  могила затерялась. Сейчас оперы Моцарта ставят на лучших сценах мира, а его сочинения  входят в репертуар крупнейших музыкантов современности. Звуки музыки Оперный жанр в творчестве венских классиков представлен  преимущественно сочинениями В. А. Моцарта. Нам предстоит послушать  арию царицы ночи из его оперы­сказки «Волшебная флейта». Два мира враждуют в «Волшебной флейте»: царство грозной  повелительницы ночи и солнечное царство мудреца Зарастро. В мире  Зарастро разлит яркий солнечный свет, слышны торжественные звуки труб и тромбонов, царят мир и спокойствие. Повелительница мрака и зла, коварная Царица одержима идеей власти над  миром. Она стремится победить мудрого правителя Зарастро и захватить  его талисман – священный солнечный диск. Свою ярость она выражает в  яростно­виртуозной арии. «Ужасной мести жаждет моё сердце! Я  беспощадна!» ­ восклицает Царица ночи. Она повелевает родной дочери  погубить Зарастро. Слушание: В. Моцарт. Ария Царицы ночи из оперы «Волшебная флейта». Бетховен. Краткие биографические сведения Ещё одним великим представителем венской школы является Людвиг ван  Бетховен. Детство Бетховена прошло в Бонне. Профессию мальчик выбрал не  случайно: его отец и дед были профессиональными музыкантами, так что  он, естественно, пошёл по их стопам. Его детство протекало в  материальной нужде, было безрадостным, суровым. Вместе с тем большую часть времени Людвиг должен был посвящать занятиям: мальчика обучали игре на скрипке, фортепиано, органе. Он быстро делал успехи и уже с 1784 года служил в придворной капелле.  Людвиг прошёл хорошую школу в придворном оркестре, где его  обучением занимались многие выдающиеся музыканты ­ К. Нефе, И.  Гайдн, И. Альбрехтсбергер, А. Сальери. Там он начал сочинять музыку, а  также сумел занять место органиста и виолончелиста. В 1787 году Бетховен решил отправиться навстречу судьбе в Австрию. Её  столица ­ Вена ­ славилась великими музыкальными традициями. Там жил  Моцарт, учиться у которого было давним желанием Бетховена. Услышав  игру юного боннского музыканта, Моцарт сказал: «Обратите на него  внимание. Он всех заставит о себе заговорить!» Влиятельные друзья помогли Бетховену, и вскоре он стал модным  пианистом и учителем. С 1792 года Бетховен постоянно живёт в Вене. Вскоре он приобрёл славу замечательного пианиста и импровизатора. Его  игра поражала современников глубиной страстей, эмоциональностью,  необычайной инструментовкой. Однако композитора, находившегося в расцвете сил, поразил тяжёлый  недуг. С 1796 года он начал глохнуть и к концу 1802 года оглох  полностью. Вначале он впал в отчаяние, но, преодолев тяжёлый  психологический кризис, смог собраться и снова начал сочинять музыку.  Тяжёлые переживания и огромную любовь к жизни и музыке Бетховен  отразил в своих сочинениях, но теперь они приобрели драматический  оттенок. В центре почти всех произведений Бетховена представлен яркий,  незаурядный характер борющейся личности, обладающий неподдельным  оптимизмом. Вместе с тем героические образы переплетаются с глубокой,  сосредоточенной лирикой, с образами природы. Умение Бетховена  соединять в одном произведении элементы разных жанров стало не только  открытием, но и особенностью музыки его последователей. Творчество  композитора оказало большое влияние на европейскую музыку. Тяжёлое заболевание, потребовавшее нескольких операций, подорвало его могучий организм. Людвиг ван Бетховен скончался 26 марта 1827 года. В день его похорон были отменены занятия во всех венских школах. За  гробом великого музыканта шла двадцатитысячная толпа людей. Звуки музыки Последней из созданных Бетховеном симфоний стала Девятая, которая  звучит как гимн мощи и силе человеческого духа, восставшего над  недугом. Ведь последние годы жизни Бетховена были омрачены тяжёлыми жизненными лишениями, болезнью, одиночеством. Для самого грандиозного претворения темы героической борьбы и победы  Бетховену в его Девятой симфонии оказалось недостаточным  выразительных средств оркестра. И он поступил совершенно необычным  до того образом ­ ввёл в финал симфонии хор и певцов­солистов. Слова он взял из «Оды к Радости» своего современника ­ немецкого поэта  Фридриха Шиллера. На эти слова Бетховен создал венчающий  произведение величественный гимн, призывающий народы всего мира к  радостному братскому единению. Как будто огромное солнце поднимается на небе. «Обнимитесь, миллионы, слейтесь в радости одной!» Вот оно, будущее! В единении всех людей,  стремящихся к миру, свободе, счастью. Премьера симфонии состоялась 7 мая 1824 года в одном из венских  театров. Бетховен стоял за дирижёрским пультом и размахивал руками. Он давно уже не мог управлять оркестром, потому что был глух. На самом деле дирижировал другой капельмейстер, стоявший рядом с Бетховеном. Когда музыка отзвучала, начались такие овации, что, казалось, рухнет  крыша театра. Их не слышал один Бетховен. Он стоял спиной к публике.  Тогда одна из певиц повернула его лицом к залу. И он увидел успех своей  симфонии. Бетховена приветствовали пятикратными овациями. Но даже  императора тогда полагалось приветствовать трижды. Чтобы прекратить  такое нарушение церемониала, полиция приказала слушателям покинуть  зал. Эта мелодия принята в настоящее время в качестве гимна Европейского  Союза. По силе мысли, широте замысла, совершенству воплощения Девятая  симфония не имеет себе равных. Девятая симфония с её финальным  призывом стала идейным завещанием человечеству и оказала сильнейшее  воздействие на симфонизм XIX и XX веков. Слушание: Л. Бетховен. Симфония № 9 «Хоральная», 4 часть (фрагмент). Вопросы и задания: 1. Какого из великих композиторов называют венскими музыкальными  классиками? 2. 3. 4. 5. 6. 7. Чем объясняется такое определение? Расцвет каких музыкальных жанров связан с творчеством венских  классиков? Назовите состав классического (струнного) квартета. Что отличает звучание квартета Й. Гайдна – единство, слаженность  или их отсутствие? Черты песенности, танцевальности или маршевости очевидны в  музыке Й. Гайдна? Ария Царицы ночи – это ария мести. Послушайте арию. Только ли  драматический характер присущ ей? Подумайте, почему? Какое произведение венчало собой творчество Л. Бетховена? Кто автор стихов, положенных в основу финала Девятой симфонии? 8. 9. 10. Каков характер финала Девятой симфонии? Композитор Италии Джузеппе Верди (4 класс) Содержание: 1. Роль оперы в жизни итальянского народа. 2. 3. Значение музыки Дж. Верди в годы оккупации Италии австрийскими  войсками. Важнейшие отличительные особенности произведений Верди ­ сила  духа, стремление к свободе, призыв к борьбе. Музыкальный материал: 1. 2. Характеристика видов деятельности: 1. Дж. Верди. Марш из оперы «Аида» (слушание); «В путь». Итальянская народная песня (пение). Воспринимать на эмоционально­образном уровне профессиональное  музыкальное творчество народов мира. 2. 3. Распознавать особенности музыкальной речи композиторов (на  примере творчества Дж. Верди). Узнавать по характерным стилевым признакам изученные  музыкальные сочинения. В контексте истории Для итальянского народа опера является одним из любимых музыкальных  жанров. Захватывающие сюжеты, пышные декорации, прекрасное  исполнение издавна сделали оперу всеобщим предметом поклонения. Опера. А что это такое? Ну, прежде всего это театральное представление. На сцене происходят  какие­то события, участников этих событий изображают актёры.  Декорации, костюмы, свет ­ всё это, как в любом театре. Чем же отличается этот спектакль от спектаклей драматического театра?  Тем, что он музыкальный. Главное в нём ­ музыка. Ей подчинено всё. И  дело не только в том, что актёры, вместо того чтобы говорить, поют. Всё,  что происходит на сцене, раскрывается и в музыке – характеры героев и  основная мысль, идея всего произведения. Опера имеет богатое историческое прошлое. Она родилась около 400 лет  назад в итальянском городе Флоренции. Позже опера получила  распространение во многих странах Европы, в том числе, с середины  XVIII века, и в России. Оперы писали почти все великие композиторы:  Моцарт и Верди, Вагнер и Бизе, Глинка и Чайковский, Мусоргский и  Римский­Корсаков, Рахманинов и Прокофьев… По традиции посещать оперные театры могли все слои общества.  Аристократические семьи располагались в богатых ложах. В партере  находились служащие и офицеры. Бедняки толпились на галёрке. (Галёрка – верхний ярус театра). Каждое новое произведение темпераментные итальянцы воспринимали  крайне эмоционально. Если музыка и исполнение нравились публике,  взрывам одобрительных аплодисментов не было конца. Однако в случае  неуспеха «в награду» артистам нередко доставались бранные выкрики и  гневный топот. Любовь итальянцев к опере объясняется и другой важной причиной. В  XVIII веке север Италии был захвачен австрийскими войсками. Чтобы  удержать власть, новые правители ввели запреты на свободу слова, на  издание патриотических газет и журналов. По счастью, запреты не  коснулись музыкальных театров. Враги считали, что опера – всего лишь  пустая забава итальянских богачей. Расчёт оказался неверным: ведь музыка обладает огромной силой  человеческого объединения! Именно в это время на сцене знаменитого театра «Ла Скала» (по­ итальянски «скала» ­ «лестница») ставятся оперы Джузеппе Верди. В своей музыке композитор сумел передать переживания и надежды  итальянского народа. Пламенность чувств, призыв к борьбе он отразил в  ярких запоминающихся мелодиях, энергичных ритмах. После спектаклей  итальянцы повсюду распевали мелодии из опер Верди, выражающие  стремление к свободе. Биография Джузеппе Верди родился в маленькой деревушке неподалёку от города  Буссето, где его отец был трактирщиком. Первым инструментом, на  котором мальчик научился играть, был старый спинет (предшественник  клавесина). Учил будущего композитора органист деревенской церкви  Байстрокки. Занятия музыкой Верди не прекратил и вовремя учёбы в школе, после  окончания, которой поступил на службу в контору купца Антонио  Барецци. Хозяин Верди был большим любителем музыки, и именно в его  доме проявилась необычайная музыкальная одарённость юноши. Работая у купца, Верди уже в 15 лет не только играл на органе в  городском соборе, но и дирижировал городским филармоническим  оркестром, заменяя штатного дирижёра. В 1831 году он получил стипендию и отправился поступать в Миланскую  консерваторию. Однако его не приняли, поскольку он происходил из  низшего сословия, поэтому пришлось брать частные уроки у дирижёра  театра «Ла Скала» Винченцо Лавинья. Именно в это время Верди пришлось заменить своего учителя во время  одного из концертов. Выступление Верди прошло настолько успешно, что  дирекция театра заказала ему сочинение оперы. Однако материальные условия вынудили Верди занять должность директора филармонического  общества в Буссето. Одновременно он подрабатывал в том же городе  церковным органистом. Концерты с участием Верди были настолько популярными, что в церковь,  где он играл, собирались жители со всего города. Поворотным в жизни  будущего композитора стал 1839 год, когда на сцене «Ла Скала»  состоялась премьера его первой оперы «Оберто». Она прошла с огромным  успехом, после чего Верди получил заказ написать ещё несколько опер. В 1842 году вся Италия аплодировала новым операм композитора –  «Набукко» и «Ломбардцы в крестовом походе». Тема освобождения от  вражеского гнёта, звучавшая в их музыке, вызвала огромный политический резонанс. Оперы Верди стали такими популярными, что их одновременно  поставили в нескольких городах Италии. На сцене Лондонского театра  прозвучала его опера «Макбет». Верди стал живым классиком итальянской музыки. Менее чем за десять  лет он написал восемь опер, каждая из которых явилась шедевром этого  жанра. Среди них – «Риголетто», «Трубадур», «Травиата», «Симон  Бокканегра», «Бал­маскарад», «Сицилийская вечерня». Любопытно, что в России оперы Верди далеко не сразу были приняты  публикой. Даже крупные композиторы и критики ­ В. Стасов, А. Серов, П.