Самые известные картины Пабло Пикассо

Самые известные картины Пабло Пикассо Самые известные картины Пабло Пикассо

Старый нищий с мальчиком 1903 год

• Картина «Нищий старик с мальчиком» — очень яркая работа, характеризующая весь «голубой» период Пабло Пикассо. Продуктивный период творчества, прозванный искусствоведами голубым, отличался трагедийными и меланхоличными интонациями. Скорбь, одиночество, нужда, страдания – вот главные эмоции, пронизывающие «голубые» работы. Сам художник считал этот цвет самым лучшим, для изображения таких пронзительно-горьких настроений. • Представленная картина написана в синей гамме, ещё глубже подчёркивающей бледность изображённых на картине измождённых лиц и сиротливость, отчуждённость фигур. • Высохший старик с морщинистым лицом и бородой склонился над худым мальчуганом. Взгляд старика смотрит в никуда, так что можно заподозрить его в слепоте. На передний план выдвинуты большие, но худые костлявые ступни, которые акцентируют на себе внимание, создавая у зрителя нестерпимо щемящие чувства.

«Девочка на шаре» 1905 г.

• Это, пожалуй, одна из самых известных картин Пикассо. Свой шедевр  художник написал в 1905 году. «Девочка на шаре» знаменует собой новый  период в творчестве Пабло Пикассо, который исследователи назвали  «розовым». Полотна художника становятся более жизнерадостными и  позитивными. Основные герои его картин в это время – люди циркового  искусства. Стоит отметить, что в выборе тематики Пикассо был не одинок.  Многие художники в начале века запечатлевали циркачей, ощущая с ними  некое духовное родство. • На холсте «Девочка на шаре» Пикассо изобразил бродячую труппу акробатов.  В центре композиции находятся двое артистов – девочка­гимнастка и силач.  Ребенок балансирует на шаре, репетируя свой номер. Фигурка девочки  грациозно изогнута, она подняла руки, чтобы удержать хрупкое равновесие.  Атлет сидит неподвижно, его мощное тело исполнено спокойствия. Двое  артистов резко контрастируют друг с другом. С одной стороны, хрупкость и  порывистость тоненькой девочки на шаре, а с другой – сила, мощь и  статичность мужчины, сидящего на кубе.

«Авиньонские девушки» 1907 г.

• Сама картина известного испанского художника и скульптора Пабло Пикассо  под  названием  «Авиньонские  девицы»  практические  возникла  на  почве  его  впечатлений  от  девушек  публичного  дома,  расположенного  в  квартале  Авиньон в городе Барселона (Испания). При этом сразу же стоит сказать, что  первоначальная  версия  картины,  была  совсем  другой,  то  есть  на  ней  были  изображены  моряки  и  еще  студент­медик  который  держал  в  руках  череп,  которые сидели около проституток. Череп обозначал смерть, а проститутки  секс согласно замыслу художника. Однако идея вскоре претерпела изменения  и  Пикассо  оставил  на  картине  только  пять  «жриц  любви»,  которые  стоят  перед  шторой,  открытой  только  наполовину.  Также  на  картине  изображен  небольшой натюрморт из фруктов, размещенный в нижней части полотна. • Картина была написана Пикассо еще в начале прошлого века, то есть в 1907  году, и сама суть того стиля, в котором она была выполнена означает не что  иное, как некий психологический вызов. А все потому, что изображенные на  картине люди имеют достаточно резкие формы, больше напоминающие некую  живую  изгородь,  нежели  реальных  людей.  Это  фирменный  стиль  Пикассо,  который принес ему всемирную славу. Эксперты утверждают, что именно эта  работа и стала предвестницей нового жанра искусства, а именно кубизма.

«Дама с веером» 1909 г.

• Картина написано Пабло Пикассо в 1909 году. Картина написана в африканский период,  когда  живописец  находил  вдохновение  в  архаическом  африканском  искусстве,  его  примитивных формах. • Художник старался найти те средства выразительности, которые бы могли выразить то  уникальное, что было открыто внутреннему зрению живописца. • Пикассо  посетил  в  1907  году  выставку  африканской  скульптуры,  которая  проходила  недалеко от Парижа, во дворце Трокадеро. • Художник  понял,  что  ему  удалось  наконец­то  те  уникальные  средства,  которые  бы  позволили  с  максимальной  силой  выразить  дух  современности.  Натура  у  Пикассо  нарочито деформируется. С помощью особых мазков мастери создает необычные, словно  вырубленные очертания каждого предмета. • Художник не просто видел декоративность деревянных скульптур. Он понял, что в них  воплощались  все  мысли  и  идеи.  Живописец  отражает  в  своих  произведениях  особую  напряженность  и  их  наполненность  драматизмом.  Мы  ощущаем  всю  внутреннюю  сложность каждого образа. • На  полотне  детали  становятся  настоящими  пластическими  знаками.  Мы  видим  даму,  сидящую в кресле. В одной руке она держит веер, а в другой – изящный зонт. Необычные  грани  насыщают  все  пространство  этого  творения.  Каждый  предмет  изображается  под  особым углом, который позволяет ощутить особый ритм всей поверхности в целом. Лицо  дамы напоминает характерную ритуальную маску. Оно взаимодействует с вазой. Особое  освещение и особый тон каждой детали усиливают максимальную напряженность игры.  Взгляд модели – особый. Он усиливает особое поистине зловещее впечатление.

Портрет А.Воллара 1910 г.

• Это творение написано им в стиле кубизма (аналитический его тип). Такой кубизм еще носит характерное название объемного. Все изображение состоит из отдельных частей. Каждый фрагмент отделен друг от друга и причудливо рассредоточен по пространству всего полотна. Создается впечатление, что это разбитое зеркало, составленное из осколков разного размера. Но в этом недавно сломанном зеркале еще можно угадать очертания того человека, который смотрелся в него не столь давно. • Воллар помогал деньгами многим уже достаточно известным художникам. Начинающие живописцы тоже удостаивались его поддержки, не только финансовой, но и моральной.  • Художник изображает очень известного в Париже человека. Он торговал всевозможными произведениями искусства. В этом портрете можно угадать невероятно точный образ Воллара. В его одежде мы ощущаем некоторую щепетильность: платок белоснежного цвета выглядывает из его кармана. Известно, что Воллар был действительно невероятно элегантен. • Перед зрителем предстает разъятое на отдельные структуры лицо. Он состоит из плоскостей геометрического типа, которые предполагают обязательное интеллектуальное понимание этого необычного произведения. Цвета достаточно монохромны. Можно лишь ощутить довольно темные тона, преобладающие на общем фоне. Контрастов здесь практически нет. Здесь доминирует конструкция, все построение нарочито усложнено. Лицо героя невероятно драматично. Здесь кубизм наделен стилевыми особенностями абстракционизма.

«Герника»

• Картина является всеобщим протестом против бомбардировки нацистов на город  Герника. Она наполнена чувствами насилия, агонии, горя и страдания. От неё веет  трагическим ощущением смерти, уничтожением и разрушением. На картине нет ни бомб,  ни города, только пламени огня. • Образы, изображённые на полотне, переданы достаточно в упрощённой форме.  Создаётся ощущение нахождения в подвале. На лице мужчины и женщины, которые  обращены к зрителю, выделяется широко открытый от крика рот, сдвинутые выше лба  глаза и отверстия ноздрей. В правой части полотна можно наблюдать фигуры, которые  бегут от горящего здания. • Их окна этого здания падает женщина. Возле мужчины, у которого подняты руки вверх,  видны два человеческих очертаний лица, которые напряжены и встревожены, но  наполненных решимости. В левой части полотна изображена рыдающая мать, с  запрокинутой назад головой, держащая в руках умершего ребёнка. Это образ  символизирующий горе всех матерей. Смерть их детей. Рядом с ней виден образ быка с  явно выраженным равнодушием, который топчет падшего воина. В его руках сломанный  меч, он находится в позе, чем­то напоминающее распятие. Воин символизирует зрителю физическое страдание. Символ быка – это жёсткость,  олицетворение фашизма, а лошадь –страдание невиновных. Женщина, изображённая с  профилем античной богини, держит горящий светильник с выдвинутой вперёд рукой.  Вместо зрачка у неё электрическая лампочка. Её рот широко раскрыт, она кричит, но её  уже никто не слышит. Лошадь бьётся в припадке конвульсии. Над всеми этими  изображениями расположена лампа накаливания. Всё кругом гибнет и разрушается. Картина наполнена символами гнева, боли и мести.  Большую роль играют линии, местами тонкие и круглые, а то вдруг острые и  преломляющиеся. Они как бы выражают человеческую психику с ужасом и болью. • •

«Три музыканта» 1921г.

• Начало двадцатых годов, несмотря на стремительно развивающиеся военные события, стали наиболее плодотворными в жизни автора холста. Художник не подлежал военному призыву, поэтому в этот период он полностью посвятил себя творчеству. Первые годы мировой войны принесли ему покой и неиссякаемое творческое вдохновение. Он погрузился в работу и в уединении экспериментировал в формами и цветовыми палитрами. • Картина выполнена реалистично, но в ней нельзя не заметить неоклассицизм. Фигуры словно смоделированы отдельно друг от друга, нас не покидает ощущение, что они по отдельности наклеены на полотно. Благодаря выбранному автором стилю границы персонажей не выглядят жесткими. Они тяжеловесны, но контуры их тел словно расходятся в пространстве, позволяя увидеть объем, текстуру, настроение и движение. • Эта работа, написанная Пикассо в стиле синтетического кубизма, была создана им в Фонтенбло летом 1921 года. Принято считать, что она изображает умершего Гийома Аполлинера, Макса Жакоба и самого художника. Аполлинер изображен в виде Пьеро с кларнетом, Жакоб написан в образе монаха с аккордеоном, а Пикассо предстает перед нами как Арлекин со скрипкой. Сейчас полотно висит в Художественном музее Филадельфии. • Традиционные шутовские одеяния в стилистике «комедиа дель арте» для главных персонажей своего полотна известный испанский художник подсмотрел в труппе римского театра. Он пытался уловить каждую мельчайшую деталь, что позволило ему максимально реалистично передать образы друзей в своей работе. Он страдал от ограниченности выбранного стиля, который не позволял ему в полной мере воплотить все творческие мысли. Именно поэтому Пикассо стремится к тому, чтобы модернизировать сформировавшиеся каноны и добавить в них индивидуальности.

Коллаж «Бутылка аперитива»

• Коллаж –  сочетание  кусочков  различных  материалов  и  средств  массовой  информации,  таких  как  газеты,  журналы,  упаковка  продуктов,  ткани,  краски  и  фотографии,  объединенных  в  одной  композиции.  Сам  термин  происходит от французского «сoller», что значит «клей». Он был придуман  Жоржем  Браком  (Georges  Braque)  и  Пабло  Пикассо  (Pablo  Picasso)  в  начале  20  века,  когда  коллаж  стал  отдельной  частью  современного  искусства. • Он использует газеты, нотные листы, обои, ткани, картон. Но  кроме  того,  он  работает  над  фактурой  поверхности  картины,  добавляя  в  краски  песок,  опилки.  Добиваясь  целостного  образа,  он  использует  в  единой  композиции  уголь,  карандаш,  масло,  воск,  дерево,  готовые  посторонние  предметы,  например,  чайные  ложки.  Соединяет  ранее  в  живописи  несоединимое.  Этот  период  кубизма  получил  название  синтетического  не  случайно  ­  создавая  свои  декоративные  коллажи,  Пикассо  как  бы  «синтезирует»  художественную  реальность из символов реальности настоящей

«Отдыхающие крестьяне»

• Сюжет картины очень прост – это отдыхающие крестьяне. Всё в их облике говорит об их  происхождении и роде деятельности – крепкие сбитые тела пышут здоровьем и силой,  большие  ступни  молодого  человека  крепко  стоят  на  земле,  огромные  грубые  ладони,  привыкли к труду. • Цветовой колорит картины напоминает о выжженом на солнце поле. При этом характер  работы «дышит» летним зноем, покоем и умиротворённостью. Крестьян Пикассо одел в  яркую красивую одежду – синие, почти аквамариновые штаны на юноше, зелёная юбка на  девушке, свободные белые рубахи и широкополая соломенная шляпа на голове. Если  внимательно  присмотреться,  то  сразу  становится  понятно,  что  так  безмятежно  могут  спать  только  очень  утомлённые  тяжёлой  работой  люди.  Девушка  провалилась  в  сон, закинув свои ноги на стог сена. Грудь её выглянула из сбитой сорочки, но это её не  волнует  — запрокинутая голова с чуть приоткрытым ртом, говорит о глубоком сне. • • Юноша умудрился заснуть в полусидячей позе, облокотившись на стог и подобрав под  себя  правую  ногу.  Массивное  тело  с  гиперболизированными  конечностями  контрастирует  с  почти  детским  выражением  на  его  спящем  лице.  Картина  намекает  о  близости  героев  друг  к  другу,  и  зритель  почти  не  сомневается,  что  перед  ними  крестьянская чета. • Крестьяне  погружены  в  сон,  а  вокруг  плавится  знойный  полдень.  Позы  этих  крестьян  настолько натуралистичны и раскованы, что непроизвольно посещает мысль – эти люди  сделаны из другого теста. Их жизнь тяжела, но они свободны от тесных оков морали и  светского этикета. Почему они спят в разгар дня? Наверное, потому что их рабочий день  начался  ещё  с  первыми  рассветными  лучами,  а  сейчас  они  отдыхают  и  выжигающее  солнце им нипочём. Рассматривая работу, отмечаешь про себя и грубоватые фигуры, и громадные руки, но  неизменно  ощущаешь  красоту  этого  полотна.  Другая  эстетика,  иные  герои,  но  невероятно гармоничные и прекрасные. •

«Голубь мира»

• Голуби  всегда  присутствовали  в  жизни  Пикассо,  и  их  повадки  и  характер Пикассо знал как никто не другой. Его отец, Хосе Руиса Бласко,  был учителем рисования, и очень часто рисовал голубей. Чтобы приобщить  сына  к  живописи,  он  просил  сына  дорисовывать  лапки  голубей.  Позднее,  Пикассо  даже  держал  голубятни.  Однако  Пикассо  знал,  что  по  характеру  голубь  –  довольно  жестокая  и  своенравная  птица.  Так  почему  же  именно  Пикассо стал автором самого известного символа мира – “Голубя мира”? • • Отец  Пикассо,  Хосе  Руиса  Бласко,  был  учителем  рисования  и  страстным  голубятню  и  специализировался  на  любителем  птиц.  Он  держал  реалистичном изображении голубей. Когда Пабло научился держать в руках  кисть, отец позволял ему дорисовывать птичьи лапки. В  1949  году  к  Пикассо  зашел  Луи  Арагон,  французский  поэт   и  член  коммунистической  партии.  Он  искал  рисунок  для  афиши  Конгресса  движения за мир. Ему понравилась литография Пикассо с изображением  голубя. Литография  получилась  очень  красивой  и  играла  цветами  и  оттенками  серого.  Кроме  того,  это  было  изображение  миланского  голубя,  подаренного  Пикассо  Анри  Матиссом.  В  отличие  от  обычных  голубей,  у  миланского голубя лапки были полностью покрыты перьями, что смотрелось  очень  красиво  и  необычно.  Именно  этого  голубя  Арагон  решил  сделать   символом мира.