Искусство эпохи Возрождения. Высокое Возрождения. Рафаэль.

Искусство эпохи Возрождения. Высокое Возрождения. Рафаэль.

Ренессансом или Возрождением называется период истории культуры Европы, следующий за средневековьем.

Начинается в Италии, и приходится на начало XIV и последнюю четверть XVI столетия. В средние века

искусство было составной частью жизни, украшало ее. Эпоха Возрождения подтолкнула развитие

изобразительного искусства, как самостоятельной области. Главной идеологией Возрождения стал гуманизм,

провозгласивший человека и его благо наивысшей ценностью. Термин "Возрождение" обозначает возврат к

античному искусству. Интерес к классическим канонам античности стал проявляться еще в XII столетии,

серьезно возник в XV веке.

Высокое Возрождение Относится ко времени вторжений в Италию завоевателей из Франции, Германии,

Испании и Турции. Центр Возрождения под влиянием папских попыток объединения Италии переместился из

других провинций в Рим. Совершенствуется манера художественного классического письма. К этому периоду

относятся работы таких великих мастеров-живописцев как Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти, Тициана

Вечелио, Донато Браманте. Увеличиваются архитектурные формы, образы человека становятся на

художественных полотнах и настенных росписях более крупными и весомыми. Художники научились опускать

мелкие подробности, акцентируя внимание на гармонии и реальности.

Рафаэль Санти (1483 - 1520) Великий итальянский художник эпохи Высокого Возрождения. Он прожил

недолгую, но очень плодотворную и счастливую жизнь. Рафаэль был поклонником античного искусства и это

повлияло на его творчество. Он изображал людей цельных, гармоничных, фоном служили красивые пейзажи

или величественная архитектура. Он прежде всего знаменит как создатель дивных мадонн, небесно-прекрасных

и очень земных. Рафаэль учился у известного художника Перуджино, и огромное влияние на его творчество

оказал знаменитый Леонардо. Он писал картины на религиозные сюжеты, и много портретов живых людей,

которые восхищают до сих пор всех, кто их видит. Умер Рафаэль в 37 лет, в полном расцвете сил.

Творчество Рафаэля Санти   воплотило светлые и возвышенные идеалы гуманизма Возрождения. Он прожил

короткую, но насыщенную жизнь. И за это время содержание творчества Рафаэля Санти расширилось до

создания идеала гармонически развитого, прекрасного человека, находящегося в окружении величавого

пейзажа и архитектуры. Обучаясь у Перуджино, будущий художник перенял свободу постановки фигур,

плавность линий. В 17 лет он уже создал ряд картин, полных душевной ясности, гармонии и зрелости –

«Мадонна Конестабиле», «Сикстинская Мадонна», «Обручение Марии». Приехав во Флоренцию, он впитывал в

себя знания местных художников, как губка. Основные идеи Рафаэля Санти флорентийского периода были

пронизаны лирической темой материнской любви (художник потерял мать в 8 лет). Здесь он создал такие

картины: «Мадонна со щегленком», «Мадонна в зелени», «Прекрасная садовница».  Все они имели одинаковый

тип композиции из фигур младенца Христа, Марии и Крестителя на фоне сельского пейзажа. Мазки художника

мягкие, певучие и естественные. В 1508 году папа Юлий II приглашает его в Рим для росписи Ватиканского

дворца. Работал художник над дворцом целых 8 лет, что позволило выдвинуть его в тройку

крупнейших мастеров монументального искусства. Отличительная черта Санти – декоративная система фресок

с аллегорическими фигурами. Римский период был насыщенный не только на фрески, но и на портретные

картины. Рафаэль Санти достижения в области портретной живописи: он нарисовал портреты папы Льва X,

Юлия II, кардинала Людовико деи Росси и Джулио деи Медичи. Они были острохарактерными и полны жизни.

Но самым величайшим творением мастера остается «Сикстинская мадонна». Это очень глубокий образ, идущей

по облакам, Марии на руках с младенцем.  Картина излучает безупречную гармонию, динамичное равновесие,

плавные линейные очертания, свободу и естественность движений.

Мадонна Альба (1511)

Портрет Бальдассаре Кастильоне (1514)

Сикстинская Мадонна (1513-1514)

Афинская школа (1510 - 1511)

Возникновение Холуйской лаковой миниатюрной живописи. Материалы и оборудование

Холуйской лаковой миниатюрной живописи. Основные технологические приёмы.

Первоначально слободские умельцы (также, как их соседи в Палехе и Мстере) занимались иконописью. С

давних времён иконопись была здесь потомственным занятием. Удобное расположение деревни дало тесные

связи со многими городами Московской области, что всегда способствовало высоким продажам. С приходом

Советской власти, иконопись стала не актуальна. Иконы писать запрещали и промысел стал угасать.

В1934 году в Холуе была создана художественная артель, занимающаяся росписью лаковых изделий. Благодаря

таким мастерам-энтузиастам, как С. Мокин, К. Костерин, В. Пузанов-Молев и Д. Добрынин, авторитет лаковых

миниатюр неуклонно рос. Яркими представителями лаковой миниатюры являются Валентин Фомин, Борис

Тихонравов, Николай Бабурин, Борис Киселёв, Николай Денисов, Павел Ивакин, и другие художники, чьи

работы широко представлены в музее Холуйской лаковой миниатюры.

Сейчас, наряду с миниатюрами, создаются декоративные лаковые панно. Вместе с традиционным чёрным

фоном всё чаще используют насыщенный красный, зелёный и вишнёвый цвета. Пишутся самые разнообразные

сюжеты: исторические, фольклорные, литературные, а также современные, в том числе – натюрморт и пейзаж.

Возрождается и искусство иконописи. Лаковые изделия из Холуя пользуются спросом в таких странах, как

Англия, США, Италия, Испания, Канада.

Основные традиционные приёмы: Все изделия выполняются исключительно вручную. В декорировании

изделий используются художественные и орнаментальные композиции. В росписи используются традиции

иконописного письма темперными красками, разведёнными на яичной эмульсии. Способы декорирования на

основе сусального и творёного золота, используется старинный способ наложения красок плавями, сохраняя

определённую последовательность: грунтование, роспись и защита лаком. Наряду с былинными и сказочными

сюжетами мастера изображают композиции отображающие современную жизнь.

Изначальное отличие: Коренное отличие холуйской миниатюры от других, аналогичных производств, было

заложено с самого начала: по совету занимавшегося развитием народных промыслов искусствоведа А. В.

Бакушинского, для экономии средств мастера обучались работе не на предметах, планируемых для росписи, а

на листах картона, окрашенных в черный цвет и покрытых лаком. Главным отличием холуйской живописи

является использование синевато-зеленого и коричнево-оранжевого тонов. Холуйские миниатюры не только

более реалистичны по сравнению с миниатюрами Палеха и Мстеры, но еще и более декоративны, чем те, что из

Федоскино. Ещё одно существенное отличие искусства холуя — это большое внимание к изображению

человека. Будь то Снегурочка или Вещий Олег — фигуры всегда монументальны, они не затеряны в фоне.

Образы выразительны и хорошо прописаны. Чувствуется характер героев