Искусство и костюм ХХ века.

Дисциплина: «История стилей в искусстве и костюме»

.
Дисциплина «История стилей в искусстве и костюме»
Цель занятия:
Определять характерные особенности и общие закономерности развития
западноевропейского искусства ХIХ века
Критерии оценивания:
1. Называет характерные особенности искусства ХIХ начала ХХ века
2. Различает характерные особенности стилей: классицизм (ампир), реализм, импрессионизм
и постимпрессионизм, модерн
Задачи:
1. Каковы особенности новых художественных стилей.
2. Кто является представителем данного стиля в живописи.
3. Какой вклад внёс данный представитель в мировую художественную культуру

XX столетие не только принесло художникам невиданные ранее возможности (прежде всего технические), но и заставило их отказаться от привычного взгляда на мир.
Достижения прошлого казались бесполезными, и человечество осталось наедине с грозным и таинственным миром, словно в первобытные времена (не случайно огромную популярность в XX в. приобрело доисторическое и примитивное искусство).
При этом одни наперекор всему искали выход в продолжении культурной традиции прошлого, другие — в обретении утраченных связей с природой, третьи — в научно-технической революции, четвѐртые — в нигилистическом самоутверждении... Всѐ это по-своему реализовалось в искусстве.

Монмантр

Разнообразие направлений — характерная черта искусства XX столетия. В первые его десятилетия многие мастера порвали со сложившимися художественными традициями.
Модернизм - художественно-эстетическая система, сложившаяся в 20-х гг. XX века, как своеобразное отражение духовного кризиса буржуазного общества, противоречий буржуазного массового и индивидуалистического сознания. Модернизм объединяет множество относительно самостоятельных идейно-художественных направлений и течений, различных по социальному масштабу и культурно-историческому значению

«Лошадь в движении» Мейбриджа.

24.07.1860 — 14.07.1939 
— чешский живописец, театральный художник, иллюстратор, ювелирный дизайнер и плакатист, один из наиболее известных представителей стиля «модерн».

Модернизм
Модернизм (итал. modernismo — «современное течение»; от лат. modernus — «современный, недавний») — направление в искусстве XX века, характеризующееся разрывом с предшествующим историческим опытом художественного творчества, стремлением утвердить новые нетрадиционные начала в искусстве, непрерывным обновлением художественных форм, а также условностью (схематизацией, отвлечённостью) стиля.
Модернизм - достаточно условное обозначение периода культуры конца ХIХ - середины ХХ в., то есть от импрессионизма до нового романа и театра абсурда. Вообще понятие модернизма тесно связано не только с искусством, но и с наукой и философией. Модернистская парадигма была одной из лидирующих в западной цивилизации первой половины XX века; во второй половине века она была подвергнута развёрнутой критике.
В русской эстетике «модерн» означает исторически предшествовавший модернизму художественный стиль конца XIX — начала XX века (русский модерн, ар нуво, югендстиль, сецессион и др.), поэтому необходимо различать эти два понятия, с тем, чтобы избежать путаницы.
Модернизм — совокупность художественных направлений в искусстве второй половины девятнадцатого — середины двадцатого столетия. Наиболее значительными модернистскими тенденциями были импрессионизм, модерн, экспрессионизм, нео- и постимпрессионизм, фовизм, кубизм, футуризм. А также более поздние течения — абстрактное искусство, дадаизм, сюрреализм. В узком смысле модернизм рассматривается как ранняя ступень авангардизма, начало пересмотра классических традиций. В широком смысле модернизм — «другое искусство», главной целью которого является создание оригинальных произведений, основанных на внутренней свободе и особом видении мира автором и несущих новые выразительные средства изобразительного языка. Нижней хронологической границей модернизма является "реалистическая", или позитивистская, культура ХХ века, верхней - постмодернизм, то есть 1950 - 1960-е гг.

Авангардизм
Авангард (фр. avant-garde – передовой отряд) – направление в изобразительном искусстве, в основе которого лежит отказ от классических канонов и традиций и эксперименты с новыми формами и образами. Авангард возник в начале XX века и был тесно связан с модерном и модернизмом, в рамках которых зародилось начало пересмотра классических традиций. Идеи авангардизма получили развитие практически во всех направлениях искусства отличающихся стремлением к новым решениям в реализации творческих идей: футуризме, сюрреализме, абстракционизме, экспрессионизме, кубизме, супрематизме, конструктивизме, фовизме и пр.
Изначальное значение французского слова «авангард» на удивление мало имеет общего с искусством и уж тем более с изобразительным. «Передовой отряд», термин, скорее военный, нежели художественный, однако такое определение как нельзя лучше отражает настроения живописцев-экспериментаторов. Отказ от условностей классической живописи, создание новых форм и нахождение нестандартных решений – вот основной лейтмотив новаторских творений в духе авангардизма.

АВАНГАРДИЗМ в первой половине ХХ века

Фовизм
Кубизм
Футуризм
Экспрессионизм
Абстракционизм
Сюрреализм (между двумя мировыми войнами)

Манифест футуристов

Основатель движения Филиппо Томмазо Маринетти (1876—1944), итальянский поэт, опубликовал первый манифест футуризма на страницах парижского журнала «Фигаро» в феврале 1909 г. «Главными элементами нашей поэзии будут: храбрость, дерзость и бунт». «Нет шедевров без агрессивности», — провозглашал он.

Футури́зм (лат. futurum — будущее) — общее название художественных авангардистских движений 1910-х — начала 1920-х годов, прежде всего в Италии и России.

Алексей Крученых, Давид Бурлюк, Владимир Маяковский, Николай Бурлюк, Бенедикт Лившиц 

Основные принципы :
движение.
индустриализация,
«Движение, которое мы хотим воспроизвести на полотне, не будет более закреплѐнным мгновением всемирного динамизма, это будет само динамическое ощущение...»

Балла. Динамизм собаки на поводке. 1912 г.

Балла. «Вихрь» (1914 г.)

Подчас разложение движения доводит изображение до абстракции, как это происходит, например, в циклах Баллы «Скорость-Пейзаж» (1912 г.), «Линия-Скорость», «Вихрь» (1914 г.).

В футуристическом искусстве не следует искать глубокого психологизма, интереса к внутреннему миру человека. Напротив, культ машины вдохновлялся мечтой о «создании механического человека с заменимыми частями». В 1913 г. был опубликован «Манифест механического искусства», а Северини и его товарищи населили свои картины механическими существами, похожими на роботов (хотя слово это возникло лишь в 1920 г.).

Деперо «Механика танца» 1917

Наталья Гончарова. "Велосипедист". 1913 год. 

Малевич. Точильщик. 1913

Однако всѐ это было уже отзвуком былого футуристического шума. Постепенно футуризм растворился в других художественных течениях.

Деперо «Драка» 1926 г

Фовизм
Фовизм (от фр. fauve — дикий) — направление во французской живописи конца XIX — начала XX века.
Название закрепилось за группой художников, чьи полотна были представлены на осеннем салоне 1905 года. Картины оставляли у зрителя ощущение энергии и страсти, и французский критик Луи Восель назвал этих живописцев дикими зверями (фр. les fauves). Это было реакцией современников на поразившую их экзальтацию цвета, «дикую» выразительность красок. Так случайное высказывание закрепилось как название всего течения. Сами же художники никогда не признавали над собой данного эпитета.
Лидерами направления можно назвать Анри Матисса и Андре Дерена. Также к числу сторонников этого направления можно причислить таких творцов как Альбер Марке, Шарль Камуан, Луи Вальта, Анри Эвенепул, Морис Марино (англ.), Жан Пюи (англ.), Морис де Вламинк, Анри Манген, Рауль Дюфи, Отон Фриез, Жорж Руо, Кеес ван Донген, Alice Bailly (англ.), Жорж Брак, Жоржетта Агутт и других.
К отличительным чертам фовистов принадлежит динамичность мазка, стихийность, стремление к эмоциональной силе. Силу художественного выражения создавал яркий колорит, чистота и резкость, контрастность цветов, интенсивно открытые локальные цвета, сопоставление контрастных хроматических плоскостей. Дополняет образ острота ритма. Для фовизма характерно резкое обобщение пространства, объема и всего рисунка, сведение формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки и линейной перспективы.
Группа заявила о себе на парижских выставках 1905—1907 гг., однако вскоре объединение распалось, и творческие пути участников разошлись.

Анри Матисс
Андре Дерен
Морис Вламинк
Альбер Марке
Анри-Шарль Манген
Рауль Дюфи
Анри Фриез
Жюль Фландрен
Кеес ван Донген

«Танец» Анри Матисс

Экспрессиони́зм (от лат. expressio, «выражение») — авангардистское течение в европейском искусстве, получившее развитие в конце XIX — начале XX века, характеризующееся тенденцией к выражению эмоциональной характеристики образа(ов) (обычно человека или группы людей) или эмоционального состояния самого художника. Экспрессионизм представлен во множестве художественных форм, включая живопись, литературу, театр, кинематограф, архитектуру и музыку.
Мировоззренческой основой экспрессионизма стал индивидуалистический протест против уродливого мира, все большее отчуждение человека от мира, чувства бесприютности, крушения, распада тех начал, на которых, казалось, так прочно покоилась европейская культура. Экспрессионистам свойственны тяготение к мистике и пессимизм. Художественные приемы, характерные для экспрессионизма: отказ от иллюзорного пространства, стремление к плоскостной трактовке предметов, деформация предметов, любовь к резким красочным диссонансам, особый колорит, заключающий в себе апокалиптический драматизм. Художники воспринимали творчество как способ выражения эмоций.

12.12.1863  — 23.01.1944
— норвежский живописец и график, тяготевший к символизму и экспрессионизму.

Танец жизни. 1899-1900

Сюрреализм
Сюрреализм (фр. surrealisme) — направление в искусстве, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм.
Предшественниками сюрреализма можно считать Босха, впервые у него зритель видит реальность — незаметно, но основательно деформированную, можно сказать — сновидением наяву, в девятнадцатом веке - художника символиста Редона. В ХХ веке идеологом сюрреализма считается писатель и поэт Андре Бретон. Под заголовком «сюрреалистическая драма» обозначил в 1918 году одну из своих пьес Гийом Аполлинер. Одними из величайших представителей сюрреализма в живописи стали Сальвадор Дали, Макс Эрнст и Рене Магритт. Наиболее яркими представителями сюрреализма в кинематографе считаются Луис Бунюэль, Жан Кокто, Ян Шванкмайер, Алехандро Ходоровски и Дэвид Линч. Сюрреализм в фотографии получил признание благодаря пионерским работам Филиппа Халсмана.
Основное понятие сюрреализма, сюрреальность — совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов посредством коллажа и технологии «ready-made». Сюрреалисты были вдохновлены радикальной левой идеологией, однако революцию они предлагали начать со своего сознания. Искусство мыслилось ими основным инструментом освобождения.

Искушение Святого АнтонияДали Сальвадор (Dali, Salvador) 1946 г.

КУБИЗМ
КУБИЗМ (фр. cubismе, cube – куб), направление во французском искусстве 1900–1910-х, начало которому положило совместное творчество Пабло Пикассо и Жоржа Брака в десятилетие, предшествовавшее Первой мировой войне. Наивысшего расцвета достиг в 1911–1918. Для произведений художников этого направления характерно преобладание прямых линий, острых граней и кубоподобных форм. Термин «кубизм» впервые применил критик Леон Восель в 1908, описывая работы Брака, отвергнутые Осенним салоном этого года.
Кубизм представляет собой сложное художественное явление, объединившее живописцев и скульпторов, музыкантов и поэтов. Простую формулировку основных целей и принципов кубизма дать довольно трудно; в живописи можно выделить три фазы этого направления, отражающие разные эстетические концепции, и рассмотреть каждую в отдельности: сезанновский (1907–1909), аналитический (1909–1912) и синтетический (1913–1914) кубизм.

П.Пикассо. Женщина с веером.

Жорж Брак

Пабло Пикассо

Жорж Брак. Большой голый

Жорж Брак. Женщина с Гитарой. 1913

Супрематизм (1915-1935)
одно из ключевых направлений русского авангарда.
Малевич, идеолог супрематизма, решительно ушел от мимесиса в искусстве, перестал изображать предметы видимого мира и, как он сам заявил, «обрел убежище в форме квадрата».
Основные художники: Казимир Малевич (1878 -1935), Михаил Меньков (1885- 1926), Иван Пуни (1892-1956), Ольга Розанова (1886-1918).
Чистый язык живописи. Геометрический стиль, созданный Малевичем, выдвинул его на передовую позиции авангардного искусства начала 20 века. Назвав, собственный стиль супрематизмом, Малевич объявил, что стремится «освободить искусство от тягостной необходимости изображать мир». В декабре 1915 года в Петрограде Малевич впервые продемонстрировал свои супрематические работы на «Последней футуристической выставке картин «0.10». Супрематизм отказался не только от изображения того, что видит вокруг, но и от любых политических и социальных смыслов и связей. Малевич считал, что «чистый язык» живописи воплощает внутреннее психическое состояние художника, и не следует искать в картине понятные и знакомые образы. Однако следует заметить, что в более поздний период творчества Казимир Малевич вернулся к изображению предметов и фигур, впрочем сильно стилизовав их, уподобив машинам.

Конструктивизм (1917-1934)
Конструктивизм – второе ключевое направление русского авангарда, этот стиль родился на стыке кубизма, футуризма и неопластицизма, но наиболее сильное влияние на него оказала кубистическая скульптура. Владимир Татлин после возвращения из Парижа в Россию создает абстрактные рельефные конструкции из отходов промышленного производства, так называемые «контр-рельефы».
Основные художники: Владимир Татлин (1866-1944), Александр Родченко (1891 - 1956), Любовь Попова (1889-1924), Варвара Степанова (1894-1958), Эль Лисицкий (1890-1941).
Искусство как лабораторный опыт.
Приверженцы конструктивизма стремились к революционному переустройству жизни, объединению личного и общественного бытия, внедрению производственного искусства в жизнь и быт, провозгласили новые эстетические идеалы, такие как простота, демократичность, утилитаризм предметного мира. «Соединить искусство с трудом, труд - с продукцией, а произведенные предметы - с повседневной жизнью», как писал Тарабукин, стало задачей следующей стадии, получившей название «продуктивизм» (производственное искусство). Теория производственного искусства, основанная на принципах функциональности и лаконичной выразительности объекта, удобного для массового производства, дала огромный толчок развитию всевозможных форм дизайна – художественному конструированию мебели, посуды, созданию новых тканей, рабочей одежды, плакату, книжной графики, фотоискусству, театрально - оформительскому искусству.
Вывод: Конструктирование пространства, «пересоздание» мира.

Башня Татлина

Неопластицизм (1917-1931)
Течение в искусстве, которое существовало в 1917—1932 гг. в Голландии и объединяло художников, группировавшихся вокруг журнала «De Stijl» («Стиль») основанном в Лейдене в 1917 г. Тео Ван Дусбургом. На страницах этого журнала Пит Мондриан сформулировал теорию неопластицизма, которым определил свои пластические концепции возведенные в систему и защищаемые группой и журналом «Стиль».
Основные художники: Пит Мондриан (1876—1958), Тео ван Дусбург (1883—1931), Жорж Вантонгерло (1872—1944), Геррит Ритвельд (1888—1964), Ласло Мохой-Надь (1895-1946).
«Dе Stijl»
Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к «универсальной гармонии», воплощенной в чистой, геометризованно обобщенной форме. Для «Стиля» характерны чёткие прямоугольные формы в архитектуре, а в живописи – компоновка крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра. Эстетика «De Stijl» была связана с философией математика М. Г. Шунмакерса. Именно он предложил сузить цветовую палитру до трех базовых цветов и обосновал свою позицию в книге «Новый образ мира». В ней он писал, что желтый, синий и красный — «единственные существующие цвета… Желтый — это движение луча
(вертикаль)… Синий — контрастный цвет по отношению к желтому (горизонтальный небесный свод)… Красный — соединение желтого и синего».
Вывод: Геометрическое искусство, с теософскими основаниями.

Представители неопластицизма придерживались не многих принципов: в их живописных произведениях линии пересекаются перпендикулярно, палитра ограничивается красным, синим и жѐлтым, т. е. тремя чистыми основными цветами (допускаются также белый, чѐрный и серый).

Тео ван Дусбург.Симультанная шашечная композиция.Около 1929—1930 гг.

Тео ван Дусбург.
композиция.Около 1929—1930 гг.

Лепка трѐхмерных форм мазком отвергалась — подчѐркивалась плоскость. При отсутствии симметрии композиции всѐ же были очень уравновешенными. Такой стройностью, простотой и чистотой отношений внутри холста, по мнению неопластицистов, достигалась универсальная гармония, независимая от отдельного человека.

Пит Мондриан
(1872—1944)

Один из ведущих мастеров беспредметного искусства, основатель школы неопластицизма, нидерландский художник Пит Мондриан (1872—1944) начал свой творческий путь в стенах Государственной академии художеств в Амстердаме.

В так называемых ярких полотнах насыщенные цветом гладкие плоскости Мондриан заключал в жѐсткую чѐрную сетку, добиваясь этим впечатления сияния, свечения цвета («Композиция красного, жѐлтого, синего и чѐрного», 1921 г.).

«Композиция красного, жѐлтого, синего и чѐрного», 1921 г.

«Бродвей буги-вуги» (1942 г.)

Теперь линии, как бы подчиняясь пленившим его ритмам джаза и буги-вуги, дробятся маленькими цветными квадратиками, чѐрная сетка стала необязательной.
Искусство Мондриана во многом повлияло на современную живопись, архитектуру и дизайн.

Но известность молодому художнику принесли не академические сюжеты, а так называемые вечерние пейзажи. В сумерках, в лучах закатного солнца Голландия — еѐ дюны, деревья, ветряные мельницы — предстаѐт загадочно-поэтической («Вечер на берегу Гейна», 1906 г.). Один из первых критиков творчества Мондриана заметил, что его пейзажи «переворачивают душу, трогают до самых еѐ глубинных уголков».

Мельница 1906 г.

Мельница 1907 г.

Красное дерево. 1910

Абстракционизм (лат. abstraction — удаление, отвлечение) или нефигуративное искусство — направление искусства, отказавшееся от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», с помощью изображения определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, вызывая у созерцателя чувство полноты и завершенности композиции. Выдающиеся деятели: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, Пит Мондриан.

Первая абстрактная картина была написана Василием Кандинским в 1909 году.

«Гора»

Первая абстрактная картина (акварель), Василий Кандинский

Концептуализм
Концептуализм от лат. «сonceptus» – понятие, мысль, – направление в культуре ХХ века. Он сформировался в течении постмодернизма в 1960–1980-е годы.
Концептуализм направлен на создание композиций, целью которых является предъявление некоторой художественной идеи. Он объединил процесс творчества и его исследование. Это творчество занято анализом собственного языка. Его задача – переход от формирования художественных произведений к объявлению «художественных идей».
Как направление концептуализм сформировался в конце 60-70-х среди художников Великобритании, Франции, США, Нидерландов, Советского Союза и Италии. Как полагают апологеты этого течения, так как концепция произведения главнее, чем ее физическое выражение, цель творчества – передача идеи или свидетельствование о ее содержащих событиях, что может быть осуществлено с помощью фотографии, различных текстов, магнитофонных и видеозаписей и так далее.

Джозеф Кошут. Один и три стула. 1965.

Абстрактный экспрессионизм
Абстрактный экспрессионизм (англ. abstract expressionism) — школа (движение) художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование. Целью художника при таком творческом методе является спонтанное выражение внутреннего мира (подсознания) в хаотических формах, не организованных логическим мышлением.
Начальная фаза движения — абстрактный сюрреализм (abstract surrealism) появилась в 1940-е, под влиянием идей Андре Бретона, его основными приверженцами были американские художники Ганс Гофман, Аршиль Горки, Адольф Готлиб и др. Особый размах движение получило в 1950-е гг., когда во главе его встали Джексон Поллок, Марк Ротко и Виллем де Кунинг. Абстрактным экспрессионистом называла себя и минималистка Агнес Мартин. Одной из форм абстрактного экспрессионизма является ташизм, оба этих течения практически совпадают по идеологии и творческому методу, однако персональный состав художников, называвших себя ташистами или абстрактными экспрессионистами совпадает не полностью. Среди отечественных художников крупнейшим представителем абстрактного экспрессионизма считается Евгений Михнов-Войтенко, работавший в 1950—1980-х гг.

Франс Клайн "Фигура Восемь", 1952

Абстрактный экспрессионизм. Джексон Поллок

Серое дерево. 1911

В 1911 г, в Амстердаме Мондриан принял участие в Международной выставке современных художников, где были представлены также кубистические произведения Пабло Пикассо, Андре Дерена, Жоржа Брака. Познакомившись с работами кубистов, Мондриан и сам начал экспери-ментировать с формами, упрощать их. По-разному сочетая плоскости изображаемых предметов, он добивался впечатления структурной, ритмической ясности

«Цветущая яблоня». 1912

Минимализм (1960-е)
Это искусство возникло как антитеза абстрактному экспрессионизму, ставшему к концу 1950-х годов респектабельным и продаваемым, новым академизмом.
Молодые художники отказывались от драматических эффектов, автобиографичности и глубоких экзистенциальных коннотаций в своих работах. Искусству жеста они предпочитают холодный взгляд и промышленно изготовленные произведения. Они называют свои работы не скульптурами, а объектами, поскольку те существуют не в мире истории искусства, а здесь и сейчас, они даны зрителю во всей своей материальности. И о них нечего сказать кроме того, что они есть.
Хотя… искусствоведы все же нашли слова. Например, Розалинд Краусс в 1979-м году написала эссе «Скульптура в расширенном поле», обозначив новое явление, которое вскоре получит название «инсталляция».
Основные художники: Дональд Джадд (1928-1994), Роберт Моррис (р. 1931), Сол ЛеВитт (1928-2007), Карл Андре (р. 1939) , Дэн Флавин (1933-1996), Ричард Серра (р. 1938), Френк Стелла (р. 1936) и др.

Ричард Серра.
Объект весом в 1 тонну (карточный домик). 1969

Поп-арт (1890-1934)
Направление в искусстве конца 1950-х – начала 1970-х; возникает как оппозиция беспредметному абстракционизму (еще одним вариантом такой оппозиции был неодадаизм); знаменует переход к концепции нового авангардизма. Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (Lawrence Alloway). Если в Англии выражение «массовое популярное искусство» использовалось теоретиками «Независимой группы» для обозначения образов, созданных массмедиа (рекламой, кинематографом, комиксами, таблоидами и модой), американский
вариант интерпретации той же формулы в работе Лоуренса Эллоуэя означал собственно то искусство, которое в медийной иконографии черпало свои сюжеты. Уорхол отмечал, что «поп-арт поменял внутреннее и внешнее местами. Поп-артисты создавали образы, который любой человек, идущий по Бродвею, узнавал в ту же секунду – комиксы, столы для пикника, мужские штаны, знаменитости, занавески для душа, холодильники, бутылки кока-колы – все те великие вещи, которые абстрактные экспрессионисты изо всех сил старались вовсе не замечать». Художники реабилитировали мир красоты банального, в их произведениях прослеживается гордость тем, что торговля Америки создала такие товары, которые всегда дешевы, хороши, равнодоступны. Их искусство – в определенном смысле памятник таким товарам и социальному равенству, ведь потребляя продукт, мы можем идентифицировать себя с любым другим потребителем этого
продукта.
Основные художники: Питер Блейк (р. 1932), Ричард Гамильтон (1922—2011), Рой Лихтенштейн (1923—2011), Эдуардо Паолоцци (1924—2005), Клас Олденбург (р. 1929), Мэл Рамос (р. 1935), Энди Уорхол (1928—1987).
Вывод: Искусство работает с привычными образами, помещая их в иной контекст.

Неодадаизм (1952-1970-е)
Художники вслед за Марселем Дюшаном встали на путь радикального преображения искусства через игру, через отказ от иерархий и эстетического снобизма, через наслаждение процессом вместо результата. Они активно работают с найденными объектами, объединяя их в коллажи и ассамбляжи, закладывают основу перформанса и хэппенинга, расширяют границы наших представлений о том, что такое живопись, музыка, кино и вообще искусство.
Основные художники: Джаспер Джонс (р. 1930), Аллан Капроу (1937-2006), Роберт Раушенберг (1925-2008), Джон Кейдж и др.
Параллельно и в связи с неодадаизмом развивается течение Флюксус, которые выступали принципиально против арт-рынка, музеев, дилеров и так дальше. Для них искусство было часть потока жизни, оно могло служить ее отражением или инструментом для ее преображения. Но в любом случае не надо относиться к этому слишком серьезно. Все течет.
Основные художники: Йозеф Бойс (1921-1986), Джордж Мачюнас (1931-1978), Йоко Оно (р. 1933), Нам Джун Пайк (1932-2006) и др.
Вывод: Искусством может быть всё. Творчество доступна всем.

Роберт Раушенерг.
Отпечаток автомобильной шины.
1953

Джаспер Джонс. Мишень с четырьмя лицами. 1955

Ларри Риверс. Вашингтон пересекает Делавэр. 1953

Р. Раушенберг. Имущество

Начало века – это господство стиля модерн.
Платья дамы носили из тонких светлых тканей с лавиной кружевных оборок. Входят в обиход юбки-клеш с блузками, жакетами, пальто. В то же время появляется новая постановка фигуры, напоминающая латинскую букву «S». Это достигалось с помощью специального корсета, стягивающего талию до модного объема (около 55 см.).

Первым прорывом стало освобождение женщин от корсета. Причиной этому послужило рождение в начале десятилетия двух новых стилей. Этот стиль дарил свободные силуэты, буйство красок, обилие перьевых украшений и обнаженные плечи. Второй тоже родился в Париже в начале 1910-х. Связан он с возрождение идеалов античной классики. Силуэт прямой, без мучительных утяжек на талии. И также открытая шея.

20-е. Свобода женщинам!!!

Это время неразрывно связано с именем «великой мадмуазель» Габриэль (Коко) Шанель. Юбка укоротилась до колен, впервые появились чулки телесного цвета, делавшие ноги обнаженными..
Простую удобную одежду подарила женщинам Шанель. Она сделала трикотаж модной одеждой для леди из высшего общества.

В одежде 20-х господствует два различных направления. С одной стороны – стиль унисекс с его брючными костюмами, с другой – отголосок дансингомании, охватившей весь мир – короткие платья в стиле джазовых танцовщиц .

Красавицы 20-х носят свободные платья и блузы с заниженной линией талии, часто подчеркнутой декоративным поясом.
На ногах красавицы носили туфли-лодочки на устойчивом каблучке..

В 1924 г. - резко сокращается
длина юбки. Коко Шанель изобретает
"маленькое чёрное платье". Журнал
"Vogue" провидчески предсказывает,
что это простое чёрное платье станет
универсальной моделью,
которую будут носить все
женщины.
Уникальное изобретение
Шанель вот уже многие
десятилетия остаётся в
арсенале
современной моды.

Эмансипация женщин ярко отразилась в женской одежде и в причёсках.

На фото макияж и шляпа-клоше (клош) в стиле 20-х годов


В 20-е годы возник самый гламурный и загадочный стиль костюма - Арт Деко (хотя правильно говорить Ар Деко): после Выставки современного и декоративного искусства, прошедшей в Париже 1925 года он охватил все области творчества. В костюме его королем был Поль Пуаре.

Костюм в стиле Арт Деко характеризовался обилием декоративной отделки, являя собой пример эклектики (абсурда): в нем было смешано  множество различных мотивов - египетских, африканских, китайских, а также заметны отголоски авангардного искусства - кубизма, абстракционизма, супрематизма. Этот костюм отрицал аскетизм в костюме, царивший в послевоенный период, и ориентирован был на прошлое в декоративном решении.

эрте

Стиль 30-х годов. Мэй Уэст

Женский идеал изменился: ценились деятельные, серьезные и, одновременно, женственные образы. Как раз - в духе Коко Шанель, талант которой проявился в это время в полной мере: она всегда проповедовала строгость и элегантность

В 30-х с помощью знаменитого “Маленького черного платья” Коко Шанель стирает границу между бедными и богатыми. Вопрос женской эмансипации все еще актуален – становятся модны костюмы, скроенные наподобие мужских. Одежда для отдыха с ее свободными формами оказывает большое влияние на повседневную одежду. Брюки стали неотъемлемой частью женского туалета. Появляется трикотажный костюм, который завоевывает большую популярность у слабой половины человечества.

Стиль 30-х годов в одежде интересен противостоянием двух талантливых дизайнеров: Коко Шанель и Эльзы Скьяпарелли. Это были две противоположности: Шанель стремилась к классике и элегантности, Скьяпарелли - к необычности и креативу.

В начале 40-х пришла вторая мировая война, мужчины ушли на войну, а женщины встали на их рабочие места, что не могло не отразиться на тенденциях – в моду вошли комбинезоны. Но уже в конце десятилетия возрождается классический женский силуэт в форме песочных часов. Главным козырем стали юбки-колокольчики и перетянутые осиные талии.

Мода первой половины 40-х годов и второй половины этого десятилетия – две абсолютные противоположности. Начало пятого десятка ХХ века ознаменовалось концом экономического кризиса и подъемом промышленного производства.
Cледовательно, женщины вновь стали удлинять свои юбки, делая их многослойными, шить блузы с рукавами-фонариками, украшать одежду большими бантами. Основным трендом была полоска. Она присутствовала практически везде: на юбках, рубашках, аксессуарах. В то же время не покидал подиумы и стиль девочки-подростка, который был актуален в 30-х годах.

На смену пышным юбкам, бантам и воланам пришел минималистский стиль милитари. Теперь в моде были простые прямые юбки до колен, белые воротнички и манжеты, ткани с мелким рисунком. Шляпки тоже постепенно ушли в прошлое, уступив место платкам.

Героиня 40-х - это строгая, но очень элегантная дама. Основу ее гардероба составляют форменные платья и костюмы. Самый распространенный женский костюм: жакет приталенный, с жесткими небольшими подплечниками, прямой юбкой до колена. Экономия и только экономия: укороченные юбки, противогазные сумки на длинном ремне, пробковые танкетки - что поделаешь, кожа и ткань нужны армии.
Про украшения можно вообще забыть, вместо них на шею повязывали платки или шарфы, шляпки очень маленькие и скромные, иногда головы повязывали шарфом.

Новая эра и New Look
12 февраля 1947 года стал знаменательным днем для мира моды: Кристиан Диор представил свою первую коллекцию женской одежды сезона весна-лето 1947 в салоне Christian Dior на авеню Монтень. Что интересно, изначально представленные Диором две линии носили названия «Corolla» и «Eight», а под названием «New Look» вошли в историю благодаря возглавлявшей в то время Harper’s Bazaar Кармел Сноу. Метко и четко описав коллекцию как «новый образ», Сноу, тем самым, стала «крестной матерью» легендарного New Look.

Стиль 50-х годов - самый яркий и заметный в XX веке: господство женственности, элегантности, изысканности! Уставшие от тягот Второй мировой войны и последующего восстановительного периода, люди мечтали о счастье как в сказке,  поэтому коллекция костюмов Кристиан Диор под названием "New Look" ("Новый згляд") была воспринята с восторгом. Взамен удобной, но примитивной и простой одежды послевоенной поры дизайнер предлагал поистине сказочные наряды, в которых были открытые плечи, тонкая талия, пышные юбки.

Круглые плечи, тонкая талия, роскошный бюст, при этом средний рост - вот героиня 50-х.
Одета она в платье или костюм с маленьким облегающим верхом, затянутой талией и широкой юбкой, длинной до середины икры. Чтобы придать фигуре воздушность, женщины надевали под платье многослойную нижнюю юбку из сетчатой ткани.
На ногах туфли с ремешком на щиколотке. Очень популярны маленькие шляпки, маленькие сумочки и перчатки. Их носят всюду и во все сезоны.

В моде 50-х были одновременно два силуэта: один Х - образный, для которого характерны пышные юбки разнообразных фасонов типа колокол, баллон, солнце и полусолнце; второй - скульптурный, с узкой юбкой, имеющей  шаговую шлицу  или встречную складку. Актуальны были также пышные плиссированные и гофрированные юбки.

Деловой элегантный костюм, созданный Коко Шанель в этот период, стал классикой моды и послужил основой для создания офисного стиля. Его особенности: узкая юбка, полуприлегающий жакет без воротника, обшитый по краям тесьмой и украшенный золотистыми пуговицами и симметрично расположенными карманами. Строго, спокойно, изящно!  Такой костюм не требовал применения корсета из-за полуприлегающего силуэта, но придавал стройность любой, даже не идеальной фигуре. Лаконичное и элегантное платье-футляр - другое предложение Шанель

Привет, Твигги!…

В конце 50 - начале 60-х годов уровень жизни в Европе сильно вырос, что принесло сравнительно высокие заработки молодёжи. Возникла необходимость повернуть закрытый мир Высокой моды к массовому потребителю, сделать моду одновременно высокопрофессиональной и промышленной - pret-a-porter. Моду 60-х стоит определить, как моду вышедшую на улицу. Бунтующее молодое поколение стремилось освободиться от "буржуазных ценностей" своих родителей. Дети 60-х продемонстрировали это в одежде, выбрав основным предметом туалета голубые джинсы. Джинсы - самая универсальная и демократичная одежда нашего века - становится униформой для поколения Вудстока.

Девушка-мечта 60-х: прическа - пышная стрижечка, чуть волнистые волосы. Макияж - акцент на глаза, знаменитые стрелки-'бананы', мода на веснушки.
Одежда - в 60-е особенно актуальны платья, конечно же, супер-мини, раздельные верх и низ носят значительно меньше. Чистые формы, минимум отделки. Вся отделка лаконичная, чистых геометрических форм.
Спорт и космос - девиз одежды середины 60-х. В конце 60-х приобрела актуальность эстетика культуры хиппи и соответствующая широкая цветастая одежда. Но мы говорим об образе середины 60-х годов, как о наиболее характерном и революционном.

Сексуальная революция также нашла своё недвусмысленное выражение в моде. В 1966 г. американке Мэри Куант в Букенгемском дворце вручили орден британской империи за заслуги в британском экспорте за то, что она изобрела: МИНИЮБКУ. Консервативная Англия оказалась родиной не только Битлз, но и мини. Ив Сен Лоран и Эммануэль Унгаро стали авторами второй волны "обнажённой, или нагой моды" (первая была в 1794-1804 гг. в эпоху Французской революции). Космическая эпоха вдохновила Пако Рабана и с первого дефиле в 1966 г. он начал создавать платья из металлических пластин, кусков стекла, колец и обручей.

В конце 60 - начале 70-х годов
появляется новый
романтический стиль
(непосредственным импульсом
для этого стал мюзикл
Бернстайна "Волосы"). Но на
этот раз речь идёт не о
романтизме диоровских
салонов, а о романтизме,
вдохновлённом народным
фольклором. В спектакле «Волосы» («Hair», 1967) нашли отражение модные тогда идеи хиппи

В 70-е гг. с "вторжением" восточного
мира в европейский стиль одежды,
начинается успешная деятельность
японцев Кензо Такада, Митсухиро
Матсуда, Йоджи Ямомото, Рей
Кавакубо и Иссей Мияке. Они
создают оригинальную европейскую
Моду и работают с элементами
традиционной восточной одежды.
Кензо вносит в европейскую моду
даже элементы сельского восточно
-европейского костюма.

Для одних 80-е определяются эстетикой
Джорджио Армани. Для других это эпоха
восхождения Джанни Версаче,
создавшего свою первую коллекцию –
pret-a-porter в 1978 г. Одежда дома
Versace соответствовала духу 80-х, с их страстью
к экзальтированному шику и сногшибательному
блеску. Как не один кутюрье, Джанни Версаче
много вкладывал средств в рекламную деятельность.
Его шоу славились итальянским шиком и
американским размахом. Впервые, благодаря
средствам массовой информации, модельер стал
культовой фигурой. Став одной из всемирно
известных звёзд, Джанни Версаче сумел соединить
Super Star System с модой.

Модные тенденции: стиль диско, панк, яркие цвета, пайетки, стразы, подплечники, рукава «летучая мышь» и фонарики, мини-юбки, боди, леггинсы и лосины, смокинги от Yves Saint Laurent, туфли-лодочки, кроссовки, химическая завивка, начесы, мелирование, яркие тени, подводка для глаз, румяна, помада с перламутром. Иконы стиля: Мадонна, Синди Кроуфорд, Джоан Коллинз, Шер, Брук Шилдс, Майкл Джексон (1958–2009).

В прагматичные 90-е философия создания
одежды во главе угла ставит целесообразность и естественные потребности. А это значит,
что, во-первых, мы должны быть
защищены, во-вторых, нам
должно быть удобно. Персональные
мифологии и сиюминутные смены
настроений, которыми живёт и
движется мода, признаются вторичными.
Современные модельеры постоянно
подчёркивают отсутствие диктата моды
и право каждой женщины на выбор.
Но нельзя не заметить, что в моде 90-х гг. главенствуют два направления, которые весьма условно можно назвать пуризм и романтизм.

Пуризм, как стиль в моде, отрицает использование украшающих деталей. Для него характерны чистота линий, наивысшее качество тканей и материалов, превосходный покрой и идеальный уровень исполнения. Минималистические модели, которые подчёркивают яркую индивидуальность женщины, их носящей характерны для молодых модельеров. Эстетика прагматизма как нельзя более естественна для американцев. Нью Йорк становится третей столицей моды после Парижа и Милана.
Минимализм характерен и для одного из наиболее удачливых поставщиков моды Кельвина Кляйна. Основатель направления унисекс вывел на подиум "обычную девчонку" Кейт Мосс и широко распропагандировал стиль "героиновый шик".

Новая волна в романтической теме.

Романтический стиль в моде создаёт противовес стилю унисекс. Романтизм в различных интерпретациях характерен для звёздного Версачче, легендарного Армани или элитарного Валентино. Новую волну в романтическую тему привнёс итальянский дуэт. Доменико Дольче и Стефано Габбана в 1985 г. создали творческий тандем, а уже в 1988 г. коллекция Dolce&Gabbana принесла им международную известность.

90-е годы.
Модные тенденции: гранж, рваные джинсы, застиранные футболки, кожаные куртки, минимализм, сдержанные расцветки, строгий силуэт, юбки ниже колена, пиджак, с акцентом на плечевом поясе, отсутствие украшений. Иконы стиля: Кейт Мосс, Шерон Стоун, Дэми Мур.

И в заключении…

На переломе тысячелетий модельеры как бы пролистывают всю историю моды. Мы уже привыкли, что дизайнеры возвращаются к моде былых десятилетий. Но на этот раз они превзошли себя. В коллекциях 2000-2001 годов "цитируются" элегантные 60-тые, раскованные 70-тые, роскошные 80-тые: весь ХХ век.