Краткий анализ творчества П. Кончаловского

В русской живописи XX в. место П. П. Кончаловского - одно из центральных. Он был создан для живописи, ощущал мир живописно - как пиршество красок - и едва ли не олицетворял собой само это искусство. Учился он в Харьковской рисовальной школе, затем на вечерних курсах СХПУ, в академии Р. Жюлиана в Париже (1897-98), наконец, в Высшем художественном училище при Петербургской Академии Художеств (1898-1905). Но свой художественный мир открыл лишь в новом веке, в пору бурной ломки художественных традиций. Общество художников с озорным названием "Бубновый валет" объединило в 1910 г. молодых новаторов, не удовлетворенных пассивным, чисто зрительным отображением мира на холсте. Вытеснить это иллюзорное, недостаточно, по их ощущению, материальное восприятие другим - пластически объемным, весомым, осязательно конкретным и энергичным - они стремились, осваивая, с одной стороны, творческое наследие П. Сезанна (и отчасти В. Ван Гога), а с другой - обращаясь к искусству непрофессиональному. Рассмотрим краткое описание и анализ творчества П. Кончаловского.Коваленко О.В. Петр Петрович Кончаловский (1876-1956). 1. Сведения из биографии Родился 21 февраля 1876 года в городе Славянск Харьковской области. Образование в области искусства живописи он начал получать еще в рисовальной школе в Харькове. Впоследствии Петр посещал вечерние курсы СХПУ, обучался в парижской академии Р. Жюлиана и до 1905 года в Петербургской Академии художеств. Огромное влияние на формирование творческой манеры будущего художника оказали П. Сезанн и В.И. Суриков. Расцвет творчества Кончаловского пришелся на начало двадцатого века, когда художественные традиции стремительно менялись и пересматривались. Кончаловский стал одним из основателей общества «Бубновый валет» и его председателем впоследствии. Это объединение стремилось к воплощению живых, натуральных, осязаемых форм на холсте. Эти художники обращались к непрофессиональной и народной живописи. Кончаловский в раннем своем творчестве стремится сделать каждую вещь как бы крепкой и плотной. Его натюрморты часто посвящены рыночному подносу, который неизменно отличается яркими красками («Красный поднос»). При этом цвет призван подать саму вещь, придать ей массу и форму. Ранние натюрморты выполнены в духе фовизма и кубизма. То же относится и к изображению человека. Он показан мощно и цельно («Потрет матадора», «Семейный портрет», «Портрет художника Г.Б. Якулова»). Мировоззрение, а следовательно, и творческую манеру художника значительно скорректировала революция. После этого события Кончаловский все больше пишет реалистичные образы. В его живописи прочно утверждается мотив любви к жизни. В 20-е годы в его работах появляется тонкость цветовых переходов, контрастов («Зеленая рюмка», «Миша, пойди за пивом»). Поездка на Кавказ, предпринятая художником в 1927 году, вдохновила его на создание нескольких полотен, посвященных творчеству Лермонтова («Пятигорск. Дом Лермонтова», «Казбек», «С развалин Мцыри», «Мцыри. Гроза»). Работу над картинами Кончаловский сочетал с работой в театральном оформлении и иллюстрации. Он принимал участие в оформлении оперы «Купец Калашников» А.Г. Рубинштейна. Также художник активно занимался преподаванием. С 1918 года он работал в «Свободных художественных мастерских» в Москве, а с 1926 года стал преподавателем во ВХУТИНе. В 1946 году Кончаловский получил звание народного художника РСФСР, а годом позже стал действительным членом Академии художеств СССР. Петр Кончаловский умер 2 февраля 1956 года в Москве. http://avangardism.ru/petr-konchalovskij.html 2. Творческий путь В русской живописи XX в. место П. П. Кончаловского - одно из центральных. Он был создан для живописи, ощущал мир живописно - как пиршество красок - и едва ли не олицетворял собой само это искусство. Учился он в Харьковской рисовальной школе, затем на вечерних курсах СХПУ, в академии Р. Жюлиана в Париже (1897-98), наконец, в Высшем художественном училище при Петербургской Академии Художеств (1898-1905). Но свой художественный мир открыл лишь в новом веке, в пору бурной ломки художественных традиций. Общество художников с озорным названием "Бубновый валет" объединило в 1910 г. молодых новаторов, не удовлетворенных пассивным, чисто зрительным отображением мира на холсте. Вытеснить это иллюзорное, недостаточно, по их ощущению, материальное восприятие другим - пластически объемным, весомым, осязательно конкретным и энергичным - они стремились, осваивая, с одной стороны, творческое наследие П. Сезанна (и отчасти В. Ван Гога), а с другой - обращаясь к искусству непрофессиональному. Их привлекла грубоватая, не ведающая школьных правил перспективы, композиционного равновесия и колористической гармонии, но зато решительная и лаконичная живопись провинциальных вывесочников и яркие росписи трактирных подносов. Укрупнить, огрубить, но сделать каждую вещь плотной и крепкой - вот задача молодого Кончаловского в его многочисленных натюрмортах, где неслучайно фигурирует часто тот же рыночный поднос как своего рода камертон, задающий живописи необходимый уровень колористического напряжения ("Красный поднос", 1913). Цвет здесь передает не столько поверхностную раскраску, сколько саму форму и массу, материальную плоть вещей. В натюрморте "Сухие краски" (1912) тяжелые цветные порошки в прозрачных банках делают это качество цвета особенно наглядным. И человека молодой Кончаловский видел почти по-вывесочному огрубленно, цельно и мощно: "Портрет художника Г. Б. Якулова" (1910), "Семейный портрет" (1912), "Портрет матадора" (1913). Впрочем, со временем влияние примитива слабеет, уступая свободной энергии письма, подвижности кисти. В "Портрете скрипача Ромашкова" (1918) решается чисто живописными средствами задача выражения в неподвижном изображении сложного, нервного движения, самого ритма музыки, которую играет скрипач. В работах 1920-х гг. исчезает "бубнововалетский" схематизм формы и цвета, живопись Кончаловского, оставаясь полнозвучной и яркой, обретает колористическую тонкость, сложное богатство переходов и внутренних контрастов холодного и жаркого цвета. В ней празднично сияет обнаженное тело, белеют древние стены новгородских соборов, мерцающая позолота фигурной сахарницы оттеняется глубокой зеленью темного стекла ("Зеленая рюмка", 1933). Тихая домашняя сцена в автопортрете с семьей ("Миша, пойди за пивом", 1926) разворачивается в двухметровый холст, сверкающий декоративным богатством узорных тканей. Кончаловский пишет полные жизненной энергии портреты композитора С. С. Прокофьева (1934), писателя А. Н. Толстого, за обильно уставленным лоснящейся снедью столом (1940-41), искусствоведа С. Тройницкого (1943). Лишь в громадном портрете В. Э. Мейерхольда (1938), необычайно нарядном, потому что режиссер написан на узорном фоне среднеазиатской вышивки, резким диссонансом звучит драматическая нота - страдальческое лицо человека, загнанного в тупик, ждущего гибели. Свой могучий живописный темперамент, радостное приятие жизни Кончаловский донес, сквозь все сложности жизни, до последних своих холстов. http://artsait.ru/art/k/konchalovsky/main.htm 3.Картины: 1)«Зеленая рюмка». 1933 Изящный натюрморт Петра Кончаловского написан пастозно, но не темно — хотя цвета густые и, наверное, их можно все-таки считать темными. Сей предмет сервировки является центральным элементом не одной картины. Шикарная, мастерская, смелая композиция и великий талант уравновешивания частей картины.Рюмка — по центру, нарушая все каноны. Сверху и снизу отступает художник ровно на четверть. Почти на четверть. В этом обдуманная или интуитивно постигнутая небрежность. Круг стола вершиной своей — опять-таки ровно по центру. Внизу нож — и он тоже хитро уравновешен, длина клинка компенсирует тяжесть рукоятки и небольшое смещение вправо. Рюмка стоит на смятом белом куске ткани — простите, это салфетка. Но вся салфетка — слева. А справа — бронзовый (или просто крашеный) кувшин. И они, кувшин и салфетка, не выдаются вперед, не уходят назад. Почти что парят, как в стереоскопе, и при этом лежат/стоят/живут на столе. Желто-оранжевый фрукт гармонирует с зеленым фоном, малахитовой рюмкой, фиолетово-коричневым столом. Зеленый, желтый, фиолетовый. Нож — сине-фиолетовый. Горячий цвет фрукта через золотисто-коричневый цвет кувшина уходит в золотой же оттенок фона и там исчезает. Это великая вещь, великая в своей простоте, которая вовсе не простота. 2)«Натюрморт», 1918 Начало ХХ века характеризуется в русском художественном искусстве как период расцвета жанра натюрморт. Исключение сюжетности, а порой и какой-либо связи между изображаемыми на одном холсте предметами вовсе не лишало живопись смысла. Теперь основное внимание переходило на цвет и форму. Именно эти две составляющие ярко диктуют свои свойства в работе Петра Кончаловского «Натюрморт». Среди множества изображений неживой природы, «Натюрморт» 1911 года стилистически определяется как картина в прогрессивном направлении кубизм. Самый крупный предмет на изображении – большая коричневая коробка, на ней пирамидально расположены квадратные объекты желтого и синего цвета. Рядом изображена белая округлая коробка. Чуть ниже – белая пиала, раскрашенная синим узором и пустая ваза для фруктов. Гармонично помещены в левой части картины два штофа из прозрачного и зеленоватого стекла. Вся эта композиция расположена на фоне стола грязного серого цвета и насыщенного тона красной складчатой материи. Типичная работа в стиле кубизм оригинальна возникающими от ее созерцания впечатлениями. Взгляд захватывает не только насыщенность сменяющих друг друга цветов, но и некая тяжесть, визуальная значительность предметов. Квадратные, круглые и бутылкообразные вещи написаны таким образом, что, глядя на них, ощущаешь различность их фактур: коробки шероховаты, посуда отчетливо керамическая, бутылки – звенящие и хрупкие. Кончаловский представляет предметы как данность, без связи с человеком. Не привлекает его внимание и фоновое пространство. Только цветовое звучание и ощущение фактуры составляют суть картины «Натюрморт». Выбрав для показа зрителям обыденные, даже несколько непривлекательные на первый взгляд предметы, художник настаивает на их простой, но уверенной живописной красоте. http://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-petra-konchalovskogo-natyurmort/ 3) «Сухие краски», 1913 Петр Кончаловский относится к непревзойденным мастерам по части написания натюрмортов, к одной из его лучших работ можно без зазрения совести отнести натюрморт под названием «Сухие краски», выполненный в непревзойденной манере живости письма и цвета. Стиль написания напоминает нечто среднее между кубизмом и фовизмом, поскольку художник был ярым поклонником обоих этих направлений в живописи на ранних этапах своего творческого пути. Основную часть картины занимает стол с расположенными на нем предметами обычного обихода художника и создателя декораций: лейкой, колбами и бутылочками, в которых находятся краски и клей, различными баночками, пипетками и тому подобным. Позади всего этого разнообразия высится огромный кувшин с большими кистями и колба с чем-то розовым похожим на разведенную краску. Фоном картины является синее полотнище, скорее всего, занавес. Художник с большой тщательностью прорисовал все детали деревянного стола, каждую трещину и извилину в доске, сучки и малейшую кривизну, но при этом оставляет силуэт самого натюрморта несколько расплывчатым и даже размытым, колбочки и бутылки теряют свойственную им четкость, словно растворяясь в тех красках, для хранения которых они предназначены. Картина буквально наполнена различными цветами – синим, желтым, зеленым, красным, коричневым и даже черным. Автор использует практически все возможные вариации красок, тем самым создавая не просто натюрморт, а радугу из различных цветовых оттенков. Что может быть проще, чем нарисовать собственное же рабочее место, но сделано это действительно прекрасно с большой любовью и знанием дела. Создано полотно в 1912 году, хранилось в частной коллекции, а после было передано в Третьяковскую галерею Москвы, где и находиться по наши дни. http://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-petra-konchalovskogo-suxie-kraski/ 4) «Автопортрет», 1911, 1943 Автопортреты бывают разные, особенно занятны они у кубистов, которые стремятся выразить себя наиболее полно, не обращая внимания на внешнюю форму, произвольно подстраивая её под содержание. Автопортрет Кончаловского на них не похож — он довольно прост и по-своему даже зауряден. Никаких лишних углов, зеленых носов и невообразимых изгибов. Просто не старый ещё мужчина с щеточкой усов позирует в собственной мастерской, глядя на зрителя добродушно и немного удивленно, словно не понимая, что в его студии делает ещё один человек. На нем серая шляпа, немного смятая, но надетая очень ровно, ярко-желтая рубашка, пиджак и штаны, которые держатся на подтяжках. Очки у него круглые, и в целом образ напоминает образ рассеянного чудаковатого профессора, любимого студентами, а не художника, на которого равнялись многие и многие. Одна рука на поясе, во второй кисть — неизменный атрибут профессии. На шляпе черная лента, которая не выглядит траурной, скорее данью моде. По лицу видно, насколько художник не хотел льстить себе, стараясь донести себя таким, каким был в зеркале. Чуть обвисшие складки у губ, морщина на переносице, шея, похожая на черепашью — все это характерно для живого человека, не для парадного портрета. Помещая самого себя в мир картины, художник старается сделать это наиболее полно, словно надеясь ожить там, среди ярких, праздничных цветов, созданных им пейзажей и натюрмортов, людей, которые ему дороги. Смотреть на автопортрет приятно — он оставляет ощущение встречи с добрым другом, ощущение покоя и деятельной, хорошей жизни, которую прожил художник. За его спиной холсты — за свою жизнь Кончаловский написал почти две тысячи картин — аккуратно приставленные к стеночке, маленькая гипсовая статуэтка какого-то мыслителя. У художника, такого, каким он остался на картине, ещё многое впереди. http://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-petra-konchalovskogo-avtoportret/ 5)«Париж. Мальчик с яблоком. (Портрет Михаила Петровича Кончаловского)». 1908 6)«Сирень в корзине». 1923, 1933, 1937, 1954 Певцом сирени называют этого живописца, в наследии которого больше четырех десятков картин и очень много авторских повторений, посвященных этому удивительному растению. Картина Кончаловского «Сирень в корзине», на которой нарисованные гроздья так же хороши, как изображенные в других натюрмортах - на плетеном стуле, на окне, в кошелке и бадье на полу, органично вписывается и, если так можно сказать, венчает цикл работ, посвященных этом цветам. И еще не срезанная с кустов, и помещенная в различные вазы и емкости, и в любое время весеннего дня - сирень на полотнах Петра Петровича всегда изумительно красива. Полотна, рождающие поэзию Этой необыкновенной красоте, которая льется с полотен П. Кончаловского (1876 – 1956), Александр Кушнер посвятил великолепный стих, который необходимо прочитать полностью, потому что он так же прекрасен, как цветы на различных полотнах художника, в том числе и на картине «Сирень в корзине»: «Фиолетовой, белой, лиловой, ледяной, голубой, бестолковой перед взором предстанет сирень…» Все очень изысканно - и стихи, и картины, особенно если посмотреть ретроспективу или хотя бы несколько «сиреневых» полотен. Как можно назвать эти цветы, прошедшие через все творчество художника? Красная линия, дело жизни, основная тема или символ творчества? Наверное, последнее определение подойдет больше всего, потому что из более чем полутора тысяч написанных Петром Петровичем картин при упоминании его имени перед глазами встают эти цвети, и особенно картина Кончаловского «Сирень в корзине». Всегда желанная тема Необходимо оговорить, что натюрмортов с таким названием у Петра Петровича несколько. На них изображены гроздья разных цветов (как уже оговаривалось, белые, лиловые, фиолетовые), по-разному подобраны букеты, отличающееся друг от друга плетение на корзинах. Они все удивительно хороши, все в них разное – оттенки, флористика, тара, места, где размещены букеты. Это и подоконник, и стол, то накрытый чем-нибудь, то голый. Часто художник изображает сирень на полу, наверное, для того чтобы подчеркнуть обилие срезанных веток. Хороша сирень в саду (на одном полотне ее видно в распахнутое окно). Наипопулярнейшее полотно Но чаще всего упоминается именно картина Кончаловского «Сирень в корзине». Это знаменитый натюрморт, написанный в 1933 году. На нем изображена корзинка на фоне темной стены, а в ней - гроздья сирени. Кажется, что они недавно срезаны и еще благоухают. А сейчас, пусть и в корзине, передают всю красоту окружающего мира. Кончаловский использовал в картине белый, сиреневый, лиловый, бордовый, голубой оттенки. Это многоцветье подчеркивает красоту весны, умиротворением наполняет душу. Некоторым слышится музыка тезки художника композитора Чайковского из «Спящей красавицы» (вальс Феи сирени). Ощущение покоя, радости и щемящего счастья рождает картина Кончаловского «Сирень в корзине». Художник настолько был связан с этими цветами, что при виде красивых гроздей многим хотелось, как и Кушнеру, воскликнуть: «Здесь уже побывал Кончаловский, трогал кисти и щурил глаза…» А ведь живописец со своим тестем Суриковым объездил много стран Европы с этюдником и рисовал достаточное количество красивых цветов. Но любовь к сирени у Кончаловского - как любовь к Родине. У кого-то она ассоциируется с русским полем, у кого-то с березкой, а у него – с сиренью. Фантастическая реальность изображения Россиянам очень хорошо знакома эта картина, так как в школе о ней пишут сочинение. «Сирень в корзине» - очень благодатная тема, она развивает фантазию. На первый взгляд – просто цветочный натюрморт, а присмотреться – чего только не увидишь. Одни только упругие кисти, пойди, опиши. А цветовая гамма, а реалистичность изображения! Существует легенда, что Петр Кончаловский, зная, как естественно выглядят цветы на его полотнах, перед очередной экскурсией прикрепил к нарисованному букету живую ветку, и никто не обратил на шутку внимания, так естественно она вписалась в полотно. «Ни веселая, ни печальная…» «Сирень в корзине» Кончаловский писал в 1923, 1933, 1937, 1954 годах. А просто сирень, всякую, всевозможную, он рисовал всегда, каждый год, до самой своей смерти. Слегка привядшую, нежных спокойных тонов сирень художник нарисовал в 1937 году. Очень хороший натюрморт – не задорный, не ликующий, но и не погребальный. Даже в 1941 году Кончаловский обращался к любимой теме, потому что, очевидно, сирень – это символ жизни, а может быть, даже победы. Как говорил другой поэт: «Сирень с печалью рядом не представить…» И тут опять уместно вспомнить написанную в 1933 году "Сирень в корзине". Кончаловский говорил, что к изображению цветов нельзя относиться небрежно, «так себе». Он утверждал, что в цветке есть все, что только существует в природе, но в более сложной, утонченной, изысканной форме. Важные детали Хочется отметить, что к самим корзинкам, как и другой таре для прекрасных срезанных веток, живописец тоже относился серьезно. Корзины в натюрмортах разные. В работе 1937 года она нежно-желтая, сплетенная из тонких веток, с ручкой: кажется, ее только принесли из сада и ненадолго поставили в прихожей. Букет 1933 года совсем в другой емкости: П. Кончаловский сирень в корзине разместил в надежной, крепкой, соответствующей мощному, богатому букету таре. Плетение у нее крупное, прутья широкие – она надежна, несмотря на сравнительно небольшой объем. Темный стол, темная корзина, густые тени, отбрасываемые букетом на стену, – все подчеркивает красоту букета, создает трехмерность пространства, как бы приближает букет к зрителю. Листья переливаются всеми оттенками зеленого и тоже усиливают выпуклость разноцветных гроздей. К этому полотну, конечно, не подходят удивительные строки О. Мандельштама: «Художник нам изобразил глубокий обморок сирени…» Но к другим натюрмортам подходят, потому что П. Кончаловский сирень в корзине рисовал всякую – и торжествующую, героическую, и нежную, обморочную. Тот букет, который рекомендует школьная программа для написания сочинений в 5-м классе, действительно является удачным выбором. Он вызывает различную гамму, но только добрых и радостных чувств. Сочинения по таким темам учат детей гордиться своей отчизной, ее радостной красотой и героической историей. Картина «Сирень в корзине», написанная в 1933 году, размером 79 х 104 см хранится в Третьяковской галерее. Свой неповторимый стиль Петра Петровича Кончаловского называют сезаннистом. Но не только на него творчество французского постимпрессиониста оказало сильное влияние, и не только под влиянием француза находился наш соотечественник. Просто Поль Сезанн по духу был близок раннему Кончаловскому. В работах начала века одного из основателей «Бубнового валета» - авангардиста П. Кончаловского - очень чувствуется влияние знаменитого автора «Пьеро и Арлекина», но в более поздних полотнах, таких как «Сирень в корзине» (фото шедевра прилагается), присутствует только гениальный отечественный художник со своей индивидуальной, узнаваемой манерой письма. http://fb.ru/article/177789/kartina-konchalovskogo-siren-v-korzine-opisanie