Статья: из истории музыки (История возникновения Hi-Fi и другое)

История возникновения Hi-Fi

Статьи о музыке » История музыки

Никакого сомнения не вызывает тот факт, что потребность слушать музыку - это одна из неотъемлемых потребностей человека.Не самая необходимая для выживания - но одна из самых важных - после того, как выживание обеспечено. 

Многие из нас находятся в замкнутом кругу – поиск средств сушествования – денег – приобретает непозволительно большой вес в жизни. А удовольствие, которое, в принципе, должно приобретаться за эти деньги – непропорционально мало. 

Чем больше первого и чем меньше второго, тем менее интересной становится жизнь и тем более бессмысленным существование. 

А посему хочу разорвать эту порочную зависимость хотя бы в области музыки и начать разговор. О великом чуде – музыке, и не менее великом чуде – звуке. О том, как они пересекаются, и о том, что мы испытываем при этом. Об умении слушать – и умении говорить об этом. 

А для начала – немного истории

На протяжении тысячелетий музыка была характерна своей мгновенностью, так как могла существовать только в контакте с инструментом. Каждый раз исполнение было разовым, уникальным процессом, который со звучанием последней ноты бесследно исчезал – и оставался только в воспоминания тех считанных людей, которые присутствовали при этом. Наличие нотной записи никоим образом не гарантировало повторяемости исполнений – работало все – зал, публика, погода, меню за обедом у первой скрипки, настроение дирижера... 

Залы не резиновые, да и увеличивать их было нельзя – при отсутствии усиления звука акустические инструменты попросту не слышны. Цены на билеты кусались (и сейчас тоже) – таким образом, считанные единицы могли приобщиться к вершинам мирового искусства. 

Как следствие – не было никакой промышленности, связанной с музыкой – разве что Страдивари Ко, а также несколько типографий по изготовлению нотных сборников. 

Все изменил Томас Эдисон своим изобретением. В 1877 году появился фонограф. 

Впервые исполнение и прослушивание музыки перестали быть одновременными актами. 

Собственно говоря, и сегодня принцип остался тем же – сначала музыку записывают на носитель, а потом прослушивают на аппарате. Их качество и цена вторичны. 

Музыкальная запись стала товаром – реальным и осязаемым. 

Первые тридцать лет двадцатого века на земле процветал граммофонный рай. Не был еще выработан стандарт скорости вращения дисков – на них записывалась нота «ля» (для того, чтобы сравнивая ее звучание с камертоном, можно было выставить точную скорость с помощью специального регулятора, встраиваемого в граммофон). Только в 1925 году появился единый стандарт – 78 об. в минуту. 

Запись была акустической – то есть без вмешательства электроники – и, надо сказать, исключительно высокого качества для того времени. Неудивительно – у главного «босса» пластиночного бизнеса Берлинера техником (!) работал Фред Гайсберг - урожденный лорд Чемберлен. 

Именно тогда миллионы меломанов с помощью граммофона получали истинное наслаждение от прослушивания записей великих артистов – Э.Карузо, Ф. Шаляпина, М. Баттистини, Т. Руффо и многих других. 

Граммофонные пластинки страшно шумели, частотные характеристики записи сегодня вызывают снисходительную улыбку – если не откровенный смех, и тем не менее эта, несовершенная с позиций сегодняшнего, дня техника увлекала слушателя, позволяя ему с абсолютной достоверностью прочувствовать все нюансы вокального искусства. Не случайно говорю – «вокального», так как граммофон имел очень существенный недостаток – он не хотел «сотрудничать» с большими коллективами. Запись была акустической – то есть с помощью механической звукоулавливающей трубы, а рассадить коллектив на равном расстоянии от нее было практически невозможно. Происходило выпячивание одних и затушевывание других инструментов. 

С этим, в принципе, можно было бы смириться – но способность и, я бы сказал, страсть человека к усовершенствованию, а особенно в условиях свободного рынка, подстегиваемого денежными вливаниями, безгранична. 

В 1925 году в звукозаписи произошла революция - практически все фирмы перешли на электромузыкальную запись. 

Вместо простейших механических приспособлений для передачи звука от рупора до резца, гравирующего информационную канавку, пришла электроника, а с ней и сопутствующие атрибуты – микрофон, усилитель, рекордер. 

Итак, первый по- настоящему значимый прорыв в деле достижения высокой верности звучания был достигнут в 1925 году, после внедрения разработанного в 1924 году американской фирмой Bell Telephone Laboratories электромеханического способа записи с использованием угольного микрофона, лампового усилителя и электрического рекордера. 

Революционность этого шага состояла в том, что энергия записываемого звука использовалась лишь для изменения электрического сопротивления угольного порошка в микрофоне, в то время как работой резца управлял отдельный ламповый усилитель, что позволило значительно увеличить уровень записанного на диск сигнала и снизить его искажения. 

Результат внедрения этого новшества превзошел все ожидания: - уже в 1929 году диапазон записанных на пластинку частот достиг 50-6000 Гц, а к 1934 году его удалось довести до 30-8000 Гц. 

Очень важно, что при этом динамический диапазон записи также заметно расширялся, одновременно с уменьшением искажения звука. 

Не меньших успехов добились в те годы и разработчики воспроизводящей аппаратуры – к началу 30-х годов уже появились проигрыватели с электромеханическими звукоснимателями – магнитной головкой (речь идет не о магнитофонах, а о картриджах (иглодержателях) с подвижным магнитом – так называемые ММ-головки, в отличие от обычных иглодержателей с подвижной катушкой – МС-головок) и электрическим приводом диска. Тогда же были разработаны и первые кристаллические звукосниматели на основе пьезоэлемента из сегнетовой соли. Так как эти звукосниматели сами не излучали звуковых волн, а только преобразовывали колебания иглы в электрические сигналы, их использование позволило уменьшить нагрузку на иглу до 30-50 грамм, что способствовало меньшему износу пластинки, и, как следствие, более качественному звучанию при многократном ее использовании. 

Конструктивно электрические проигрыватели в те годы часто встраивали в приемники, и такие комбинации – радиолы – получили к началу 40-х годов очень широкое распространение. Надо сказать, что некоторые образцы довоенной аудиотехники благополучно дожили до наших дней во вполне рабочем состоянии. И это не случайно – достаточно посмотреть на их конструкцию – простая схемотехника на лампах. Навесной монтаж. Отсутствие электролитических конденсаторов, использование толстых одножильных медных проводов. Динамики большого диаметра с диффузорами из бумаги, мощный объемный корпус из дерева, что способствовало хорошему воспроизведению низких частот. 

Старшее поколение читателей наверняка помнит трофейные Телефункены и Ухеры, а если и молодежи доведется их послушать, то она наверняка не будет разочарована звучанием какой-нибудь достаточно мощной станции на ДВ. 

Со временем стало ясно, что максимальные параметры, которые можно получить от широкополосного громкоговорителя – 60-12000 Гц при искажениях звука около 6% , и в конце 1945 года появились первые модели радиол с двумя громкоговорителями, работающими в разных частотных диапазонах. При этом основной элемент работал до частот 5-6 кГц, а высокочастотная «пищалка» включалась с 3,5-4 кГц. 

В 1946 году произощло знаменательное событие – фирма London Record выпустила первый настоящий Hi-Fi проигрыватель – имевщий частотную характеристику 50-14000 Гц. 

Кстати сказать, термин Hi-Fi (High Fidelity – «высокая верность» воспроизведения) был введен английским инженером Хартлеем еще в 1932 году для рекламы своих громкоговорителей с постоянным магнитом. На эти же годы приходятся и первые опыты по созданию стереофонических записей. Одно из первых предложений метода стереозаписи с помощью двух независимых рекордеров на две стороны звуковой канавки было опубликовано в 1941 году в американском журнале Electronics. Однако первые стереопластинки появились только в 1957 году. Но их появлению предшествовало еще одно знаменательное событие – изобретение долгоиграющей пластинки LP (Long Play) на 33.1/3 об. в минуту компанией Columbia Broadcasting. И это была вторая аудиореволюция, так как пластинка LP могла звучать 50 минут при прослушивании обеих сторон, в то время как обычная пластинка на 78 оборотов – всего 8 минут. 

Обязан оговориться – далеко не все с энтузиазмом восприняли появление новых технологий – так называемые «аудиомонахи» ностальгически воспевающие прошлое, утверждают, что именно на этом этапе в индустрию звукозаписи и звуковоспроизведения были заложены мощнейшие мины замедленного действия, которые начинают взрываться только сейчас. Дело в том, утверждают они, что музыкант – будь то солист, будь то в составе оркестра, физиологически не может «быть в форме» более 15-20 минут. А раз так, то он неизбежно начинает делать ошибки – и для того, чтобы их исправить, необходим звукорежиссер с ножницами и клеем. Чтобы было что клеить, вместо прямой записи на диск с минимальным использованием электорприборов появилась необходимость в мастер-ленте (с неизбежным увеличением в тракте количества трансформаторов, конденсаторов, ламп или транзисторов, сопротивлений и просто добавлением десятков метров проводов), что само по себе уже не могло не сказаться на качестве звука записанного на магнитной мастер-ленте, после режиссуры которой звук переписывался «вчистую» на еще одну магнитную ленту, с которой, собственно, и гравировался мастер-диск. По их мнению, сам факт режиссуры, склеек и т.д. сам по себе выхолащивал эмоциональную составляющую музыки, не говоря уже о вдохновении исполнителя – какое там вдохновение, когда по десять раз приходится переигрывать одно и то же место! А если на это накладывались неизбежные издержки при многократных перезаписях, то мы – потребители – стали получать некий красиво, на первый взгляд, упакованный эрзац музыки. 

С ними можно и нужно, конечно, спорить – но, согласитесь, что-то в их словах есть – а чем иначе объяснить неизъяснимое наслаждение от музыки «вживую»? И это несмотря на далеко не всегда хорошую акустику зала, на шелест конфетных оберток, кашляние соседа и шарканье ног опоздавших. 

Чем хорош наш мир – оставив «аудиомонахам» раритетные записи на 78 об. мы с вами продолжим наслаждаться тем, что дает нам современная техника, за которую, увы приходится платить, и очень недешево. 

Вернемся к нашим любимым LP. Они имели частотный диапазон 30-13000 Гц при отношении сигнал/шум 35-40 дБ, а в 1950 году оно увеличилось еще на 10дБ после изобретения метода записи с переменным шагом. 

Повышение качества звука виниловых пластинок явилось мощным стимулом к быстрому совершенствованию усилителей и акустических систем. 

Появление стереозаписи в 1957 году еще резче ускорило развитие бытовой техники, что позволяет говорить о третьей революции в аудиотехнике. 

«Золотые» 60-е годы прошли под знаком расцвета стереофонических систем, которые к концу десятилетия одержали над моно безоговорочную победу. 

Качественные показатели лучших моделей стереомагнитофонов на скорости 19,05 см/с в канале запись/воспроизведение достигали частотного диапазона в 40-18000 Гц при динамическом диапазоне 50дБ (Grundig TK - 46). 

Лучшие модели стереопроигрывателей с магнитными головками звукоснимателей и вовсе могли воспроизводить сигналы в полосе частот 10-25000 Гц и даже более. За такие параметры, пожалуй, не будет стыдно приличному «вертаку» и в наши дни. 

Ламповые усилители тех лет принято считать классическими. В частности, именно тогда (1959-1961 годы) были разработаны знаменитые усилители фирмы Marantz Model 7, Model 8, Model 9, которые и поныне очень высоко ценятся аудиофилами. Их популярность столь высока, что когда в конце 90-годов фирма выпустила ограниченным тиражом эти модели (полностью соблюдая не только технологи). 

История ди-джеинга

Статьи о музыке » История музыки

В наши дни профессия ди-джей является известной и респектабельной, каждый знает кто такой DJ, но когда то в прошлом слов ди-джей и ди-джеинг не существовало в природе и не значилось ни в одном словаре мира. 1906г. считается годом рождения ди-джея. В рождественский вечер Reginald A Fessenden впервые транслировал не кодированные радио сигналы, это была музыка и слова. 

Первый раз слово диск-жокей прозвучало в 1934г. от американского комментатора Walter Winchell. Вальтер применил термин discjockey ( комбинация 2-х слов: "диск", что относится к виниловым пластинкам, и "жокей", кто является оператором машины (проигрывателя)), этот термин был произнесен в адрес радио ведущего, на тот момент ведущим был Martin Block, первый ди-джей который станет звездой. Позже это словосочетание сократят до привычной нам аббревиатуры DJ от которой появится новое производное словосочетание dj-ing, т.е. работа ди-джея. 

Появление клубных ди-джеев. В 40-х годах радио оказывает влияние на клубы, виниловые диски постепенно вытесняют из клубов и танц-площадок живых музыкантов. К тому времени в барах США уже давно используются музыкальные автоматы проигрывающие пластинки, но техника не способна понять желание танцующей публики слышать только нужные им песни, поэтому для того чтобы вести вечер в ночном клубе требовался человек который будет проигрывать диски. Так закрепилась вакансия диск-жокея в ночных клубах. 

Первые дискотеки. Впервые термин дискотека был применен в 1947г. Это был ночной клуб "Whiskey-A-Go-Go" открытый в Париже (Франция). Словосочетание discotheque произошло от французского слова, означалось как "ночной клуб где играет музыка с виниловых дисков". Этот термин начинают применять ко всем ночным клубам в Европе и США. В конце 40-х начале 50-х подобные ночные клубы быстро завоевывают популярность, количество дискотек стремительно растет. Со временем словосочетание discotheque сократят до слова disco. 

Программы и миксы. В середине 50-х, американские радио диджеи, ведут трансляции непрерывной музыки. Для этого нанимали музыканта (барабанщика) чтобы он заполнял ударными промежутки между песен, в то время когда ди-джей меняет пластинку. В 1955г. Bob Casey представляет первую систему сдвоенных проигрывателей которая имела возможность быстрого переключения между собой, у ди-джеев появилась возможность проводить хит парады проигрывая не весь трек а только его фрагмент, одним из таких хит парадов стал Top 40. В 1969г. Francis Grasso поведал всему миру что такое микс. Френсис по праву считается отцом основателем ди-джеинга. Он впервые свел 2 трека методом совмещения скорости бит в бит, для этого он научился придерживать большим пальцем скорость вращения пластинки одного проигрывателя. Безусловно, не имея тренировки, навыка, сделать это было очень не просто. Francis Grasso обучал сведению миксов других ди-джеев, позже в США начали открываться DJ школы, обучение в школах проходили как ди-джеи из разных американских клубов, а так же обучаться искусству смешивания приезжают ди-джеи из Европы. 

Спец-эффекты. При сведении миксов бит в бит Francis Grasso заметил что этим процессом можно влиять на тональность звука. Но самое выдающееся изобретение того времени scratch (царапина) представил DJ Grand Wizard Theodore в 1976г. Этот звук появился в результате царапанья виниловой пластинки иглой проигрывателя, стал хорошим музыкальным дополнением и неотъемлемым атрибутом стиля Hip Hop. У профессии ди-джей появляется новое направление - Hip Hop DJ. 

Оборудование для ди-джеев. Как вы поняли из всего вышесказанного, техника была очень примитивна и значительно усложняла работу ди-джея, но надо отдать должное фирмам изготовителям аудио оборудования, которые пошли на встречу ди-джеям. В конце 70-х появляются первые виниловые проигрыватели и микшерные пульты. Первым профессиональным проигрывателем оснащенным функцией Pitсh Control (плавная регулировка скорости вращения) был Technics SL1200, позже эта модель имела много модификаций, но до сих пор считается у ди-джеев - самой лучшей. 

DJ студия (Ди-джеи для ди-джеев). Работа с большим количеством виниловых пластинок приносила неудобства ди-джеям. Требовались готовые программы (сборники) различных хитов на виниловых пластинках, и такие сборники появились. В 1977г. была основана первая студия Disconet Program Service в г.Нью-Йорк(США), как ежемесячное подписное издание, цель которого заключалась в облегчении работы профессиональных ди-джеев и представления новой музыки аудиториям клубов. Первая программа была издана в октябре 1977г. за всё время своего существования (1977-1990гг.) Каждый месяц выходила новая программа, составленная из ремиксов и миксов, издания выпускались ограниченными тиражами, всего 500-1000 экземпляров. Компанией Disconet было положено начало концепции студийного ди-джеинга. Одними из последователей Disconet была студия DMC (Disco Mix Club) Великобритания, открывшаяся в 1983г. Disco Mix Club так же ежемесячно издаёт сборники миксов и ремиксов на виниле с надписью на конвертах DJ MEMBERS ONLY. В проектах DMC участвовали ди-джеи из разных стран Европы. Студийные миксы становятся популярными релизами. Хорошо продаются как среди ди-джеев, так и меломанов, большие европейские студии (ZYX, Max Music) нанимают ди-джеев на работу для записи серийных выпусков. Издания миксов выходят большими тиражами и хорошо продаются, ди-джеи становятся мировыми звездами. 

Клубная музыка. Рожденный в начале 80-х в клубе Chicago стиль House, к середине 80-х в США и концу 80-х в Европе постепенно вытесняет легендарное Disco. Стиль House - по существу это Disco с электронными ударными, с частичным или полным отсутствием вокала. В 1989г. известный в мире underground djs голандский диск-жокей, ремиксер, продюсер и исполнитель Peter Slaghuis "Hithouse" записывает собственный трек "Jack to the sound of the underground". Эта песня имеет большой успех и поднимается к 14 номеру в музыкальных чартах Великобритании. Постоянно повторяющаяся фраза Jack to the sound of the underground - стала на столько популярна, что до сих пор используется ди-джеями в различных миксах в качестве семпла. 

Новые стили. Клубная музыка House стала основой развития новых стилей и направлений в начале 90-х. Появляются новые стили Acid, Hip House, Rave, изменяется стиль Techno - становится более жестким. В наши дни многие стили модернизировались, появились новые направления, изменился подход к технике микширования, но по прежнему основой всех

современных дискотек является клубная музыка ди-джеев. 

История появления гитары

Музыкальные инструменты » Струнно-счычковые, Статьи о музыке » История музыки

История гитары восходит к седой древности, ее колыбелью были страны Ближнего и Среднего Востока, где она появилась несколько тысячелетий назад. Слово "гитара" - санскритского происхождения, от слова "кутур", что означает "четырехструнный".На древнеегипетских пирамидах и ассирийских архитектурных памятниках встречаются иероглифы, изображающие музыкальный инструмент наблу, по форме отдаленно напоминающий гитару. Интересно, что таким же иероглифом у древних обозначались понятия "добро", "хорошо", "красиво". За давностью времен трудно с достоверностью сказать, от какого именно инструмента произошла гитара, но после настойчивых и многолетних исследований ученых можно предположить, что прототипом гитары был шумеро-вавилонский киннор, упоминаемый еще в библейских сказаниях. Первое изображение киннора можно видеть на глиняном барельефе середины III тысячелетия до нашей эры. Инструмент имеет продолговато-округлый корпус и длинный гриф. Одновременно или несколько позже, чем в Шуме-ро-Вавилонии, киннор появился в Египте, где, по предположению немецких ученых, получил название наблы или длинной лютнии <Киннор быстро распространился в странах Ближнего и Среднего Востока, получив, по-видимому, в разных странах разные названия - помимо кутура и наблы - газур, нефер, ситар, саабека и др. <До сих пор в странах Малой Азии встречается музыкальный инструмент "кинира", родственный гитаре. В IV веке до н. э. один из этих инструментов был заимствован у народов Малой Азии древними греками, и с этого времени начинается его распространение по странам Европы. В Древней Греции самыми популярными музыкальными инструментами были китара (китарра), лира, арфа, пандора. Существует легенда о происхождении китары. Бог солнца, поэзии и музыки Аполлон увидел Купидона, сына Венеры, зловредного и непослушного мальчика, и стал его бранить: "Малыш, тебе еще слишком рано играть с луком и стрелами!" Купидон очень рассердился. Полный мстительного чувства, он выпустил стрелу в сердце Аполлона, который тотчас же влюбился в Дафну, красивую нимфу, случайно проходившую мимо. Купидон выпустил еще одну стрелу, в сердце Дафны, чтобы та почувствовала отвращение к Аполлону. Аполлон стал преследовать Дафну, и когда ее настиг, та взмолилась к богам о помощи. Боги вняли мольбе и превратили ее в дерево лавр (греческое слово "дафна" означает лавровое дерево). Аполлон из лавра сделал музыкальный инструмент китару, а листьями лавра с тех пор венчают великих поэтов и артистов. Китара сохранила от своего женского происхождения изящные формы тела, склонность к капризам и непредсказуемость поведения. На одном из древнегреческих барельефов IV века до н. э. изображена женщина, играющая на музыкальном инструменте, напоминающем гитару. 
В первых веках н. э. в средиземноморских странах Европы была распространена латинская гитара, родственная греческой китаре. Была известна и ближайшая родственница гитары - лютня. Название "лютня" происходит от арабского слова "эль-ауд_", что означает "деревянный" или "благозвучный". Есть предположение, что лютню и гитару занесли в Европу арабы - через завоеванную ими в VIII веке Испанию. Скорее всего, однако, они распространились в Европе, как мы уже показали, через Древнюю Грецию - благодаря ее культурным связям со странами Ближнего и Среднего Востока. Гитара была трех- и четырехструнной. Играли на ней пальцами или плектром (костяной или черепаховой пластинкой). В веке в Испании появилась пятиструнная гитара, и с этого времени она стала называться испанской гитарой. Струны ставились двойные, иногда первая струна ("певунья") была одинарной. Из всех европейских стран наибольшее распространение гитара получила в Испании, где она стала подлинно народным инструментом. С прибавлением пятой струны и увеличением ее художественно-исполнительских возможностей гитара начинает успешно конкурировать с лютней и виуэлой, своей предшественницей, и постепенно вытеснять их из музыкального обихода.Появляется целый ряд талантливейших виртуозови композиторов, поднявших искусство игры на гитаре на очень высокий уровень. Среди них Ф. Корбетта (1620-1681), придворный гитарист королей Испании,: Франции и Англии, его ученик Р. де Визе (1650-1725), придворный гитарист французского короля Людовика XIV, Ф. Кампион( 1686-1748),Г.Санз( 1640-1710) и многие другие.! Начинают выходить первые табулатурные* сборники и учебные пособия для гитары: "Книга гитары" Р. де Визе (1682), "Новые открытия для гитары" (1705) Ф. Кампиона и другие. *Табулатура - запись музыки, распространенная до начала XVIII века. <В них печатались старинные испанские танцы - пассакальи, чаконы, сарабанды, фолии и другие пьесы. Во второй половине XIX века появляется шестиструнная гитара (по утверждению историков - опять в Испании). С появлением шестой струны и заменой двойных струн одинарными начинается триумфальное шествие гитары по странам и континентам; в таком виде она существует и до сих пор. Музыкальные возможности шестиструнной гитары оказались столь велики, что она становится одним из самых любимых инструментов. Начинается "золотой век" гитары. Он связан с именами испанских гитаристов-виртуозов и композиторов Ф. Сора (1778-1839), Д. Агуадо (1784-1849) и итальянских - М. Джулиани (1781-1829), Ф. Карулли (1770-1841), М. Каркасси (1792-1853). Фернандо Сор - испанский гитарист-виртуоз и композитор. Родился в 1778 году в Барселоне. С детских лет играл на гитаре, скрипке и виолончели. Музыкальное образование получил в монастыре, где служил певчим. В тринадцать лет сочинил торжественную мессу для солистов, хора и органа. В дальнейшем создал оперы, балеты, симфонии, квартеты и другие сочинения разных жанров. 
Поселившись в 1808 году в Париже, занялся концертной и педагогической деятельностью. С огромным успехом выступал как гитарист в Лондоне. С 1823 по 1826 год Сор живет в России, где вместе со своей женой Гюллень Сор играет видную роль в артистической жизни Москвы и Петербурга. В память о пребывании в нашей стране он написал "Воспоминание о России" для дуэта гитар (соч. 63), в котором использовал мелодии русских песен. Вернувшись в 1826 году в Париж, Сор продолжил свою исполнительскую и педагогическую деятельность. Он знакомится со своим знаменитым соотечественником Д. Агуадо. Проживая в одном доме, они часто встречаются и играют дуэтом.В память этой дружбы Сор написал гитарный дуэт "Два друга" (соч. 61), в котором выявил и свои исполнительские возможности, и блестящую виртуозность своего друга. Умер Сор в 1839 году в Париже. Ф. Сор - автор "Школы игры на гитаре" (1830) и свыше семидесяти произведений, среди которых - сонаты, фантазии, вариации, этюды, дуэты. Дионисио Агуадо - испанский гитарист-виртуоз и композитор. Родился в 1784 году в Мадриде. Воспитывался в церковном колледже, где учился игре на гитаре у падре Базилио и певца Мануэля Гарсии, ставшего впоследствии знаменитостью. В 1819 году публикует в Мадриде "Собрание этюдов для гитары". В 1825 году этот труд в переработанном виде вышел в свет под названием "Новый метод, школа игры на гитаре" <С 1826 года Агуадо живет в Париже, занимаясь исполнительской и педагогической деятельностью. Здесь он знакомится с знаменитым испанским гитаристом. Ф. Сором, дружбу с которым сохраняет до конца его жизни. В 1838 году переезжает в Мадрид, где занимается издательской и педагогической деятельностью. Агуадо считается изобретателем ногтевого способа игры, подставки для крепления струн (конструкция ее сохранилась до наших дней), а также "треноги" для усиления звучания гитары. Умер Д. Дгуадо в 1849 году в Мадриде. Ф. Сор и Д. Агуадо - основоположники испанской школы игры на гитаре, в основу которой положены строгий академический стиль, полифоничность изложения, научная обоснованность технических приемов. Мауро Джулиани - итальянский гитарист-виртуоз и композитор. Родился в 1781 году близ Неаполя. С детства обучался игре на скрипке и флейте. На гитаре занимался самостоятельно и к двадцати годам достиг столь блистательных результатов, что приобрел в Италии славу лучшего гитариста. С 1800 года началась его концертная деятельность, проходившая в Италии и Франции. В 1807 году он приехал с концертами в Вену, где музыкальные критики единодушно признали его величайшим гитаристом мира. Поселившись в Вене, Джулиани занялся концертной и педагогической деятельностью. Среди его друзей - Л. Бетховен и И. Гайдн, скрипачи Л. Шпор и И. Майзедер, пианисты И. Гуммель, И. Мошелес и А. Диабелли. В 1816 году Джулиани с большим успехом гастролирует в Германии. 
В 1819 году выступает в Риме в концертах с Д. Россини и Н. Паганини. Блистательные выступления Джулиани и исполнение им собственных концертов для гитары с оркестром доказали равноправие гитары как концертного инструмента со скрипкой, виолончелью и фортепиано. "Маленький оркестр" - так характеризовал звучание гитары Джулиани Л. Бетховен. В 1821 году Джулиани возвращается в Италию и поселяется в Риме. В последние годы жизни он гастролировал в Германии, Польше, России и Англии, всюду вызывая восторг и изумление своим искусством. Умер М. Джулиани в 1829 году в Неаполе. М. Джулиани - автор "Школы игры на гитаре" в 4-х частях и около трехсот сочинений, среди которых три концерта для гитары с оркестром (соч. 30, 36, 70), камерные ансамбли с гитарой, сонаты, фантазии, скерцо, дивертисменты, многочисленные этюды. Фердинанде Карулли - итальянский гитарист-виртуоз и композитор. Родился в 1770 году в Неаполе. Начал свое обучение музыке с игры на виолончели, затем оставил ее и посвятил себя гитаре. Занимался самостоятельно и достиг необыкновенного мастерства. С большим успехом гастролировал у себя на родине, в городах Италии. В 1808 году переезжает в Париж, где быстро приобретает известность как исполнитель и педагог. Умер Ф. Карулли в 1841 году в Париже. Игра Карулли отличалась чистотой, красивым тоном и виртуозностью. Ф. Карулли - автор "Школы игры на гитаре", пособия "Гармония в применении к гитаре", свыше четырехсот сочинений, среди которых "Маленький концерт для гитары с оркестром", камерные сочинения с гитарой, сонаты, дуэты, этюды. Маттео Каркасси - итальянский виртуоз и композитор. Родился в 1792 году во Флоренции. Гитарой начал заниматься с детских лет. <С 1820 года жил в Париже, занимаясь концертной и педагогической деятельностью. Игра Каркасси отличалась блестящей виртуозностью и элегантностью. В своем творчестве он был последователем и продолжателем традиций Ф. Карулли. С большим успехом Каркасси гастролировал в Лондоне, у себя на родине во Флоренции, в городах Германии. Умер в 1853 году в Париже. М. Каркасси - автор "Школы игры на гитаре" и свыше ста сочинений, среди которых - сонаты, рондо, каприччио, вальсы, а также ставшие классическими этюды (соч. 26 и 60). М. Джулиани, Ф. Карулли, М. Каркасси - представители итальянской гитарной школы, в основу которой положены блестящая виртуозность, глубокая разработка технических приемов, широкое использование всех музыкальных форм. На протяжении "золотого века" гитары (первая половина XIX в.) для нее пишут такие замечательные композиторы, как Ф. Шуберт, К. М. Вебер, Г. Берлиоз. Гениальный скрипач Н. Паганини (1782-1840) был также прекрасным гитаристом. Многие критики считали, что своим блистательным мастерством игры на скрипке он в какой-то мере был обязан гитаре, так как многие технические приемы он перенес с гитары на скрипку. Играть на гитаре Паганини научился в детстве, у своего отца. Дружил с выдающимися гитаристами своего времени М. А. Цани де Ферранти, Л. Лениани, Ф. Карулли. Композитору Г. Берлиозу, хорошо владевшему инструментом, он подарил свою гитару. 
Написал около ста сорока пьес для гитары-соло, две сонаты для гитары и скрипки, дуэты для скрипки и гитары, трио и квартет для смычковых инструментов с гитарой. Огромный вклад в развитие гитарного искусства внесли Л. Лениани (1790-1877), Н. Кост (1805-1883), И. К. Мертц (1805-1856), Д. Регонди (1822-1872), в России-М. Соколовский (1818-1883), Н. Макаров (1810- 1890), В. Лебедев (1864-1904) и многие другие. Луиджи Лениани - итальянский гитарист-виртуоз и композитор. Родился в 1790 году в Ферраре. На гитаре научился играть самостоятельно и упорным трудом достиг блестящей виртуозности. С большим успехом концертировал в Италии, Германии, Швейцарии, Австрии и России. В 1837 году выступал в концертах в Северной Италии вместе с Н. Паганини. Умер в 1877 году в Равенне. Л. Лениани - автор "Школы игры на гитаре", Концерта (соч. 28), 36 каприччио (соч. 20), дуэта с флейтой (соч. 23), вариаций, фантазий и этюдов. Наполеон Кост - французский гитарист-виртуоз и композитор. Родился в 1805 году во Франции, в местечке Амон-дас. С восемнадцати лет начал концертировать как солист и в дуэте с гитаристом Л. Сагрини. В 1835 году поселился в Париже, где подружился с знаменитыми гитаристами Ф. Сором, Д. Агуадо, Ф. Ка-рулли и М. Каркасси, оказавшими большое влияние на его творчество. В 1856 году на международном конкурсе на лучшее сочинение и лучший инструмент, организованном в Брюсселе русским гитаристом Н. Макаровым, за свое сочинение "Большая серенада" получил вторую лре- мию. В 1863 году после перелома руки был вынужден оставить концертную деятельность. Умер Н. Кост в 1883 году в Париже. Н. Кост - автор около пятидесяти произведений для гитары, среди них - цикл "Осенние листья", "25 этюдов" (соч. 38), ряд концертных пьес и миниатюр. Он был также редактором "Школы" Ф. Сора Иоганн Каспар Мертц - австрийский гитарист-виртуоз и композитор. Родился в 1806 году в Прессбурге (Братислава). На гитаре играть научился в детстве, и в двенадцать лет уже давал уроки игры на ней. В 1840 году с большим успехом выступил в Вене, затем совершил артистическое турне в Польшу, Германию, Россию и Чехословакию. С 1842 года жил в Вене, занимаясь исполнительской и педагогической деятельностью. В 1856 году на международном конкурсе, организованном Н. Макаровым в Брюсселе, за пьесу "Концертино" был удостоен первой премии. Умер Мертц в 1826 году в Вене И. К. Мертц - автор "Школы игры на гитаре", а также свыше ста сочинений для нее,. Джулио Регонди - итальянский гитарист-виртуоз и композитор. Родился в 1822 году в Генуе. Игре на гитаре научился в детстве у своего отца, в дальнейшем занимался самостоятельно.”В девять лет состоялся его первый концерт в Париже. Впоследствии Регонди переселяется в Лондон, откуда выезжает в концертные поездки в Вену, Прагу, Лейпциг, Мюнхен и другие города. Его игра отличалась необыкновенным блеском и виртуозностью. 
Умер Регонди в 1872 году в Лондоне. Д. Регонди - автор многих сочинений для гитары, среди них - Интродукция .и каприччио, "Грезы", Ноктюрн и другие. Интересна и очень самобытна история гитары в России. В своем развитии она прошла примерно те же этапы, что и в странах Западной Европы. Русский историк Н. Карамзин писал, что еще в VI веке славяне любили играть на кифаре и гуслях и не расставались с,ними даже в суровых военных походах. Играли в России и на четырехструнной гитаре. В 1769 году академик Штелин писал о появлении в России в царствование императрицы Елизаветы итальянской пятиструнной гитары, для которой издавались специальные музыкальные журналы. В конце XVIII века в России появляется шестиструнная гитара. Вскоре она становится модным инструментом во всех слоях общества. Печатаются первые Школы игры на этом инструменте и различные нотные издания. Старейшей Школой, изданной в России, является "Усовершенствованная гитарная школа для шести струн, или Руководство играть самоучкою на гитаре" Игнатия фон Гельда. Вышла она в начале XIX века на русском и немецком языках. В тот же период в Петербурге издаются "Этюды" и "Четыре сонаты" для фортепиано и шестиструнной гитары известного виртуоза, композитора и педагога П. Гальяни, "Новый журнал для шестиструнной гитары" А. Березовского, "Концерт для шестиструнной гитары с сопровождением оркестра" композитора Аша-нина(1815). В 1821-1823 годах в Москве и Нижнем Новгороде были открыты "Музыкальные академии", в которых юноши и девушки обучались игре на гитаре. Появляются выдающиеся русские гитаристы-виртуозы - М. Соколовский, Н. Макаров, В. Лебедев. Марк Данилович Соколовский - русский гитарист-виртуоз. Родился в 1818 году на Украине, близ Житомира. На гитаре научился играть самостоятельно, по Школам М. Джулиани, Л. Лениани и И. К. Мертца.В 1841 году дал свой первый сольный концерт в Житомире, в котором исполнил Концерт ми минор Ф.Карулли. В 1846 году выступил с сольным концертом в Москве, в зале Благородного собрания (ныне Колонный зал Дома союзов). Концерт прошел с большим успехом, и на нем присутствовало более тысячи слушателей. В 1858 году Соколовский едет за границу. С огромным успехом проходят его концерты в Вене. В 1863-1868 годах он совершает триумфальное турне по крупнейшим городам Европы, посещая Париж, Лондон, Берлин, Брюссель, Дрезден, Милан, Краков, Варшаву. "Великим артистом" называют его в Германии, "Паганини гитары" - во Франции, "Королем гитары" - в Англии, "Костюшко гитаристов" - в Польше. 25 января 1869 года состоялся концерт Соколовского в переполненном зале Большого театра. Прощальный его концерт (в связи с болезнью) состоялся в 1877 году в Петербурге, в зале Придворной певческой капеллы. Последние годы жизни Соколовский провел в Вильно (Вильнюсе), занимаясь педагогической pa- ботой. Большим ударом для него был отказ Н. Ру- бинштейна открыть класс гитары в Московской кон- серватории. Умер М. Соколовский в 1883 году в Вильно и по- хоронен на Виленском кладбище Расу; недалеко от него впоследствии был погребен знаменитый литовский художник и композитор М. К. 
Чюрленис Николай Петрович Макаров - русский гитарист-виртуоз, активный пропагандист гитарного искусства. Родился в 1810 году в городе Чухломе Костромской губернии. Детские годы провел в имениях отца и тетки М. П. Волконской. Служил офицером в армии. С детства играл на скрипке. В двадцать восемьлет увлекся гитарой и, занимаясь по десять-двенад-цать часов ежедневно, вскоре добился значительных!успехов.I Первый концерт Макарова состоялся в 1841 году в Туле, в зале Дворянского собрания, где он сыграл первую часть 3-го концерта М. Джулиани. В 1852 году Макаров едет за границу, где встречается с крупнейшими гитаристами Европы: Цани де Фер-ранти, Каркасси, Костом, Мертцем, гитарным мастером Шерцером. В 1856 году организует в Брюсселе I Международный конкурс на лучшее сочинение для гитары и лучший инструмент, на котором с большим успехом выступил и как солист. 1-ю премию за лучшее сочинение получил И. К. Мертц, 2-ю - Н. Кост, 1 -ю премию за лучший инструмент - австрийский мастер И. Шерцер, 2-ю - русский мастер И. Архузен. Умер Н. Макаров в 1890 году в селе Фунтиково-Рожествено Тульской губернии. Н. Макаров - автор книг "Мои семидесятилетние воспоминания", "Задушевная исповедь", брошюры "Несколько правил высшей гитарной игры", а также оригинальных пьес и обработок для гитары. Василий Петрович Лебедев - русский гитарист-виртуоз и педагог. Родился в 1867 году в Самарской губернии. Ученик известного русского гитариста И. Деккер-Шенка. Успешно концертировал в Петербурге и других городах России. В 1900 году выступал с оркестром русских народных инструментов В. В. Андреева в Париже, на Всемирной выставке. Пресса отметила большой успех артиста. Лебедев был первым исполнителем в России партии гитары в "Квартете для гитары, скрипки, альта и виолончели" Н. Паганини. Преподавал в Петербурге в Педагогическом музее и в частях военного округа. Умер В. Лебедев в 1907 году в Петербурге. В. Лебедев - автор "Школы игры на гитаре", сборника "50 русских и малороссийских народных песен", многих переложений. Значительный вклад в развитие отечественного гитарного искусства внесли П. Петоллетти (ок. 1800- 1875), И. Деккер-Шенк (1826-1899), И. Клингер (ок. 1825-1897), Ю. Штокман (1839-1905), Ю. Дьяков (1840-ок. 1910). Все названные гитаристы были известными исполнителями и педагогами, авторами Школ и самоучителей, оригинальных сочинений, обработок и переложений для гитары. Во второй половине XIX века наступает упадок гитарного искусства. Достигшая своего полного расцвета оперная, симфоническая и инструментальная музыка отодвинула гитару на задний план и задержала ее развитие на многие десятилетия. Но в еще большей степени способствовали этому мещанская мода и вкусы, распространившиеся во всех слоях тогдашнего общества. По образному выражению А. Сеговии, крупнейшего гитариста XX столетия, „гитару повесили на стены парикмахерских", основным ее назначением стал примитивный аккомпанемент романсам, все перестали считать гитару инструментом. 
Многие старые традиции сошли на нет, погибло несчетное количество редких нот и манускриптов; талантливых исполнителей и композиторов становилось все меньше - дилетантство и невежество мутной волной захлестнули гитарное искусство. Упадок распространился на все европейские страны, но менее других он коснулся Испании, в которой и началось новое возрождение гитары. Музыкантом, вернувшим доброе имя гитаре и поднявшим ее искусство на новую, невиданную до того времени высоту, был Франсиско Эшеа Тарре-га (1852-1909), выдающийся испанский гитарист-виртуоз и композитор, основоположник современной школы игры на гитаре.Таррега родился в 1852 году в Испании, в городе Вила-Реал. Гитарой начал заниматься с восьми лет у известного испанского гитариста Ю. Аркаса.Окончил Мадридскую консерваторию по двум специальностям - фортепиано и композиции (гитара в то время не преподавалась). Тем не менее Таррега выбирает профессию гитариста, чему во многом способствовал его концерт в мадридском театре "Альгамбра", прошедший с огромным успехом. В 1881 году он выступает во Франции - Лионе и Париже, где, приняв участие в юбилейных торжествах памяти великого испанского драматурга П. Кальдеро-на, становится героем дня. Таррега выступает в Ели-сейском дворце, аристократических салонах Парижа, затем предпринимает артистическую поездку в Лондон, Брюссель, Вену и Рим. Музыкальные критики сравнивают его с П. Сарасате и А. Рубинштейном, крупнейшими концертантами того времени. В 1882 году, после женитьбы, Таррега поселяется в Барселоне, где занимается педагогической, концертной и композиторской деятельностью. Вот как характеризует творчество Тарреги его ученик, автор известной "Школы игры на гитаре по методу Ф. Тарреги" П. Роч: “Я хочу познакомить учащихся с Франсиско Таррегой - знаменитым гитаристом, замечательным композитором, автором этюдов, пьес, прелюдий и многих транскрипций композиторов-классиков. Это был музыкант, который заставил по-настоящему оценить гитару, наполнить ее жизнью и теплотой. Кто не испытал чувства острого наслаждения, слушая дивные мелодии его изящных мазурок, его „Мавританский танец", „Арабское каприччио" и другие произведения, отразившие духовную силу и необычайную эмоциональность этого таланта. Нельзя не сказать о народной музыке, использованной в творчестве Тарре-1 ги. Испанские народные песни, мелодии которых, то веселые и звонкие, то грустные, но всегда волнующие и сильные - это яркие музыкальные картины, запечатленные его гитарой. Такова его знаменитая „Арагонская хота"”.Ф. Таррега - автор свыше сорока сочинений для гитары, среди которых (кроме вышеперечисленных)- "Воспоминание об Альгамбре", "Грезы",мазурки, польки, прелюдии, этюды и другие сочинения; он также автор многих переложений произведений классиков - Баха, Гайдна, Моцарта, Шумана, Шопена, Мендельсона, Шуберта и других композиторов.Среди учеников и последователей Тарреги - крупнейшие гитаристы-исполнители и педагоги XX века: М. Льобет (1878-1938), Э. Пухоль (1886- 1980), Д. Фортеа (1882-1953), А. Сеговия (1893- 1987), М.-Л. Анидо (1908). 
Мигуэль Льобет - испанский гитарист-виртуоз, композитор и педагог. Родился в 1878 году в Барселоне. Любимый ученик Ф. Тарреги.Окончил Барселонскую музыкальную школу. С большим успехом концертировал в крупнейших городах Испании. В 1900 году выступил на Всемирной выставке в Париже, затем гастролировал в Западной Европе, США и странах Латинской Америки, всюду вызывая восхищение своей игрой. Обосновавшись в Буэнос-Айресе, М. Льобет занялся педагогической и исполнительской деятельностью. Здесь он впервые выступил в дуэте со своей талантливой ученицей М.-Л. Анидо, с которой с успехом концертировал в Латинской Америке.Умер М. Льобет в 1938 году в Барселоне.М. Льобет - автор оригинальных сочинений для гитары ("Вечное движение", "Экспромт", прелюдии, этюды), обработок народных песен и переложений. Под его редакцией была опубликована известная пьеса для гитары М. де Фальи "Памяти Дебюси".Эмилио Пухоль Виларуби - испанский гитарист-виртуоз, композитор и педагог.Родился в 1886 году в Гранаде.Учился у Ф. Тарреги в Барселонской музыкальной школе одновременно с М. Льобетом. Продолжил свое музыкальное образование у композитора И. А. Кампо и органиста В.-М. Жиберта.В 1907 году начал свою концертную деятельность, гастролировал в странах Европы и Америки. В 1922году обосновывается в Париже, где занимается педагогической, исполнительской и издательской деятельностью. В 1947 году был приглашен на должность профессора в Лиссабонскую консерваторию. Преподавал на курсах мастеров в Киджи и Сиене.Умер Э. Пухоль в 1980 году в Барселоне.Э. Пухоль - один из талантливейших пропагандистов метода Ф. Тарреги. Он автор "Школы игры на гитаре" ("Рациональный метод игры на гитаре"), книг о гитаре и гитаристах ("Ф. Таррега" и др.), оригинальных сочинений, обработок и переложений.Даниэль Фортеа - известный испанский гитарист, композитор и педагог.Родился в 1882 году в Бенлоче. Ученик Ф. Тарреги.Концертировал в городах Испании. Основатель гитарной академии в Мадриде. Умер в 1953 году там же. Среди его учеников - Р. Сайнц де Ла Маца, М. А. Мар-тинес.Д. Фортеа - автор "Школы для гитары" в 2-х частях, оригинальных сочинений ("Андалусия", "Мадригал", "Поэтический этюд", "Элегия памяти Ф. Тарреги"), многих обработок и переложений.Андрес Сеговия - крупнейший испанский гитарист-виртуоз и педагог XX столетия.Родился в 1893 году в г. Линаресе.На гитаре учился играть самостоятельно. В четырнадцать лет дал в Гранаде свой первый сольный концерт, после которого начались гастрольные поездки по городам Испании.В 1922 году концертировал в странах Латинской Америки. В 1924 году с огромным успехом дебютировал в Париже, затем выступал во всех столицах Западной Европы. На протяжении всей своей долгой жизни неутомимо концертировал, посетил более семидесяти стран мира, всюду вызывая своим искусством всеобщий восторг. Вообшем развитие гитары шло трудным путем,но гитара стала такой как вы ее видите сейчас.

Возникновение музыки

Статьи о музыке » История музыки

Музыка (греч. musa — муза). Музыка — вид искусства, который воздействует на человека посредством звуковых образов, отражающих его различные переживания и окружающую жизнь. В отличие от пространственных искусств (живописи, скульптуры, архитектуры), музыка, наряду с хореографией, театром и кино, относится к временным искусствам. Одна из главных особенностей музыки в том, что она реально существует только в исполнении, в живом звучании.

Музыка... Великое, никогда не увядающее искусство. Она окружает человека, с древнейших времен и по сей день. Особенно много музыки звучит сего¬дня — в век радио и телевидения, век грам- аудио- и видеозаписи, когда так доступны концерты, и практически каждый может научиться играть на каком-либо инструменте. 

Да, звучит очень много музыки, музыки самой разной — старинной и современной, так называемой «классической» и «легкой», исполняемой профессио¬нальными артистами и любителями. Как разобрать¬ся, сориентироваться в этом безбрежном звуковом море? Как научиться отличать в музыкальном ис¬кусстве подлинное от подделки, содержательную му¬зыкальную пьесу от популярного, но пустого шля¬гера? Как почувствовать красоту серьезного произ¬ведения, которое поначалу может показаться скуч¬ным и неинтересным, а на самом деле глубоко по образному смыслу и истинно красиво? 

Совет один: стараться больше знать о музы¬кальном искусстве, его истории, особенностях языка, законах, по которым строится музыкальное творчест¬во (разумеется, постоянно слушая много хорошей серьезной музыки). 

КТО ИЗОБРЕЛ МУЗЫКУ? 

Нареда сидел однажды погруженный в раздумья, как вдруг звуки, извлекаемые легким дуновением ветерка, прельстили его слух; они все продолжали расти, становясь все прекраснее и разнообразнее...» 

Так древнее индийское стихотворение рисует тот изначальный момент, когда вдруг из «ничего», от легкого дуновения ветерка возникла первая музыка. Бога Нареду древние индусы и считали главным бо¬гом музыки, который подарил человечеству это вели¬кое искусство. По другой легенде, первым, кто познал музыку, был бог Брахма. Он поделился своим откры¬тием с мудрецом Брахатой, а тот уже рассказал лю¬дям о красоте и силе воздействия музыки. 

Предположим, что Нареда и Брахма действитель¬но были первооткрывателями музыки. Но как же в таком случае быть с греческими богами Аполлоном и Артемидой? Ведь, согласно одному из широко из¬вестных мифов, Артемида, выстрелив однажды из лука, первой обнаружила, что свист пущенной тетивы очень красив. Открытие Артемиды так понравилось Аполлону, что он и сам стал извлекать из «мужеубийственного» оружия, как гласит миф, очарова¬тельные звуки. 

Впрочем, эта версия о происхождении музыки опровергается самими же греками. Аполлодор в сво¬ей «Мифологической библиотеке» — одном из авто¬ритетнейших источников греческих мифов — утвер¬ждает, что сначала на свет появились музы, а потом уже их сводные брат и сестра — Аполлон и Арте¬мида. 
По преданию, муз было девять, причем пять имели непосредственное отношение к музыке: Эвтерпа считалась покровительницей всего музыкального искусства, Мельпомена ведала пением и похоронной музыкой, Терпсихора — хоровым пением, Эрато — свадебными песнями, Полигимния — песнопениями в честь богов и героев. И хотя Аполлон обычно именуется предводителем муз или Аполлоном Мусагетом, как явствует из мифологии, музы проявили себя в искусстве звуков все же раньше, чем Аполлон. 

Вероятно, у большинства народов есть легенды, рассказывающие о происхождении музыки, о богах и героях, открывших ее людям. Такое совпадение не удивительно. 
С какими бы звуками природы ни сталкивался че¬ловек в древности, их возникновение он приписывал сверхъестественным силам. Ему казалось, что звуки эти издают некие существа, таинственные и невиди¬мые. Например, как повествует немецкий эпос, не гром, а злой дух Тор, рассердившись на людей, по¬сылает на землю свои раскаты-проклятья; в журча¬щих водах реки или водопада сидит ласковый и неж¬ный Нек и поет русалкам свою размеренную песню; а в глубине шумящего леса смеется Пан или рычит Рюбецаль... 

Поэтичны и разнообразны мифы, легенды и ска¬зания древних народов о происхождении музыки. Но кто в наши дни поверит, что музыку людям нис¬послали боги и духи? 
В древности человек на каждом шагу встречался с музыкой природы — пением птиц, ревом животных, раскатами грома, журчанием ручья, шумом деревьев, звуками морского прибоя. Окруженный этими разно¬образными звуками, он, конечно же, пытался подра¬жать им. Таким образом, общение человека с природой было одним из главных источников, из которых возникала сознательно создаваемая им музыка. 
Но были и другие, не менее важные источники. 

Если внимательно присмотреться к первым, са¬мым примитивным музыкальным инструментам (их можно увидеть сегодня в этнографических или му¬зыкальных музеях), можно легко обнаружить, что они немногим отличаются от простых орудий труда. Такое сходство не случайно. Большинство из них имеет явно «рабочее» происхождение. Это заметно и по форме этих инструментов, и по манере игры за них. Обычная ступа, в которой толкли зерно, глиняный горшок или тыквенная бутыль обтягивались кожей, и инструменты — позднее их назовут ударными — можно было считать готовыми. 

Струнные музыкальные инструменты тоже роди¬лись из орудий труда. Они представляли собой (и в этом греческие легенды не погрешили против исти¬ны) не что иное, как подражание луку. 
Не были исключением и духовые. Чтобы передать сигнал на более далекое расстояние, первобытный музыкант усиливал звук своего голоса, крича в ра¬ковину или тростниковую трубку. 
Так человек открывал музыку. Открывал в окру¬жавшей его природе, а также в связи с трудо¬выми процессами, вне которых он не мог су¬ществовать. 

Представим себе жизнь наших далеких предков. В большинстве их первостепенно важных занятий — охоте, рыбной ловле, валке деревьев — необходимым условием была коллективность труда. Залогом успеха в повседневных делах служила слаженность. Поэто¬му в основе совместных действий первобытных людей лежал ритм. 

Возможно, что именно из ритмических покрики¬ваний, облегчавших совместную физическую работу, начали формироваться элементарные песнопения. Это лишь один из вероятных путей их зарождения. Другим мог быть хоровой танец, появившийся опять-таки благодаря трудовым занятиям человека древ¬ности. 
Хоровой танец, очевидно, возник как подражание повадкам зверей во время охоты и самому процессу охоты. Он служил не только примитивной игрой, но и способствовал укреплению важнейшего условия первобытной жизни — коллективной сплоченности, согласованности действий. Простейшим «инструмен¬том», обеспечивавшим ритмическую основу хорового танца, был человеческий голос. Есть основания пред¬полагать, что таким образом — в хоре — и родилась мелодия. 

Как именно складывались первые мелодии, соз¬данные человеком, определенно сказать трудно. По-видимому, тон всей группе танцующих задавал вождь племени или специально назначенный для этой цели запевала. Остальные подражали ему, под¬страивались под его пение. 

Однако сопровождением хорового танца мог быть не только голос. Первобытный человек использовал для этой цели ритмичное постукивание по каким-либо предметам (часто по все тем же орудиям тру¬да), ставшими прообразами ударных музыкальных инструментов. Это, собственно говоря, уже и была музыка. 
Но только ли общение с природой, труд и врожденное чувство ритма помогли людям открыть для себя музыку? 

Ритмические процессы свойственны многим живым существам. И даже инстинктивный мелодический дар присущ не только человеку, наиболее тонко он развит у птиц. Однако лишь человек оказался спо¬собным стать сознательным творцом музыки. Это произошло благодаря целому комплексу условий, три из них мы уже назвали. Но было и четвертое, без которого музыка никогда не стала бы искусст¬вом,— это художественный дар человека.
Именно художественное чутье и подтолкнуло наших далеких предков к попыткам в камне, глине, слоновой кости или с помощью наскальных рисун¬ков передать эпизоды из своей жизни. Он же привел к созданию зачатков музыкального искусства. 

«Птица поет, извлекает звуки из гортани своей, но ощущает ли она, как человек, все страсти, которые он один токмо на земле удобен ощущать при размеренном сложении звуков? — писал русский просве¬титель XVIII века Александр Николаевич Радищев.— Не птицы благопевчие были учители человека в музыке: то было его собственное ухо, коего вглубленное перед другими животными в голосе положение всякий звук, с мыслию сопряженный, несет пря¬мо в душу». 

Из приведенных слов выделим последние: «...звук, с мыслию сопряженный, несет прямо в душу». В них лаконично передано то, что решительно возвышает человека над всеми остальными живыми существа¬ми: способность мыслить и переживать. И не просто способность — потребность! Без нее, этой великой потребности, как и без названных уже нами условий, не существовало бы музыкального искусства. 

Итак, подражание звукам природы и участие в коллективных трудовых процессах, врожденное чув¬ство ритма и художественное чутье — все это вместе, многократно перемноженное на человеческую пытли¬вость, и дало жизнь искусству звуков.

История появления гитары

Музыкальные инструменты » Струнно-счычковые, Статьи о музыке » История музыки

История гитары восходит к седой древности, ее колыбелью были страны Ближнего и Среднего Востока, где она появилась несколько тысячелетий назад. Слово "гитара" - санскритского происхождения, от слова "кутур", что означает "четырехструнный".На древнеегипетских пирамидах и ассирийских архитектурных памятниках встречаются иероглифы, изображающие музыкальный инструмент наблу, по форме отдаленно напоминающий гитару. Интересно, что таким же иероглифом у древних обозначались понятия "добро", "хорошо", "красиво". За давностью времен трудно с достоверностью сказать, от какого именно инструмента произошла гитара, но после настойчивых и многолетних исследований ученых можно предположить, что прототипом гитары был шумеро-вавилонский киннор, упоминаемый еще в библейских сказаниях. Первое изображение киннора можно видеть на глиняном барельефе середины III тысячелетия до нашей эры. Инструмент имеет продолговато-округлый корпус и длинный гриф. Одновременно или несколько позже, чем в Шуме-ро-Вавилонии, киннор появился в Египте, где, по предположению немецких ученых, получил название наблы или длинной лютнии <Киннор быстро распространился в странах Ближнего и Среднего Востока, получив, по-видимому, в разных странах разные названия - помимо кутура и наблы - газур, нефер, ситар, саабека и др. <До сих пор в странах Малой Азии встречается музыкальный инструмент "кинира", родственный гитаре. В IV веке до н. э. один из этих инструментов был заимствован у народов Малой Азии древними греками, и с этого времени начинается его распространение по странам Европы. В Древней Греции самыми популярными музыкальными инструментами были китара (китарра), лира, арфа, пандора. Существует легенда о происхождении китары. Бог солнца, поэзии и музыки Аполлон увидел Купидона, сына Венеры, зловредного и непослушного мальчика, и стал его бранить: "Малыш, тебе еще слишком рано играть с луком и стрелами!" Купидон очень рассердился. Полный мстительного чувства, он выпустил стрелу в сердце Аполлона, который тотчас же влюбился в Дафну, красивую нимфу, случайно проходившую мимо. Купидон выпустил еще одну стрелу, в сердце Дафны, чтобы та почувствовала отвращение к Аполлону. Аполлон стал преследовать Дафну, и когда ее настиг, та взмолилась к богам о помощи. Боги вняли мольбе и превратили ее в дерево лавр (греческое слово "дафна" означает лавровое дерево). Аполлон из лавра сделал музыкальный инструмент китару, а листьями лавра с тех пор венчают великих поэтов и артистов. Китара сохранила от своего женского происхождения изящные формы тела, склонность к капризам и непредсказуемость поведения. На одном из древнегреческих барельефов IV века до н. э. изображена женщина, играющая на музыкальном инструменте, напоминающем гитару. 
В первых веках н. э. в средиземноморских странах Европы была распространена латинская гитара, родственная греческой китаре. Была известна и ближайшая родственница гитары - лютня. Название "лютня" происходит от арабского слова "эль-ауд_", что означает "деревянный" или "благозвучный". Есть предположение, что лютню и гитару занесли в Европу арабы - через завоеванную ими в VIII веке Испанию. Скорее всего, однако, они распространились в Европе, как мы уже показали, через Древнюю Грецию - благодаря ее культурным связям со странами Ближнего и Среднего Востока. Гитара была трех- и четырехструнной. Играли на ней пальцами или плектром (костяной или черепаховой пластинкой). В веке в Испании появилась пятиструнная гитара, и с этого времени она стала называться испанской гитарой. Струны ставились двойные, иногда первая струна ("певунья") была одинарной. Из всех европейских стран наибольшее распространение гитара получила в Испании, где она стала подлинно народным инструментом. С прибавлением пятой струны и увеличением ее художественно-исполнительских возможностей гитара начинает успешно конкурировать с лютней и виуэлой, своей предшественницей, и постепенно вытеснять их из музыкального обихода.Появляется целый ряд талантливейших виртуозови композиторов, поднявших искусство игры на гитаре на очень высокий уровень. Среди них Ф. Корбетта (1620-1681), придворный гитарист королей Испании,: Франции и Англии, его ученик Р. де Визе (1650-1725), придворный гитарист французского короля Людовика XIV, Ф. Кампион( 1686-1748),Г.Санз( 1640-1710) и многие другие.! Начинают выходить первые табулатурные* сборники и учебные пособия для гитары: "Книга гитары" Р. де Визе (1682), "Новые открытия для гитары" (1705) Ф. Кампиона и другие. *Табулатура - запись музыки, распространенная до начала XVIII века. <В них печатались старинные испанские танцы - пассакальи, чаконы, сарабанды, фолии и другие пьесы. Во второй половине XIX века появляется шестиструнная гитара (по утверждению историков - опять в Испании). С появлением шестой струны и заменой двойных струн одинарными начинается триумфальное шествие гитары по странам и континентам; в таком виде она существует и до сих пор. Музыкальные возможности шестиструнной гитары оказались столь велики, что она становится одним из самых любимых инструментов. Начинается "золотой век" гитары. Он связан с именами испанских гитаристов-виртуозов и композиторов Ф. Сора (1778-1839), Д. Агуадо (1784-1849) и итальянских - М. Джулиани (1781-1829), Ф. Карулли (1770-1841), М. Каркасси (1792-1853). Фернандо Сор - испанский гитарист-виртуоз и композитор. Родился в 1778 году в Барселоне. С детских лет играл на гитаре, скрипке и виолончели. Музыкальное образование получил в монастыре, где служил певчим. В тринадцать лет сочинил торжественную мессу для солистов, хора и органа. В дальнейшем создал оперы, балеты, симфонии, квартеты и другие сочинения разных жанров. 
Поселившись в 1808 году в Париже, занялся концертной и педагогической деятельностью. С огромным успехом выступал как гитарист в Лондоне. С 1823 по 1826 год Сор живет в России, где вместе со своей женой Гюллень Сор играет видную роль в артистической жизни Москвы и Петербурга. В память о пребывании в нашей стране он написал "Воспоминание о России" для дуэта гитар (соч. 63), в котором использовал мелодии русских песен. Вернувшись в 1826 году в Париж, Сор продолжил свою исполнительскую и педагогическую деятельность. Он знакомится со своим знаменитым соотечественником Д. Агуадо. Проживая в одном доме, они часто встречаются и играют дуэтом.В память этой дружбы Сор написал гитарный дуэт "Два друга" (соч. 61), в котором выявил и свои исполнительские возможности, и блестящую виртуозность своего друга. Умер Сор в 1839 году в Париже. Ф. Сор - автор "Школы игры на гитаре" (1830) и свыше семидесяти произведений, среди которых - сонаты, фантазии, вариации, этюды, дуэты. Дионисио Агуадо - испанский гитарист-виртуоз и композитор. Родился в 1784 году в Мадриде. Воспитывался в церковном колледже, где учился игре на гитаре у падре Базилио и певца Мануэля Гарсии, ставшего впоследствии знаменитостью. В 1819 году публикует в Мадриде "Собрание этюдов для гитары". В 1825 году этот труд в переработанном виде вышел в свет под названием "Новый метод, школа игры на гитаре" <С 1826 года Агуадо живет в Париже, занимаясь исполнительской и педагогической деятельностью. Здесь он знакомится с знаменитым испанским гитаристом. Ф. Сором, дружбу с которым сохраняет до конца его жизни. В 1838 году переезжает в Мадрид, где занимается издательской и педагогической деятельностью. Агуадо считается изобретателем ногтевого способа игры, подставки для крепления струн (конструкция ее сохранилась до наших дней), а также "треноги" для усиления звучания гитары. Умер Д. Дгуадо в 1849 году в Мадриде. Ф. Сор и Д. Агуадо - основоположники испанской школы игры на гитаре, в основу которой положены строгий академический стиль, полифоничность изложения, научная обоснованность технических приемов. Мауро Джулиани - итальянский гитарист-виртуоз и композитор. Родился в 1781 году близ Неаполя. С детства обучался игре на скрипке и флейте. На гитаре занимался самостоятельно и к двадцати годам достиг столь блистательных результатов, что приобрел в Италии славу лучшего гитариста. С 1800 года началась его концертная деятельность, проходившая в Италии и Франции. В 1807 году он приехал с концертами в Вену, где музыкальные критики единодушно признали его величайшим гитаристом мира. Поселившись в Вене, Джулиани занялся концертной и педагогической деятельностью. Среди его друзей - Л. Бетховен и И. Гайдн, скрипачи Л. Шпор и И. Майзедер, пианисты И. Гуммель, И. Мошелес и А. Диабелли. В 1816 году Джулиани с большим успехом гастролирует в Германии. 
В 1819 году выступает в Риме в концертах с Д. Россини и Н. Паганини. Блистательные выступления Джулиани и исполнение им собственных концертов для гитары с оркестром доказали равноправие гитары как концертного инструмента со скрипкой, виолончелью и фортепиано. "Маленький оркестр" - так характеризовал звучание гитары Джулиани Л. Бетховен. В 1821 году Джулиани возвращается в Италию и поселяется в Риме. В последние годы жизни он гастролировал в Германии, Польше, России и Англии, всюду вызывая восторг и изумление своим искусством. Умер М. Джулиани в 1829 году в Неаполе. М. Джулиани - автор "Школы игры на гитаре" в 4-х частях и около трехсот сочинений, среди которых три концерта для гитары с оркестром (соч. 30, 36, 70), камерные ансамбли с гитарой, сонаты, фантазии, скерцо, дивертисменты, многочисленные этюды. Фердинанде Карулли - итальянский гитарист-виртуоз и композитор. Родился в 1770 году в Неаполе. Начал свое обучение музыке с игры на виолончели, затем оставил ее и посвятил себя гитаре. Занимался самостоятельно и достиг необыкновенного мастерства. С большим успехом гастролировал у себя на родине, в городах Италии. В 1808 году переезжает в Париж, где быстро приобретает известность как исполнитель и педагог. Умер Ф. Карулли в 1841 году в Париже. Игра Карулли отличалась чистотой, красивым тоном и виртуозностью. Ф. Карулли - автор "Школы игры на гитаре", пособия "Гармония в применении к гитаре", свыше четырехсот сочинений, среди которых "Маленький концерт для гитары с оркестром", камерные сочинения с гитарой, сонаты, дуэты, этюды. Маттео Каркасси - итальянский виртуоз и композитор. Родился в 1792 году во Флоренции. Гитарой начал заниматься с детских лет. <С 1820 года жил в Париже, занимаясь концертной и педагогической деятельностью. Игра Каркасси отличалась блестящей виртуозностью и элегантностью. В своем творчестве он был последователем и продолжателем традиций Ф. Карулли. С большим успехом Каркасси гастролировал в Лондоне, у себя на родине во Флоренции, в городах Германии. Умер в 1853 году в Париже. М. Каркасси - автор "Школы игры на гитаре" и свыше ста сочинений, среди которых - сонаты, рондо, каприччио, вальсы, а также ставшие классическими этюды (соч. 26 и 60). М. Джулиани, Ф. Карулли, М. Каркасси - представители итальянской гитарной школы, в основу которой положены блестящая виртуозность, глубокая разработка технических приемов, широкое использование всех музыкальных форм. На протяжении "золотого века" гитары (первая половина XIX в.) для нее пишут такие замечательные композиторы, как Ф. Шуберт, К. М. Вебер, Г. Берлиоз. Гениальный скрипач Н. Паганини (1782-1840) был также прекрасным гитаристом. Многие критики считали, что своим блистательным мастерством игры на скрипке он в какой-то мере был обязан гитаре, так как многие технические приемы он перенес с гитары на скрипку. Играть на гитаре Паганини научился в детстве, у своего отца. Дружил с выдающимися гитаристами своего времени М. А. Цани де Ферранти, Л. Лениани, Ф. Карулли. Композитору Г. Берлиозу, хорошо владевшему инструментом, он подарил свою гитару. 
Написал около ста сорока пьес для гитары-соло, две сонаты для гитары и скрипки, дуэты для скрипки и гитары, трио и квартет для смычковых инструментов с гитарой. Огромный вклад в развитие гитарного искусства внесли Л. Лениани (1790-1877), Н. Кост (1805-1883), И. К. Мертц (1805-1856), Д. Регонди (1822-1872), в России-М. Соколовский (1818-1883), Н. Макаров (1810- 1890), В. Лебедев (1864-1904) и многие другие. Луиджи Лениани - итальянский гитарист-виртуоз и композитор. Родился в 1790 году в Ферраре. На гитаре научился играть самостоятельно и упорным трудом достиг блестящей виртуозности. С большим успехом концертировал в Италии, Германии, Швейцарии, Австрии и России. В 1837 году выступал в концертах в Северной Италии вместе с Н. Паганини. Умер в 1877 году в Равенне. Л. Лениани - автор "Школы игры на гитаре", Концерта (соч. 28), 36 каприччио (соч. 20), дуэта с флейтой (соч. 23), вариаций, фантазий и этюдов. Наполеон Кост - французский гитарист-виртуоз и композитор. Родился в 1805 году во Франции, в местечке Амон-дас. С восемнадцати лет начал концертировать как солист и в дуэте с гитаристом Л. Сагрини. В 1835 году поселился в Париже, где подружился с знаменитыми гитаристами Ф. Сором, Д. Агуадо, Ф. Ка-рулли и М. Каркасси, оказавшими большое влияние на его творчество. В 1856 году на международном конкурсе на лучшее сочинение и лучший инструмент, организованном в Брюсселе русским гитаристом Н. Макаровым, за свое сочинение "Большая серенада" получил вторую лре- мию. В 1863 году после перелома руки был вынужден оставить концертную деятельность. Умер Н. Кост в 1883 году в Париже. Н. Кост - автор около пятидесяти произведений для гитары, среди них - цикл "Осенние листья", "25 этюдов" (соч. 38), ряд концертных пьес и миниатюр. Он был также редактором "Школы" Ф. Сора Иоганн Каспар Мертц - австрийский гитарист-виртуоз и композитор. Родился в 1806 году в Прессбурге (Братислава). На гитаре играть научился в детстве, и в двенадцать лет уже давал уроки игры на ней. В 1840 году с большим успехом выступил в Вене, затем совершил артистическое турне в Польшу, Германию, Россию и Чехословакию. С 1842 года жил в Вене, занимаясь исполнительской и педагогической деятельностью. В 1856 году на международном конкурсе, организованном Н. Макаровым в Брюсселе, за пьесу "Концертино" был удостоен первой премии. Умер Мертц в 1826 году в Вене И. К. Мертц - автор "Школы игры на гитаре", а также свыше ста сочинений для нее,. Джулио Регонди - итальянский гитарист-виртуоз и композитор. Родился в 1822 году в Генуе. Игре на гитаре научился в детстве у своего отца, в дальнейшем занимался самостоятельно.”В девять лет состоялся его первый концерт в Париже. Впоследствии Регонди переселяется в Лондон, откуда выезжает в концертные поездки в Вену, Прагу, Лейпциг, Мюнхен и другие города. Его игра отличалась необыкновенным блеском и виртуозностью. 
Умер Регонди в 1872 году в Лондоне. Д. Регонди - автор многих сочинений для гитары, среди них - Интродукция .и каприччио, "Грезы", Ноктюрн и другие. Интересна и очень самобытна история гитары в России. В своем развитии она прошла примерно те же этапы, что и в странах Западной Европы. Русский историк Н. Карамзин писал, что еще в VI веке славяне любили играть на кифаре и гуслях и не расставались с,ними даже в суровых военных походах. Играли в России и на четырехструнной гитаре. В 1769 году академик Штелин писал о появлении в России в царствование императрицы Елизаветы итальянской пятиструнной гитары, для которой издавались специальные музыкальные журналы. В конце XVIII века в России появляется шестиструнная гитара. Вскоре она становится модным инструментом во всех слоях общества. Печатаются первые Школы игры на этом инструменте и различные нотные издания. Старейшей Школой, изданной в России, является "Усовершенствованная гитарная школа для шести струн, или Руководство играть самоучкою на гитаре" Игнатия фон Гельда. Вышла она в начале XIX века на русском и немецком языках. В тот же период в Петербурге издаются "Этюды" и "Четыре сонаты" для фортепиано и шестиструнной гитары известного виртуоза, композитора и педагога П. Гальяни, "Новый журнал для шестиструнной гитары" А. Березовского, "Концерт для шестиструнной гитары с сопровождением оркестра" композитора Аша-нина(1815). В 1821-1823 годах в Москве и Нижнем Новгороде были открыты "Музыкальные академии", в которых юноши и девушки обучались игре на гитаре. Появляются выдающиеся русские гитаристы-виртуозы - М. Соколовский, Н. Макаров, В. Лебедев. Марк Данилович Соколовский - русский гитарист-виртуоз. Родился в 1818 году на Украине, близ Житомира. На гитаре научился играть самостоятельно, по Школам М. Джулиани, Л. Лениани и И. К. Мертца.В 1841 году дал свой первый сольный концерт в Житомире, в котором исполнил Концерт ми минор Ф.Карулли. В 1846 году выступил с сольным концертом в Москве, в зале Благородного собрания (ныне Колонный зал Дома союзов). Концерт прошел с большим успехом, и на нем присутствовало более тысячи слушателей. В 1858 году Соколовский едет за границу. С огромным успехом проходят его концерты в Вене. В 1863-1868 годах он совершает триумфальное турне по крупнейшим городам Европы, посещая Париж, Лондон, Берлин, Брюссель, Дрезден, Милан, Краков, Варшаву. "Великим артистом" называют его в Германии, "Паганини гитары" - во Франции, "Королем гитары" - в Англии, "Костюшко гитаристов" - в Польше. 25 января 1869 года состоялся концерт Соколовского в переполненном зале Большого театра. Прощальный его концерт (в связи с болезнью) состоялся в 1877 году в Петербурге, в зале Придворной певческой капеллы. Последние годы жизни Соколовский провел в Вильно (Вильнюсе), занимаясь педагогической pa- ботой. Большим ударом для него был отказ Н. Ру- бинштейна открыть класс гитары в Московской кон- серватории. Умер М. Соколовский в 1883 году в Вильно и по- хоронен на Виленском кладбище Расу; недалеко от него впоследствии был погребен знаменитый литовский художник и композитор М. К. 
Чюрленис Николай Петрович Макаров - русский гитарист-виртуоз, активный пропагандист гитарного искусства. Родился в 1810 году в городе Чухломе Костромской губернии. Детские годы провел в имениях отца и тетки М. П. Волконской. Служил офицером в армии. С детства играл на скрипке. В двадцать восемьлет увлекся гитарой и, занимаясь по десять-двенад-цать часов ежедневно, вскоре добился значительных!успехов.I Первый концерт Макарова состоялся в 1841 году в Туле, в зале Дворянского собрания, где он сыграл первую часть 3-го концерта М. Джулиани. В 1852 году Макаров едет за границу, где встречается с крупнейшими гитаристами Европы: Цани де Фер-ранти, Каркасси, Костом, Мертцем, гитарным мастером Шерцером. В 1856 году организует в Брюсселе I Международный конкурс на лучшее сочинение для гитары и лучший инструмент, на котором с большим успехом выступил и как солист. 1-ю премию за лучшее сочинение получил И. К. Мертц, 2-ю - Н. Кост, 1 -ю премию за лучший инструмент - австрийский мастер И. Шерцер, 2-ю - русский мастер И. Архузен. Умер Н. Макаров в 1890 году в селе Фунтиково-Рожествено Тульской губернии. Н. Макаров - автор книг "Мои семидесятилетние воспоминания", "Задушевная исповедь", брошюры "Несколько правил высшей гитарной игры", а также оригинальных пьес и обработок для гитары. Василий Петрович Лебедев - русский гитарист-виртуоз и педагог. Родился в 1867 году в Самарской губернии. Ученик известного русского гитариста И. Деккер-Шенка. Успешно концертировал в Петербурге и других городах России. В 1900 году выступал с оркестром русских народных инструментов В. В. Андреева в Париже, на Всемирной выставке. Пресса отметила большой успех артиста. Лебедев был первым исполнителем в России партии гитары в "Квартете для гитары, скрипки, альта и виолончели" Н. Паганини. Преподавал в Петербурге в Педагогическом музее и в частях военного округа. Умер В. Лебедев в 1907 году в Петербурге. В. Лебедев - автор "Школы игры на гитаре", сборника "50 русских и малороссийских народных песен", многих переложений. Значительный вклад в развитие отечественного гитарного искусства внесли П. Петоллетти (ок. 1800- 1875), И. Деккер-Шенк (1826-1899), И. Клингер (ок. 1825-1897), Ю. Штокман (1839-1905), Ю. Дьяков (1840-ок. 1910). Все названные гитаристы были известными исполнителями и педагогами, авторами Школ и самоучителей, оригинальных сочинений, обработок и переложений для гитары. Во второй половине XIX века наступает упадок гитарного искусства. Достигшая своего полного расцвета оперная, симфоническая и инструментальная музыка отодвинула гитару на задний план и задержала ее развитие на многие десятилетия. Но в еще большей степени способствовали этому мещанская мода и вкусы, распространившиеся во всех слоях тогдашнего общества. По образному выражению А. Сеговии, крупнейшего гитариста XX столетия, „гитару повесили на стены парикмахерских", основным ее назначением стал примитивный аккомпанемент романсам, все перестали считать гитару инструментом. 
Многие старые традиции сошли на нет, погибло несчетное количество редких нот и манускриптов; талантливых исполнителей и композиторов становилось все меньше - дилетантство и невежество мутной волной захлестнули гитарное искусство. Упадок распространился на все европейские страны, но менее других он коснулся Испании, в которой и началось новое возрождение гитары. Музыкантом, вернувшим доброе имя гитаре и поднявшим ее искусство на новую, невиданную до того времени высоту, был Франсиско Эшеа Тарре-га (1852-1909), выдающийся испанский гитарист-виртуоз и композитор, основоположник современной школы игры на гитаре.Таррега родился в 1852 году в Испании, в городе Вила-Реал. Гитарой начал заниматься с восьми лет у известного испанского гитариста Ю. Аркаса.Окончил Мадридскую консерваторию по двум специальностям - фортепиано и композиции (гитара в то время не преподавалась). Тем не менее Таррега выбирает профессию гитариста, чему во многом способствовал его концерт в мадридском театре "Альгамбра", прошедший с огромным успехом. В 1881 году он выступает во Франции - Лионе и Париже, где, приняв участие в юбилейных торжествах памяти великого испанского драматурга П. Кальдеро-на, становится героем дня. Таррега выступает в Ели-сейском дворце, аристократических салонах Парижа, затем предпринимает артистическую поездку в Лондон, Брюссель, Вену и Рим. Музыкальные критики сравнивают его с П. Сарасате и А. Рубинштейном, крупнейшими концертантами того времени. В 1882 году, после женитьбы, Таррега поселяется в Барселоне, где занимается педагогической, концертной и композиторской деятельностью. Вот как характеризует творчество Тарреги его ученик, автор известной "Школы игры на гитаре по методу Ф. Тарреги" П. Роч: “Я хочу познакомить учащихся с Франсиско Таррегой - знаменитым гитаристом, замечательным композитором, автором этюдов, пьес, прелюдий и многих транскрипций композиторов-классиков. Это был музыкант, который заставил по-настоящему оценить гитару, наполнить ее жизнью и теплотой. Кто не испытал чувства острого наслаждения, слушая дивные мелодии его изящных мазурок, его „Мавританский танец", „Арабское каприччио" и другие произведения, отразившие духовную силу и необычайную эмоциональность этого таланта. Нельзя не сказать о народной музыке, использованной в творчестве Тарре-1 ги. Испанские народные песни, мелодии которых, то веселые и звонкие, то грустные, но всегда волнующие и сильные - это яркие музыкальные картины, запечатленные его гитарой. Такова его знаменитая „Арагонская хота"”.Ф. Таррега - автор свыше сорока сочинений для гитары, среди которых (кроме вышеперечисленных)- "Воспоминание об Альгамбре", "Грезы",мазурки, польки, прелюдии, этюды и другие сочинения; он также автор многих переложений произведений классиков - Баха, Гайдна, Моцарта, Шумана, Шопена, Мендельсона, Шуберта и других композиторов.Среди учеников и последователей Тарреги - крупнейшие гитаристы-исполнители и педагоги XX века: М. Льобет (1878-1938), Э. Пухоль (1886- 1980), Д. Фортеа (1882-1953), А. Сеговия (1893- 1987), М.-Л. Анидо (1908). 
Мигуэль Льобет - испанский гитарист-виртуоз, композитор и педагог. Родился в 1878 году в Барселоне. Любимый ученик Ф. Тарреги.Окончил Барселонскую музыкальную школу. С большим успехом концертировал в крупнейших городах Испании. В 1900 году выступил на Всемирной выставке в Париже, затем гастролировал в Западной Европе, США и странах Латинской Америки, всюду вызывая восхищение своей игрой. Обосновавшись в Буэнос-Айресе, М. Льобет занялся педагогической и исполнительской деятельностью. Здесь он впервые выступил в дуэте со своей талантливой ученицей М.-Л. Анидо, с которой с успехом концертировал в Латинской Америке.Умер М. Льобет в 1938 году в Барселоне.М. Льобет - автор оригинальных сочинений для гитары ("Вечное движение", "Экспромт", прелюдии, этюды), обработок народных песен и переложений. Под его редакцией была опубликована известная пьеса для гитары М. де Фальи "Памяти Дебюси".Эмилио Пухоль Виларуби - испанский гитарист-виртуоз, композитор и педагог.Родился в 1886 году в Гранаде.Учился у Ф. Тарреги в Барселонской музыкальной школе одновременно с М. Льобетом. Продолжил свое музыкальное образование у композитора И. А. Кампо и органиста В.-М. Жиберта.В 1907 году начал свою концертную деятельность, гастролировал в странах Европы и Америки. В 1922году обосновывается в Париже, где занимается педагогической, исполнительской и издательской деятельностью. В 1947 году был приглашен на должность профессора в Лиссабонскую консерваторию. Преподавал на курсах мастеров в Киджи и Сиене.Умер Э. Пухоль в 1980 году в Барселоне.Э. Пухоль - один из талантливейших пропагандистов метода Ф. Тарреги. Он автор "Школы игры на гитаре" ("Рациональный метод игры на гитаре"), книг о гитаре и гитаристах ("Ф. Таррега" и др.), оригинальных сочинений, обработок и переложений.Даниэль Фортеа - известный испанский гитарист, композитор и педагог.Родился в 1882 году в Бенлоче. Ученик Ф. Тарреги.Концертировал в городах Испании. Основатель гитарной академии в Мадриде. Умер в 1953 году там же. Среди его учеников - Р. Сайнц де Ла Маца, М. А. Мар-тинес.Д. Фортеа - автор "Школы для гитары" в 2-х частях, оригинальных сочинений ("Андалусия", "Мадригал", "Поэтический этюд", "Элегия памяти Ф. Тарреги"), многих обработок и переложений.Андрес Сеговия - крупнейший испанский гитарист-виртуоз и педагог XX столетия.Родился в 1893 году в г. Линаресе.На гитаре учился играть самостоятельно. В четырнадцать лет дал в Гранаде свой первый сольный концерт, после которого начались гастрольные поездки по городам Испании.В 1922 году концертировал в странах Латинской Америки. В 1924 году с огромным успехом дебютировал в Париже, затем выступал во всех столицах Западной Европы. На протяжении всей своей долгой жизни неутомимо концертировал, посетил более семидесяти стран мира, всюду вызывая своим искусством всеобщий восторг. Вообшем развитие гитары шло трудным путем,но гитара стала такой как вы ее видите сейчас.

Возникновение музыки

Статьи о музыке » История музыки

Музыка (греч. musa — муза). Музыка — вид искусства, который воздействует на человека посредством звуковых образов, отражающих его различные переживания и окружающую жизнь. В отличие от пространственных искусств (живописи, скульптуры, архитектуры), музыка, наряду с хореографией, театром и кино, относится к временным искусствам. Одна из главных особенностей музыки в том, что она реально существует только в исполнении, в живом звучании.

Музыка... Великое, никогда не увядающее искусство. Она окружает человека, с древнейших времен и по сей день. Особенно много музыки звучит сего¬дня — в век радио и телевидения, век грам- аудио- и видеозаписи, когда так доступны концерты, и практически каждый может научиться играть на каком-либо инструменте. 

Да, звучит очень много музыки, музыки самой разной — старинной и современной, так называемой «классической» и «легкой», исполняемой профессио¬нальными артистами и любителями. Как разобрать¬ся, сориентироваться в этом безбрежном звуковом море? Как научиться отличать в музыкальном ис¬кусстве подлинное от подделки, содержательную му¬зыкальную пьесу от популярного, но пустого шля¬гера? Как почувствовать красоту серьезного произ¬ведения, которое поначалу может показаться скуч¬ным и неинтересным, а на самом деле глубоко по образному смыслу и истинно красиво? 

Совет один: стараться больше знать о музы¬кальном искусстве, его истории, особенностях языка, законах, по которым строится музыкальное творчест¬во (разумеется, постоянно слушая много хорошей серьезной музыки). 

КТО ИЗОБРЕЛ МУЗЫКУ? 

Нареда сидел однажды погруженный в раздумья, как вдруг звуки, извлекаемые легким дуновением ветерка, прельстили его слух; они все продолжали расти, становясь все прекраснее и разнообразнее...» 

Так древнее индийское стихотворение рисует тот изначальный момент, когда вдруг из «ничего», от легкого дуновения ветерка возникла первая музыка. Бога Нареду древние индусы и считали главным бо¬гом музыки, который подарил человечеству это вели¬кое искусство. По другой легенде, первым, кто познал музыку, был бог Брахма. Он поделился своим откры¬тием с мудрецом Брахатой, а тот уже рассказал лю¬дям о красоте и силе воздействия музыки. 

Предположим, что Нареда и Брахма действитель¬но были первооткрывателями музыки. Но как же в таком случае быть с греческими богами Аполлоном и Артемидой? Ведь, согласно одному из широко из¬вестных мифов, Артемида, выстрелив однажды из лука, первой обнаружила, что свист пущенной тетивы очень красив. Открытие Артемиды так понравилось Аполлону, что он и сам стал извлекать из «мужеубийственного» оружия, как гласит миф, очарова¬тельные звуки. 

Впрочем, эта версия о происхождении музыки опровергается самими же греками. Аполлодор в сво¬ей «Мифологической библиотеке» — одном из авто¬ритетнейших источников греческих мифов — утвер¬ждает, что сначала на свет появились музы, а потом уже их сводные брат и сестра — Аполлон и Арте¬мида. 
По преданию, муз было девять, причем пять имели непосредственное отношение к музыке: Эвтерпа считалась покровительницей всего музыкального искусства, Мельпомена ведала пением и похоронной музыкой, Терпсихора — хоровым пением, Эрато — свадебными песнями, Полигимния — песнопениями в честь богов и героев. И хотя Аполлон обычно именуется предводителем муз или Аполлоном Мусагетом, как явствует из мифологии, музы проявили себя в искусстве звуков все же раньше, чем Аполлон. 

Вероятно, у большинства народов есть легенды, рассказывающие о происхождении музыки, о богах и героях, открывших ее людям. Такое совпадение не удивительно. 
С какими бы звуками природы ни сталкивался че¬ловек в древности, их возникновение он приписывал сверхъестественным силам. Ему казалось, что звуки эти издают некие существа, таинственные и невиди¬мые. Например, как повествует немецкий эпос, не гром, а злой дух Тор, рассердившись на людей, по¬сылает на землю свои раскаты-проклятья; в журча¬щих водах реки или водопада сидит ласковый и неж¬ный Нек и поет русалкам свою размеренную песню; а в глубине шумящего леса смеется Пан или рычит Рюбецаль... 

Поэтичны и разнообразны мифы, легенды и ска¬зания древних народов о происхождении музыки. Но кто в наши дни поверит, что музыку людям нис¬послали боги и духи? 
В древности человек на каждом шагу встречался с музыкой природы — пением птиц, ревом животных, раскатами грома, журчанием ручья, шумом деревьев, звуками морского прибоя. Окруженный этими разно¬образными звуками, он, конечно же, пытался подра¬жать им. Таким образом, общение человека с природой было одним из главных источников, из которых возникала сознательно создаваемая им музыка. 
Но были и другие, не менее важные источники. 

Если внимательно присмотреться к первым, са¬мым примитивным музыкальным инструментам (их можно увидеть сегодня в этнографических или му¬зыкальных музеях), можно легко обнаружить, что они немногим отличаются от простых орудий труда. Такое сходство не случайно. Большинство из них имеет явно «рабочее» происхождение. Это заметно и по форме этих инструментов, и по манере игры за них. Обычная ступа, в которой толкли зерно, глиняный горшок или тыквенная бутыль обтягивались кожей, и инструменты — позднее их назовут ударными — можно было считать готовыми. 

Струнные музыкальные инструменты тоже роди¬лись из орудий труда. Они представляли собой (и в этом греческие легенды не погрешили против исти¬ны) не что иное, как подражание луку. 
Не были исключением и духовые. Чтобы передать сигнал на более далекое расстояние, первобытный музыкант усиливал звук своего голоса, крича в ра¬ковину или тростниковую трубку. 
Так человек открывал музыку. Открывал в окру¬жавшей его природе, а также в связи с трудо¬выми процессами, вне которых он не мог су¬ществовать. 

Представим себе жизнь наших далеких предков. В большинстве их первостепенно важных занятий — охоте, рыбной ловле, валке деревьев — необходимым условием была коллективность труда. Залогом успеха в повседневных делах служила слаженность. Поэто¬му в основе совместных действий первобытных людей лежал ритм. 

Возможно, что именно из ритмических покрики¬ваний, облегчавших совместную физическую работу, начали формироваться элементарные песнопения. Это лишь один из вероятных путей их зарождения. Другим мог быть хоровой танец, появившийся опять-таки благодаря трудовым занятиям человека древ¬ности. 
Хоровой танец, очевидно, возник как подражание повадкам зверей во время охоты и самому процессу охоты. Он служил не только примитивной игрой, но и способствовал укреплению важнейшего условия первобытной жизни — коллективной сплоченности, согласованности действий. Простейшим «инструмен¬том», обеспечивавшим ритмическую основу хорового танца, был человеческий голос. Есть основания пред¬полагать, что таким образом — в хоре — и родилась мелодия. 

Как именно складывались первые мелодии, соз¬данные человеком, определенно сказать трудно. По-видимому, тон всей группе танцующих задавал вождь племени или специально назначенный для этой цели запевала. Остальные подражали ему, под¬страивались под его пение. 

Однако сопровождением хорового танца мог быть не только голос. Первобытный человек использовал для этой цели ритмичное постукивание по каким-либо предметам (часто по все тем же орудиям тру¬да), ставшими прообразами ударных музыкальных инструментов. Это, собственно говоря, уже и была музыка. 
Но только ли общение с природой, труд и врожденное чувство ритма помогли людям открыть для себя музыку? 

Ритмические процессы свойственны многим живым существам. И даже инстинктивный мелодический дар присущ не только человеку, наиболее тонко он развит у птиц. Однако лишь человек оказался спо¬собным стать сознательным творцом музыки. Это произошло благодаря целому комплексу условий, три из них мы уже назвали. Но было и четвертое, без которого музыка никогда не стала бы искусст¬вом,— это художественный дар человека.
Именно художественное чутье и подтолкнуло наших далеких предков к попыткам в камне, глине, слоновой кости или с помощью наскальных рисун¬ков передать эпизоды из своей жизни. Он же привел к созданию зачатков музыкального искусства. 

«Птица поет, извлекает звуки из гортани своей, но ощущает ли она, как человек, все страсти, которые он один токмо на земле удобен ощущать при размеренном сложении звуков? — писал русский просве¬титель XVIII века Александр Николаевич Радищев.— Не птицы благопевчие были учители человека в музыке: то было его собственное ухо, коего вглубленное перед другими животными в голосе положение всякий звук, с мыслию сопряженный, несет пря¬мо в душу». 

Из приведенных слов выделим последние: «...звук, с мыслию сопряженный, несет прямо в душу». В них лаконично передано то, что решительно возвышает человека над всеми остальными живыми существа¬ми: способность мыслить и переживать. И не просто способность — потребность! Без нее, этой великой потребности, как и без названных уже нами условий, не существовало бы музыкального искусства. 

Итак, подражание звукам природы и участие в коллективных трудовых процессах, врожденное чув¬ство ритма и художественное чутье — все это вместе, многократно перемноженное на человеческую пытли¬вость, и дало жизнь искусству звуков.