Статья: Музыка и подсознание

Музыка и подсознание

Статьи о музыке » Музыкальные интересности

Никогда в истории человечества не звучало столько музыки, как сейчас. Но на самом деле она не просто звучит – она исполняет свою функцию программирования. И это отнюдь не пустые слова параноика. Их могут подтвердить беспристрастные факты... Все это рок-н-ролл «Я шаровая молния. Я проливаю дождь... Ты еще молод, но ты умрешь. Я не буду брать заложников и не поделюсь ни одной жизнью... Меня зовет колокол. Я забираю тебя в ад...» Это слова из одной из самых популярных песен рок-группы «AC/DC» - «Hell’z Bells» («Колокола ада»). Тяжелый ритм музыки позаимствован из ритуала африканских вуду – благодаря чему слова песни запечатываются непосредственно в подсознание слушателей. «Я забираю тебя в ад…» 

В свое время американский ученый-медик Дэвид Элкин доказал, что пронзительный звук большой громкости способствует сворачиванию белков (сырое яйцо, положенное перед громкоговорителем на одном из концертов, оказалось через три часа «сваренным» всмятку). «Тяжелый металл» замедляет рост растений, а в ряде случаев способствует их гибели. Рыба, подвергнутая рок-обработке с одновременным миганием света, сдохла и всплыла на поверхность водоема. 

Не являются исключением и люди. Исследования показали, что подростки, после получасового пребывания на дискотеке, полностью теряют над собой контроль и впадают в состояние, близкое к гипнабельному. А Джимми Хендрикс когда-то сказал: «С помощью музыки мы гипнотизируем людей, низводя их до примитивного уровня, и там, находя их самое слабое место, ты можешь им вбить в голову все, что угодно» (из интервью журналу «Лайф»). Это одна сторона музыки. 

Первые исследования, посвященные влиянию музыки на покупателей, были проведены в США в конце 1950-х годов. Выяснилось, что мягкая расслабляющая музыка создает в торговом зале уютную атмосферу, побуждая покупателей не спешить и больше времени посвятить выбору покупок. Быстрая музыка провоцирует противоположный эффект и используется, например, в часы пик, чтобы ускорить движение покупателей. Данный принцип используется и фаст-фудами. К примеру, в «McDonald's» специальный менеджер постоянно анализирует количество посетителей в зале: если их много, ставятся динамичные записи (проглотил гамбургер и катись колбаской), если же посетителей мало, включается расслабляющая музыка (кушай спокойно, продолжай тратить свои деньги). 

Сегодня на Западе работает много специализированных компаний, не просто подбирающих музыку для магазинов, а формирующих концепции музыкального оформления торговых предприятий. Наиболее известным разработчиком музыкальных решений для магазинов является фирма «Muzak Ltd» (США). В 40-х годах прошлого века фирма работала на правительство - сочиняла музыку для оборонных заводов с целью повысить производительность труда. Нынче « Muzak Ltd» работает на супермаркеты: в 2002 году на выставке «Global Shop» в Чикаго была представлена одна из новейших разработок фирмы - акустическая система, воссоздающая разную музыку в различных отделах магазина. Особые пластиковые купола в проходах между стеллажами подают звук направленно, «точечно», и человек, переходя из одной торговой зоны в другую, слышит совершенно новую музыку. И удивляется, даже не догадываясь, что его тупо «ведут» по специально разработанному маршруту. 

2 февраля 1980 года в 1-м Московском медицинском институте им. И.М.Сеченова появилась лаборатория психокоррекции. Возглавил ее Игорь Смирнов. В 1993 году его пригласили в Америку. По данным издания «Defense Electronics», в Северной Вирджинии (США) тогда прошла серия встреч Смирнова и представителей ФБР, ЦРУ и других спецслужб США, на которых Смирнов демонстрировал американцам некий программный продукт, который якобы позволяет внедрять в мозг человека чужие мысли (звучит, как фантастика). В том же году в США была создана компания «Psychotechnologies Corp.», которая занялась разработками в области влияния на умственные процессы. А в России вскоре появился Институт психоэкологии РАЕН под руководством Смирнова. В 1997 году в Российском университете дружбы народов начала работать кафедра психоэкологии, которой заведует все тот же Игорь Смирнов. В июне 2000 года Смирнов сообщил, что им и его коллегами создано психотронное оружие «для борьбы с болезнями человека». Мол, в ходе исследований было обнаружено четыре «универсальных ключа» к человеческому подсознанию. Одним из этих ключей стала психомузыка - вроде бы обыкновенная, в основном классическая, в которой содержится специальный неосознаваемый звуковой сигнал. 

В результате прослушивания этого сигнала происходит активизация внутренних ресурсов организма человека, стабилизация его вегетативных функций и улучшение сна. И хотя сам Смирнов так и не продал ни одного диска «Омофор», пиратские копии вскоре можно было купить на «Горбушке» или на московских лотках за 100- 150 рублей. Казалось бы – и что с того? Кому помешает улучшение сна? Никому. Если это, конечно, не сон разума. Тем, кто ложится спать По данным ученых, с каждым годом внушаемых людей становится все больше. Сейчас их примерно 85 % (!) хотя каких-то десять лет назад было меньше 50%. Чем это вызвано? Неизвестно. Чем это чревато? Всем. В состоянии глубокого гипноза человеку можно внушить что угодно, даже полную утрату памяти. Догадываетесь, кому это может быть интересно? 

А тут и догадываться нечего - методику воздействия на психику уже взяли на вооружение криминальные структуры. Суть «вооружения» такова: на ритмичную музыку накладываются скрытые команды (по звуковому диапазону они ниже слухового восприятия), которые воспринимаются подсознанием как указание к действию. В результате люди могут терять над собой контроль и выполнять любые команды (зависит от уровня развития индивида). Сибирская язва отдыхает. 

Секты, бизнес-клубы и прочие заведения «по интересам», использующие в своих «тренингах» музыку с «начинкой», плодятся быстрее кроликов. Между прочим, в Америке в настоящее время действует около 1800 (!) законодательных актов, контролирующих применение психотехнологий. Американцы боятся несанкционированного воздействия на психику больше, чем Усамы бен Ладена. И их вполне можно понять. Кому хочется быть зомби? 

Видите – крутятся диски. Слышите - в ритме, навязанном чужой волей, бьется покорное сердце. Чувствуете – чем пахнет? Да, ладно вам, успокойтесь. Поставьте Шуберта, Шумана, Чайковского или Вивальди. Стимульните свой творческий импульс «Болеро» Равеля, или «Танцем с саблями» Хачатуряна. Никогда не забывайте о Моцарте… Все это – тоже музыка, которая не менее иных звукосочетаний способна влиять на сознание, подсознание и прочие малоизученные «рычаги управления» человеком. Выбирайте сами. Имеющие уши да услышат свою музыку. 

слуховое восприятие звука

Статьи о музыке » Музыкальные интересности

Хорошо известно, что частотный диапазон слуха простирается от 16 до 20000 Гц. Слуховая память позволяет удерживать до нескольких сотен градаций частоты. Количество градаций уменьшается с понижением интенсивности звука. Поэтому среднее число градаций не более 150. 

Устройство органа слуха часто уподобляют цепочке резонаторов, настроенных на определенные полосы частот. Такая модель показывает хорошее приближение к устройству и результатам действия реальной слуховой улитки, в которой расположена базилярная мембрана, содержащая свыше 20000 осязающих волокон, которые передают возбуждающее воздействие через нервные окончания в слуховой центр мозга, где и происходит обработка полученных сигналов, вследствие чего слушатель воспринимает (субъективно) образовавшийся слуховой образ. Если слуховая память уже содержит предваряющую эмпирическую информацию о подобном или близком слуховом образе, то мозг идентифицирует ее как знакомую, идентичную или тождественную. 

Частотную разрешающую способность слуха обеспечивают полосы пропускания, образованные специфическим устройством органа слуха. Их называют критическими полосками, иногда - частотными группами. Всего таких полосок 24. Поэтому считается, что слух как бы превращает широкополосный звук со сплошным спектром частот в дискретный, т.е. состоящий из конечного числа составляющих, соответствующих включенным в работу числу критических полосок. Ранее было отмечено, что разрешающая способность слуха по амплитуде составляет несколько сотен ступеней ощущения. 

Таким образом, совокупная разрешающая способность слуха по амплитуде и частоте в пределах области слышимости, ограниченной снизу порогом слышимости, а сверху - болевым порогом, составляет около 22000 элементарных градаций звуковых ощущений. Своего рода четкость звукового изображения. Заметим для справки, что число градаций зрительных ощущений составляет около 600000. 

Как было отмечено, орган слуха имеет 24 критические полоски, определяющие дискретную избирательность слуха и его разрешающую способность по частоте. если среднее число ощущаемых градаций по частоте около 150, то максимальное может доходить до 620 при высокой интенсивности звука. 

При уровне звукового давления LP=70дБ на частотах менее 500 Гц слышны отклонения частоты тона на 1,8 Гц; выше же 500 Гц слышны отклонения порядка 0,35% от частоты тона. Частота тона является параметром раздражения органа слуха. Субъективным параметром ощущения частоты тона является высота тона. До частот 500 - 1000 Гц изменения частоты тона (раздражение) и высоты тона (ощущение) описывается логарифмическим законом, выше частоты 500 - 1000 Гц связь раздражения и ощущения все более отличается от логарифмической зависимости (рис. 1). За единицу высоты тона как параметра ощущения выбран "мел". Тон частотой 131 Гц (нота "до" малой октавы) имеет высоту тона z=131 мел. Более крупной величиной измерения высоты тона принят "барк": 1 барк = 100 мел. 

 
Рис. 1. Высота тона и шкала частотных групп (критических полосок) в зависимости от частоты

Из рис. 1 следует, что между высотой тона и 24 критическими полосками (правая шкала) существует тесная связь. Увеличению частоты на одну критическую полоску соответствует возрастание высоты тона на один барк. 

Звуковое раздражение передается на базилярную мембрану, имеющую длину 32 мм. Вдоль мембраны в кортиевом органе располагаются связующие волокна по 3500 в каждом. Раздражение тоном определенной частоты вызывает возбуждение некоторых волокон. При малых уровнях воздействия число возбуждаемых волокон меньше, при больших - больше. При изменении частоты тона изменяется локализация максимального возбуждения на базилярной мембране. На рис. 2 показано соотношение и расположение различных шкал относительно протяженности базилярной мембраны. 

1.  Основная (базилярная) мембрана, мм

2.  Число осязающих волокон в ряду, шт

3.  Число допустимых градаций высоты тона, шт

4.  Частота, Гц

5.  Высота тона, мел

6.  Высота тона, барк (число и нумерация критических полосок).

 
Рис. 2. Естественные шкалы основной (базилярной) мембраны

На рис. 3 показана зависимость уровня возбуждения LЕ на базилярной мембране при воздействии узкополосного шума со средней частотой 1 кГц и уровнем LШ. Из рис. 3 следует, что сигнал другой частоты, обеспечивающий на несколько децибел меньший уровень возбуждения базилярной мембраны, не будет услышан. Это явление называется Эффектом маскировки. Причем низкие тоны сильнее маскируют высокие, нежели наоборот. Громкие высокие тоны не маскируют низкие тоны даже малого уровня. Высокий тон, который при малой громкости отчетливо слышен одновременно с низким тоном, может оказаться полностью замаскирован низким тоном, если громкость увеличена чрезмерно. При LШ=100 дБ почти все критические полоски выше восьмой "загружены" маскирующим сигналом, для преодоления эффекта воздействия которого на волокна базилярной мембраны потребуется такой уровень, который не свойственен натуральным звукам в высокочастотной области. На рис. 3 показано действие шума со средней частотой 1 кГц, что не равнозначно музыкальной программе, но тенденции и эффекты маскировки сохраняются при любых типах сигналов. 

 
Рис. 3. Зависимость уровня возбуждения LЕ на базилярной мембране от уровня шума LШ со средней частотой 1 кГц

Это вторая причина (после увеличения субъективных гармоник), по которой громкие звуки не обязательно сопровождаются качественным звуком. 

Из рис. 3 следует также, что два звука маскируют друг друга тем сильнее, чем ближе их основные частоты, например, в случае взятия одинаковых нот на разных инструментах. Слух различает в этом случае каждый инструмент раздельно лишь по признакам характерной окраски звука каждого инструмента (тембру), хранящимся в долговременной памяти слушателя. 

Различия в тембрах определяются преимущественно низко- и среднечастотными составляющими звучаний инструментов. Большое разнообразие и богатство тембров связано с сигналами, лежащими в нижней части частотного диапазона, тем более, что в музыке основные тоны выше 1 кГц используются редко. 

На сколько значима музыка?

Статьи о музыке » История музыки, Статьи о музыке » Музыкальные интересности

Музыка – что это такое? Откуда она взялась, и вообще, зачем она существует? Казалось бы, вопросы достойные ребёнка, и ответы на которых довольно банальны и известны каждому, но, всё же, кто может дать точный ответ? Давайте вместе попробуем разобраться, итак… 

20-30 тыс. лет назад возникли первые более-менее разумные люди, которые уже начали задумываться, чем бы им на этой планете ещё, заняться, кроме как ходить на охоту и войну, помыслами чем бы ещё набить живот, да игрой в «размножалки» с самками племени. Многим, наверное, знакома «Пирамида потребностей» (из лекций по Экономике, например), судя по этой пирамиде, человек после удовлетворения своих естественных потребностей – начинает задумываться о других второстепенных, но всё-таки важных для него лично, потребностях, желаниях, мечтах. Видимо так же произошло в историческом контексте – письменности ещё не было, связанной речи тоже, зато появились зачатки живописи и музыки, т.е. живопись и музыка - самые старейшие виды искусства изобретённого человеком! 

Что же было с этими изобретениями дальше? Зачем они вообще были нужны людям тогда, в те «тёмные» века? Как оказалось, уже в то время люди искали способ контролировать других людей, с помощью странных изображений, фигурок, звуков, ритмов, музыки, танцев. С момента появления речи, появилась песня. Песня, была чем-то вроде молитвы, т.е. её пели только в нужные моменты, для совершения обрядов или ритуалов. 

Шло время, и приблизительно 10 тыс. лет назад начали зарождаться великие цивилизации, сначала была Египетская (точного момента её зарождения никто не знает, также непонятно, откуда они взялись, и откуда у них такие сильные познания в архитектуре, живописи, письменности, математике и др.), но даже в исторических фактах можно найти сведения, что в Египте был высокий уровень архитектуры, живописи и музыки именно в угоду жречества и правящего класса. 

Ситуация не изменилась и позднее, в других великих цивилизациях лишь крепла связь искусства с правящим классом и религией, т.е. уже в те времена был заложен камень преткновения разделяющий «нужное искусство» (полезное для правящего класса и религии) с псевдоискусством (то что не подходит для управления толпы). В это же время появляется персонифицированная скульптура, живопись и музыка/песня. Возвеличивающая не правящий класс, а любого, кто мог себе позволить заказать у мастера подобное удовольствие. С этого момента, люди понимают, что можно извлекать материальную выгоду из своих трудов. Искусство, становится продажным, и это не есть плохо, т.к. повсеместно появляются новые художники, музыканты и др. деятели, между которыми появляется конкуренция, начинается качественный рост искусства. 

До середины средних веков идёт разграничение искусства по классам общества. У низшего сословия и бедноты – своё примитивное искусство, фольклор и песни, у среднего класса – ситуация уже получше, тут вам и хвалебные гимны, оды и рулады, картины, бюсты, и т.п., ну а у правящей верхушки и церкви – конечно, самое лучшее. 

Такая тенденция, есть и сейчас, но с конца средних веков, искусство отошло на второй план, его место заняло - изобретательство. Престижней становится иметь автомобиль (если сравнивать уже с нашим временем), чем картину, разбираться в сложных устройствах, чем в написании музыки, сочинении стихов. Тем временем, правящая верхушка, понимает, что искусство, как управленческая ниточка - теряет свою полезность, но всё же оно ещё приносит финансовую выгоду, а значит – ещё может быть довольно полезным. 

В основном, правительства многих стран поддерживают традиционную музыку, присущую их менталитету, а также классическую. 

Сегодня искусство проникает повсеместно – сквозь радио и телевизор, эволюция его идёт экспоненциально, усложняются приёмы написания, создания шедевров. Появляются, различные конкурсы и премии, показывающие что автор – действительно достоин их. 

Так всё же, что такое музыка? Ведь её не понимает ни одно божье творение, кроме человека, и в тоже время музыка – это творение человеческое, а не божественное. Музыка, каким-то немыслимым образом «трогает душу», она одна из немногих способных сделать это, а душа – что это? Есть ли разумные объяснения, достоверные физические факты? И всё же, музыка доказывает – что что-то там, внутри нас есть, чего нет в других божьих творениях, и это – хорошо! 

Музыка может заставить радоваться, танцевать, или быть грустным и даже – плакать. Для каждых значимых событий в нашей жизни – есть своя музыка: в церкви – подавляющая, заставляющая почувствовать себя мелким ничтожеством в доме бога, также у каждого государства есть свой гимн – тут уже мы должны испытывать гордость и торжество, превосходство нашего государства над другими. Есть ещё множество моментов в жизни, которые не обходятся без участия музыки, просто с того момента, как человек понял, что музыка может влиять на настроение и поступки не только его самого, но и других людей, музыка становится заложницей в руках умелых управленцев и дельцов, вот это, как раз и прискорбно… 

Может быть, уже хватит воспринимать музыку подсознательно, и стоит попробовать разобраться, зачем вы это делаете? Может вам, этим самым кто-то навязывает поведенческие стереотипы? Просто знайте, что некоторые могут слушать музыку и не быть потом зависимыми, ни от певца, ни от музыканта. Если композиция действительно хороша – сделана с душой, то не важно какой у неё рейтинг продаж, или симпатичная ли вокалистка её исполняет. Музыка нужна лишь для того, чтоб мы чувствовали себя лучше. Слушайте больше разнообразной музыки, старайтесь разбираться в стилях и тенденциях, пусть у вас появится собственный вкус (а не тот который вам пытаются навязать управленцы и дельцы), и, в конце концов, вы поймёте, для чего она нужна… 

Как основать пиратскую радиостанцию

Статьи о музыке » Музыкальные интересности

Пиратское радио является полностью незаконным и мы советуем вам даже не рассматривать создание собственной радиостанции. Не смотрите на какие-либо веб сайты, данные ниже, не разговаривайте с кем-либо, занимающимся пиратскими станциями и, чем бы вы ни занимались, не думайте использовать FM-диапазон частот как удивительно доступную среду для вещания, посредством которой следует развивать ваши ди-джейские навыки и подпольную музыкальную сцену, частью которой вы являетесь. 

Уяснили это? Надеемся, что это должно отпугнуть вас  

Почти все люди, работающие или работавшие на BBC Radio 1, включая Пита Тонга, Дэнни Рэмплинга, Джилса Петерсона и Джона Пила начинали в качестве работников пиратского вещания. Начиная с 60-х годов прошлого века пиратское радио стало родным домом для самой подпольной музыки. По приблизительным подсчетам в Англии успешно работают 200 пиратских станций, из них более 80 - в одном только Лондоне. 

Пиратское радио получило свое название от незаконных станций 60-х годов, которые вещали с кораблей в Северном море и Ла-Манше. Самыми известными были «Радио Каролина» и «Радио Лондон» (откуда Radio 1 переманило почти всех диск-жокеев в 1967 году своего основания), а также «Радио Люксембург», базировавшееся на суше. В 70-х годах появились такие станции, как «Инвикта» и «Ди-би-си», которые изменили вкусы поколения по мере того, как они рекламировали стиль «регги» для разрастающихся «черных» общин Лондона. Феномен этих станций заключался еще и в том, что буквально за считаные недели их аудитория вырастала до нескольких миллионов человек. В наши дни, несмотря на десятки лет усилий правительства ликвидировать пиратские станции (в том чиле массовую охоту на подпольных вещателей в США 60-х годов), они как никогда сильны и продолжают предлагать альтернативу легальному радио. 

Никогда не занимайтесь незаконной деятельностью и не лезьте в радиоэфир, не уважая законы демократического общества. До тех пор, пока вы не будете заниматься каким-либо из нижеприведенных видов деятельности, вы будете находиться в рамках закона. 

Вам не стоит находить группу людей, разделяющих страсть к вещанию и к андеграундной музыки, которой мало в мейнстримовом радиоэфире. Включая людей, которые более технически грамотны, чем вы. Включая людей, более хорошо осведомленных в особенностях того или иного района и способных подобрать нужный дом или башню, равно как и отыскать пробел в радиодиапазоне этой области и убедиться, что никакие другие пираты не используют его и не планируют использовать. Вам не стоит занимать, покупать или собирать передатчик, сооружать антенну и прикреплять ее к какой-либо вышке. 

Не посещайте какой-либо из этих веб-сайтов: 

http://www.textfiles.com/hamradio/pir.txt 
http://www.piratenationradio.org/ 
http://www.irational.org/sic/radio/pirate-fm.html 

Будучи заполненными опасными анархистскими советами по организации и раскрутке своей радиостанции и криминально ориентированным техническими подробностями, вплоть до чертежей антенн, а также усилителей и передатчиков FM сигнала, эти дурные сайты, несомненно, многих повели по кривой дорожке. 

Толл Пол, в интервью журналу «Mixmag»: «Все шло хорошо до тех пор, пока мы не услышали, что к нам собирается полицейский рейд. Я срочно позвонил Голди по мобильнику, сказать, чтобы он быстро избавился от передатчика. Когда мы добрались до дома, то увидели толпу людей, смотрящих вверх на окно Голди, откуда он выбрасывал передатчик. Единственной проблемой было то, что он забыл отсоединить его». 

В случае, если вы все же думаете о своей пиратской радиостанции, помните, что при вашей поимке (а вас ведь обязательно поймают), вам придется выплатить крупный штраф, а все ваше оборудование изымут. 

Пит Тонг: «Я работал на радио «LWR» и «Invicta». Когда я начинал работать на пиратских станциях, это вовсе не казалось незаконным делом. Это было похоже на хобби и тот факт, как сильно мы этим увлекались и как много тратили на это времени и сил, и поэтому напрашивается вопрос: «Что вы имеете в виду, когда говорите, что это нелегально?». 

Официальные власти, в частности российские, свою активность по отношению к радиопиратам проявляют циклично. Активно пеленгуя и гоняя незаконных радиолюбителей вплоть до начала перестройки, новый этап "охоты на ведьм", российские чиновники устроили лишь в конце 90-х. На данный момент снова у аппаратчиков царит относительное спокойствие, но это еще вовсе не значит, что пеленгаторы вышли из строя. 

Мы абсолютно точно уверены, что прочитав этот текст, вы окончательно откажетесь от идеи занять свое место в радиоэфире, пусть даже и не самым легальным путем. Мы рассчитываем, что вы не будете забивать себе голову всякой ерундой, вроде продвижения качественной музыки, независимых точек зрения и прочих никому не нужных вещей. Тем же, кто все равно попытается сделать это, определенно потребуется много удачи и наилучшие пожелания. 

Магия продаж фортепиано

Музыкальные инструменты » Клавишные, Статьи о музыке » Музыкальные интересности

Музыка облагораживает нравы, но нравы развращают музыку. 
Кшиштоф Билица

Рояли и пианино - совсем недешевые музыкальные инструменты, но при этом их можно смело отнести к товарам, которые будут пользоваться спросом всегда, пока живет и развивается культурная прослойка населения на земном шаре и, в частности, в России. Как и на любом другом рынке, на рынке музыкальных инструментов тоже работают недобросовестные продавцы, которые часто фальсифицируют страну-производителя или название торговой марки фортепиано для того, чтобы заработать дополнительную прибыль. На их уловки иногда попадаются даже профессиональные исполнители и преподаватели музыкальных учебных заведений. 

Критерии выбора

Определяющим фактором при покупке фортепиано является страна-производитель. Дорогими и качественными инструментами исторически считаются немецкие и австрийские пианино и рояли, далее по цене идут чешские и самые дешевые - китайские. 

Пианино, целиком изготовленное в Германии, стоит порядка 7 000 евро. Все, что дешевле, сделано чаще всего в Восточной Европе или в Азии под немецкими лейблами, такими как "Euterpe", "Essex" (EGP) и т.д. Например, пианино и рояли "Euterpе" принадлежат немецкой компании "C.Bechstein", но производятся в Индонезии. 

Цены на фортепиано действительно высоки, но это вполне оправдано тем, что инструмент состоит из более 6000 частей, должен выдерживать 20-тонное натяжение струн, а его изготовление - практически полностью ручная работа. Хорошее фортепиано, сделанное из надежных материалов, - это произведение искусства и оно призвано прослужить пятьдесят и даже сто лет без ремонта. 

Уменьшение стоимости инструмента возможно благодаря минимизации затрат на рабочую силу, а также благодаря экономии на материалах, механике и прочих важных компонентах. 

Часто решение о покупке принимается исходя из рекомендаций и советов. Здесь важно обратить внимание на то, что разные серии инструментов могут производиться на фабриках в различных странах, а, следовательно, качество и звучание может отличаться. К тому же любое мнение субъективно, в таких вопросах лучше прислушаться к независимым экспертам и проанализировать информацию из всех источников. 

Глобализация рынка

Общемировая тенденция глобализации не обошла стороной и рынок музыкальных инструментов. Это проявляется в том, что сегодня любая немецкая или японская компания-производитель может владеть собственной фабрикой в Китае или Индонезии и выпускать там фортепиано под своей торговой маркой. Крупные компании разрабатывают новые торговые марки для каждой ценовой категории, таким образом, они пытаются охватить больше сегментов рынка. 

Наступательную политику ведут азиатские производители музыкальных инструментов. Несмотря на то, что они с каждым годом внедряют все более новые компьютеризированные технологии и совершенствуют фортепиано - строительство, звучание таких инструментов пока оставляет желать лучшего. 

Многие китайские и корейские компании для экспорта и внутренних продаж одного и того же товара придумывают разные названия. Это своего рода маркетинговый ход: как известно, то, что приемлемо для азиатской культуры, может совсем не подходить для Европы или Америки. Например, корейская компания у себя на родине продает рояли под маркой "Young Chang", а в Европу и Россию их же экспортирует как "Bergman", и многие думают, что это немецкий производитель. 

Технология изготовления фортепиано уже давно не является тайной, детали, необходимые для его сборки, тоже известны. Это позволяет компаниям закупать некоторые элементы у конкурентов в целях экономии на собственном производстве или, напротив, для улучшения качества. Например, "Petrof" для повышения надежности своих инструментов премиум-класса закупает большое количество деталей в Германии (например, механика "Renner"). 

Показателем настоящего качества является хороший звук, надежная механика и эстетичный внешний вид. В процессе изготовления инструмента очень много зависит от качества используемых материалов и ручной работы профессионалов. Вряд ли кто-то с уверенностью может сказать, в какой стране или на какой фабрике делают инструменты лучше. 

Если обратиться к статистике, Германия является лидером среди стран-поставщиков, более 50% немецких инструментов идут на экспорт. За Германией следуют США и Япония, затем Чехия, Южная Корея и Китай. Три последние в списке страны больше ориентированы на объем продаж, чем на эксклюзивность и качество. 

Уроки для потребителя

Самое сложное заключается в том, что в этой ситуации невозможно дать какие-то конкретные советы и рекомендации потребителям. Ясно одно, по стране происхождения или названию марки судить о качестве инструмента нельзя. 

Очевидно, что вероятность купить настоящую вещь "Dolce&Gabbana" в фирменном бутике выше, чем в торговом центре рядом с вокзалом. Также и с выбором хорошего музыкального инструмента: при покупке лучше поинтересоваться партнерскими статусами компании-продавца или поставщика, опытом работы, а также попросить сертификат, подтверждающий происхождение приобретаемого инструмента. 

Кроме этого, есть еще несколько стандартных приемов, как определить, действительно ли инструмент принадлежит заявленному бренду или это обман: 

На чугунной раме должна быть указана информация о производителе - уникальный номер инструмента, название фабрики и место изготовления. 

Отделка инструмента должна быть идеальной, без внешних и внутренних дефектов поверхности, некачественного лака, грязной механики. 

Все «внутренности» фортепиано должны быть в идеальном состоянии и эстетично смотреться. 

Если сомнения все-таки остались, то лучше прибегнуть к услугам независимого специалиста, а лучше сразу двух, чтобы можно было сравнить мнения. 

Про винил

Статьи о музыке » Музыкальные интересности

Хороших историй со счастливым концом в нашей жизни не так уж и много. Одна из них —история граммофонных пластинок, или «винила». 

В корне неверно думать, что винил — это нечто доисторическое. Времена граммофонов, патефонов и радиол давным-давно прошли, и сейчас виниловые «вертушки» представляют собой весьма технологичные устройства. А значит, и качество звучания аудиосистемы с таким проигрывателем находится на высоте. На очень большой высоте! Сравнивать звук, получаемый с пластинок, с компакт-диском — занятие, поверьте, неблагодарное. Все равно что сначала проехаться на «Мерседесе» а потом пересесть на «Запорожец». Послушайте один раз, и все сразу станет понятно. 

Время перемен

Если со звуком все отлично, то почему же компакт-диск в итоге почти полностью вытеснил «винил», можете спросить вы. Отчего грампластинки сравнивают с подлинниками великих художников, а компакт-диски — с их копиями, но все равно CD имеет большую популярность? 

Все дело в том, что CD как носитель, конечно же, практичнее. Виниловые пластинки подвержены царапинам, что приводит к ухудшению звука. А компакт-диск (если только его специально не царапать) прослужит долго. Вторая причина в том, что в 80-х годах прошлого столетия технический прогресс был настолько стремительным, что стало нерентабельно заниматься выпуском сложной продукции. Технология производства компакт-диска намного проще, чем винила, так что выбор однозначно был сделан в пользу первого. Постепенно в продаже появился если не буквально ширпотреб, то дешевая аппаратура в пластиковых корпусах с печатными платами — в общем, штамповка. Тогда же на пике популярности оказалась попса. Как связаны эти два явления? Да очень просто. Простая и незатейливая музыка не требовала каких-либо жестких стандартов для ее записи. Легкий мотив «унца-унца» да сладкий голос Томаса Андерса — вот и все. Не было никакой разницы, где слушать такую музыку, она почти одинаково звучала как в концертном зале, так и по радио. Вот и стал потихоньку уходить в прошлое «винил», резко сократился выпуск проигрывателей, а ламповая техника перешла в разряд эксклюзивной. Однако не все так печально. На «виниле» в свое время была выпущена, наверное, лучшая музыка ХХ века. В основном это, конечно, классика, джаз, рок-музыка. Впрочем, в продаже можно найти практически любые записи, от АВВА до Metallica и Iron Maiden. Конечно, масштабы производства несравнимы с массовостью CD, зато и обнаружить на пластинках «полный отстой» гораздо сложнее. И не забываем про звук! 

Шеллак и «винил»

В далеком 1877 году, когда была записана первая фонограмма, сразу же начались мучительные поиски подходящего материала для нового носителя информации. Формой для пластинки был выбран круг, на который наносились расположенные по спирали канавки с неровностями. Но встал вопрос — какой же материал выбрать? В 1835 году немецкий химик Юстус фон Либих после длительных опытов открыл винилхлорид, который впоследствии сыграл огромную роль в промышленности и быту. А за пять лет до записи первой фотограммы, в 1872 году, другой немецкий химик, Ю. Бауман, получил полимер винилхлорида, который чуть позже нашел свое практическое применение. 

Прообраз современной пластинки возник в 1888 году — тогда использовали цинковый диск, на который наносился слой воска по методике немецкого инженера Э. Берлинера. По его имени грампластинки еще иногда называют дисками Берлинера. Чуть позже Берлинер представил миру еще одно ноу-хау — метод снятия с исходного диска дубликатов для массового производства. Сначала диски штамповали из целлулоида, эбонита и каучука. Но все они не устраивали по причине ненадежности. Было перепробовано еще множество различных веществ и субстанций, и в итоге решили остановиться на натуральной смоле, называемой шеллак. Она выделялась молодыми побегами растений при непосредственном участии самок насекомых Тахардия Лакка (Tachardia Lacca). Чтобы получить исходное сырье для пластинки, нужно было отделить шеллак от коры растений, обработать его горячей водой, расплавить и отфильтровать. Сам материал был на вес золота (одна самка за свой короткий век успевает выделить всего 20─25 мг этого вещества). 

В то время единственным устройством, которое могло воспроизводить записи, был граммофон с пружинным приводом и рупором, игравшим роль современных акустических систем. Кроме того, он отфильтровывал щелчки и шумы. Из-за того, что стальная игла прижималась к пластинке очень сильно, диски очень быстро портились. Наилучшим выходом из положения было дублировать запись с обратной стороны пластинки. Со временем, когда удалось добиться меньшего веса прижимного механизма, на второй стороне стали записывать продолжения произведений. 

Пластинка в России

Граммофонная промышленность России начала XX века представляла собой ряд мелких артелей. Известно о двух фабриках в Москве — «Пишущiй Амуръ» и фабрика братьев Патэ (Pathee), об одной — под Москвой, на станции Апрелевка («Метрополь Рекордс») и об одной — в Петербурге (фабрика русско-американского АО «Граммофонъ»), с филиалом в Риге. Были в России и отделения заграничных граммофонных концернов (например, «Зонофон Рекорд», «Берменер Рекордс», Victor, Beka). 

После 1917 года все предприятия по производству пластинок были экспроприированы Наркомпродом, а в 1918 году граммофонная промышленность перешла в ведение Центропечати. Выпуск пластинок с дореволюционными записями продолжался за счет старых запасов сырья, но ввиду дороговизны шеллака появились трудности в массовом производстве (на тот момент актуальны были записи агитационных речей политических деятелей). По решению Центропечати стали использовать осколки старых пластинок — скрапа. Среди первых граммофонных записей — речи новых политических лидеров: Коллонтай, Луначарского (1918 год), Ленина (1919 год). 

В 1922 году создается объединение по производству пластинок «Грамопластинка», тогда же на базе бывшей фабрики братьев Патэ в Москве открывается первая государственная фабрика «Пятилетие Октября». Среди пластинок того времени можно найти образцы «гранд» (диаметром 25 см, время звучания одной стороны 3 мин.) и «гигант» (30 см, 4 мин.), а также диски диаметром 20 см и 15 см. В 1938 году появились первые небьющиеся гибкие 25-сантиметровые пластинки из ацетилцеллюлозы. Однако до начала 40-х годов в производстве все еще господствовал шеллак. Но, начиная с этого времени, было решено отказаться от дорогого импортного сырья и заменить его на более дешевый хлорвинил. Уже через десять лет, в начале 50-х, в магазинах появились пластинки с надписью «Бесшеллачная ПХВ-п». В послевоенное время наибольшую популярность завоевывают пластинки-«миньоны» диаметром 20 см. Их выпускают многие фабрики Москвы, Ленинграда и союзных республик. Помимо типовых этикеток на пластинках красовались портреты исполнителей и художественные тематические зарисовки. 

Но все вышеперечисленные пластинки воспроизводились со скоростью 78 оборотов в минуту, ширина звуковой дорожки была 140 мкм. Такой вид пластинок был распространен более 70 лет. К концу «эры 78 оборотов», то есть к началу 50-х годов, на смену патефонам пришли более современные устройства с электрическим приводом диска — электропатефоны, электропроигрыватели, радиолы. Все работало, естественно, на лампах. Изменения коснулись не только техники, но и иглы. Благодаря корундовым наконечникам иглы стали более износостойкими. Затем было открыто стереофоническое звучание. Пластинки «78 оборотов» уже не устраивали в силу малого времени записи. Уменьшить толщину канавок не удалось — этого не позволял материал, из которого изготавливались пластинки. Тогда для производства пластинок стал применяться винилит — сополимер винилхлорида и винилацетата. Он был менее хрупким, чем поливинилхлорид, и гораздо легче его. Так появились диски, записываемые на меньшей скорости — 33 1/3 об./мин. при ширине звуковой дорожки 55 мкм. Более того, новый материал позволял изготавливать цветные пластинки: в состав полимера добавлялся краситель. Такие пластинки продавались в 60─70-х годах. 

Однако с появлением нового формата сразу стала проблема совместимости: старые проигрыватели были попросту непригодны, им требовался новый звукосниматель. Но так как у людей было много пластинок старого образца, промышленность наладила производство звукоснимателей с двумя переключаемыми иглами. Правда, у нового материала тоже имелись недостатки. Да, винилит был не таким хрупким, но в то же время был мягче предшественника, из-за чего срок хранения пластинки (даже при бережном к ней отношении) оказывался гораздо меньше, чем у дисков 78 об./мин. 

Параллельно проводились эксперименты по еще большему увеличению времени записи. На свет появились пластинки, записываемые со скоростью 45 об./мин. Это был некий компромисс, так как удалось сохранить качество звучания и сохранность пластинок. Изобретение прижилось на Западе, и так называемые «сорокопятки» в основном слушали в кафе на специальных автоматах с автоматической сменой носителей (помните голливудские фильмы?). 

Выпускались и пластинки частотой вращения 8 1/3 об./мин. Они предназначались для записи речевых программ с длительностью звучания одной стороны до полутора часов. 

В 70-х годах получают вторую жизнь гибкие пластинки, впервые появившиеся в 30-е годы. Пластинки flexi — один из самых дешевых вариантов носителей как в производстве, так и по качеству используемого конверта. В 80-90-х годах ходили слухи, что различные цвета этикеток пластинок фирмы «Мелодия» соответствовали разным частям тиража с одной пресс-матрицы. Наилучшие по качеству пластинки (первая часть тиража с неизношенной матрицы) имели черную этикетку, далее (в порядке ухудшения) — синюю, красную и, наконец, белую. 

С появлением цифрового звучания, в 80-х, были предприняты некоторые попытки его внедрения в грампластинки. Но они оказались безуспешными. Тем не менее в 1981 году впервые в мире была издана фонограмма, записанная цифровым способом. На этикетках таких пластинок делалась надпись «цифровая запись».Так называемые «квадрапластинки» не прижились в силу своей дороговизны, да и аппаратура для них требовалась недешевая. С этого времени фактически начинается эпоха цифрового звука и цифровых носителей. 

ПРАВИЛА ОБРАЩЕНИЯ С ПЛАСТИНКАМИ

- Хранить конверты с пластинками в вертикальном положении. 
- Содержать пластинки в наиболее прохладном, но не сыром месте, избегая освещения пластинок солнечными лучами. 
- Каждую пластинку помещать в отдельный конверт, тщательно избегая запыления: перед проигрыванием протирать пластинку мягкой фланелью. 
- Пользоваться только доброкачественными иглами, не прибегая к суррогатам. 
- Не пользоваться подержанными иглами, не поворачивать игравшую иглу в зажиме мембраны или адаптера. 
- Избегать толчков при проигрывании; не заводить граммофон во время проигрывания; не проигрывать пластинку, если граммофон стоит на сотрясающемся основании. 
- Опускать звукосниматель на пластинку плавно, без толчка. 
- Не запускать и не останавливать диск при опущенном звукоснимателе. 

Правила обращения с пластинками печатались на бумажных конвертах, в которых продавались пластинки. 

В отечественной фирме «Мелодия» рекомендовали очищать пластинки при помощи клея ПВА. Все дело в том, что по мере износа пластинок растет шум (при прохождении иглы по канавке часто «встречались» пылинки, игла «перепрыгивала» через препятствия, создавая повреждения). Приемлемое качество можно было сохранить до 100─150 проигрываний. Поэтому специалисты из «Мелодии» советовали нанести клей мягкой кистью на всю рабочую зону пластинки, а после его высыхания снять образовавшуюся эластичную пленку, к которой как раз и приклеивались частички пыли. 

«Апрелевка» 

Производство грампластинок в России было налажено 1 сентября 1910 года, с открытием в подмосковном селе Апрелевка фабрики массы для граммофонных пластинок и их прессовки. «Метрополь-Рекорд». Фабрика, основанная немецким предпринимателем И. Молем, А. Кабартом и Фогтом, впоследствии выросла в крупнейший в СССР Апрелевский завод грампластинок. Первые пластинки имели два отверстия в центре и проигрывались от середины к краю. Их диаметр постепенно увеличивался (достигал даже полуметра). После революции был создан отдел «Советская пластинка». На пластинках тех лет красовалась ласточка, державшая в клюве нотный знак золотистого цвета. Она стала эмблемой Апрелевского завода. 

«Мелодия» 

Всесоюзная фирма «Мелодия» была организована в 1964 году как государственная компания по производству, хранению и распространению звукозаписей. В те годы миссией компании было сохранение и пропаганда творчества отечественных композиторов, музыкантов-солистов, вокально-инструментальных ансамблей и оркестров во всем мире. В ассортименте имелись записи многих жанров — и классика, и фольклорные произведения, и легкая музыка, и творчество музыкантов из всех республик бывшего Союза. По сути «Мелодия» была одним из важнейших инструментов государственной культурной политики. 

Кстати, на пластинках «Мелодии» была применена собственная система обозначений. Так, первая буква (М, С, К) обозначала вид записи (монофоническая, стереофоническая, квадрофоническая), Г — гибкая пластинка. Первая цифра (от 0 до 9) — жанр записи (например, 2 — русская народная музыка, русские народные инструменты, 7 — учебные записи (уроки, лекции, фонохрестоматии). Вторая цифра (0, 1 или 2) — диаметр пластинки. Далее шел номер записи стороны пластинки, а после косой черты — номер аппаратной, в которой была произведена запись. 

После распада СССР кризис коснулся и «Мелодии». Возникли сложности как с производством, так и с дистрибуцией продукции. Сегодня «Мелодия» — новый взгляд на старые вещи. Специалисты компании занимаются реставрацией старых и архивных записей русских артистов и композиторов. 

Необычные пластинки

«Рок на костях» 

Во времена «железного занавеса», когда жесточайшей цензуре подвергалось все западное, народные умельцы нашли выход из положения. В подпольных студиях звукозаписи предприимчивые люди наладили производство грампластинок из фотопленки, которая использовалась для рентгеновских снимков. Непригодные снимки шли в ход для модного тогда рок-н-ролла и Beatles. Такие «самопальные» пластинки назывались «рок на костях» — из-за того, что на дисках были изображены самые что ни на есть настоящие человеческие кости. 

«Говорящее письмо» 

В 60-70-е годы ХХ века в столичных городах и на курортах СССР широкое распространение получили «гибкие звуковые письма». Любой желающий мог передать привет семье, наговорив в микрофон приветствие, которое потом записывалось на особом рекордере на бумажную пластинку, покрытую пластмассовой пленкой. Популярностью пользовались диски с изображением чего-либо, например с панорамой города. Одна из студий в Москве предлагала дополнить письмо записями Beatles или Rolling Stones и безбедно просуществовала вплоть до 1975 года. Правила обращения с пластинкой гласили: «Поставить в адаптер новую иголку, притупить ее, проиграв часть фабричной пластинки, и, не меняя ее положения, производить проигрывание». 

Гибкие пластинки 

В 70-х годах получают вторую жизнь гибкие пластинки, впервые появившиеся в 30-е годы. Это один из самых дешевых вариантов носителей — как в производстве, так и по качеству используемого конверта. В Советском Союзе они имели бешенную популярность благодаря доступности для широких масс населения. Как правило, на них записывалось четыре─пять композиций. От традиционного винила они отличались богатством расцветок — бывали желтыми, голубыми, красными, черными, серыми, голубыми, причем различных оттенков. Такие пластинки часто являлись приложением к журналам, а пластинки малых размеров даже прикреплялись к открыткам. 

Техника в деталях

Граммофон 
конец XIX – начало ХХ века

Звук воспроизводился чувствительной мембраной и усиливался через рупор. Для приведения граммофона в рабочее состояние приходилось крутить ручку, из-за чего его также прозвали «яйцевзбивалкой». Оптимальная длина рупора должна составлять 6 м, поэтому трубу, наподобие валторны, сворачивали в виде раковины улитки. Раструб рупоров порой доходил в диаметре до полутора метров, а изготавливались они из луженой никелированной латуни. 

Патефон 
20–50-е годы XX века

В 1907 году французской фирмой «Патэ» изобретена модификация граммофона — патефон. Разработчик — Гильон Кеммлер. Основное отличие от граммофона в том, что рупор размещался внутри корпуса, это позволило существенно уменьшить размеры устройства. Вскоре патефоны стали по-настоящему портативными, а некоторые модели, с раздвижным тонармом, можно было без проблем носить с собой. 

Радиола 
50–70-е годы XX века

Тем, кто постарше, наверняка запомнились радиолы — довольно большие устройства, сочетающие в себе все функции электрофонов плюс еще радиоприемник. Особой популярностью пользовались радиолы прибалтийского производства: «Ригонда», «Эстония», VEF. Радиолы были монофоническими и стереофоническими и выпускались как в настольном, так и в напольном (с ножками) вариантах. 

Электропроигрыватель 
середина ХХ — начало ХХI века

По сути тот же электрофон, но без усилителя и громкоговорителя. С некоторыми изменениями дожил и до дней сегодняшних. Именно современные электропроигрыватели сейчас называют «вертушками». Для работы такого устройства в составе домашней стереосистемы нужен фонокорректор, который изменяет частотную характеристику аудиосигнала, поступающего с головки звукоснимателя на усилитель, ввиду генерации сигналов более низкого уровня, чем у компакт-диска. 

Музыка в машине влияет на скорость вождения

Статьи о музыке » Музыкальные интересности

Темп музыки, которую водитель слушает в пути, влияет на характер движения. 

Сотрудник университета Бен-Гуриона обследовал 28 студентов с более чем семилетним стажем вождения. Им было предложено совершить виртуальную поездку по улицам Чикаго под разную музыку - от спокойных баллад до быстрой танцевальной, или в полной тишине. Темп менялся от 60 до 120 и более тактов в минуту. Любая пьеса звучала достаточно громко для усиления эффекта воздействия. 

Результаты эксперимента свидетельствуют, что по мере увеличения темпа вождение становится все более и более рискованным: машина чаще проскакивает на красный свет, случаются дорожные происшествия. При прослушивании "быстрой" музыки вероятность таких инцидентов почти в два раза больше, чем при полной тишине во время виртуальной поездки. Происшествия случаются также примерно в два раза чаще у тех, кто едет под "быструю" музыку, чем у тех, кто едет под "среднюю" и "медленную". Наблюдения за сердечным ритмом испытуемых показали, что у любителей водить машину под музыку практически нет значительных его колебаний, значит, они более рассеянны и не реагируют на опасность.

О том, как пишут музыку...

Статьи о музыке » Музыкальные интересности

Задумывались ли вы над тем, что у классической и электронной музыки много общего? Ведь именно классическую музыку считают наиболее удобным для переработки материалом многие, признанные во всем мире, продюсеры, а многие музыканты перешли к электронному саунду, получив перед этим консерваторское или джазовое образование. Все дело в основных канонах создания произведений, которые, у классической и электронной музыки, во многом схожи. Своими взглядами на рождение электронных произведений с нами поделился DJ Anton Aprelin, обладатель классического музыкального образования и опыта написания собственной оркестровки, многочисленных песен и аранжировок, а также треков в стиле progressive house. 

Вертикаль трека в электронной музыке очень похожа на вертикаль оркестровки, здесь обязательно присутствуют 6 функций, характерных для классики: мелодия, контрапункт, гармония, фигурация, бас и ударные, проявляющиеся все вместе только в ключевых моментах произведения. Отличие только в количестве возможных тембральных окрасок– компьютерная музыка даёт гораздо больше возможностей автору - управляя ручками синтезатора, можно получить бесконечное количество новых тембров. 

Подготовка

Итак, электронной музыке свойственна так называемая «квадратичная структура» (причём, не только ей, просто здесь она проявляется наиболее ярко) - все элементы должны быть кратны 4 или хотя бы использоваться чётное количество раз, а ключевые моменты должны приходиться на каждый четвёртый такт или фразу. Квадратичная структура особенно чётко прослеживается во вступлении, когда, чтобы сделать сведение удобным, обычно идет только ритм, к которому постепенно добавляются новые и новые ударные через каждые четыре или восемь тактов, однако она должна сохраняться на протяжении всего трека. Данное явление как-то связанно с внутренними ритмами человека, ведь не случайно именно 4/4 – самый распространённый размер в музыке в целом. 

Что касается выбора программы, в которой пишется музыка, то от неё не так уж и много зависит, как и от выбора микрофона для записи вокала. Гораздо важнее профессионализм продюсера и вокалиста, равно как и их привычки. Антон, например, выбирает Logic и микрофоны Neumann, а иногда и более простые 58th SHURE. Использование живых инструментов в треке, по мнению многих профессионалов, в наше время стало не обязательным благодаря высочайшему качеству виртуальных аналогов. 

Построение:

Как правило, трек рождается по следующей схеме: мелодия – гармония – ритм - бас. Что интересно, процессы создания музыки в разных стилях зачастую похожи: те же наброски, «эскизы» главных тем в голове, либо возникающие под пальцами во время перебирания струн на гитаре или клавиш «фортепианной» миди-клавиатуры. Мелодия постепенно обрабатывается, обретает более стройный вид, становится более гармоничной на слух, и однажды вдруг приходит понимание, что из этого что-то получится. А потом следует более кропотливая работа – аранжировка, выбор звуков, инструментов - каждый барабан отдельно, «щёточки», Noise эффекты, контрапункты, арпеджированные фигурации, и прочее, прочее. Вдохновение может прийти в любой момент, в самой разной обстановке. Кстати, контрапункт – термин, возможно не знакомый людям без музыкального образования, это как бы вторая мелодия, не похожая по характеру на основную тему и гармонично её дополняющая. 

Классическая схема построения инструментального трека:

Ритм. Голый квадратичный ритм в начале трека должен идти около минуты. Не меньше – чтобы сведение не было проблематичным, и не больше, чтобы не затянуть ожидание у публики. В хаусовых треках на протяжении всего произведения традиционно поддерживается один и тот же ритм, меняться могут лишь ударные (бочка, снейр, перкуссия, шейкеры). 

Вступление. Участок с упрощённым звучанием. Отсутствие шумовых атмосферных эффектов, срез низких частот. 

Основная тема. Может повторяться чётное количество раз по указанной нами выше причине – закону квадратичности. 

Затишье. Отсутствие ударных, возможно с приглушенной основной темой. 

Развитие. С нарастающей громкостью и шумами. 

Основная партия. См выше. 

Финальная бочка. Порядка минуты простого ритма, для лёгкости сведения следующего трека, со снижением количества ударных. 

Стоит отметить, что данное построение не является единственно возможным и может сильно варьироваться. У вокальных композиций схема немного иная из-за структуры куплет-припев. И не стоит сильно затягивать вступление, иначе основная тема трека вступит слишком поздно и, соответственно, закончится раньше, чем публика успевает её хорошенько распробовать. 

Тембр и эффекты:

После выбора инструмента немалое количество времени занимает поиск его тембра. При этом на протяжении композиции окраска звука может меняться (обработка различными эффектами, подмешивание дублирующего, т.е. играющего в унисон или в октаву инструмента). Когда выбран, например, тембр баса, его звучание тщательно обрабатывается эквалайзером (обработка, делающая тембр звонче, глуше, либо по-другому частотно изменяющая звук), выравнивается громкость, может использоваться фильтрование (срезаются высокие или низкие частоты). Можно «создать волну», волнообразно перемещая фильтр по частотам. Этот приём любим как продюсерами, так и ди-джеями и используется, как правило, за 2-3 секунды до «ключевого момента», чтобы подготовить публику к эмоциональному взрыву. Chorus – эффект, добавляющий объём звучания самым различным инструментам, Reverse – создаёт эффект растекания звука по залу, им обрабатывают солирующие и другие инструменты. Один из любимых эффектов Апрелина – delay, идущий в правом канале восьмыми триолями, а в левом – просто восьмыми, создавая интересный эффект «биения», когда повторы причудливым образом разлетаются по панораме. Также можно увеличить параметр «feedback» в настройках delay’я более чем до 50 %, когда затухающий повторяющийся элемент вдруг начинает возвращаться к жизни, немного видоизменяясь. Стоит упомянуть и эффект Compressor Side Chain, когда в момент удара бочки приглушаются все остальные инструменты. Самый яркий пример использования этого эффекта – творчество Benny Benassy. 

Когда партии ударных и баса готовы, самое время добавить атмосферных шумовых эффектов (noise FX). Как правило, они добавляются в ключевых местах, между музыкальными фразами. На подбор эффектов уходит немало времени, ведь найти правильный вариант можно лишь методом проб и ошибок. Иногда стоит дать публике передохнуть и набраться сил перед кульминационным моментом. Это достигается при помощи «затишья», используемого практически во всех треках хауса и транса, когда на время смолкают ударные. Частотная обработка (эквализация) дорожек со срезом низких частот также даст публике передышку и раскрасит трек. 

Нюансы продакшена

Работа над треком занимает около 2-3 недель, если ежедневно посвящать его созданию по несколько часов. А вот творить сутки напролёт не стоит по двум причинам: Во-первых, при работе над аранжировкой возникает так называемое «привыкание к звучанию» - иногда часами прослушивать 2 такта, подбирая эффекты либо тембр инструмента. За это время можно потерять способность объективно оценивать звучание. Это станет понятно, когда услышишь тот же отрывок на свежую голову. Правильнее всего - сделать паузу и вернуться к аранжировке на следующий день. Это же правило касается сведения и мастеринга миксов. Во-вторых, не забывайте, что главный инструмент музыканта – это его слух, который очень важно беречь. Слух очень сильно садится от работы в наушниках, ведь своё творение приходится прослушивать на довольно большой громкости и весьма долго. Если есть возможность не работать в наушниках, лучше ей воспользоваться и включать внешние мониторы. Однако наушники порой просто необходимы при определении панорамы композиции и совершенствовании инструментального баланса. 

В работе над созданием собственной музыки очень помогают два документа: «история создания трека» - тайминг, по которому можно определить, сколько времени заняла обработка каждого элемента, а также перечень использованных компонентов - синтов, пэтчей, звуков, призванный помочь ускорить работу над следующими треками. 

В любом случае, эта статья – совет, а не догма, ведь прелесть каждого автора в его индивидуальности. 

Мозг и музыка

Статьи о музыке » Музыкальные интересности

Сканирование мозга позволило ученым выявить, как годы музыкальной практики изменяют мозг профессиональных музыкантов. 

Так, например, было показано, что мозг музыкантов в определенных зонах имеет гораздо больше нервных клеток. Профессор Готтфред Шлауг обследовал профессиональных музыкантов и 15 человек, не имеющих к музыке никакого отношения, используя метод ядерного магнитного резонанса (резонансное поглощение электромагнитной энергии веществом, содержащим ядра с ненулевым спином во внешнем магнитном поле, обусловленное переориентацией магнитных моментов ядер, ЯМР). 

 
Изображение мозга человека на медицинском ЯМР-томографе

Обе группы были представлены мужчинами. 4 зоны мозга у музыкантов содержали большее количество серого вещества, чем мозг не-музыкантов. Все 4 зоны обычно связываются с музыкальными способностями. 


Однако профессор убежден, что дополнительные исследования необходимы, чтобы окончательно разобраться, как же происходит перестройка мозговой ткани в соответствии с профессиональной деятельностью. Альтернативным объяснением полученного факта может быть то, что эти люди родились с таким мозгом, что и “сделало” их талантливыми музыкантами. 

Однако эксперименты на животных показали, что мозг действительно может перестраиваться в соответствии с повторяющейся деятельностью. 

К такому же результату пришли исследователи, которые изучали мозг людей. Так, было показано, что, например, мозг водителей такси имеет гораздо больший гиппокамп в сравнении с другими людьми. Именно эта часть мозга связывается с навигационными задачами. 

Более того, было показано, что у водителей такси, которые имеют больше часов опыта вождения, некоторые зоны гиппокампа больше, чем у тех водителей, которые имеют меньший опыт вождения. 

Результаты исследования мозга музыкантов были доложены на ежегодном съезде Американской Академии Нейрологии 

Во власти музыки

Статьи о музыке » Музыкальные интересности

Музыка сопровождала человека с доисторических времен. Радость добычи, удачная охота, вызов дождя сопровождали ритуальные звуки (в качестве музыкального инструмента мог использоваться череп, наполненный сухими ягодами или прообраз гонга), такой была первобытная музыка. 

Шли тысячелетия, музыкальные инструменты претерпевали существенные изменения, развивалась народная музыка (фольклор), к ней добавлялись слова, многие произведения дожили до наших дней, передаваясь из поколения в поколение. Музыка вечна, и развитие человечества без нее немыслимо. 

Развитие нотной грамоты позволило передавать музыку не только от учителя к ученику, но и донести множество музыкальных произведений потомкам. Эпоха Возрождения оставила миру нетленные шедевры (среди них и живопись, и музыка), именно в этот период зародилась так называемая классическая музыка, почитаемая до сегодняшних дней, преподаваемая в музыкальных заведениях как образец музыкального вкуса. Однако, классическая музыка всегда была уделом аристократии, любая семья имела дома фортепиано, игра на котором являлась непременным условием благовоспитанности. Но музыка существовала не только в торжественных залах и на балах, более простые сословия продолжали развивать бесценный фольклор, ставший фундаментом для последующих направлений, которыми изобилует современная музыка. 

Сейчас музыка окружает нас практически повсюду. При звуках мощного оркестрового крещендо на глаза наворачиваются слезы и по спине бегут мурашки. Музыкальное сопровождение всегда усиливает художественную выразительность фильмов и спектаклей. Рок-музыканты заставляют нас вскакивать на ноги и танцевать, а родители убаюкивают малышей тихими колыбельными песнями. 

Как уже было сказано, любовь к музыке имеет довольно глубокие корни: люди сочиняют и слушают ее с тех пор, как зародилась культура. Более 30 тыс. лет назад наши предки уже играли на каменных флейтах и костяных арфах. Похоже, это увлечение имеет врожденную природу. Младенцы интуитивно поворачиваются к источнику приятных звуков (консонансов) и отворачиваются от неприятных (диссонансов). А когда мы испытываем благоговейный трепет при финальных звуках симфонии, в головном мозге активизируются те же центры удовольствия, что и во время вкусной трапезы, занятий сексом или приема опьяняющих стимуляторов. 

Во время, когда мы слышим музыку, головной мозг реагирует на нее активизацией нескольких областей за пределами слуховой коры. На переработку музыкальной информации оказывает влияние зрительный, осязательный и эмоциональный опыт человека. 

Достигающие человека звуки преобразуются структурами наружного и среднего уха в колебания жидкости во внутреннем ухе. Крошечная косточка среднего уха, стремечко, колеблет (сотрясает) улитку, изменяя давление заполняющей ее жидкости. 
В свою очередь, вибрации базилярной мембраны улитки заставляют сенсорные рецепторы уха, волосковые клетки, генерировать электрические сигналы, направляющиеся по слуховому нерву в головной мозг. Каждая волосковая клетка настроена на определенную частоту колебаний жидкости. 

Переработка головным мозгом музыки основана на иерархическом и пространственном принципах. Первичная слуховая кора, получающая входы от уха и (через таламус) низших слуховых центров, участвует в начальных процессах восприятия музыки, например, анализе высоты звука (частоты тона). Под влиянием опыта первичная слуховая кора может перенастраиваться - в ней увеличивается число клеток, обладающих максимальной реактивностью к важным для человека звукам и музыкальным тонам, что влияет на дальнейшую переработку музыкальной информации во вторичных слуховых областях коры и слуховых ассоциативных зонах, где происходит переработка более сложных музыкальных характеристик (гармонии, мелодии и ритма). 

Когда музыкант играет на инструменте, активность моторной коры, мозжечка и других структур мозга, участвующих в планировании и осуществлении специфических, точно выверенных во времени движений, возрастает. 

Почему же музыка столь значима для человека и имеет над ним такую власть?

Окончательных ответов у нейробиологов пока нет. Однако в последние годы начали появляться некоторые данные о том, где и каким образом происходит переработка музыкальной информации. Изучение пациентов с черепно-мозговыми травмами и исследование здоровых людей современными методами нейровизуализации привели ученых к неожиданному выводу: в головном мозге человека нет специализированного центра восприятия музыки. В ее переработке участвуют многочисленные области, рассредоточенные по всему мозгу, в том числе и те, что часто задействованы в других формах познавательной деятельности. Размеры активных зон варьируют в зависимости от индивидуального опыта и музыкальной подготовки человека. Наше ухо располагает наименьшим количеством сенсорных клеток по сравнению с другими органами чувств: во внутреннем ухе находится всего 3,5 тыс. волосковых клеток, а в глазу - 100 млн. фоторецепторов. Но наши психические реакции на музыку отличаются невероятной пластичностью, т.к. даже кратковременное обучение способно изменить характер переработки мозгом "музыкальных входов". 

Музыка в голове

До того как были разработаны современные методы нейровизуализации, исследователи изучали музыкальные способности головного мозга, наблюдая за пациентами (включая знаменитых композиторов) с различными нарушениями его деятельности вследствие травмы или инсульта. Так, в 1933 г. у французского композитора Мориса Равеля появились симптомы локальной мозговой дегенерации - заболевания, которое сопровождается атрофией отдельных участков мозговой ткани. Мыслительные способности композитора не пострадали: он помнил свои старые произведения и хорошо играл гаммы. Но сочинять музыку больше не мог. Говоря о своей предполагаемой опере "Жанна д'Арк", Равель признавался: "Опера у меня в голове, я слышу ее, но никогда не напишу. Все кончено. Сочинять музыку я больше не в состоянии". Он умер спустя четыре года после неудачной нейрохирургической операции. История его болезни породила среди ученых представление, что головной мозг лишен специализированного центра музыки. 

Данную гипотезу подтвердил случай другого известного музыканта. После перенесенного в 1953 г. инсульта русский композитор Виссарион Шебалин оказался парализован и перестал понимать речь, но до самой смерти, последовавшей через 10 лет, сохранил способность к сочинительству. Таким образом, предположение о независимой переработке музыкальной и речевой информации оказалось верным. Впрочем, более поздние исследования внесли коррективы, связанные с двумя общими особенностями музыки и языка: обе психические функции являются средством общения и обладают синтаксисом - набором правил, определяющих надлежащее соединение элементов (нот и слов, соответственно). По мнению Анирудха Патела (Aniruddh D. Patel) из Института нейробиологии в Сан-Диего, исследования, проведенные методами нейровизуализации, указывают на то, что правильную конструкцию языкового и музыкального синтаксисов обеспечивает участок фронтальной (лобной) коры, а другие отделы мозга отвечают за переработку связанных с ним компонентов языка и музыки. 

Также мы получили полное представление о том, как головной мозг реагирует на музыку. Слуховая система, как и все прочие сенсорные системы организма, имеет иерархическую организацию. Она состоит из цепочки центров, которые перерабатывают нервные сигналы, направляющиеся из уха в высший отдел слухового анализатора - слуховую кору. Переработка звуков (например, музыкальных тонов) начинается во внутреннем ухе (улитке), сортирующем сложные звуки (издаваемые, например, скрипкой) на составляющие элементарные частоты. Затем по волокнам слухового нерва, которые настроены на разные частоты, улитка посылает информацию в виде последовательности нейронных разрядов (импульсов) в головной мозг. В итоге они достигают слуховой коры в височных долях мозга, где каждая клетка реагирует на звуки определенной частоты. Кривые частотной настройки соседних клеток перекрываются, т.е. разрывы между ними отсутствуют, и на поверхности слуховой коры формируется частотная карта звуков. 

 

 

 

Каждая клетка мозга реагирует на определенную высоту (частоту) звука (а). Когда какой-либо тон приобретает для животного особую значимость, первоначальная настройка клеток изменяется (b). В результате участвует более обширная область мозга (с).

Реакции головного мозга на музыку гораздо сложнее. Музыка состоит из последовательности нот и ритма, и ее восприятие зависит от способности мозга улавливать взаимосвязь между звуками. Многие его области участвуют в переработке различных компонентов музыки. Возьмем, например, тон, включающий в себя как частотные составляющие, так и громкость звука. Одно время исследователи считали, что клетки, настроенные на определенную частоту, "услышав" ее, всегда реагируют одинаково. 
Но в конце 1980-х гг. Томас Маккена (Thomas M. McKenna) и автор настоящей статьи подвергли это представление сомнению. В те годы мы изучали реакции головного мозга на звуковые контуры - комплексы звуков увеличивающейся или уменьшающейся высоты, которые составляют основу любой мелодии. Мы сконструировали мелодии, состоящие из различных контуров, используя пять одинаковых тонов, а затем зарегистрировали реакции одиночных нейронов слуховой коры кошки. Было обнаружено, что реакции клеток (число разрядов) зависели от положения данного тона в мелодии: нейроны могли разряжаться более интенсивно, если тону предшествовали другие тоны, чем когда он был первым в мелодии. Кроме того, на один и тот же тон клетки реагировали по-разному, в зависимости от того, был ли он частью восходящего контура (в котором высота звуков увеличивалась) или нисходящего. Это указывает на большое значение паттерна мелодии: переработка информации в слуховой системе существенно отличается от простой ретрансляции звуков в телефоне или стереосистеме. 

Реакции мозга на музыку зависят также от опыта и подготовленности слушателя. Они могут меняться даже под влиянием кратковременного обучения. Так, например, еще 10 лет назад ученые считали, что каждая клетка слуховой коры раз и навсегда настроена на определенные характеристики звука. Однако оказалось, что настройка клеток может меняться: некоторые нейроны становятся сверхчувствительными к звукам, привлекающим внимание животных и хранящимся у них в памяти. 

В 1990-х гг. Йон Бейкин (Jon S. Bakin), Жан-Марк Идлайн (Jean-Marc Edeline) и я провели опыт, в котором попытались выяснить, изменяется ли у животного базовая организация слуховой коры, когда оно начинает понимать, что какой-то определенный тон для него важен. Вначале мы предлагали морским свинкам множество разнообразных тонов и регистрировали ответы нейронов, чтобы определить, какие из них вызывают максимальные реакции клеток. Затем мы обучали животных воспринимать определенный тон как сигнал, предшествующий болевому раздражению лап слабым электрическим током. Условный рефлекс вырабатывался у морских свинок через несколько минут. После этого мы снова определяли силу нейронных ответов непосредственно после обучения и некоторое время (до двух месяцев) спустя. Было обнаружено, что настройка нейронов изменилась, сместившись в область частот сигнального тона. Таким образом, мы выяснили, что обучение вызывает перенастройку мозга, в результате которой увеличивается число нейронов, отвечающих максимальными реакциями на поведенчески значимые звуки. Процесс охватывает всю слуховую кору, переиначивая частотную карту так, чтобы переработкой информации о значимых звуках занимались более обширные ее участки. Для того чтобы определить, какие звуковые частоты представляют для животного особую важность, достаточно изучить частотную организацию его слуховой коры. 

В 1988 г. Рей Долан (Ray Dolan) из Лондонского университетского колледжа провел аналогичное исследование с людьми: их обучали придавать особую значимость одному из предъявляемых тонов. Было установлено, что это вызывает у испытуемых точно такой же сдвиг частотной настройки нейронов, что и у животных. Долгосрочные эффекты обучения за счет нейронной перенастройки помогают, к примеру, объяснить, почему мы так быстро распознаем знакомую мелодию в шумной комнате и почему люди, страдающие потерей памяти вследствие болезни Альцгеймера и других нейродегенеративных заболеваний, способны вспоминать музыку, которую они запомнили в далеком прошлом. 

Музыкально одаренный мозг

Подобно тому, как кратковременное обучение увеличивает число нейронов, реагирующих на звук, длительное обучение усиливает реакции нервных клеток и даже вызывает физические изменения в мозге. Реакции головного мозга профессиональных музыкантов существенно отличаются от реакций немузыкантов, а некоторые области их мозга развиты чрезмерно. 

В 1998 г. Христо Пантев (Christo Pantev) из Мюнстерского университета в Германии показал, что, когда музыканты слушают фортепианную игру, площадь слуховых зон, реагирующих на музыку, у них на 25% больше, чем у немузыкантов. Исследования детей также подтверждают предположение, что ранний музыкальный опыт облегчает "музыкальное" развитие мозга. В 2004 г. Антуан Шахин (Antoine Shahin), Ларри Робертс (Larry E. Roberts) и Лорел Трейнор (Laurel J. Trainor) из Университета Макмастера в Онтарио регистрировали реакции головного мозга 4-5-летних детей на звуки фортепиано, скрипки и чистые тоны. У ребят, в чьих домах постоянно звучала музыка, выявлена более высокая активность слуховых областей мозга, чем у тех, которые были на три года старше, но музыку слушали мало. 

Как сообщил в 2002 г. Питер Шнейдер (Peter Schneider) из Гейдельбергского университета в Германии, объем слуховой коры у музыкантов на 30% больше, чем у людей, не имеющих отношения к музыке. Кроме того, у них бoльшая площадь мозга вовлечена в управление движениями пальцев, необходимыми для игры на различных инструментах. В 1995 г. Томас Элберт (Thomas Elbert) из Констанцского университета (Германия) сообщил, что площадь мозговых зон, получающих сенсорные ходы от указательного, среднего, безымянного пальцев и мизинца левой руки у скрипачей, была значительно больше, чем у немузыкантов (именно эти пальцы и совершают быстрые и сложные движения во время игры на инструменте). С другой стороны, ученые не выявили никакого увеличения площади корковых зон, получающих входы от правой руки, в которой музыкант держит смычок и пальцы которой не совершают особых движений. И, наконец, в 2001 г. было выявлено, что головной мозг трубачей генерирует ответы повышенной амплитуды только на звуки трубы, но не скрипки или фортепиано. 

Ода радости или печали?

Исследователи изучают не только переработку мозгом "акустической" составляющей музыки, но и процессы, благодаря которым она эмоционально воздействует на людей. В одной из таких работ было показано, что физические реакции на музыку (в виде мурашек, слез, смеха и т.д.) возникают у 80% взрослых людей. Согласно данным опроса, проведенного в 1995 г. Яаком Пэнксеппом (Jaak Panksepp) из Университета в г. Боулинг-Грин, 70% из нескольких сотен опрошенных сказали, что они наслаждаются музыкой, "потому что она порождает эмоции и чувства". 
До недавнего времени механизмы таких реакций оставались для ученых загадкой. Однако исследование больной, страдающей двусторонним повреждением височных долей, затронувшим и области слуховой коры, подсказало ответ на мучивший нас вопрос. У пациентки сохранился нормальный интеллект и общая память, не возникает никаких трудностей с языком и речью. Но музыку (будь то старые и прежде хорошо известные ей произведения или же новые, только что прослушанные) она не узнает. Девушка не способна различить и две мелодии, какими бы разными они ни были. И тем не менее у нее наблюдаются нормальные эмоциональные реакции на музыку разных жанров, а ее способность отождествлять эмоции с настроением музыкального произведения абсолютно адекватна. Мы предположили, что височные доли мозга необходимы для понимания мелодии, но не для возникновения соответствующей эмоциональной реакции, в развитии которой участвуют как подкорковые структуры, так и лобные доли коры. 

В 2001 г. Анна Блад (Anne Blood) из Университета Макгилла попыталась выявить области мозга, участвующие в развитии эмоциональных реакций на музыку. В исследовании использовались слабые эмоциональные раздражители, связанные с реакциями людей на консонансы и диссонансы. К созвучиям-консонансам относятся такие музыкальные интервалы или аккорды, для которых характерно простое соотношение частот составляющих их звуков. В качестве примера можно привести до первой октавы (частотой примерно 260 Гц) и соль той же октавы (частотой около 390 Гц). Соотношение тонов составляет 2:3, что при одновременном их воспроизведении порождает приятное для слуха созвучие. Напротив, до первой октавы и соседний до-диез (частотой 277 Гц) дают сложное соотношение частот, составляющее 8:9, и при одновременном звучании воспринимаются как неприятный аккорд. 

Как реагирует на благозвучные и неблагозвучные сочетания тонов головной мозг? Его изображения, полученные с помощью позитронно-эмиссионной томографии во время прослушивания испытуемыми созвучий-консонансов и диссонансов, показали, что в развитии эмоциональных реакций участвуют различные области. Аккорды-консонансы активизировали орбитофронтальную область коры (часть мозговой системы вознаграждения) правого полушария, а также часть области, расположенной под мозолистым телом. Аккорды-диссонансы вызывали активизацию правой парагиппокампальной извилины. Таким образом, в развитии эмоциональных переживаний, связанных с восприятием музыки, принимают участие две различные системы мозговых структур. Ученые раскрыли еще одну тайну, связанную с восприятием музыки. Когда они сканировали головной мозг музыкантов, блаженствовавших во время прослушивания мелодий, они обнаружили, что звуки вызывали активизацию ряда тех же самых мозговых систем вознаграждения, которые активизируются и под влиянием вкусной еды, занятий сексом и приема наркотиков. 

Полученные данные указывают на то, что восприятие музыки имеет биологическую природу и опосредовано специфической функциональной организацией головного мозга. Ученым совершенно ясно, что различные аспекты переработки музыкальной информации связаны с деятельностью многочисленных мозговых структур, одни из которых обеспечивают восприятие музыки (например, понимание мелодии), а другие опосредуют развитие эмоциональных реакций. 

Все люди рождаются музыкантами. Чтобы отыскать музыкально одаренного ребенка, далеко ходить не надо - достаточно взглянуть на любого малыша. Задолго до того, как он начинает понимать и произносить первые слова, у него возникают отчетливые реакции на музыку. Вот почему многие родители инстинктивно предпочитают общаться со своими детьми с помощью мелодий. 

Исследование, проведенное в 1999 г. в Йоркском университете в Торонто, показало, что и белые, и индейские матери напевали одну и ту же песенку в двух ситуациях - в присутствии и в отсутствие своего ребенка. Затем оба варианты записей проигрывали другим родителям, и те точно определяли, при каких обстоятельствах напевала мать (независимо от того, исполнялась ли песня на их родном или чужом языке). 

Откуда же мы знаем, что младенцы понимают музыку, если они даже не умеют разговаривать? Мы определяем это с помощью объективной оценки их поведения. Например, ребенок сидит на коленях у матери. Слева и справа находятся две колонки, а рядом с ними - ящики из прозрачного пластика. Обычно ящики темные, но когда малыш поворачивает голову к одному из них, в нем загорается свет и начинает двигаться игрушечная собачка или обезьянка. Во время эксперимента исследователь, чтобы отвлечь внимание ребенка от ящиков, манипулирует перед ним различными предметами. Музыкальный стимул (тон и мелодия) появляется из одной колонки. Время от времени экспериментатор нажимает спрятанную кнопку, изменяющую характер стимула. Если малыш замечает разницу в звучании стимула и поворачивает голову к колонке, он получает вознаграждение - вид движущейся игрушки. 

Опыты показывают, что младенцы выявляют различия между двумя близкими по звучанию тонами не хуже взрослых. Кроме того, малыши замечают изменения как темпа (скорость воспроизведения) музыки, так и ритма и тональности. Кроме того, недавно обнаружили, что 2-6-месячные дети предпочитают созвучия-консонансы диссонансам. Музыкальное образование ребенка начинается еще раньше - в материнском чреве.