Статья: музыкальные интересности

Инвенция в музыке

Статьи о музыке » Музыкальные интересности

Латинское слово «инвенцио» означает «выдумка», «изобретение». Такое название (или подзаголовок) композиторы XVII—XVIII вв. давали своим пьесам, в которых применяли разнообразные сложные приемы изложения, разработки и развития музыкального материала. Это слово не стало обозначать какой-то определенной музыкальной формы со своими отличительными признаками. Этим словом, означающим по-латыни «изобретение» (inventio), И. С. Бах назвал небольшие полифонические пьесы, которые он сочинял специально для своих учеников. Это были своего рода упражнения, необходимые для того, чтобы овладеть приемами исполнения сложных полифонических произведений, в частности - фуг. Название для своих пьес композитор подобрал чрезвычайно точно, так как его инвенции действительно полны выдумок, остроумных сочетаний и чередований голосов. Инвенции И. С. Баха играют и юные учащиеся, и опытные мастера. В изданиях весь цикл пьес Баха, и двух-, и трехголосных, носит название инвенций. Но если говорить более строго, оно относится только к двухголосным пьесам, а трехголосным композитор дал наименование симфоний. 

Баховские инвенции — это полифонические пьесы, написанные в двух- или трехчастной форме старинного типа. Однако строение и характер их чрезвычайно разнообразны-. Одни инвенции близки к форме фуги или фугетты, часто отличаясь от нее только тем, что тема вначале проводится не одноголосно, а сопровождается свободным голосом; другие — к жанру прелюдий, вокально-инструментальных арий и дуэтов, старинных танцев. 

В инвенциях Бах постоянно использует приемы имитаций, иногда канонов, двойного контрапункта. Во многих инвенциях тема сразу сопровождается контр темой, что позволяет композитору применить при их повторении вертикальные перестановки. Использует Бах и другие полифонические приемы, например обращение тем или их частей. Если одна из тем при повторении проходит в обращении, а вторая в неизменном виде, то И. С. Бах. «Инвенция ре минор». возникает неполно обратимый контрапункт (в обратимом контрапункте обращению подвергаются все сочетающиеся одновременно голоса). В двухголосной инвенции № 11 вторая тема не только обращена, но и «опаздывает» на пол такта по сравнению с первоначальной их комбинацией. Это прием горизонтально-подвижного контрапункта: темы взаимно сдвинуты по горизонтали. Красота и выразительность музыки инвенций приковывают к себе внимание слушателей, сложность полифонии незаметна. 

Но инвенции - не только упражнения. Это яркие художественные произведения, в каждом из которых воплощено определенное настроение. Бах считал, что его инвенции могут помочь начинающему музыканту не только исполнять, но и сочинять музыку. Вот как он определил в предисловии к инвенции их назначение: «Чистосердечное руководство, дающее возможность любителям клавирного искусства и в особенности жаждущим его изучения не только научиться чисто играть двухголосие, но при дальнейших успехах уверенно и умело обращаться и с трехголосием... выработать певучую манеру игры и, вместе с тем, развить в себе сильное предрасположение к композиции...» 

В наше время инвенция также не потеряла своего значения. Она встречается в опере австрийского композитора А. Берга «Воццек», в фортепьянных циклах, например в «Полифонической тетради» Р. К. Щедрина, в «Инвенциях для органа» Б. И. Тищенко. 

Что такое трио

Справочные данные, Статьи о музыке » Музыкальные интересности

Итальянское слово «трио» имеет несколько значений. Во-первых, это ансамбль из трех музыкантов-инструменталистов или певцов. Вокальное трио (или — по-другому — терцет) может быть самостоятельной пьесой или же частью крупного произведения, например оперы. Если три партии терцета основаны на одной и той же теме, то тем самым композитор подчеркивает единство мыслей и чувств всех участников ансамбля. Таково трио «Не томи, родимый» — ансамбль Сусанина, Антониды, Собинина из оперы М. И. Глинки «Иван Сусанин». Но возможны индивидуальные, самостоятельные партии каждого действующего лица. Это, например, трио Аиды, Амнерис и Радаме-са в опере Дж. Верди «Аида». 


Итак, Трио это: 

1.  ансамбль из трех исполнителей (инструментов); 

2.  произведение для трех исполнителей (инструментов); 

3.  средний раздел трехчастной формы в классическом менуэте, скерцо и др.; нередко обозначается словом Trio (Трио). 

Если среди квартетов главенствует квартет струнный, то, когда говорят о трио, имеют в виду прежде всего трио фортепьянное в составе скрипки, виолончели, фортепьяно. Именно этот ансамбль является типичным. Трио называется арфовым, если фортепьяно заменяется арфой. Струнное трио — это сочетание скрипки, альта и виолончели. Встречаются также трио самых разнообразных однородных и смешанных составов. В давние времена распространено было трио в составе скрипки, флейты и клавесина; такие трио существуют и теперь, например в Чехословакии. Назовем еще трио в составе: флейта, арфа, альт; фортепьяно, скрипка, кларнет и т. д. 

Во-вторых, трио — это произведение для трех музыкантов. Фортепьянные трио создавали Й. Гайдн, В. А. Моцарт, Л. Бетховен, Ф. Шуберт, Р. Шуман, И. Брамс, П. И. Чайковский, С. В. Рахманинов, С. И. Танеев, М. Равель, Д. Д. Шостакович, Б. Н. Лятошинский. Некоторые трио имеют названия. Трио Чайковского «Памяти великого художника» создавалось с мыслью о безвременно ушедшем Н. Г.Рубинштейне, а «Элегическое трио» Рахманинова написано под впечатлением кончины Чайковского. «Патетическое трио» для фортепьяно, кларнета и фагота принадлежит перу Глинки. Много трио написано для оригинальных составов: автор трио для фортепьяно, скрипки и валторны — Брамс, трио для флейты, арфы и альта принадлежит К. Дебюсси, трио для скрипки, кларнета и фортепьяно — Б. Бартоку и А. И. Хачатуряну, трио для валторны, трубы и тромбона — Ф. Пуленку. Многие советские композиторы пишут трио для оригинальных составов: Э. В. Денисов — для скрипки, кларнета и фагота, В. В. Сильвестров — для флейты, трубы и челесты, Г. И. Уствольская — для фортепьяно, флейты-пикколо и тубы и т. д. 

В-третьих, трио называли средние разделы многих пьес и танцев, написанных в так называемой трехчастной форме. Среди них — менуэты, скерцо, марши. Такие разделы обычно отличаются более напевным, спокойным характером от подвижных, энергичных крайних частей. В XVII—XVIII вв. при оркестровом исполнении менуэтов и других танцев средние разделы поручались трем инструментам, по контрасту с крайними, исполнявшимися всем оркестром. В прошлом общеупотребительное, постепенно это название вышло из обихода и сейчас применяется только в маршах для духового оркестра. 

Наконец, под трио понимают еще и строго трехголосные полифонические пьесы для органа, где все три голоса самостоятельны и исполняются: два — на разных ручных клавиатурах (мануалах), а третий — на ножной, то есть, педальной, клавиатуре. Необходимый тембровый контраст между голосами достигается подбором соответствующих органных регистров. Прекрасные образцы органных трио встречаются в творчестве И. С. Баха. 

Интонация в музыке

Справочные данные, Статьи о музыке » Музыкальные интересности

Интонация (от латинского «интоно» — «громко произношу») — в широком смысле: воплощение художественного образа в музыкальных звуках. Ее называют душой музыки, основой музыкального мышления и общения. 

Как она устроена? Подобно слову, интонация — единство звука и смысла. Но и звук, и смысл, и характер их связи радикально отличны в слове и интонации. Звуковой материал слова — строго ограниченный набор фонем. Можно сказать, что фонема — основная единица звукового строя языка, предельный элемент, выделяемый линейным членением речи. Музыкальная интонация опирается на звук во всей полноте его свойств. Вместо нескольких десятков фонем здесь бесконечные тембровые оттенки, способы артикуляции, различие темпа, ритмических рисунков, уровней громкости, меняемых во времени. Слово называет явление, интонация же заставляет ощутить и пережить его. 

Интонация в музыке это: 

1.  музыкально-теоретическое и эстетическое понятие, имеющее несколько взаимосвязанных значений. Интонация, в самом широком смысле — это высотная организация музыкальных звуков (тонов) в их последовательности (сравни с временной организацией — ритмом). Музыкальная интонация отличается от речевой, фиксированностью звуков по высоте и подчинением их системе лада. Под интонацией понимают, также, манеру («склад», «строй») музыкального высказывания, обусловливающую его экспрессивное (определяющееся выражаемыми в музыке чувствами), синтаксическое (утвердительное, вопросительное и т. п.), характеристическое (национальное, социальное и т. п.) и жанровое (интонация песенная, ариозная, речитативная и т. п.) значения. Выразительность музыкальной интонации опирается на обусловленные слуховым опытом людей ассоциации с другими звучаниями, прежде всего с речью, и некоторые психо-физиологические предпосылки. Интонация, в узком смысле — это наименьшее сопряжение тонов в музыкальном высказывании, обладающее относительно самостоятельным выразительным значением, семантическая ячейка (единица) в музыке. Обычно подобная интонация состоит из 2—3, иногда и из одного звука. Чаще всего это частица мелодии, попевка, хотя на её выразительность оказывают влияние ритм, гармония, тембр. Иногда интонацию метафорически называют музыкальным словом. Однако, в отличие от слова, музыкальная интонация не имеет точно определенного конкретного смысла. Лишь условно можно говорить и об «интонациональном словаре» как совокупности интонаций, применяемых каким-либо композитором, группой композиторов, а также встречающихся в музыке многих стран в определённый период («интонациональный словарь эпохи»). 

2.  Степень акустической точности воспроизведения высоты тонов и их соотношений при музыкальном исполнении. Интонация воспринимается слухом как верная в тех случаях, когда звучащий тон располагается внутри некоторой области частот, близких к абсолютно точной, — так называемой зоны. 

3.  В производстве и настройке музыкальных инструментов с фиксированной высотой звуков (фортепиано, органа и др.) — ровность и точность звучания каждого тона звукоряда инструмента по высоте, громкости и тембру. 

Музыкальная интонация черпает свою выразительность из многих источников. Один из самых богатых — речевая интонация. Представим беседу на незнакомом языке. Что можно узнать из нее? Оказывается, очень многое. Можно узнать о том, кто говорит: ребенок, взрослый, девушка, старик, как они друг к другу относятся. Можно узнать о характере и темпераменте участников разговора, об их физическом и эмоциональном состоянии — усталости или возбуждении, гневе или печали. О тоне говорящего: просит ли он, или же рассказывает о сокровенном. Почувствуем мы и атмосферу беседы, ее эмоциональный настрой. 

Все эти разнообразные связи с речевым опытом использовали музыканты, иногда непроизвольно, но часто и вполне сознательно. Еще в 1581 г. лютнист Винченцо Галилей, отец знаменитого астронома Галилео Галилея, настойчиво советовал композиторам прислушиваться к тому, как речевая интонация отражает характеры и чувства людей, социально-психологические отношения, а затем претворять услышанное в музыке. Совет не пропал даром: «Флорентийской камерате» — кружку музыкантов и поэтов, участником которого был Галилей, — человечество обязано рождением жанра оперы с ее новым, более жизненным типом интонирования. Впоследствии тем же путем вслушивания в музыку речи осознанно шли многие композиторы, среди них — А. С. Даргомыжский, М. П. Мусоргский. 

Музыкальная интонация опирается на специфические средства гармонии, лада, метра, которые музыкально ее организуют. Другая опора музыкальной интонации — жесты, движения, «немые интонации тела», как их назвал выдающийся советский музыковед Б. В. Асафьев. Способность музыки точно воспроизводить самые разные движения — бурные, мощные, грандиозные, угловатые, раскованные — поразительна. Вот несколько примеров: вкрадчивые движения кошки, неуклюже переваливающаяся походка утки — в симфонической сказке С. С. Прокофьева «Петя и волк», неслышно плывущий шаг патера Лоренцо, спотыкающиеся движения смертельно раненного Меркуцио — в его же балете «Ромео и Джульетта». 

Музыкальное искусство опирается и на свой собственный многовековой опыт интонационного выражения. Простейшие интонации типизировались в обобщенные интонации музыкальных жанров и стилей. Например, интонация скорби — в арии «ламенто», арии плача, характерной для ранней оперы эпохи барокко. Иная интонация — в музыкальной элегии сентиментализма: печаль ее легка и просветленна. Безошибочно различаются на слух интонации тревожно-напряженной баллады и безмятежной пасторали, эпической былины и лирически восторженной поэмы, торжественного гимна, возвышенного хорала и удалого гопака. У каждого композитора свой интонационный почерк. Один — у И. С. Баха, другой — у В. А. Моцарта, третий — у Прокофьева. И исторический стиль тоже обладает интонационной неповторимостью. Наполненная разочарованием, томящаяся по недостижимому идеалу интонация романтической музыки непохожа, например, на живую, общительную, склонную к игре и неожиданностям интонационную манеру музыки середины XVIII в. 

От первых звуков колыбельной интонация ведет человека ко все более глубокому пониманию жизни, воплощенной в музыке. 
Слово «интонация» иногда понимается в более узком значении. Говорят, например, о чистой или фальшивой интонации. Здесь имеются в виду тончайшие оттенки высоты, градации, возникающие в процессе исполнения

Музыковедение

Справочные данные, Статьи о музыке » Музыкальные интересности

Музыковедение — наука о музыке, одна из областей искусствознания. Это верно, но лишь отчасти. В музыковедении действительно есть научное ядро — система объективных знаний о музыке и музыкальной культуре. Есть в нем, однако, и литературно-художественные интерпретации музыки, музыкально-критические эссе, художественно-публицистические очерки. Поэтому музыковедение правильнее понимать как особую сферу общественного сознания и деятельности, промежуточную между искусством и наукой, связывающую художественное и научное познание, содействующее развитию музыкальной культуры общества. 

Отрасли музыковедения — теория музыки, история музыки, музыкальная этнография, музыкальная критика. Музыкальная акустика, изучающая акустические предпосылки музыкального искусства, и музыкальная психология, изучающая психологию музыкального творчества и восприятия, входят в музыковедение как самостоятельные разделы и вместе с тем являются частью физики (музыкальная акустика) или психологии (музыкальная психология). В 60—70-е гг. 20 в. выделилась как особая дисциплина музыкальная социология, изучающая конкретные формы жизни музыки в обществе. 

На комплексное понимание музыковедения указывает и сам термин. «Ведение» — знание. Знания о музыке, оформленные в систему, образуют музыкальную науку. Ведение — это и интуитивное схватывание сути вещей. Не случайно в этимологическом родстве с ним состоит слово «видение». И эта сторона тоже присутствует в музыковедении: ведь только путем полного непосредственного духовного слияния с музыкой можно постичь ее внутренний смысл. 

Так рождаются проникновенные музыковедческие толкования произведений. Связи с этимологически родственными словами «совесть», «вежливый» прочерчивают еще одну — ценностно-этическую сторону в музыковедении. Оно и в самом деле оценивает музыку, стремится отделить произведения вечные, способные обогатить человечество, поднять его на новую ступень нравственного совершенства, от произведений ложного искусства — безликих, вульгарных, слащавых и фальшивых, лишь внешне занимательных. Этой задаче посвящает себя музыкальная критика. 

Есть в этом корне еще один важный смысловой оттенок — «заведовать». Музыковедение несет ответственность перед обществом за состояние дел в музыкальной культуре. Оно пронизывает собой всю систему музыкального образования и воспитания, исследует эффективность бытия музыки в обществе, с помощью музыкальной публицистики стремится совершенствовать организацию музыкальной жизни и культуры. 

Наука о музыке, средоточие объективных знаний, представляет собой разветвленную систему исторических и теоретических дисциплин. История музыки рассматривает процесс развития музыкальной культуры (в масштабах истории человечества в целом, отдельных национальных культур, различных эпох). Народная музыка изучается фольклористикой. Бытие музыки в обществе изучается музыкальной социологией, закономерности музыкальной деятельности — психологией музыки, физические предпосылки — музыкальной акустикой. Комплекс музыкально-теоретических учений направлен на познание самого устройства музыки: гармония изучает высотные связи звуков, полифония — соединения голосов фактуры, учение о музыкальных формах — принципы композиции. Исследования в этих и многих других частных дисциплинах опираются на философско-эстетические основоположения музыкознания. К ним относятся, например, представления о музыкальной культуре, о содержании и форме в музыке, об интонации как основе выразительности и др. Музыкальная наука развивается в содружестве с науками об искусстве, культуре, о человеке, обществе, истории. На знания, выработанные музыкальной наукой и проверенные практикой, опираются музыкальная критика и публицистика. 

Теоретическое музыковедение исследует: вопрос о способах отражения действительности в музыке, основные закономерности музыки, установившиеся в процессе её исторического развития (в этом смысле оно сближается с эстетикой); композиционные средства и приёмы, имеющие как общее значение для всего музыкального искусства, так и частное, в пределах какого-либо одного исторического периода. Изучению отдельных элементов музыки посвящены такие музыкально-теоретические дисциплины, как мелодика, ритмика, метрика, гармония, полифония, инструментовка, учение о музыкальных формах. Эти дисциплины имеют не только теоретическое, научно-познавательное значение, но и представляют основу для выработки композиторской техники и практического овладения различными средствами музыкальной выразительности. Целостное изучение конкретного музыкального произведения на основе совокупных данных отдельных теоретических дисциплин определяет сущность метода и предмета особой дисциплины — анализа музыкальных произведений, рассматривающего форму и содержание произведения в их единстве. К области теоретического музыковедения относятся также научно-методические дисциплины, разрабатывающие принципы музыкального исполнения (сольного и хорового пения, дирижёрского искусства, игры на различных инструментах) и развития музыкального слуха (сольфеджио). 

Историческое музыковедение имеет целью воссоздание целостной картины развития музыкальной культуры в тесной взаимосвязи различных её сторон и в зависимости от изменения условий жизни общества. 

В исследовании явлений музыкального творчества история музыки опирается на данные музыкально-теоретического анализа. Вместе с тем выводы теоретического музыковедения не могут быть достаточно полными и научно обоснованными без учёта исторической обусловленности изучаемых явлений. 

Наряду со всеобщей историей музыки, охватывающей историю музыкальной культуры всех времён и народов и выясняющей общие закономерности музыкально-исторического процесса на различных ступенях развития человеческого общества, историческое музыковедения включает в себя историю музыки отдельных народов и стран, историю жанров и форм музыки (например, оперы, симфонии, сонаты), видов исполнительского искусства (пианизма, скрипичного искусства и т. п.), отдельных областей музыковедения (например, история учения о гармонии). 

Изучение народной музыки (музыкального фольклора) входит как необходимая и органическая составная часть во всеобщую историю музыки, так же как и в историю музыки каждой отдельной страны. Вместе с тем изучением народного музыкального творчества и его специфических особенностей занимается также особая наука — музыкальная этнография. 

Важная роль в музыкальной культуре принадлежит музыкальной критике, т. е. анализу и оценке явлений современной музыкальной практики. 

Музыковедение зародилось во времена античности. В настоящее время музыковедение как особая специальность включено в систему музыкального образования. Музыковедческие отделения музыкальных училищ и вузов готовят преподавателей соответствующих дисциплин, критиков, лекторов, работников музыкальных издательств, радио и телевидения. Научная работа ведется в исследовательских институтах, в консерваториях и других высших учебных заведениях. Музыковедческой деятельностью часто занимаются также композиторы и исполнители. Ценнейшее музыкально-критическое и музыкально-теоретическое наследие оставили Ж. Ф. Рамо, Р. Вагнер, Г. Берлиоз, Р. Шуман, К. Дебюсси, М. И. Глинка, А. Н. Серов, Н. А. Римский-Корсаков, П. И. Чайковский. 

Музыковедческие труды пишутся в самых различных жанрах. Одни из них, направленные на совершенствование музыкальной науки, адресуются к самим же музыковедам — таковы диссертации, статьи и книги, исследующие сложные и достаточно специальные проблемы. Другие — обращаются к музыкантам, третьи — к самому широкому читателю, в частности к детской и молодежной аудитории. Данный словарь представляет собой один из жанров популярной музыковедческой литературы. Задаче начального вхождения в музыку служат и многие другие книги. Представление о них дает список рекомендованной литературы в конце этой книги. 

Квартет

Статьи о музыке, Статьи о музыке » Музыкальные интересности

В музыке квартетом называют ансамбль, состоящий из четырех музыкантов или певцов. Наибольшее распространение среди них получил струнный квартет, состоящий из двух скрипок, альта и виолончели. 

Возник он еще в XVIII в., когда музыканты-любители, собираясь вместе по вечерам, проводили свой досуг в игре на струнных инструментах. Со временем в квартеты стали объединяться и выдающиеся музыканты. Такие ансамбли выступали при дворах князей, в дворянских гостиных, а с XIX в. — в концертных филармонических залах. Сейчас струнный квартет — один из самых распространенных видов камерного ансамбля. 

Однако существует еще целый ряд разновидностей квартетов. По составу инструментов квартеты бывают однородные (смычковые, деревянные духовые) и смешанные (например, смычковые с гобоем или фортепьяно). Квартет в составе трех струнных смычковых инструментов — скрипка, альт, виолончель — и фортепьяно принято называть фортепьянным. Вокальные квартеты бывают женские, мужские, смешанные (сопрано, альт, тенор, бас и др.). 

Квартетом называют не только музыкальный коллектив, но и музыкальное произведение для четырех исполнителей. 

Квартет — произведение для 4 инструментов — ведущий жанр камерной музыки. Распространены квартеты из однородных инструментов (2 скрипки , альт, виолончель) и смешанный (струнный , с духовыми или фортепианными ). 

Сочинения для струнного квартета стали создавать начиная с середины XVIII в., то есть, тогда, когда такие коллективы уже сложились. Квартеты великих композиторов-классиков прошлого и наших дней занимают почетное место в сокровищнице мировой камерной музыки. Среди них — произведения Й. Гайдна, В. А. Моцарта, Л. Бетховена, Ф. Шуберта, Р. Шумана, И. Брамса. 

Первыми использовали квартеты композиторы Мангеймской школы. В Италии много струнных квартетов написали Антонио Саккини (1730—1786) и Луиджи Бок-керини (1743—1805). 

Первый квартет Гайдна был создан в 1755 г. До 80-х гг. XVIII в.Квартет сохранял свойственную дивертисментам и серенадам форму сюиты. К концу XVIII в. Гайдн (83 струнных квартетах , в том числе 6 «русских») и Моцарт (23 струнных , 2 фортепианных квартета ) окончательно утвердили в квартете форму сонатного цикла. 

Эту форму сохранил в своих квартетах и Бетховен. Ему принадлежат 16 квартетов , в том числе 3 «русских» (соч. 59, 1807), написанных на темы русскух народных песен. В последних 5 квартетах (соч. 127 — Ми-бемоль мажор, соч. 130 — Си-бемоль мажор, соч. 131—до-диез минор, соч. 132—ля минор, соч. 135 — Фа мажор) новое идейно-философское содержание привело к значительному усложнению формы. 

Квартеты заняли видное место в творчестве Шуберта (19 струнных Квартетов; 3 из них утеряны, наиболее известен 7-й с вариациями на тему его песни «Смерть и девушка» — ре минор, 1824), Шумана (3 струнных квартета, фортепианный квартет ), Мендельсона (6 струнных квартетов, 3 фортепианных квартетов ), Брамса (6 струнных квартетов). Со 2-й половине XIX в. струнные квартеты стал излюбленным камерным жанром большинства композиторов различных школ; широкой известностью пользуются квартеты французских композиторов Шоссона, Дебюсси, Равеля. Яркий колорит характеризует квартет Грига (2, 2-й не окончен), Сибелиуса (2, 2-й — «Интимные голоса»). 

Струнные квартеты писали польские композиторы Монюшко (2), Шимановский (2), Казимеж Сикорский (р. 1895), Збигнев Турский (р. 1908), Витольд Рудзинский (р. 1913). Выдающиеся квартеты создали композиторы Джордже Энеску (3), Константин Сильвестри (р. 1913), Бедржих Сметана (2), Леош Яначек (2), йозеф Сук (2), Бела Барток (6) (1-й —1908, 6-й—1939), Пауль Хиндемит, Семюэл Барбер (р. 1910), Бенджамин Бриттен (р. 1913), Веселии Стоянов (р. 1902), Клаудиу Сантору (р. 1919), Иосип Словенский (1896—1955), Петар Коньович (р. 1883). В России струнный квартет начал культивироваться с XVIII в. В этом жанре писали: Бортнянский, Алябьев (3 струнных и 1 для 4 флейт), Даргомыжский (2), Рубинштейн (10). Новым этапом в развитии жанра квартета явились произведения Бородина (2 струнных квартета ; 2-й — с Ноктюрном), Чайковского (3, 2-й с Andante cantabile), Танеева (9). 

Тонким мастерством отличаются 7 квартета Глазунова (наиболее известен 3-й, «Славянский»). В творчестве советских композиторов струнный квартет занимает значительное место. Известностью пользуются квартет Мясковского (13), Прокофьева, Глиэра, Шебалина. Крупнейший вклад в квартетную музыку внес Шостакович — автор 10 квартетов. 

Основоположники русского классического квартета — А. П. Бородин и П. И. Чайковский. Квартетам Чайковского свойственны могучий размах, страстный темперамент и в то же время задушевность (особенно их медленным частям). Так, в основу широко известной второй части Первого струнного квартета положена русская песня «Сидел Ваня на диване». Оба квартета Бородина отличаются поэтичностью, спокойным, уравновешенным лиризмом, картинностью. Русская квартетная музыка многим обязана С. И. Танееву и А. К. Глазунову. Советские композиторы внесли огромный вклад в квартетное наследие. Среди них — Н. Я. Мясковский, С. С. Прокофьев, Д. Д. Шостакович, Д. Б. Кабалевский, Б. Н. Лятошинский, М. С. Вайнберг, Б. А. Чайковский, А. Г. Шнитке, В. В. Сильвестров. 

Квартет

Статьи о музыке, Статьи о музыке » Музыкальные интересности

В музыке квартетом называют ансамбль, состоящий из четырех музыкантов или певцов. Наибольшее распространение среди них получил струнный квартет, состоящий из двух скрипок, альта и виолончели. 

Возник он еще в XVIII в., когда музыканты-любители, собираясь вместе по вечерам, проводили свой досуг в игре на струнных инструментах. Со временем в квартеты стали объединяться и выдающиеся музыканты. Такие ансамбли выступали при дворах князей, в дворянских гостиных, а с XIX в. — в концертных филармонических залах. Сейчас струнный квартет — один из самых распространенных видов камерного ансамбля. 

Однако существует еще целый ряд разновидностей квартетов. По составу инструментов квартеты бывают однородные (смычковые, деревянные духовые) и смешанные (например, смычковые с гобоем или фортепьяно). Квартет в составе трех струнных смычковых инструментов — скрипка, альт, виолончель — и фортепьяно принято называть фортепьянным. Вокальные квартеты бывают женские, мужские, смешанные (сопрано, альт, тенор, бас и др.). 

Квартетом называют не только музыкальный коллектив, но и музыкальное произведение для четырех исполнителей. 

Квартет — произведение для 4 инструментов — ведущий жанр камерной музыки. Распространены квартеты из однородных инструментов (2 скрипки , альт, виолончель) и смешанный (струнный , с духовыми или фортепианными ). 

Сочинения для струнного квартета стали создавать начиная с середины XVIII в., то есть, тогда, когда такие коллективы уже сложились. Квартеты великих композиторов-классиков прошлого и наших дней занимают почетное место в сокровищнице мировой камерной музыки. Среди них — произведения Й. Гайдна, В. А. Моцарта, Л. Бетховена, Ф. Шуберта, Р. Шумана, И. Брамса. 

Первыми использовали квартеты композиторы Мангеймской школы. В Италии много струнных квартетов написали Антонио Саккини (1730—1786) и Луиджи Бок-керини (1743—1805). 

Первый квартет Гайдна был создан в 1755 г. До 80-х гг. XVIII в.Квартет сохранял свойственную дивертисментам и серенадам форму сюиты. К концу XVIII в. Гайдн (83 струнных квартетах , в том числе 6 «русских») и Моцарт (23 струнных , 2 фортепианных квартета ) окончательно утвердили в квартете форму сонатного цикла. 

Эту форму сохранил в своих квартетах и Бетховен. Ему принадлежат 16 квартетов , в том числе 3 «русских» (соч. 59, 1807), написанных на темы русскух народных песен. В последних 5 квартетах (соч. 127 — Ми-бемоль мажор, соч. 130 — Си-бемоль мажор, соч. 131—до-диез минор, соч. 132—ля минор, соч. 135 — Фа мажор) новое идейно-философское содержание привело к значительному усложнению формы. 

Квартеты заняли видное место в творчестве Шуберта (19 струнных Квартетов; 3 из них утеряны, наиболее известен 7-й с вариациями на тему его песни «Смерть и девушка» — ре минор, 1824), Шумана (3 струнных квартета, фортепианный квартет ), Мендельсона (6 струнных квартетов, 3 фортепианных квартетов ), Брамса (6 струнных квартетов). Со 2-й половине XIX в. струнные квартеты стал излюбленным камерным жанром большинства композиторов различных школ; широкой известностью пользуются квартеты французских композиторов Шоссона, Дебюсси, Равеля. Яркий колорит характеризует квартет Грига (2, 2-й не окончен), Сибелиуса (2, 2-й — «Интимные голоса»). 

Струнные квартеты писали польские композиторы Монюшко (2), Шимановский (2), Казимеж Сикорский (р. 1895), Збигнев Турский (р. 1908), Витольд Рудзинский (р. 1913). Выдающиеся квартеты создали композиторы Джордже Энеску (3), Константин Сильвестри (р. 1913), Бедржих Сметана (2), Леош Яначек (2), йозеф Сук (2), Бела Барток (6) (1-й —1908, 6-й—1939), Пауль Хиндемит, Семюэл Барбер (р. 1910), Бенджамин Бриттен (р. 1913), Веселии Стоянов (р. 1902), Клаудиу Сантору (р. 1919), Иосип Словенский (1896—1955), Петар Коньович (р. 1883). В России струнный квартет начал культивироваться с XVIII в. В этом жанре писали: Бортнянский, Алябьев (3 струнных и 1 для 4 флейт), Даргомыжский (2), Рубинштейн (10). Новым этапом в развитии жанра квартета явились произведения Бородина (2 струнных квартета ; 2-й — с Ноктюрном), Чайковского (3, 2-й с Andante cantabile), Танеева (9). 

Тонким мастерством отличаются 7 квартета Глазунова (наиболее известен 3-й, «Славянский»). В творчестве советских композиторов струнный квартет занимает значительное место. Известностью пользуются квартет Мясковского (13), Прокофьева, Глиэра, Шебалина. Крупнейший вклад в квартетную музыку внес Шостакович — автор 10 квартетов. 

Основоположники русского классического квартета — А. П. Бородин и П. И. Чайковский. Квартетам Чайковского свойственны могучий размах, страстный темперамент и в то же время задушевность (особенно их медленным частям). Так, в основу широко известной второй части Первого струнного квартета положена русская песня «Сидел Ваня на диване». Оба квартета Бородина отличаются поэтичностью, спокойным, уравновешенным лиризмом, картинностью. Русская квартетная музыка многим обязана С. И. Танееву и А. К. Глазунову. Советские композиторы внесли огромный вклад в квартетное наследие. Среди них — Н. Я. Мясковский, С. С. Прокофьев, Д. Д. Шостакович, Д. Б. Кабалевский, Б. Н. Лятошинский, М. С. Вайнберг, Б. А. Чайковский, А. Г. Шнитке, В. В. Сильвестров. 

Ансамбль

Справочные данные, Статьи о музыке » Музыкальные интересности

Ансамбль (от фр. ensemble — вместе, множество) — означает совместное исполнение музыкального произведения несколькими участниками или музыкальное произведение для небольшого состава исполнителей; излюбленный с давних времен тип музицирования. В соответствии с количеством исполнителей (от двух до десяти), ансамбль называется дуэтом, трио (терцетом), квартетом, квинтетом, секстетом, септетом, октетом, нонетом или дециметом — по латинским названием цифр. Как самостоятельные произведения ансамбли принадлежат к области камерной музыки, но входят также и в состав опер, ораторий, кантат. ВИА (вокально - инструментальные ансамбли) были распространены в России в семидесятых годах. 

История подсказывает нам один из возможных путей образования ансамбля: к поэтическому напеву рожка пастуха присоединяется другой инструментальный «голос», он робко ищет себе путь и находит его, оплетая мелодию первого исполнителя выразительным орнаментом звуковых кружев, не мешающих слушать этот напев, но оттеняющих его красоту, как бы подчеркивающих изобретательные находки. 

Несколько певцов задорно выводят русскую народную хороводную песню. Они поют ее вместе. У одного просто не вышло бы такое многообразие эмоциональных оттенков, многоцветье вокальных узоров, создаваемых различными сочетаниями голосов. Это тоже ансамбль. Им не назовешь соревнование певцов, где каждый из претендентов на победу стремится показать прежде всего собственное мастерство. В ансамбле, напротив, каждый старается соразмерять свою художественную индивидуальность, свой исполнительский стиль, технические приемы с индивидуальностью, стилем, приемами исполнения партнеров, что обеспечивает слаженность и стройность исполнения того или иного музыкального произведения в целом. То же самое можно сказать и об искусстве танцевальных ансамблей. 

Составы инструментальных ансамблей немногочисленны. Каждую партию в них исполняет один музыкант (камерные ансамбли: дуэт, трио, квартет, квинтет и др.). Наиболее распространенные по составу: фортепьянный дуэт, струнный квартет, квинтет духовых инструментов, дуэт скрипки с фортепьяно, трио (скрипка, виолончель, фортепьяно) и другие — можно часто слышать на отечественной и зарубежной концертной эстраде. 

В XVI—XVIII вв.. существовали различные формы полифонического ансамбля. В эпоху венской классики образовались характерные ансамблевые жанры, сохранившие свое значение до настоящего времени (дуэт скрипки с фортепьяно, струнный квартет и т. д.). 

Мы живем в эпоху расцвета ансамблевого музицирования, породившую самые различные ансамбли: ударных инструментов, старинной музыки («Мадригал») и др. Большой известностью пользуются и «Виртуозы Москвы». Участников в ансамбле обычно немного, поэтому во время совместного музицирования слышна игра каждого из них, что предъявляет особые требования к мастерству исполнителя: он должен обладать особой чуткостью, отзывчивостью, творческой интуицией, подсказывающей определенный настрой в сложной и увлекательной ансамблевой игре с партнерами. 

Умение соразмерять свои возможности и возможности другого и называется ансамблевостью исполнения. Высокие образцы ансамбля показали трио Л. Н. Оборин, Д. Ф. Ойстрах, С. Н. Кнушевицкий или дуэт С. Т. Рихтер и Ойстрах. Подлинными виртуозами слывут скрипач В. Т. Спиваков и альтист Ю. А. Башмет, интерпретирующие дуэты В. А. Моцарта. Игра их захватывает своим темпераментом, неожиданным звучанием и в то же время необычайной степенью взаимного понимания, без которого невозможен истинный ансамбль. 

В каждом ВИА есть свой лидер (возможно и не один). Это и высокопрофессиональный музыкант, сочиняющий и аранжирующий для ансамбля, и художественный руководитель, заботящийся об общем «классе» ансамбля, о его стиле, о создании и постоянном обновлении репертуара; это и менеджер, способный сочетать разумную гастрольную нагрузку ансамбля с репетиционным периодом, необходимым для творческого роста музыкантов; наконец, это зачастую и режиссер, умеющий из множества разрозненных музыкальных произведений выстроить единую программу с соблюдением специфических законов эстрадного зрелища. Именно на лидерах лежит основная ответственность за творческую судьбу ансамбля, за отбор приемов, средств, которые при общих жанровых признаках придают конкретному ВИА «лица не общее выражение». 

Музыка и гипнотическое состояние

Статьи о музыке » Музыкальные интересности

Гипноз (греч. hypnos— сон) Измененное состояние сознания, характеризующееся сужением его объема и предположительно резкой фокусировкой на содержании внушения. Состояние гипноза наступает в результате специальных воздействий гипнотизера или целенаправленного самовнушения. В более общем смысле гипноз это социально-медицинское понятие о комплексе методик целенаправленного словесно-звукового воздействия на психику человека через заторможенное определённым способом сознание, приводящее к бессознательному выполнению различных команд и реакций. 

Гипноз известен человечеству очень давно, его практиковали еще жрецы древнего Шумера. В античном мире на основе гипнотического транса строилась практически вся система пророчеств. Использовались подобные техники не только посвященными (жрецами и оракулами). Известно, в частности, что древнеримского философа Апулея современники упрекали в том, что он приводит в состояние гипнотического транса своих рабов с целью получить предсказание будущего. 

Почему слушая музыку, изменяются наши чувства, эмоции? Мы успокаиваемся или возбуждаемся. Почему музыка управляет нами, заставляя нас совершать такие поступки, которые в обычном состоянии мы бы никогда не совершили? Ответ на это лежит в структурах нашего мозга. 

О способности музыки воздействовать на человеческое сознание было известно еще нашим предкам. В давние времена шаманы вводили людей в состояние транса своими гипнотическими мелодиями. Но мир не стоит на месте: изменились люди, изменились и технологии. И если шаманы древних времен использовали барабаны и бубны, то у современных шаманов – DJ’s другое оборудование: вертушки, микшерный пульт и колонки. 

Научно доказано, что такие звуковые инструменты, как человеческий голос, флейта, барабаны и другие ударные влияют на состояние мозга человека, точнее, на его нейрологическую активность. 

Для правильного понимания данного вопроса сначала стоит вернуться к школьному курсу биологии. Оба мозговых полушария человека отвечают за различные функции. Левое отвечает за сознательное, вербальное, логическое, рациональное и аналитическое содержание. Правое же (недоминантное у большинства людей) полушарие наполнено абстрактным, синтетическим, визуальным и интуитивным контентом. Когда же у человека усиливается тета-активность1 и он входит в гипнотическое трансовое состояние, это обозначает что правое полушарие активно стимулируется. Ведь именно недоминантное полушарие (опять же для большинства) и позволяет людям входить в эйфорическое состояние своеобразной нирваны. 

Главными «стимуляторами» для такого состоянии являются звуки и музыка, которые стимулируют повышение клеточной активности организма человека. Связь между недоминантным полушарием с пространственным и интуитивным аспектами человеческого сознания очень и очень тесна, поэтому музыка может вводить человека в, так называемое, трансовое состояние вообще без помощи каких-либо препаратов. 

Часто мы можем увидеть выражение такого необычного состояние сознания (при стимулируемом недоминтном полушарии) в виде активного восприятие многих психических мотивов, таких как глубинные эмоции, фантазии и архетипичные конфликты и драмы. А именно в этом состоянии обостряются чувства, а восприятие становится более активным и утонченным. Проще говоря, чувствительность человека усиливается, он начинает воспринимать то, на что ранее не обращал внимания. 

В мозгу завиксированны различные типы электромагнитных колебаний от медленного альфа ритма, до высокочастотного бета-ритма. Ритмы ЭЭГ взрослого бодрствующего человека: 

- альфа-ритм - частота 8...13 Герц, амплитуда до 100 мкв. При повышении уровня функциональной активности мозга амплитуда ритма уменьшается и часто он полностью исчезает; 

- бета-ритм - частота 14...40 Герц, амплитуда до 15 мкВ. Исчезает при выполнении или даже умственном представлении движения; 

- мю-ритм - частота 8...13 Герц, амплитуда до 50 мкв. 

(wichet) - аркообразный ритм, активизируется во время умственной нагрузки и психического напряжения; 

- гамма-ритм - частота 40...70 Герц, амплитуда до 7 мкв. 

"Высокочастотный бета-ритм". 

Ритмы и феномены, патологические для взрослого бодрствующего человека:

- тета-ритм - частота 4...6 Герц, амплитуда 40 и более мкв (до 300 мкв); 

- сигма-ритм - частота 0,5...3 Герц, амплитуда 40 и более мкв; 

Проявление ритмов

Альфа-волны, 13 Герц наблюдаются при нормальном состоянии, стрессе, состоянии тревоги. 

Бета-волны, 8 -12 Герц -присутствуют при лёгкой релаксации , позитивных 
настроениях и мыслеобразах. 

Тета-волны, 4 - 7 Герц - Глубокая релаксация , медитация , усиленная работа с 
памятью и состояние сосредоточенного внимания. 

Дельта-волны, 1-3 Герц - глубокий сон ,"ясные сновидения", активное включение в 
работу иммунной системы. 

Гамма-волны - до конца не исследованы 

Синхронизируя деятельность мозга на этих частотах, можно не только преднамеренно изменять своё состояние сознания, настроение, эмоции. 

При наложении двух несколько различающихся частот возникают биения, соответствующие данной разнице. Мы наблюдали это при исследовании вокала оперных певцов. Эти биения могут быть и инфразвуковой частоты. Для мозга совсем неважно, каким образом вы вызываете не свойственный ему альфа-ритм. 

Важно, что колебание инфранизкой частоты воздействует на центральную нервную систему и нарушает ее работу. 

Можно подобрать такие ритмы и сочетания тонов в музыкальном произведении, что их гармоники, то есть, звуки с частотами, кратными частоте основного тона (именно они определяют тембр, характер звучания инструмента), и биения окажутся в инфразвуковом диапазоне. 

Наиболее подходящими для такого подбора оказываются ударные инструменты: барабаны, литавры, тарелки и т. д. Для современных ударников, исполняющих так называемую поп-музыку, построены целые ударные агрегаты, на которых они "играют" всеми четырьмя конечностями. Звук, например, барабана при одиночном ударе носит взрывной характер (несет широкий сплошной спектр, содержащий все слышимые частоты). 

При повторении ударов с частотой около 3-4 ударов в секунду наиболее сильно выделяются основная частота и ее гармоники, т. е. частоты около 6-8 Гц, 9-12 Гц и т. д. Остальные частоты несколько подавляются. Вы осознанно воспринимаете повторяющиеся удары и неосознанно подвергаетесь воздействию инфразвука. Вспомните, при исполнении опасных трюков в цирке оркестр "играет" барабанную дробь, усиливающую чувство тревоги. Это происходит именно из-за воздействия на ЦНС навязанных альфа-ритмов. 

Музыке славянских народов присуща напевность, мелодичность, в ней практически нет взрывных повторяющихся звуков, способных образовывать инфразвуковые биения. Поэтому под нашу музыку легко размышлять, она способствует познанию окружающего мира. А вот музыка некоторых народов отличается обилием взрывных ритмичных барабанных звуков. Под такую музыку размышлять практически невозможно. 

Попробуйте думать о чем-нибудь серьезном, одновременно слушая современную поп-музыку, - ничего не получится. А уж об абстрактном ассоциативном мышлении - единственном способе творчества - и говорить нечего. Поп-музыка мешает человеку учиться и творить. Поэтому народы, музыка которых основана на барабанных ритмах, существенно отстают в развитии. 

Темп, ритм, гипноз

По словам ученых, музыка оказывает физиологическое воздействие на мозг человека. Болгарский доктор Лозанов (Dr. Lozanov) обнаружил, что ритм очень сильно влияет на активность мозга и его работу. 

Ученый пришел к выводу, что музыкальный темп, равный 60 ударам в минуту, на 6 % усиливает, так называемую, альфа-активность мозга, которая связанна с расслаблением. При этом тот же музыкальный темп уменьшает бета-активность мозга, связанную, прежде всего, с активностью и бодрствованием. В общем, при музыке с темпом, равным 60 ударам в минуту, у человека наступает медитационное расслабленное состояние сознания. 

Так, играя с музыкальными частотами, ди-джей может повергнуть танцпол в и в эйфорическое состояние расслабленности и заставить оставить всю свою энергию на танцполе. 

Согласно сведениям ученых, музыка с музыкальным темпом около 120 ударов в минуту способствует максимальной релаксации. Однако, казалось бы, еще более медленный темп, равный 240 колебаний в минуту не способствует расслаблению, а, напротив, агрессивно действует на мозг. А при музыкальных колебаниях 4-7 ударов в минуту как раз повышается мозговая активность человека. 

Есть данные о том, что под действием барабанных ритмов в организме образуются так называемые эндорфины- вещества, сходные по своему химическому составу с наркотиками и избирательно раздражающие центры удовольствия. Не слыша барабанных или каких-либо других ритмов в течение длительного времени, человек, привыкший к слушанию поп-музыки, начинает испытывать неприятные ощущения. Музыка, содержащая ритмы ударников, сродни наркотику и может вызывать генетические изменения, ведущие к вырождению нации. В современной поп-музыке инфразвуковые гармоники и биения маскируются звучанием других инструментов, но пагубное их воздействие от маскировки не уменьшается. 

К примеру, было установлено, что искусство шамана состоит в том, что он умеет совмещать ритм ударов бубна с импульсами головного мозга того человека, на которого направлены его заклинания. И тот становился чрезвычайно внушаемым, восприимчивым к кодированию набором ритуальных текстов и движений. 

При прослушивании музыки её ритм входит в резонанс с ритмом мозговых структур. Любая музыка, воздействуя на мозговые колебания, изменяет эмоциональное состояние слушателя, тем самым вольно или не вольно вводит его в изменённое состояние сознания (транс). Одни мелодии делают это быстрее, другие медленнее. Большое значение здесь играет частота, амплитуда, ритмичность. 

Музыкальные звуки оказывают влияние не только слуховые рецепторы человека: музыку можно слушать не только ушами, человек чувствует звуки всеми порами своего тела. А в зависимости от ритма, темпа, построения композиции, частот и использованных инструментов изменяется и состояние человека. Самая главная сфера влияния музыки – это нервная система, с которой правильные действия ди-джея могут совершить много «перевоплощений» с ней: взбудоражить и возбудить или успокоить и умиротворить. 

Исследуя феномен воздействия музыки на слушателя, мы пришли к выводу, что уровень и сила воздействия классической музыки резко отличаются от эстрадной. Классическая музыка затрагивает глубинные, архитипичные структуры нашего бессознательного. Трансовые состояния при этом возникают медленнее, но они глубже и вызывают переживания по силе приближающиеся к трансперсональным. Выход из этого состояния медленнее. Классическая музыка – это сильнейшее воздействия на нашу психику и не каждый хочет и готов заглянуть внутрь себя, в своё бессознательное! 

Музыкальный слух: мифы и реальность

Статьи о музыке » Полезные музыкальные статьи

Музыкальный слух — совокупность способностей, необходимых для сочинения, исполнения и активного восприятия музыки. 

Музыкальный слух подразумевает высокую тонкость восприятия как отдельных музыкальных элементов или качеств музыкальных звуков (высоты, громкости, тембра), так и функциональных связей между ними в музыкальном произведении (ладовое чувство, чувство ритма, мелодический, гармонический и др. виды слуха). 

Среди различных видов музыкального слуха, выделяемых по разным признакам, важнейшими являются: 

Существует распространенное мнение, что музыкальный слух - это что-то почти уникальное - дар божий, и человеку, имеющему музыкальный слух, крупно повезло. Ведь ему можно петь, заниматься музыкой, и вообще, он, в некотором смысле, избранный. 

Сколько людей испытывает чувство неполноценности, когда заходит речь о музыке, заявляя: "мне медведь на ухо наступил". 

Действительно ли это такая редкость - музыкальный слух? Почему одни люди его имеют, а другие - нет? И вообще, откуда он взялся у человека? Зачем вообще появился? Может быть, это что-то вроде экстрасенсорных способностей? 

Стоит вспомнить, что способности человека возникают не просто так. Всякая наша способность идет от жизненной необходимости. На двух ногах человек научился ходить потому, что ему нужно было освободить руки. 

Примерно такая же ситуация и с музыкальным слухом. Эта функция появилась, когда живым существам потребовалось общаться при помощи звуков. У человека музыкальный слух развивался вместе с речью. Для того, чтобы научиться говорить, нам нужно уметь различать звуки по силе, длительности, высоте и тембру. Собственно, именно это умение люди и называют музыкальным слухом. 

Виды музыкального слуха

Абсолютный слух 

Способность узнавать по слуху любую ноту (до, ре, ми и т. д.) и воспроизводить ее голосом без предварительной настройки. Это относится и к звукам, исполняемым не только на музыкальных инструментах (сирена, телефонный звонок, стук по металлической трубе и т.д.). 

Относительный слух 

Отличается от абсолютного тем, что для определения или пропевания нот на слух необходима настройка - звук или аккорд, относительно которого мысленно будет выстроен звукоряд. 

Развивается в процессе обучения музыке. 

Мелодический слух 

Способность слышать и понимать строение мелодии (звуковысотность, направление движения и ритмическую организацию), а также воспроизводить ее голосом. На более высоком уровне развития - записывать нотами. 

Развивается в процессе обучения музыке. 

Гармонический слух 

Способность слышать гармонические созвучия - аккордовые сочетания звуков и их последовательности и воспроизводить их голосом в разложенном виде или на музыкальном инструменте. 

На практике это может выражаться, например, в подборе на слух аккомпанемента к мелодии, даже без знания нот или пении в многоголосном хоре. 

Возможно его развитие даже при начальном отсутствии такой способности. 

Внутренний слух 

Внутреннее представление правильного звуковысотного интонирования, без воспроизведения голосом. 

1.  Внутренний слух, некоординированный с голосом. Начальный уровень. 
На практике выражается в подборе мелодии, возможно с аккомпанементом, по слуху на инструменте или понимании ошибок на слух в изучаемом произведении. 

2.  Внутренний слух, координированный с голосом. Профессиональный уровень. Результат серьезных занятий сольфеджио. Предполагает слышание и предслышание нотного текста и возможность работы с ним без музыкального инструмента. 

Развивается в процессе обучения музыке. 

Предслышание 

Мысленное планирование внутренним слухом будущего чистого звука, ритмической фигуры, музыкальной фразы. Используется, как профессиональный прием в вокале и для игры на всех музыкальных инструментах. 

Можно ли развить музыкальный слух?

Мы пользуемся музыкальным слухом, причем, очень точным, постоянно. Без него мы не узнавали бы людей по голосу. А ведь по голосу мы можем сказать о своем собеседнике еще очень многое. Он дает нам возможность определять, какое настроение у человека, с которым мы разговариваем, можно ли ему доверять и многое другое. Невербальные, то есть несловесные, характеристики речи дают нам порой гораздо больше информации, чем сказанные слова. 

Можно ли в таком случае говорить, что у кого-то нет музыкального слуха? Да конечно, нет! У каждого человека, который самостоятельно научился говорить, есть музыкальный слух. 

Отсутствие музыкального слуха - такая же редкость, как, например, врожденная слепота! 
Конечно, у кого-то он может быть развит очень хорошо, а у кого-то похуже, но у подавляющего большинства людей музыкальный слух развит вполне достаточно, чтобы заниматься музыкой и достигать прекрасных результатов без специальных усиленных тренировок по развитию музыкального слуха. Проблема в том, что очень часто о музыкальных способностях судят по умению человека петь. Не умеешь петь - значит "медведь на ухо наступил", "нет музыкального слуха". 

Но ведь чтобы петь, мало хорошо слышать. Нужно еще уметь хорошо владеть своим голосом. А управлению голосом нужно учится так же, как рисовать, танцевать или плавать. 

А, кроме того, если Вы слышите, что поете плохо, то уж со слухом-то у Вас точно все в полном порядке! 
И, наконец, если Вы любите музыку, слушаете ее, значит у Вас нормальный музыкальный слух, можете, на этот счет, не беспокоится. 

Музыкальный слух, как любая функция нашего организма (например, умение плавать), развивается только тогда, когда мы им активно пользуемся. Если Вы будете играть на музыкальном инструменте или петь, это поможет Вам быстро развить музыкальный слух. Кстати, Дмитрий Кабалевский посвятил свою жизнь развенчиванию мифа об уникальности музыкального слуха. Он разработал целую систему, доказывавшую, что обучать музыке можно и нужно каждого человека. И результаты его деятельности показали, что успешно заниматься музыкой может практически любой человек. 


Развитием музыкального слуха занимается спец. дисциплина — сольфеджио, однако активно музыкальный слух развивается прежде всего в процессе музыкальной деятельности. 

Один из методов развития интонационного слуха - через движение, дыхательные практики и танец. Различные проявления музыкального слуха изучаются в музыкальной психологии, музыкальной акустике, психофизиологии слуха. Слух диалектично связан с общей музыкальностью, выражающейся в высокой степени эмоциональной восприимчивости музыкальных явлений, в силе и яркости вызванных ими образных представлений и переживаний. 

Если у вас есть желание заниматься музыкой в том или ином виде, отбросьте всякие сомнения в своих способностях, действуйте, учитесь, и успех обязательно придет к вам! 

Музыкальный звук

Статьи о музыке

Какой звук может считаться музыкальным, а какой напротив, нельзя считать музыкальным? 

Звук музыкальный — это звук, который обладает: 

• определённой высотой (высота основного тона обычно от до субконтроктавы до до — ре пятой октавы (от 16 до 4000 — 4500 Гц); 
• тембром, который определяется присутствием в звуке обертонов и зависит от источника звука. По тембру звуки очень разнообразны; 
• громкостью, которая не может превышать порога болевого ощущения; 
• длительностью. 

В сущности, звук в физике - явление колебательного движения частиц в упругих средах, распространяющегося в виде волн, более всего часто мы воспринимаем звуки в воздухе. 

Физическая особенность музыкального звука состоит в том, что звуковое давление в нём является периодической функцией времени (подробнее об этом: «Фейнмановские лекции по физике», том 4, глава 50 (Москва, изд. «Мир», 1967 год), а также «Элементарный учебник физики», том 3, глава II (издательство «Наука», 1972 г., издание 8-е, под редакцией академика Г. С. Ландсберга)). 

Важной характеристикой звука считается его спектр - совокупность простых гармонических (синусоидальных) колебаний, на которые раскладывается звук, представленный чаще всего графиком соотношения амплитуд (образно выражаясь, размахом скачков) и частот (количеством скачков за единицу времени) этих колебаний. 

Звук сплошного спектра слышится как шум. Все музыкальные звуки имеют линейчатый (или комбинированный, очень близкий к линейчатому - у фортепиано, к примеру) спектр. Такой спектр на графике выглядит как множество отрезков разной длины - множество тонов кратных частот и разной амплитуды, называемых в этом случае гармониками. 

Первый отрезок самой низкой частоты и самой высокой амплитуды называется основным тоном, все прочие - обертонами, призвуками основного тона, их амплитуда в целом резко убывает с ростом частоты. Природа наделила эти звуки замечательным свойством - отношения частот основного тона и всех обертонов можно представить рядом натуральных чисел, поэтому восходящий по частоте ряд обертонов называется натуральным звукорядом. 

Музыкальные звуки одной и той же длительности чётко количественно характеризуется высотой - восприятием на слух частоты основного тона, - и качественно различаются тембром, определяемым обертонами. Еще одной существенной субъективной характеристикой является громкость, зависящяя от интенсивности и частоты звука. Аппарат человеческого слуха довольно интересен - мы воспринимаем звуки с частотами приблизительно от 16 Гц до 20 кГц, ощущаем изменение громкости и высоты логарифмически (отсюда всестороненнее применение такой нелинейной относительной единицы, как Бел или дециБел) и наиболее чувствительны к звукам в диапазоне от 450 Гц до 5 кГц; они кажутся нам громче остальных при той же интенсивности, и именно в этом диапазоне, расширенном до нижнего порога слышимости, находятся все музыкальные звуки. 

Октава (от лат. octava — восьмая) — музыкальный интервал, в котором соотношение частот между звуками составляет 1 к 2. Субъективно на слух октава воспринимается как устойчивый, базисный музыкальный интервал. Два последовательных звука, отстоящие на октаву, воспринимаются очень похожими друг на друга, хотя явно различаются по высоте. 

Интервал в музыке (от лат. intervallum — промежуток, расстояние, разница) — музыкальное соотношение двух ступеней, то есть звуков, имеющих определённые названия. Нижний звук интервала называется его основанием, верхний — вершиной. 

Простые интервалы

Составные интервалы

Музыкальные звуки организуются в музыкальную систему. В каждой октаве обычно используются лишь 12 звуков, отстоящих на полутон друг от друга. Динамические оттенки подчинены шкале громкостей, не имеющей абсолютных значений. В наиболее употребительной шкале длительностей соседние звуки находятся в отношении 1:2 (восьмые так относятся к четвертям, как четверти к половинам, и т. п.). Из музыкальных звуков строится музыка. 

Все приставки - "чистая", "малая", "большая", "увеличенная", "уменьшенная" - помогают понять, какой же именно по тоновой величине простой интервал разделяет два звука в музыкальной системе, звукоряде. Например, в секунде до-ре один тон (большая секунда), а секунда ми-фа состоит всего лишь из полутона (малая секунда). Интервалы могут быть изменены - увеличены (из чистых и малых) и уменьшены (из чистых и больших) - для этого один из звуков интервала повышается или понижается на полутон. Такое действие для звука называется альтерацией. Возможно двойное увеличение или уменьшение интервала в случае разнонаправленной альтерации его основания и вершины. Всякая такая альтерация считается хроматизмом и не меняет качественного характера интервала - например, из чистой кварты до-фа понижением вершины получается уменьшенная кварта до-фа-бемоль. Она количественно не соответствует большой терции до-ми, но одинакова с ней по тоновому составу - это и есть интервалы, равные энгармонически. 

Таблица интервалов

Соотношения частот в интервалах

• Большими и малыми могут быть секунды, терции, сексты и септимы; 
• Чистыми могут быть примы, кварты, квинты и октавы; 
• Увеличенными и уменьшёнными могут быть любые интервалы (за исключением уменьшённой примы, которая не может существовать на практике) 
• Дважды увеличенными могут быть примы и кварты; 
• Дважды уменьшёнными могут быть квинты и октавы 

Обращения интервалов

Обращением интервала называется перемещение его звуков на октаву вверх или вниз таким образом, чтобы они поменялись местами: верхний стал нижним, а нижний — верхним. При обращении качество интервала меняется на противоположное: большой становится малым, увеличенный — уменьшённым и наоборот. Чистый интервал остаётся чистым. При обращении простого интервала на октаву переносится один из его звуков, при этом сумма цифровых обозначений обоих интервалов всегда равна девяти. 

Если требуется обратить составной интервал, на октаву переносятся оба его звука (верхний — вниз, нижний — вверх), при этом сумма цифровых обозначений обоих интервалов всегда равна шестнадцати. 

Нотная запись

Статьи о музыке » Теория музыки

Нотная запись — упорядоченный набор символов музыкальной нотации, предназначенный для того, чтобы передать на письме некий музыкальный материал. 

Музыкальная нотация — система графических знаков, применяемых для записи музыки. Каждая из известных систем нотации имеет собственный комплекс нотных знаков, отличающихся формой и названиями. 

Нота (лат. nota — знак) — условный графический знак, находящийся на нотном стане (нотоносце, как иногда называют пять линий, на которых и записываются ноты) и указывающий высоту и относительную длительность какого-либо звука. 

Нередко термин «нота» употребляется для обозначения звука. Так, «звук до» и «нота до» могут восприниматься как одно и то же. 

Сейчас, невозможно представить, что было время, когда на свете не существовало нотной записи и музыка передавалась только устно. Настоятельная потребность найти способ сохранения музыкальных напевов привела к созданию нотной записи. 
Усилиями многих поколений создавались все более совершенные системы перевода «живого» звучания музыки на язык условной графической записи — нотации. Посмотрите образцы нотного текста, приведенные в иллюстрациях, сравните их между собой — и вы увидите, как они непохожи. Но при всем различии в них есть и общее: музыка фиксируется с помощью специальных условных знаков. Они менялись на протяжении многовекового развития музыкальной культуры, были различны у разных народов, и прошло много времени, прежде чем люди пришли к той форме нотной записи, которая используется сейчас. 
Из всех известных способов самым древним является обозначение мелодий, передаваемых по слуху, с помощью рисунков. Образцы такой записи обнаружены при изучении древнеегипетских памятников. К древнейшим способам относится также слоговая запись музыкальных звуков с помощью клинописи, применявшаяся, как предполагают ученые, в Древнем Вавилоне. Дальнейшее развитие музыкальной письменности связано с буквенным обозначением звуков, указывающих на их высоту. Зародившись в Древней Греции, эта система получает все более широкое распространение. Со временем буквы греческого алфавита заменяются латинскими. И сейчас можно встретить обозначение звука «до» латинской буквой «с», звука «ре» — буквой «d» и т. д. 

В средние века появляется невменная нотация, характерная для культовой музыки. Одна из ее разновидностей — русское крюковое, или знаменное, письмо. Условные обозначения — невмы (на Руси они назывались крюки, знамена) состояли из графических значков типа черточек, точек, запятых и их разнообразных сочетаний. Они проставлялись над словесным текстом и обозначали отдельные звуки или мелодические обороты, ходы голоса вверх и вниз, повторение одного и того же звука, характер и способ исполнения. 

 
Первоначальные невмы 

Невмы (лат. neuma) — первая нотная запись, которая использовались в Европе. Постепенная эволюция невм привела к появлению современных нотных знаков. 

Слово «невма» происходит от позднелатинского neuma, которое в свою очередь происходит от др. греч. «пневмо» — дыхание. Первоначальные невмы представляли собой набор чёрточек, точек и запятых проставляемый над текстом псалмов и использовались главным образом при католическом пении. В то время невмы обозначали лишь отдельные звуки и ход голоса (вверх или вниз), однако не обозначали их точную высоту, поэтому не могли сообщить певцу новую мелодию, а могли лишь напомнить уже известный мотив. 

 
Хоральная нотация 

Позднее (приблизительно с IX века) в западно-европейской музыке они стали записываться на одной или двух горизонтальных линиях, буквенное обозначение которых или их цвет (красный, желтый) определяли высоту расположенных на них невм. Так постепенно в недрах невменного письма зарождалась линейная нотация, объединявшая наглядность невм и звуковысотную точность буквенной записи. В XI в. она была усовершенствована итальянским музыкантом Гвидо д'Ареццо. Он разработал способ записи нот на нотной строке, состоящей из четырёх горизонтальных параллельных линий. Буквенные знаки, обозначавшие высоту каждой из них, и невмы стали записываться не только на самих линиях, но и в просветах между ними. Все четыре линии были объединены в единую систему, ставшую прообразом современного нотного стана, а буквенные обозначения высоты линий постепенно трансформировались в ключи — условные графические знаки, определяющие высоту расположенных на нем нот. 

Гвидо д'Ареццо известен и как автор слоговых названий: «ут», «ре», «ми», «фа», «соль», «ля». Они обозначали ступени шестиступенного звукоряда (тон, тон, полутон, тон, тон). В конце XVI в. для обозначения VII ступени в семиступенном звукоряде введен слог «си», во 2-й половине XVII в. слог «ут» заменен слогом «до».. Эти названия сохранились и сейчас и обозначают высоту звука. 

Последующее совершенствование нотного письма в период XIII—XVI вв. шло по пути разработки мензуральной нотации. Она наглядно передавала высоту звуков, их длительность. Была введена система специальных графических знаков для записи нот и пауз различной продолжительности, установлены точные временные соотношения между всеми длительностями. Первоначально каждая из них предполагала деление на три равные доли. Например, максима (самая длинная) включала в себя три ноты длительности лонга (длинная). Начиная с XVI в. деление стало двукратным. 

Значительные изменения происходили в графическом написании нотных знаков. Сменившие невмы квадратные головки округлились, появились нотные штили. С переходом от записи нот на папирусе к записи на бумаге произошло подразделение нотных знаков на «белые» (незаполненные) и «черные» (заполненные). Четырехлинейную нотную строку заменил более удобный пятилинейный нотный стан. По мере развития многоголосия стали использовать систему из нескольких нотных строк, расположенных одна над другой и объединенных общей начальной чертой или фигурной скобкой — акколадой. 

Более длительным был путь утверждения современной пятилинейной нотации в инструментальной музыке. До конца XVII в. для записи инструментальных произведений применялись особые системы письма — табулатуры. Они представляли собой наглядные схемы, составленные из буквенных или цифровых обозначений высоты звука и-дополнительных условных знаков, уточнявших ритм и динамические оттенки. По внешнему виду эти схемы были разнообразны. В них отражались особенности нотного письма, принятого в той или иной стране, специфика того музыкального инструмента, для которого они предназначались. Табулатуры отличались также по условным обозначениям: буквам, цифрам, ритмическим знакам и их комбинациям. Среди многочисленных вариантов табулатур существовали как безлинейные, так и линейные. В линейных количество линий соответствовало числу струн музыкального инструмента или полифонических голосов в музыкальной ткани. К началу XVIII в. табулатуры были заменены более простым и удобным способом записи с помощью нот. Постепенно терял свое значение и цифрованный бас, или, как его еще называли, генерал-бас (общий, главный бас), распространенный в XVII—XVIII вв. для записи аккомпанемента к мелодии. В этой системе нотного письма каждый звук нижнего голоса, записанного нотами, дополнялся цифровыми обозначениями гармонии, по которым исполнители достраивали все остальные сопровождающие голоса. Сейчас обе эти системы используются только как вспомогательные при обучении игре на некоторых музыкальных инструментах и изучении гармонии. 

Современное нотное письмо позволяет в условной записи полно и точно отразить «живое» звучание музыки. В нем присутствует не только развитая система условных знаков (пятилинейный нотный стан; ключи; знаки альтерации ключевые и «случайные», при нотах; различные акколады; специальные знаки, уточняющие длительность звуков, динамические оттенки, разнообразные исполнительские штрихи и т. д), но и дополнительные словесные пояснения (указания темпа, характера и способа исполнения). Для большей наглядности нотной записи выработаны обозначения сокращения нотного письма, как, например, знаки репризы, октавного переноса, повторения мелодического оборота и т. п. Нотная запись не остается неизменной. По мере развития музыкального искусства расширяется его образная сфера, обновляется музыкальный тематизм, утверждаются новые средства выразительности. Все это требует постоянного совершенствования нотной записи. Дополняется и уточняется система условных обозначений, появляются новые способы записи, отвечающие особенностям того или иного музыкального материала. 

Современная форма записи нот на нотном стане

Нотным станом (или нотоносцем) называются те пять линеек, на которых располагаются ноты. Линейки считают снизу вверх. Ноты в виде овальных помет записываются в порядке звучания слева направо. Каждая нота находится либо на какой-нибудь строке нотоносца, либо в междустрочии. Иногда используются добавочные линейки, расширяющие нотный стан вверх или вниз. Дополнительные линейки рисуются только на такую длину, какая требуется для написания нот, на них находящихся. Вертикальная позиция ноты (её высота на нотном стане) зависит от высоты её звучания. Каждой строке/междустрочию нотоносца присваивается некое порядковое нотное значение, при этом порядок нот не меняется (проще представить это в соответствие с белыми клавишами фортепиано). Например, если на второй линейке снизу находится нота «соль», то между первой и второй строкой располагается нота «фа», на первой — «ми» и так далее. Таким образом, чтобы определить позиции всех нот на нотоносце, достаточно определить позицию одной; остальные при этом вычисляются автоматически. Чтобы знать, какая нота выбрана как отправная, в музыке существуют ключи — специальные символы, записывающиеся в левом конце нотоносца. Наиболее распространённый скрипичный ключ (ключ «соль», отдалённо напоминающий букву «G», латинское обозначение ноты) указывает на то, что на второй строке снизу поставлена нота «соль» первой октавы; басовый ключ (ключ «фа», восходящий своей графикой к букве «F») указывает на то, что второй строке сверху соответствует нота «фа» малой октавы. Реже в записи музыки встречаются другие ключи «соль» (старофранцузский), ключи «фа» (басопрофундовый). Партии определённых инструментов пищутся в ключах «до» (альтовом, теноровом, и других). 

Ключ «соль»

Произошёл от латинской буквы G, обозначающей ноту «соль». Центральная завитушка ключа обозначает размещение ноты «соль» первой октавы. 

 
Скрипичный ключ 

Скрипичный — самый распространённый из всех ключей. Он помещает «соль» первой октавы на вторую снизу линейку нотного стана. 

В скрипичном ключе пишутся ноты для скрипки (отсюда название), большинства деревянных духовых инструментов, части медных духовых, ударные инструменты с определённой высотой звука и других инструментов с достаточно высоким звучанием. Для партий правой руки в фортепиано чаще всего тоже используется скрипичный ключ. В скрипичном ключе записываются женские вокальные партии, хотя в прошлые века они писались в отдельном ключе. Партии тенора записываются также в скрипичном ключе, но исполняются на октаву ниже написанного, что обозначается восьмёркой под ключом. 

 
Старофранцузский ключ 

Использовался во Франции в XVII—XVIII вв. (период барокко) в музыке для скрипки и флейты. Другие названия — французский ключ, французский скрипичный ключ. Помещает «соль» первой октавы на последнюю строку нотоносца. 

Этот ключ определяет самую высокую тесситуру среди остальных ключей. 

Ключ «фа»

Произошёл от латинской буквы F, обозначающей ноту «фа». Завитушка и две точки (произошедшие от двух перекладинок буквы F) окружают линейку, на которую помещается нота «фа» малой октавы. Обычно понятия «ключ „фа“» и «басовый ключ» используются как синонимы, но в истории существовали и другие ключи «фа». 

 
Басовый ключ 

Второй по распространённости ключ после скрипичного. Помещает «фа» малой октавы на вторую сверху линейку нотного стана. Этим ключом пользуются инструменты с низким звучанием: виолончель, фагот и т. д. В басовом ключе обычно пишется партия левой руки для фортепиано. Вокальная музыка для баса и баритона также пишется обычно в басовом ключе. 

Партия контрабаса, записанная в басовом ключе, исполняется на октаву ниже. 

 
Баритоновый ключ 

Баритоновый ключ располагает «фа» малой октавы на третьей (средней) линейке нотного стана. 

 
Басопрофундовый ключ 

Басопрофундовый, или большой басовый ключ — самый низкий ключ, помещает «фа» на верхнюю линейку. В основном применяется в старинной музыкальной литературе и сейчас уже вышел из использования. 

Ключ «до»

Произошёл от латинской буквы C, обозначающей ноту «до». Средняя часть ключа между двумя завитками определяет расположение «до» первой октавы. 

 
Альтовый ключ 

Альтовый ключ помещает «до» первой октавы на среднюю линейку. В альтовом ключе пишутся партии для альтов и тромбонов, иногда вокальные партии. 

 
Теноровый ключ

Помещает «до» первой октавы на вторую сверху линейку. Используется для фаготов, виолончелей и тромбонов. 

 
Меццо-сопрановый ключ

Меццо-сопрановый ключ помещает «до» первой октавы на вторую линейку; 

 
Сопрановый (дискантовый) ключ

Сопрановый, или дискантовый ключ - на первую линейку; 

 
Баритоновый ключ

Баритоновый «до» - на пятую линейку. Ноты в этом ключе совпадают с нотами в баритоновом ключе «фа». 

Существуют не только «чистые» ноты («до», «ре», «ми», «фа», «соль», «ля», «си», обозначим их общей буквой «n»), но и их производные «n-диез», «n-бемоль», «n-дубль-диез», «n-дубль-бемоль», для обозначения которых слева от ноты пишутся символы диез  (повышение стоящей справа от него ноты на один полутон), бемоль (понижение стоящей справа от него ноты на один полутон), дубль-диез  (повышение на 2 полутона) и дубль-бемоль  (понижение на 2 полутона), называемые знаками альтерации. Эти же знаки (только одного вида — диезы или бемоли) могут стоять в начале каждой строчки нотоносца и означать, что все ноты данного названия исполняются в диезном или бемольном варианте. Знаки, стоящие в начале строчки (при ключе) называются ключевыми, знаки, стоящие при отдельных нотах — случайными. Случайные знаки действуют в пределах одного такта. Есть ещё один знак альтерации — бекар . Он существует для отмены ранее указанного диеза или бемоля.

Цвет овала нот, называемого головкой (чёрный или белый); палочки, приставленные к ним (называемые штилями) и небольшие закорючки на штилях (называемые «хвостиками») указывают на их длительность. 

Основными длительностями нот являются целая (белая нота без штиля) и её половинные деления: половина (белая со штилем), четверть (чёрная со штилем), восьмая (чёрная, штиль которой на конце имеет «хвостик»), шестнадцатая (чёрная, штиль с двумя «хвостиками»), тридцатьвторая (чёрная, штиль с тремя «хвостиками») и т. д. Намного реже применяются более мелкие длительности (шесдесятчетвёртые и стодвадцатьвосьмые) и более крупные (бревис, равная двум целым и обозначающаяся специальным знаком: белым прямоугольником с выступающими торцевыми сторонами). При этом длительность целой ноты есть величина относительная; она зависит от текущего темпа произведения. При задании длительности звучания целой, автоматически задаются длительности звучания остальных типов нот. 

 
Нотная пирамида 

Если подряд записаны несколько нот длительностью меньше четвертей, то они записываются под общим ребром — палочкой, соединяющей концы штилей. При этом, если ноты восьмые, ребро одинарное, если шестнадцатые — двойное и т. д. Это ребро иногда называют вязкой. В современной нотописи встречается объединение нот (чаще всего шестнадцатые, тридцатьвторые и мельче) под одно ребро из разных тактов. При этом над тактовой чертой остаётся только одно ребро. 

Бывает, что нужно записать ноту, длящуюся, например, три восьмых. Для этого есть два способа: либо берутся две ноты, в сумме дающие три восьмых (то есть четверть и восьмая) и залиговываются, то есть между ними ставится лига — дуга, концами почти прикасающаяся к овалам нот, либо к более длинной длительности (в нашем случае — к четвери) справа от овала приписывается точка, означающая, что длительность ноты увеличена ещё наполовину. Очень редки случаи, когда ставятся две точки. По строгим правилам нотописи, это ошибка. Ноты с точкой также могут объединяться под одним ребром. Существуют определённые правила, регламентирующие применение того или иного вида группирования нот. Они называются правилами группировки. 

Наконец, бывает необходимым поделить какую-либо длительность не на две половины, а на три, пять или другое количество равных частей, не кратное двум. В этом случае используются триоли, пентоли и другие аналогичные формы записи. 

Для изменения длительности ноты в большую сторону на усмотрение исполнитея в записи используются фермата. Кроме того, в нотной записи аналогично самим нотам используются паузы для записи участков без звучания. 

В музыке ХХ столетия появились (правда, не прижились) такие знаки, как кластеры, белые и чёрные, применяющиеся для фортепианной музыки. Они представляют собой вертикальные прямоугольники разной высоты, снабжённые штилем и означают, что все белые (или чёрные, или все) клавиши в указанном диапазоне (от нижнего края кластера до верхнего) берутся одновременно. Чаще всего ладонью. Например, кластер покрыл пространство от первой линейки до четвёртой (в скрипичном ключе). Это означает, что должны быть нажаты ноты от «ми» до «си». 

Чередование сильных и слабых долей (внутреннего ритма) мелодии обуславливает её деление на такты. Такты разделяются тактовой чертой — тонкой вертикальной чертой, пересекающей все пять линеек.