Статья: Про винил

Про винил Статьи о музыке » Музыкальные интересности Хороших историй со счастливым  концом в нашей жизни не так уж и  много. Одна из них —история  граммофонных пластинок, или  «винила».  В корне неверно думать, что винил  — это нечто доисторическое.  Времена граммофонов, патефонов и радиол давным­давно прошли, и  сейчас виниловые «вертушки»  представляют собой весьма  технологичные устройства. А  значит, и качество звучания  аудиосистемы с таким  проигрывателем находится навысоте. На очень большой высоте!  Сравнивать звук, получаемый с  пластинок, с компакт­диском —  занятие, поверьте, неблагодарное.  Все равно что сначала проехаться на «Мерседесе» а потом пересесть на  «Запорожец». Послушайте один раз, и все сразу станет понятно.  Время перемен Если со звуком все отлично, то  почему же компакт­диск в итоге  почти полностью вытеснил «винил», можете спросить вы. Отчего  грампластинки сравнивают с  подлинниками великих художников, а компакт­диски — с их копиями,  но все равно CD имеет большую  популярность?  Все дело в том, что CD как  носитель, конечно же, практичнее.  Виниловые пластинки подвержены  царапинам, что приводит к  ухудшению звука. А компакт­диск  (если только его специально не  царапать) прослужит долго. Вторая  причина в том, что в 80­х годахпрошлого столетия технический  прогресс был настолько  стремительным, что стало  нерентабельно заниматься выпуском сложной продукции. Технология  производства компакт­диска  намного проще, чем винила, так что  выбор однозначно был сделан в  пользу первого. Постепенно в  продаже появился если не  буквально ширпотреб, то дешевая  аппаратура в пластиковых корпусах с печатными платами — в общем,  штамповка. Тогда же на пике  популярности оказалась попса. Как  связаны эти два явления? Да очень  просто. Простая и незатейливая  музыка не требовала каких­либо  жестких стандартов для ее записи.  Легкий мотив «унца­унца» да  сладкий голос Томаса Андерса —  вот и все. Не было никакой разницы, где слушать такую музыку, она  почти одинаково звучала как в  концертном зале, так и по радио.  Вот и стал потихоньку уходить в  прошлое «винил», резко сократился  выпуск проигрывателей, а ламповая  техника перешла в разрядэксклюзивной. Однако не все так  печально. На «виниле» в свое время  была выпущена, наверное, лучшая  музыка ХХ века. В основном это,  конечно, классика, джаз, рок­ музыка. Впрочем, в продаже можно  найти практически любые записи, от АВВА до Metallica и Iron Maiden.  Конечно, масштабы производства  несравнимы с массовостью CD, зато  и обнаружить на пластинках  «полный отстой» гораздо сложнее.  И не забываем про звук!  Шеллак и «винил» В далеком 1877 году, когда была  записана первая фонограмма, сразу  же начались мучительные поиски  подходящего материала для нового  носителя информации. Формой для  пластинки был выбран круг, на  который наносились расположенные по спирали канавки с неровностями. Но встал вопрос — какой же  материал выбрать? В 1835 году  немецкий химик Юстус фон Либих  после длительных опытов открыл  винилхлорид, которыйвпоследствии сыграл огромную роль в промышленности и быту. А за пять лет до записи первой фотограммы, в 1872 году, другой немецкий химик,  Ю. Бауман, получил полимер  винилхлорида, который чуть позже  нашел свое практическое  применение.  Прообраз современной пластинки  возник в 1888 году — тогда  использовали цинковый диск, на  который наносился слой воска по  методике немецкого инженера Э.  Берлинера. По его имени  грампластинки еще иногда называют дисками Берлинера. Чуть позже  Берлинер представил миру еще  одно ноу­хау — метод снятия с  исходного диска дубликатов для  массового производства. Сначала  диски штамповали из целлулоида,  эбонита и каучука. Но все они не  устраивали по причине  ненадежности. Было перепробовано  еще множество различных веществ и субстанций, и в итоге решили  остановиться на натуральной смоле, называемой шеллак. Она выделяласьмолодыми побегами растений при  непосредственном участии самок  насекомых Тахардия Лакка  (Tachardia Lacca). Чтобы получить  исходное сырье для пластинки,  нужно было отделить шеллак от  коры растений, обработать его  горячей водой, расплавить и  отфильтровать. Сам материал был  на вес золота (одна самка за свой  короткий век успевает выделить    всего 20 25 мг этого вещества). ─ В то время единственным  устройством, которое могло  воспроизводить записи, был  граммофон с пружинным приводом  и рупором, игравшим роль  современных акустических систем.  Кроме того, он отфильтровывал  щелчки и шумы. Из­за того, что  стальная игла прижималась к  пластинке очень сильно, диски  очень быстро портились.  Наилучшим выходом из положения  было дублировать запись с обратной стороны пластинки. Со временем,  когда удалось добиться меньшего  веса прижимного механизма, навторой стороне стали записывать  продолжения произведений.  Пластинка в России Граммофонная промышленность  России начала XX века  представляла собой ряд мелких  артелей. Известно о двух фабриках  в Москве — «Пишущiй Амуръ» и  фабрика братьев Патэ (Pathee), об  одной — под Москвой, на станции  Апрелевка («Метрополь Рекордс»)  и об одной — в Петербурге  (фабрика русско­американского АО «Граммофонъ»), с филиалом в Риге. Были в России и отделения  заграничных граммофонных  концернов (например, «Зонофон  Рекорд», «Берменер Рекордс»,  Victor, Beka).  После 1917 года все предприятия по производству пластинок были  экспроприированы Наркомпродом,  а в 1918 году граммофонная  промышленность перешла в ведение  Центропечати. Выпуск пластинок с  дореволюционными записямипродолжался за счет старых запасов сырья, но ввиду дороговизны  шеллака появились трудности в  массовом производстве (на тот  момент актуальны были записи  агитационных речей политических  деятелей). По решению  Центропечати стали использовать  осколки старых пластинок —  скрапа. Среди первых  граммофонных записей — речи  новых политических лидеров:  Коллонтай, Луначарского (1918  год), Ленина (1919 год).  В 1922 году создается объединение  по производству пластинок  «Грамопластинка», тогда же на базе  бывшей фабрики братьев Патэ в  Москве открывается первая  государственная фабрика  «Пятилетие Октября». Среди  пластинок того времени можно  найти образцы «гранд» (диаметром  25 см, время звучания одной  стороны 3 мин.) и «гигант» (30 см, 4 мин.), а также диски диаметром 20  см и 15 см. В 1938 году появились  первые небьющиеся гибкие 25­сантиметровые пластинки из  ацетилцеллюлозы. Однако до начала 40­х годов в производстве все еще  господствовал шеллак. Но, начиная  с этого времени, было решено  отказаться от дорогого импортного  сырья и заменить его на более  дешевый хлорвинил. Уже через  десять лет, в начале 50­х, в  магазинах появились пластинки с  надписью «Бесшеллачная ПХВ­п».  В послевоенное время наибольшую  популярность завоевывают  пластинки­«миньоны» диаметром 20 см. Их выпускают многие фабрики  Москвы, Ленинграда и союзных  республик. Помимо типовых  этикеток на пластинках красовались портреты исполнителей и  художественные тематические  зарисовки.  Но все вышеперечисленные  пластинки воспроизводились со  скоростью 78 оборотов в минуту,  ширина звуковой дорожки была 140  мкм. Такой вид пластинок был  распространен более 70 лет. К  концу «эры 78 оборотов», то есть кначалу 50­х годов, на смену  патефонам пришли более  современные устройства с  электрическим приводом диска —  электропатефоны,  электропроигрыватели, радиолы.  Все работало, естественно, на  лампах. Изменения коснулись не  только техники, но и иглы.  Благодаря корундовым  наконечникам иглы стали более  износостойкими. Затем было  открыто стереофоническое  звучание. Пластинки «78 оборотов»  уже не устраивали в силу малого  времени записи. Уменьшить  толщину канавок не удалось —  этого не позволял материал, из  которого изготавливались  пластинки. Тогда для производства  пластинок стал применяться  винилит — сополимер  винилхлорида и винилацетата. Он  был менее хрупким, чем  поливинилхлорид, и гораздо легче  его. Так появились диски,  записываемые на меньшей скорости  — 33 1/3 об./мин. при ширине  звуковой дорожки 55 мкм. Болеетого, новый материал позволял  изготавливать цветные пластинки: в  состав полимера добавлялся  краситель. Такие пластинки  продавались в 60 70­х годах. ─   Однако с появлением нового  формата сразу стала проблема  совместимости: старые  проигрыватели были попросту  непригодны, им требовался новый  звукосниматель. Но так как у людей было много пластинок старого  образца, промышленность наладила  производство звукоснимателей с  двумя переключаемыми иглами.  Правда, у нового материала тоже  имелись недостатки. Да, винилит  был не таким хрупким, но в то же  время был мягче предшественника,  из­за чего срок хранения пластинки  (даже при бережном к ней  отношении) оказывался гораздо  меньше, чем у дисков 78 об./мин.  Параллельно проводились  эксперименты по еще большему  увеличению времени записи. На свет появились пластинки, записываемыесо скоростью 45 об./мин. Это был  некий компромисс, так как удалось  сохранить качество звучания и  сохранность пластинок.  Изобретение прижилось на Западе, и так называемые «сорокопятки» в  основном слушали в кафе на  специальных автоматах с  автоматической сменой носителей  (помните голливудские фильмы?).  Выпускались и пластинки частотой  вращения 8 1/3 об./мин. Они  предназначались для записи речевых программ с длительностью звучания одной стороны до полутора часов.  В 70­х годах получают вторую  жизнь гибкие пластинки, впервые  появившиеся в 30­е годы.  Пластинки flexi — один из самых  дешевых вариантов носителей как в  производстве, так и по качеству  используемого конверта. В 80­90­х  годах ходили слухи, что различные  цвета этикеток пластинок фирмы  «Мелодия» соответствовали разным частям тиража с одной пресс­ матрицы. Наилучшие по качествупластинки (первая часть тиража с  неизношенной матрицы) имели  черную этикетку, далее (в порядке  ухудшения) — синюю, красную и,  наконец, белую.  С появлением цифрового звучания,  в 80­х, были предприняты  некоторые попытки его внедрения в  грампластинки. Но они оказались  безуспешными. Тем не менее в 1981  году впервые в мире была издана  фонограмма, записанная цифровым  способом. На этикетках таких  пластинок делалась надпись  «цифровая запись».Так называемые  «квадрапластинки» не прижились в  силу своей дороговизны, да и  аппаратура для них требовалась  недешевая. С этого времени  фактически начинается эпоха  цифрового звука и цифровых  носителей.  ПРАВИЛА ОБРАЩЕНИЯ С ПЛАСТИНКАМИ ­ Хранить конверты с пластинками в вертикальном положении.­ Содержать пластинки в наиболее  прохладном, но не сыром месте,  избегая освещения пластинок  солнечными лучами.  ­ Каждую пластинку помещать в  отдельный конверт, тщательно  избегая запыления: перед  проигрыванием протирать  пластинку мягкой фланелью.  ­ Пользоваться только  доброкачественными иглами, не  прибегая к суррогатам.  ­ Не пользоваться подержанными  иглами, не поворачивать игравшую  иглу в зажиме мембраны или  адаптера.  ­ Избегать толчков при  проигрывании; не заводить  граммофон во время проигрывания;  не проигрывать пластинку, если  граммофон стоит на сотрясающемся основании.  ­ Опускать звукосниматель на  пластинку плавно, без толчка.  ­ Не запускать и не останавливать  диск при опущенном  звукоснимателе.Правила обращения с пластинками  печатались на бумажных конвертах,  в которых продавались пластинки.  В отечественной фирме «Мелодия»  рекомендовали очищать пластинки  при помощи клея ПВА. Все дело в  том, что по мере износа пластинок  растет шум (при прохождении иглы  по канавке часто «встречались»  пылинки, игла «перепрыгивала»  через препятствия, создавая  повреждения). Приемлемое  качество можно было сохранить до  100 150 проигрываний. Поэтому  специалисты из «Мелодии»  советовали нанести клей мягкой  кистью на всю рабочую зону  пластинки, а после его высыхания  снять образовавшуюся эластичную  пленку, к которой как раз и  приклеивались частички пыли.  ─«Апрелевка»  Производство грампластинок в  России было налажено 1 сентября  1910 года, с открытием в  подмосковном селе Апрелевка  фабрики массы для граммофонных  пластинок и их прессовки.  «Метрополь­Рекорд». Фабрика,  основанная немецким  предпринимателем И. Молем, А.  Кабартом и Фогтом, впоследствии  выросла в крупнейший в СССР  Апрелевский завод грампластинок.  Первые пластинки имели два  отверстия в центре и проигрывались от середины к краю. Их диаметр  постепенно увеличивался (достигал  даже полуметра). После революции  был создан отдел «Советская  пластинка». На пластинках тех лет  красовалась ласточка, державшая в  клюве нотный знак золотистого  цвета. Она стала эмблемой  Апрелевского завода.  «Мелодия»  Всесоюзная фирма «Мелодия» былаорганизована в 1964 году как  государственная компания по  производству, хранению и  распространению звукозаписей. В те годы миссией компании было  сохранение и пропаганда творчества отечественных композиторов,  музыкантов­солистов, вокально­ инструментальных ансамблей и  оркестров во всем мире. В  ассортименте имелись записи  многих жанров — и классика, и  фольклорные произведения, и  легкая музыка, и творчество  музыкантов из всех республик  бывшего Союза. По сути «Мелодия» была одним из важнейших  инструментов государственной  культурной политики.  Кстати, на пластинках «Мелодии»  была применена собственная  система обозначений. Так, первая  буква (М, С, К) обозначала вид  записи (монофоническая,  стереофоническая,  квадрофоническая), Г — гибкая  пластинка. Первая цифра (от 0 до 9) — жанр записи (например, 2 —русская народная музыка, русские  народные инструменты, 7 —  учебные записи (уроки, лекции,  фонохрестоматии). Вторая цифра  (0, 1 или 2) — диаметр пластинки.  Далее шел номер записи стороны  пластинки, а после косой черты —  номер аппаратной, в которой была  произведена запись.  После распада СССР кризис  коснулся и «Мелодии». Возникли  сложности как с производством, так и с дистрибуцией продукции.  Сегодня «Мелодия» — новый  взгляд на старые вещи.  Специалисты компании занимаются  реставрацией старых и архивных  записей русских артистов и  композиторов.  Необычные пластинки «Рок на костях»  Во времена «железного занавеса»,  когда жесточайшей цензуре  подвергалось все западное,  народные умельцы нашли выход изположения. В подпольных студиях  звукозаписи предприимчивые люди  наладили производство  грампластинок из фотопленки,  которая использовалась для  рентгеновских снимков.  Непригодные снимки шли в ход для  модного тогда рок­н­ролла и  Beatles. Такие «самопальные»  пластинки назывались «рок на  костях» — из­за того, что на дисках были изображены самые что ни на  есть настоящие человеческие  кости.  «Говорящее письмо»  В 60­70­е годы ХХ века в столичных городах и на курортах СССР  широкое распространение получили «гибкие звуковые письма». Любой  желающий мог передать привет  семье, наговорив в микрофон  приветствие, которое потом  записывалось на особом рекордере  на бумажную пластинку, покрытую  пластмассовой пленкой.  Популярностью пользовались диски  с изображением чего­либо,например с панорамой города. Одна из студий в Москве предлагала  дополнить письмо записями Beatles  или Rolling Stones и безбедно  просуществовала вплоть до 1975  года. Правила обращения с  пластинкой гласили: «Поставить в  адаптер новую иголку, притупить  ее, проиграв часть фабричной  пластинки, и, не меняя ее  положения, производить  проигрывание».  Гибкие пластинки  В 70­х годах получают вторую  жизнь гибкие пластинки, впервые  появившиеся в 30­е годы. Это один  из самых дешевых вариантов  носителей — как в производстве,  так и по качеству используемого  конверта. В Советском Союзе они  имели бешенную популярность  благодаря доступности для  широких масс населения. Как  правило, на них записывалось  четыре пять композиций. От  традиционного винила они  отличались богатством расцветок — ─бывали желтыми, голубыми,  красными, черными, серыми,  голубыми, причем различных  оттенков. Такие пластинки часто  являлись приложением к журналам,  а пластинки малых размеров даже  прикреплялись к открыткам.  Техника в деталях Граммофон  конец XIX – начало ХХ века Звук воспроизводился  чувствительной мембраной и  усиливался через рупор. Для  приведения граммофона в рабочее  состояние приходилось крутить  ручку, из­за чего его также прозвали «яйцевзбивалкой». Оптимальнаядлина рупора должна составлять 6  м, поэтому трубу, наподобие  валторны, сворачивали в виде  раковины улитки. Раструб рупоров  порой доходил в диаметре до  полутора метров, а изготавливались  они из луженой никелированной  латуни.  Патефон  20–50­е годы XX века В 1907 году французской фирмой  «Патэ» изобретена модификация  граммофона — патефон.  Разработчик — Гильон Кеммлер.  Основное отличие от граммофона в  том, что рупор размещался внутри  корпуса, это позволило существенно уменьшить размеры устройства.Вскоре патефоны стали по­ настоящему портативными, а  некоторые модели, с раздвижным  тонармом, можно было без проблем  носить с собой.  Радиола  50–70­е годы XX века Тем, кто постарше, наверняка  запомнились радиолы — довольно  большие устройства, сочетающие в  себе все функции электрофонов  плюс еще радиоприемник. Особой  популярностью пользовались  радиолы прибалтийского  производства: «Ригонда»,  «Эстония», VEF. Радиолы были  монофоническими и  стереофоническими и выпускались  как в настольном, так и в напольном(с ножками) вариантах.  Электропроигрыватель  середина ХХ — начало ХХI века По сути тот же электрофон, но без  усилителя и громкоговорителя. С  некоторыми изменениями дожил и  до дней сегодняшних. Именно  современные электропроигрыватели сейчас называют «вертушками». Для работы такого устройства в составе  домашней стереосистемы нужен  фонокорректор, который изменяет  частотную характеристику  аудиосигнала, поступающего с  головки звукоснимателя на  усилитель, ввиду генерации  сигналов более низкого уровня, чем  у компакт­диска.Музыка в  машине  влияет на  скорость  вождения Статьи о музыке » Музыкальные интересности Темп музыки, которую водитель  слушает в пути, влияет на характер  движения.  Сотрудник университета Бен­Гуриона  обследовал 28 студентов с более чем  семилетним стажем вождения. Имбыло предложено совершить  виртуальную поездку по улицам  Чикаго под разную музыку ­ от  спокойных баллад до быстрой  танцевальной, или в полной тишине.  Темп менялся от 60 до 120 и более  тактов в минуту. Любая пьеса звучала  достаточно громко для усиления  эффекта воздействия.  Результаты эксперимента  свидетельствуют, что по мере  увеличения темпа вождение  становится все более и более  рискованным: машина чаще  проскакивает на красный свет,  случаются дорожные происшествия.  При прослушивании "быстрой" музыки вероятность таких инцидентов почти в два раза больше, чем при полной  тишине во время виртуальной поездки. Происшествия случаются также  примерно в два раза чаще у тех, кто  едет под "быструю" музыку, чем у тех, кто едет под "среднюю" и  "медленную". Наблюдения за  сердечным ритмом испытуемых  показали, что у любителей водить  машину под музыку практически нетзначительных его колебаний, значит,  они более рассеянны и не реагируют на опасность. О том,  как  пишут  музыку.. . Статьи о музыке » Музыкальные интересностиЗадумывались ли вы над тем, что у  классической и электронной музыки много общего? Ведь именно классическую  музыку считают наиболее удобным для  переработки материалом многие,  признанные во всем мире, продюсеры, а  многие музыканты перешли к  электронному саунду, получив перед этим  консерваторское или джазовое  образование. Все дело в основных канонах  создания произведений, которые, у  классической и электронной музыки, вомногом схожи. Своими взглядами на  рождение электронных произведений с  нами поделился DJ Anton Aprelin,  обладатель классического музыкального  образования и опыта написания  собственной оркестровки, многочисленных песен и аранжировок, а также треков в  стиле progressive house.  Вертикаль трека в электронной музыке  очень похожа на вертикаль оркестровки,  здесь обязательно присутствуют 6  функций, характерных для классики:  мелодия, контрапункт, гармония,  фигурация, бас и ударные, проявляющиеся все вместе только в ключевых моментах  произведения. Отличие только в  количестве возможных тембральных  окрасок– компьютерная музыка даёт  гораздо больше возможностей автору ­  управляя ручками синтезатора, можно  получить бесконечное количество новых  тембров.  Подготовка Итак, электронной музыке свойственна так называемая «квадратичная структура»  (причём, не только ей, просто здесь онапроявляется наиболее ярко) ­ все  элементы должны быть кратны 4 или хотя  бы использоваться чётное количество раз,  а ключевые моменты должны приходиться  на каждый четвёртый такт или фразу.  Квадратичная структура особенно чётко  прослеживается во вступлении, когда,  чтобы сделать сведение удобным, обычно  идет только ритм, к которому постепенно  добавляются новые и новые ударные через  каждые четыре или восемь тактов, однако  она должна сохраняться на протяжении  всего трека. Данное явление как­то  связанно с внутренними ритмами человека, ведь не случайно именно 4/4 – самый  распространённый размер в музыке в  целом.  Что касается выбора программы, в  которой пишется музыка, то от неё не так  уж и много зависит, как и от выбора  микрофона для записи вокала. Гораздо  важнее профессионализм продюсера и  вокалиста, равно как и их привычки.  Антон, например, выбирает Logic и  микрофоны Neumann, а иногда и более  простые 58th SHURE. Использование  живых инструментов в треке, по мнению  многих профессионалов, в наше времястало не обязательным благодаря  высочайшему качеству виртуальных  аналогов.  Построение: Как правило, трек рождается по  следующей схеме: мелодия – гармония –  ритм ­ бас. Что интересно, процессы  создания музыки в разных стилях зачастую похожи: те же наброски, «эскизы» главных тем в голове, либо возникающие под  пальцами во время перебирания струн на  гитаре или клавиш «фортепианной» миди­ клавиатуры. Мелодия постепенно  обрабатывается, обретает более стройный  вид, становится более гармоничной на  слух, и однажды вдруг приходит  понимание, что из этого что­то получится.  А потом следует более кропотливая  работа – аранжировка, выбор звуков,  инструментов ­ каждый барабан отдельно,  «щёточки», Noise эффекты, контрапункты, арпеджированные фигурации, и прочее,  прочее. Вдохновение может прийти в  любой момент, в самой разной обстановке.  Кстати, контрапункт – термин, возможно  не знакомый людям без музыкального  образования, это как бы вторая мелодия,не похожая по характеру на основную  тему и гармонично её дополняющая.  Классическая схема построения инструментального трека: Ритм. Голый квадратичный ритм в начале  трека должен идти около минуты. Не  меньше – чтобы сведение не было  проблематичным, и не больше, чтобы не  затянуть ожидание у публики. В хаусовых  треках на протяжении всего произведения  традиционно поддерживается один и тот  же ритм, меняться могут лишь ударные  (бочка, снейр, перкуссия, шейкеры).  Вступление. Участок с упрощённым  звучанием. Отсутствие шумовых  атмосферных эффектов, срез низких  частот.  Основная тема. Может повторяться  чётное количество раз по указанной нами  выше причине – закону квадратичности.  Затишье. Отсутствие ударных, возможно  с приглушенной основной темой.Развитие. С нарастающей громкостью и  шумами.  Основная партия. См выше.  Финальная бочка. Порядка минуты  простого ритма, для лёгкости сведения  следующего трека, со снижением  количества ударных.  Стоит отметить, что данное построение не  является единственно возможным и может  сильно варьироваться. У вокальных  композиций схема немного иная из­за  структуры куплет­припев. И не стоит  сильно затягивать вступление, иначе  основная тема трека вступит слишком  поздно и, соответственно, закончится  раньше, чем публика успевает её  хорошенько распробовать.  Тембр и эффекты: После выбора инструмента немалое  количество времени занимает поиск его  тембра. При этом на протяжении  композиции окраска звука может меняться (обработка различными эффектами,подмешивание дублирующего, т.е.  играющего в унисон или в октаву  инструмента). Когда выбран, например,  тембр баса, его звучание тщательно  обрабатывается эквалайзером (обработка,  делающая тембр звонче, глуше, либо по­ другому частотно изменяющая звук),  выравнивается громкость, может  использоваться фильтрование (срезаются  высокие или низкие частоты). Можно  «создать волну», волнообразно перемещая  фильтр по частотам. Этот приём любим  как продюсерами, так и ди­джеями и  используется, как правило, за 2­3 секунды  до «ключевого момента», чтобы  подготовить публику к эмоциональному  взрыву. Chorus – эффект, добавляющий  объём звучания самым различным  инструментам, Reverse – создаёт эффект  растекания звука по залу, им  обрабатывают солирующие и другие  инструменты. Один из любимых эффектов  Апрелина – delay, идущий в правом канале  восьмыми триолями, а в левом – просто  восьмыми, создавая интересный эффект  «биения», когда повторы причудливым  образом разлетаются по панораме. Также  можно увеличить параметр «feedback» в  настройках delay’я более чем до 50 %,когда затухающий повторяющийся  элемент вдруг начинает возвращаться к  жизни, немного видоизменяясь. Стоит  упомянуть и эффект Compressor Side  Chain, когда в момент удара бочки  приглушаются все остальные инструменты. Самый яркий пример использования этого  эффекта – творчество Benny Benassy.  Когда партии ударных и баса готовы,  самое время добавить атмосферных  шумовых эффектов (noise FX). Как  правило, они добавляются в ключевых  местах, между музыкальными фразами. На подбор эффектов уходит немало времени,  ведь найти правильный вариант можно  лишь методом проб и ошибок. Иногда  стоит дать публике передохнуть и  набраться сил перед кульминационным  моментом. Это достигается при помощи  «затишья», используемого практически во  всех треках хауса и транса, когда на время смолкают ударные. Частотная обработка  (эквализация) дорожек со срезом низких  частот также даст публике передышку и  раскрасит трек.  Нюансы продакшенаРабота над треком занимает около 2­3  недель, если ежедневно посвящать его  созданию по несколько часов. А вот  творить сутки напролёт не стоит по двум  причинам: Во­первых, при работе над  аранжировкой возникает так называемое  «привыкание к звучанию» ­ иногда часами  прослушивать 2 такта, подбирая эффекты  либо тембр инструмента. За это время  можно потерять способность объективно  оценивать звучание. Это станет понятно,  когда услышишь тот же отрывок на  свежую голову. Правильнее всего ­ сделать паузу и вернуться к аранжировке на  следующий день. Это же правило касается  сведения и мастеринга миксов. Во­вторых,  не забывайте, что главный инструмент  музыканта – это его слух, который очень  важно беречь. Слух очень сильно садится  от работы в наушниках, ведь своё творение приходится прослушивать на довольно  большой громкости и весьма долго. Если  есть возможность не работать в  наушниках, лучше ей воспользоваться и  включать внешние мониторы. Однако  наушники порой просто необходимы при  определении панорамы композиции и  совершенствовании инструментального  баланса.В работе над созданием собственной  музыки очень помогают два документа:  «история создания трека» ­ тайминг, по  которому можно определить, сколько  времени заняла обработка каждого  элемента, а также перечень  использованных компонентов ­ синтов,  пэтчей, звуков, призванный помочь  ускорить работу над следующими  треками.  В любом случае, эта статья – совет, а не  догма, ведь прелесть каждого автора в его  индивидуальности.Что такое кельтская музыка Музыкальные стили и направления, Статьи о музыке » Музыкальные интересности Наверняка Вы не раз читали, слышали и, может быть,  даже сами употребляли эту фразу в разных  сочетаниях – «кельтская музыка», «музыка кельтов»  и даже «традиционная кельтская музыка», «народнаякельтская музыка», «веселые кельтские пляски»,  «старинные кельтские песнопения» и т.д. и т.п. Сама  фраза весьма и весьма популярна, но какая именно  музыка на самом деле за ней скрывается, никто  толком объяснить не может. «Кельтской музыкой»  могут быть и полностью электронный эмбиент с  названиями треков типа «Священный Стоунхендж и  восемнадцать друидов в круге», и латиноамериканец  с электронной волынкой, и агрессивный панк­рок, и  скрипки, дудки и гармошки весёлых нетрезвых  ирландских мужичков. Представляете, сколько всего умещается в одно определение? И ведь это далеко не всё, под «кельтскую музыку» можно подогнать что  угодно, хоть мрачное нестройное мычание  неодруидов, кружащихся, взявшись за ручки, вокруг  священного кустика. Музыкальные жанры,  описываемые нынче словом «кельтская музыка»,  можно условно разделить на две категории:  Категория первая. Для ее описания мы предлагаем  ввести термин «кельтообразная музыка», так как он,  пожалуй, гораздо лучше отражает её форму и  небогатое содержание.  Это, в первую очередь, авторская коммерческая