Статья:музыканту справка

Что  такое  увертюр а Музыкальные стили и направления  Увертюра (от фр. ouverture, вступление) в музыке — инструментальная (как  правило, оркестровая) пьеса, исполняемая  перед началом какого­либо представления — театрального спектакля, оперы, балета,  кинофильма и т. п., либо одночастное  оркестровое произведение, часто  принадлежащее к программной музыке.  Увертюра подготавливает слушателя к  предстоящему действию.  Традиция возвещать о начале  представления кратким музыкальным  сигналом существовала задолго до того,  как термин «увертюра» закрепился в  творчестве сначала французских, а затем и других европейских композиторов XVII в.  Вплоть до середины XVIII в. увертюры  сочинялись по строго определенным  правилам: их возвышенная, обобщенногохарактера музыка обычно не имела связи с последующим действием. Однако  постепенно требования к увертюре  изменялись: она все сильнее подчинялась  общему художественному замыслу  произведения.    Сохранив за увертюрой функцию  торжественного «приглашения к зрелищу», композиторы, начиная с К. В. Глюка и В.  А. Моцарта, значительно расширили ее  содержание. Средствами одной лишь  музыки, еще до того, как поднимется  театральный занавес, оказалось  возможным настроить зрителя на  определенный лад, рассказать опредстоящих событиях. Не случайно  традиционной формой увертюры стала  сонатная: емкая и действенная, она  позволяла представить различные  действующие силы в их противоборстве.  Такова, например, увертюра к опере К. М,  Вебера «Вольный стрелок» — одна из  первых, заключающих в себе  «вступительный обзор содержания» всего  произведения. Все разнохарактерные темы — пасторальные и мрачно­зловещие,  мятущиеся и полные ликования — связаны либо с характеристикой одного из  действующих лиц, либо с определенной  сценической ситуацией и впоследствии  неоднократно появляются на протяжении  оперы. Также решена и увертюра к  «Руслану и Людмиле» М. И. Глинки: в  вихревом, стремительном движении,  словно, по выражению самого  композитора, «на всех парусах»,  проносятся здесь и ослепительно  жизнерадостная главная тема (в опере она  станет темой хора, славящего  освобождение Людмилы), и распевная  мелодия любви Руслана и Людмилы (она  прозвучит в героической арии Руслана), и  причудливая тема злого волшебника  Черномора.Чем полнее и совершеннее воплощается в  увертюре сюжетно­философская коллизия сочинения, тем быстрее она обретает  право на обособленное существование на  концертной эстраде. Поэтому уже у Л.  Бетховена увертюра складывается как  самостоятельный жанр симфонической  программной музыки. Увертюры  Бетховена, в особенности увертюра к  драме И. В. Гёте «Эгмонт», представляют  собой законченные, предельно насыщенные развитием музыкальные драмы, накалом и  активностью мысли не уступающие его  большим симфоническим полотнам. В XIX в. жанр концертной увертюры прочно  входит в практику западноевропейских  (увертюра «Сон в летнюю ночь» Ф.  Мендельсона по одноименной комедии У.  Шекспира) и русских композиторов  («Испанские увертюры» Глинки,  «Увертюра на темы трех русских песен»  М. А. Балакирева, увертюра­фантазия  «Ромео и Джульетта» П. И. Чайковского) . В то же время в опере 2­й половины XIX в. увертюра все чаще преобразуется в  краткое оркестровое вступление,  непосредственно вводящее в действие.Смысл такого вступления (называемого  также интродукцией или прелюдией)  может заключаться в провозглашении  самой существенной идеи — символа  (мотив неизбежности трагедии в  «Риголетто» Дж. Верди) либо в  характеристике главного героя и  одновременно в создании особой  атмосферы, во многом предопределяющей образный строй произведения (вступление  к «Евгению Онегину» Чайковского,  «Лоэнгрину» Р. Вагнера). Иногда  вступление носит одновременно  символический и живописно­ изобразительный характер. Такова  открывающая оперу М. П. Мусоргского  «Хованщина» симфоническая картина  «Рассвет на Москве­реке».  В XX в. композиторы успешно используют различные типы вступлений, в том числе и  традиционную увертюру (увертюра к  опере «Кола Брюньон» Д. Б.  Кабалевского). В жанре концертной  увертюры на народные темы написаны  «Русская увертюра» С. С. Прокофьева,  «Увертюра на русские и киргизские  народные темы» Д. Д. Шостаковича,  «Увертюра» О. В. Такт а­кишвили; дляоркестра русских народных инструментов  — «Русская увертюра» Н. П. Бу­дашкина  и др.  Увертюра Чайковского Увертюра 1812 года — это оркестровое  произведение Петра Ильича Чайковского в память об Отечественной войне 1812  года.  Увертюра начинается с мрачных звуков  русского церковного хора, напоминая об  объявлении войны, которое  осуществлялось в России на церковных  службах. Затем, сразу же, звучит  праздничное пение о победе русского  оружия в войне. Объявление войны и  реакция народа на него была описана в  романе Льва Толстого «Война и мир».  Затем следует мелодия, представляющая  марширующие армии, исполненная при  помощи труб. Французский гимн  «Марсельеза» отображает победы  Франции и взятие Москвы в сентябре 1812 года. Звуки русского народного танца  символизируют битву при Бородино.  Бегство из Москвы в конце октября 1812года обозначено нисходящим мотивом.  Гром пушек отражает военные успехи при  подходе к границам Франции. По  окончании войны возвращаются звуки  хора, на этот раз исполненные целым  оркестром с отзвуками колокольного  звона в честь победы и освобождения  России от французской оккупации. За  пушками и звуками марша слышна  мелодия Российского национального  гимна «Боже, Царя храни». Российский  гимн противопоставлен французскому  гимну, который звучал ранее.  В СССР это произведение Чайковского  редактировалось: звуки гимна «Боже,  Царя храни» заменялись хором «Славься!» из оперы Глинки Иван Сусанин.  Настоящая пушечная канонада,  задуманная Чайковским, обычно  заменяется басовым барабаном. Иногда,  однако, используется пушечная канонада.  Впервые такую версию записал  Симфонический оркестр Миннеаполиса в  1950­х гг. Впоследствии подобные записи  были сделаны и другими группами,  использовавшими прогресс в звуковой  технике. Пушечная канонада сфейерверком используется в  представлениях оркестра Boston Pops,  посвященных Дню независимости США, и  проводимых ежегодно 4 июля на берегах  реки Чарльз­Ривер. Также она  используется на ежегодном выпускном  параде австралийской академии сил  обороны в Канберре. Хотя это  произведение никак не связано с историей  США (в том числе с англо­американской  войной, начавшейся также в 1812 году),  оно часто исполняется в США вместе с  другой патриотической музыкой, особенно в День независимости.  Что  тако е  этюд Справочные данныеЭтюд (фр. etude — изучение) —  инструментальная пьеса, как правило,  небольшого объёма, основанная на частом  применении какого­либо трудного приёма  исполнения и предназначенная для  усовершенствования техники исполнителя.  Нет скрипача, пианиста, флейтиста, музыканта любой специальности, которому в  музыкальной школе, училище, консерватории  не пришлось бы сыграть ни одного этюда —  завершенной по форме пьесы, предназначенной для развития технических навыков и  мастерства музыканта. На эту задачу  указывает и значение самого слова: в переводе  с французского «этюд» означает «учение»,«изучение». И сейчас этюды для фортепьяно  австрийского композитора и педагога К.  Черни, написанные еще в XIX в., незаменимы  для юных музыкантов, овладевающих техникой и различными приемами игры на этом  инструменте.  На основе учебных этюдов сложился этюд  художественный, концертный, которому  отдали дань крупнейшие композиторы XIX в.  Что же привлекло их в этюде?  Жанр этюда известен с XVIII века. Среди  композиторов, создававших этюды, наиболее  известен Карл Черни: он автор более тысячи  фортепианных этюдов разного уровня и на  разные типы техники, объединённых в циклы  («Школа беглости пальцев», «Школа фуги» и  др.). На новый уровень этот жанр вывел  Фридерик Шопен: его этюды не только  являются упражнениями на технику, но имеют  большую художественную ценность и часто  исполняются в концертах. В творчестве  композиторов­романтиков нередко этюды  объединяются в циклы, приближающиеся по  духу к сюитам. Среди выдающихся  композиторов, писавших этюды для  фортепиано — Роберт Шуман  («Симфонические этюды», ор. 13), ФеренцЛист («Этюды высшего мастерства», также  называемые «Трансцендентными»; Этюды по  каприсам Паганини; Большие концертные  этюды и др.), Камиль Сен­Санс, Клод Дебюсси и другие.  Существуют этюды для разных инструментов  (зачастую их авторами становились сами  исполнители, так как сочинение этюда не  требует больших композиторских навыков, а  сложности исполнения им были хорошо  известны): циклы этюдов для гитары Маттео  Каркасси, Фердинандо Карулли, Мауро  Джулиани; для скрипки — Анри Вьетана и  Шарля Берио; для кларнета — Бориса Дикова  и Александра Штарка и др.  Сложные исполнительские задачи, требующие  виртуозного владения инструментом, открыли  перспективу для выражения новых граней  художественного содержания. Возьмем,  например, до­минорный этюд Ф. Шопена,  часто называемый революционным. Он создан  под впечатлением трагических событий  польского восстания 1830—1831 гг. Гнев,  отчаяние, бурный протест, мятежный дух  музыки потрясают слушателей. Но можно ли  было достичь огромной силы воздействия без  то низвергающихся подобно водопаду, товздымающихся пассажей в левой руке —  особого вида фортепьянной техники, на  развитие которой рассчитан этот этюд? И так  все 27 шопеновских этюдов несут в себе  неповторимую образность и одновременно  решают каждый раз специальные задачи  технического плана.  Мощный толчок становлению жанра  художественного этюда дали 24 «каприса» для скрипки Н. Паганини (каприччо, каприс —  инструментальная пьеса свободной формы в  виртуозном стиле). Р. Шуман, Ф. Лист, И.  Брамс сделали их обработки для фортепьяно.  Каждый по­своему трактовал жанр этюда.  Шуман свои «Симфонические этюды» написал  как цикл этюдов­вариаций на одну тему,  бесконечно разнообразных и в то же время  скрепленных единством развития,  устремленного к праздничному финалу.  Многочисленные этюды Листа — сочинения  масштабные, с элементами живописности и  программности («Хоровод гномов», «Шум  леса», «Дикая охота», «Мазепа»).  Замечательные этюды создали русские  композиторы. Неоднократно обращался к  этому жанру А. Н. Скрябин. Особенно любим  слушателями его ре диез­минорный этюд с  патетически­декламационной мелодикой. Вфортепьянных «Этюдах­картинах» С. В.  Рахманинова решение той или иной  технической задачи сочетается с яркой  образностью музыки.  В начале XX в. стилистика этюдов постепенно  меняется. Виртуозное начало связывается не с  романтическим подъемом и раскованностью  чувства, а с энергией, четкостью, силой.  Таковы этюды С. С. Прокофьева, написанные в 1909 г. Композитор Н. Я­ Мясковский отметил в них первобытную силу и свежесть музыки.  Этюды пишутся не только для солирующих  инструментов, но и для различных составов («6 этюдов для струнных инструментов и органа»  советского композитора Б. А. Чайковского).Сольфеджи о Справочные данные   Сольфеджио (итал. solfeggio — от  названия музыкальных нот соль и фа)  — это учебный предмет, посвящённый  развитию музыкального слуха. В основе сольфеджио лежит пение с называнием  звуков. Отсюда произошло и само  слово: оно образовалось из сочетания  двух слогов — «соль» и «фа» (в  странах английского языка предмет так и называется — «соль­фа»).Обычно, в современном понимании,  сольфеджио — это учебный предмет, в  котором изучается музыкальная  теория, музыкальная грамота.  Истоки сольфеджио идут из далёкой  глубины веков — из музыкальной  культуры Древнего Египта, Китая,  Греции, где большое внимание  уделялось обучению мальчиков пению.  Основным элементом в таких занятиях  обычно было разучивание мелодий по  слуху и пение их наизусть. Ритм и  изменения высоты звуков учитель  указывал условными движениями руки  и пальцев (это называлось  хейрономией), а также мимикой и  движениями головы.  Следующий этап в развитии  сольфеджио наступает с  возникновением нотного письма.  Начиная с эпохи Возрождения значение сольфеджио как предмета, связанного с практическим музицированием,  непрерывно возрастает.  Одновременно с обогащением средствмузыкального языка и развитием  инструментальной музыки и  расширяются границы сольфеджио.  Создаются специальные упражнения на  изучение ритма, тональностей,  интервалов и аккордов. Появляются  различные методы их практического  освоения. Они объединяются двумя  основными системами сольфеджио —  абсолютной и относительной. В  последней, имеющей более древние  традиции, при пении слоговые названия звуков не связываются с одной  определенной высотой (например,  слогом «до» может обозначаться любой звук). При этом вместо нот и нотных  линеек применяются ручные знаки (по  типу хейрономии), буквенные и  цифровые обозначения звуков в ладу, а  также слоговые обозначения  ритмических длительностей.  С XIX в. эта система распространилась  во многих странах (Англии, Франции,  Германии и др.), получив множество  различных вариантов. Сейчас она  широко используется в Венгрии, а в  нашей стране — в республиках  Советской Прибалтики.Относительной системой нередко  пользуются в начальный период  обучения в музыкальной школе.  Дальнейшее же обучение, связанное с  инструментальной игрой, основывается на абсолютной системе, где каждый  звук в пении называется так же, как и  соответствующий ему звук на  инструменте.  Понимать музыкальный язык разных  эпох и стилей можно лишь путем  всестороннего воспитания  музыкального слуха. Он есть у каждого человека, но не у всех одинаковый.  Некоторые обладают абсолютным  слухом, то есть, способностью  определять и воспроизводить точную  высоту звуков. Слух может быть и  относительным, его надо развивать с  детства.  Сегодняшнее сольфеджио — предмет,  включающий пение по нотам и  упражнения, направленные на развитие  чистой интонации, чувства ритма,  музыкальной памяти (запоминание на  слух мелодий и созвучий), а такженавыков нотной записи звучащей  музыки (музыкальный диктант).  Слово «сольфеджио» имеет и другое  значение. Так называют упражнение  для вокалистов для развития  музыкального слуха (часто с  инструментальным сопровождением),  которое исполняется с называнием  нот.  Итак, сольфеджо — это:  1. Учебный предмет, ставящий своей  целью воспитание музыкального  слуха; включает пение  одноголосных и многоголосных  отрывков из музыкальной  литературы или специально  написанных упражнений с  произнесением названий звуков, а  также музыкальный диктант и  анализ на слух только что  прозвучавших музыкальных  отрывков  2. Специальные вокальные  упражнения, главным образом с  сопровождением фортепиано,  исполняющиеся на гласные звуки;называются также Вокализами.  Про  мелоди ю Справочные данныеМелодия (от греч. melos — пение, mélodie  — франц., нем., melodia — итал.) —  музыкальная мысль, выраженная  одноголосно. Под этим понимается прежде всего выражение посредством изменения  высоты звука во времени (мелодического  движения). Мелодия непосредственно  связана с ритмом, однако условно область  мелодии и ритма разделяются так, что к  мелодии относится изменение звука по  высоте, а к ритму организация звуков во  времени по длительности и акценту.  Ритм — это соотношения длительностейзвуков (нот) в их последовательности, из  которой складывается мелодия.  Ноты могут иметь различную длительность, вследствие чего между ними создаются  определенные временные соотношения.  Объединяясь в различных вариациях,  длительности звуков (нот) образуют  различные ритмические фигуры, из  которых складывается общий ритмический  рисунок музыкального произведения. Этот  ритмический рисунок и есть ритм.  Ритм не привязан ни к каким абсолютным  единицам измерения времени, в нем заданы  лишь относительные длительности нот (эта  нота звучит дольше той в 2 раза, а эта — в  4 раза короче и т. д.).  Мелодию называют душой музыки,  одаривают эпитетами — благородная,  возвышенная, вдохновенная, грациозная,  сладостная. П. И. Чайковский, А. Г.  Рубинштейн, С. В. Рахманинов и другие  композиторы оставили нам произведения,  которые называются «Мелодия» — они как бы олицетворяют музыкальность самой  музыки.Почему же из всех компонентов музыки  именно мелодия — одноголосная мысль  ближе всего человеку?  Ответ простой: мелодию можно спеть, и  человек действительно очень часто  мысленно ей подпевает. Это очень важно.  В сопереживании — сила музыки. Картина  живописца предстает в первую очередь как  внешний объект, и только постепенно  человек оценивает музыку линий в  картинах С. Боттичелли, нежные краски О.  Ренуара, стройную гармонию Рафаэля.  Музыка же изначально, от самых первых  звуков колыбельной воспринимается как  дружественный, родственный голос,  звучащий в душе.  Не всякую одноголосную  последовательность звуков мы можем  назвать мелодией, а только осмысленную,  живую, одухотворенную. Если бы смысл,  окружающий звуки мелодии, сделался  вдруг видимым, нам бы открылась картина  удивительно многокрасочная. Вот,  например, так называемая «бесконечная  мелодия». Она развертывается как песнь  души, наполняющее ее чувство то растет,  то словно в изнеможении слабеет,окрашивается эмоциональными  полутонами — надеждой, радостным  порывом, разочарованием, печалью,  решимостью. Такие мелодии звучат в  музыке романтиков — их можно встретить  у Ф. Шуберта, Ф. Шопена, Р. Вагнера.  Особенной широтой эмоционального  дыхания отличаются мелодии Чайковского  и Рахманинова.  А вот совершенно иной тип мелодии —  своего рода характеристический портрет  персонажа. Таких мелодий, опирающихся  на яркий жест, движение, на  выразительность шага, особенно много в  балетах; в инструментальных  произведениях — у Ф. Куперена, Ж. Ф.  Рамо, Д. Скарлатти, Й. Гайдна, В. А.  Моцарта, С. С. Прокофьева, Р. К.  Щедрина.  Есть мелодии­речи, мелодии­монологи.  Многие мелодии И. С. Баха не столько  поют, сколько страстно и возвышенно  говорят; их вдохновенно­напряженный  ораторский пафос передается и слушателю. В эпоху романтизма мелодия­речь  окрашивается в иные жанровые тона,  например в легендах, поэмах, думках, ввокальных и инструментальных балладах,  погружающих слушателя в атмосферу  тревожных и необычных событий.  Каждый жанр, каждый исторический,  национальный и индивидуальный стиль  порождают свои, особые типы мелодики.  Их различия выявляются в самых разных  сторонах звучания: в характере высотной  линии, в ладогармонической  напряжённости звуков и интервалов, в  ритмике, в темпе, артикуляции, в способах  синтаксического членения и связи. За  всеми этими различиями звукового  оформления важно почувствовать  богатство исторического содержания  музыки, множественность проявлений  человека в разнообразных ситуациях  исторически развивающейся жизни.Про  артикулаци ю Справочные данные Артикуляция в фонетике Артикуляция (от лат. articulo —  «артикуле» — «расчленяю,  членораздельно произношу») — в  фонетике работа органов речи приобразовании звуков и степень  отчетливости произношения. В  произношении любого звука речи  принимают то или иное участие все  активные произносительные органы.  Положение этих органов,  необходимое для образования данного звука, образуют его артикуляцию,  отделимость звуков, чёткость их  звучания.  Артикуляция звука состоит из 3  этапов:     Экскурсия — подготовка  речевого аппарата к произнесению звука, или начало артикуляции;  Выдержка — само произношение  с сохранением положения  органов, необходимого для  произнесения;  Рекурсия — окончание  артикуляции, представляющее  собой завершение звука, при  котором органы речи меняют свое расположение для произнесенияследующего звука или переходят  в состояние покоя.   В реальных условиях, поскольку мы  имеем дело не с отдельным звуком, а с речевой цепочкой, то экскурсия  следующего звука накладывается на  рекурсию, а иногда и на выдержку  предыдущего звука.  Артикуляция в музыке В более обширном определении,  артикуляция — это способ  исполнения голосом или на  инструменте последовательности  звуков. Определяется слитностью или  расчлененностью последних.  Существует множество различных  градаций звуковедения, от  легатиссимо (предельной слитности  звуков) до стаккатиссимо  (максимальной краткости звуков).  Применение тех или иных приемов  артикуляции зависит от существамузыкального сочинения, его языка,  характера. Выдающиеся исполнители  нередко создают оригинальную  интерпретацию известного сочинения,  отличную от общепризнанной, что во  многом определяется применением  собственной системы артикуляции.  На духовых инструментах  артикуляция осуществляется  регулированием дыхания, на  клавишных — снятием пальца с  клавиши, связным перенесением  пальцев с клавиши на клавишу, на  смычковых — ведением смычка, в  пении — разными приемами  использования голоса. В нотной  записи артикуляция обозначается  графическими знаками — лигами,  горизонтальными черточками,  точками, вертикальными черточками  (в изданиях XVIII в.) или словами  «тенуто», «портато», «маркато»,  «спиккато», «пиццикато» и др. В XVII в. получают особое значение указания  в нотах для струнных инструментов. В XVIII в. артикуляция приобретает  более современный, свойственный  нашему времени вид. Она становитсяодним из важнейших средств для  фразировки: звучание ноты, ее связь  со следующим звуком, активное или  мягкое зарождение, угасание звука.  Артикуляция в пении — один из  важных компонентов в работе над  выработкой дикционных,  выразительных качеств вокалиста. Это не только правильное выговаривание  гласных и согласных, отдельных  слогов, их вокальность, умение жестко или мягко произносить их, переносить  по особому, не грамматическому, а  вокальному принципу (вместо  «необъя­тной Родины моей» следует  петь «не­объя­тной»).  Артикуляция вокалиста, хорового  певца, хора в целом — это высокая  культура обращения со словом, с  поэтическим текстом, уважение к  нему, выстраивание такой концепции  вокального искусства, когда слово и  мелодия равнозначны, различимы,  звучат слитно. Великий Ф. И.  Шаляпин пел так, что не только  каждое слово, но и каждый слог были  слышны абсолютно в любой точкезала. Сочетание слова, фразы, музыки, образа в замечательном единстве  потрясали слушателей.  Хоровому коллективу трудно  добиваться артикуляционного,  образного единства, без которого  невозможно совершенство дикции. Но  тем и славны наши лучшие хоровые  коллективы, как взрослые, так и  детские, что их исполнение полно  артистизма, а произношение помогает  глубокому раскрытию  художественного образа, замысла  композитора.  Артикуляция — одна из сторон в  фортепьянном, инструментальном,  вокальном исполнительстве.  Произношение — понятие более  широкое, оно вбирает в себя  вибрирование звука, нюансировку,  чистоту интонирования.Стили  и  жанры в  музык е Музыкальные стили и направления, Справочные данные   Музыкальный жанр Жанр (от фр. genre – род), — исторически