Высокое Возрождение в Италии

Министерство образования и науки Республики Татарстан

Основная общеобразовательная школа

филиала ГАУЗ «РКПД» «ДТС»

 

 

 

 

 

 

ВЫСОКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ В ИТАЛИИ

                            

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

                          

                                                       Преподаватель ИЗО и технологии:

                                                      Власова Динара Ильдусовна

 

 

 

 

Казань  2024

ВЫСОКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ В ИТАЛИИ

 

      Эпоха Возрождения или Ренессанс в Италии – это период великих перемен и достижений, которые имеют мировое значение для истории культуры всей Европы, так как именно в этот период происходит настоящее возрождение всех видов деятельности.

      Отличительная черта эпохи Возрождения – это светский характер культуры, её гуманизм и антропоцентризм. В этот период каждый лорд и принц стремится показать свою важность и своё богатство, украшая и облагораживая дворец или город, в котором он живёт. Наибольший расцвет искусства и культуры приходится на Флоренцию, которая под предводительством семьи Медичи, и особенно Лоренцо Великолепного, стала богата памятниками, церквями и дворцами. Но и во многих других городах Италии также начали создаваться произведения искусства неоценимой важности, которые сделали Италию одной из самых богатых стран мира в культурном смысле.

      На прошлых уроках мы познакомились с первыми двумя периодами – Предвозрождением и Ранним Возрождением.

 

      Третий период Возрождения – время самого пышного развития его стиля – принято называть «Высоким Возрождением». Оно дало человечеству таких великих мастеров, как Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонарроти, Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, более известный как Джорджоне, Тициан Вечеллио и Донато Браманте.

      Высокое Возрождение охватывает сравнительно короткий период времени, приблизительно с 1490 по 1527 годы. Коренные сдвиги, связанные с решающими событиями мировой истории и успехами передовой научной мысли, намного расширили представления людей о мире – не только о земле, но и о космосе. Восприятие мира и человеческой личности как будто укрупнилось – в художественном творчестве это  отразилось не только в величественных масштабах архитектурных сооружений и монументов, торжественных фресковых циклов и картин, но и в их содержании и выразительности образов. Центр влияния итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, поскольку именно в «Вечном городе» можно было ощутить непосредственное воздействие наследия античной культуры.

      Вступивший на папский престол Юлий II, привлекает к своему двору самых лучших художников и архитекторов. При нём, а также при его ближайших преемниках Рим становится как бы новыми Афинами времён Перикла: строится множество монументальных зданий, создаются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся жемчужинами живописи; при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга.

  

Рафаэль Санти. Портрет папы Юлия II.

 

Архитектура

 

      В архитектуре Высокого Возрождения происходит возврат к принципам и формам античного, преимущественно римского искусства. На базе прошлых открытий и успехов складывается единый классический стиль. После Филиппо Брунеллески и Леона Баттиста Альберти, основоположников архитектуры Раннего Возрождения, крупнейшим представителем архитектуры Высокого возрождения стал Донато ди Паскуччо д’Антонио, больше известный как Донато Браманте. Его архитектурные образы, замечательные свободным и творческим применением классических форм, отличаются величием и монументальностью, гармоничным совершенством пропорций, цельностью и ясностью композиционных и пространственных решений.

 

 

Донато Браманте, Автопортрет.

      В начале своего творческого пути Браманте учился живописи и работал художником-декоратором (участвовал в росписи фасада палаццо дель Подеста в Бергамо), а затем посвятил себя архитектуре, став одним из величайших зодчих Высокого Возрождения.

 

Реконструкции Браманте.

 

      Архитектурная деятельность Браманте началась в Милане, где он реконструировал церквь Санта Мария прессо Сан Сатиро и церковь Санта Мария делле Грацие, а также дворы каноники и монастыря Сант Амброджо. Кроме того, он выполнял живописные и многие инженерные работы по реконструкции герцогского замка Карманьола. Участвовал в переработке проекта и строительстве собора Святого Стефана в Павии. Надо добавить, что изначально церковь Санта Мария деле Грацие строилась в соответствии с канонами готики, но Браманте внёс в её архитектуру существенные изменения, например, тройную апсиду и портик с колоннами в коринфском стиле. Такие неожиданные для готического здания дополнения сделали эту церковь совершенно уникальным архитектурным сооружением. А при реконструкции церкви Санта Мария прессо Сан Сатиро, несмотря на необходимость включить в композицию разнородные остатки более ранних сооружений и трудности, связанные с теснотой и изрезанностью участка, почти со всех сторон сжатого улицами, Браманте создал сложный и богатый новыми композиционными приёмами, крепко спаянный комплекс.

 

 

Оптический обман в апсиде.

      Но самое гениальное, что сделал он в этой церкви, – это оптический обман (иллюзия) в апсиде, поскольку отсутствовало место для создания глубины пространства. Если стоять напротив изображения Мадонны, то видно, как колонны апсиды (алтаря) уходят вглубь на несколько метров и алтарь кажется просторным и широким. Но если подойти к алтарю вплотную, то видно, что он абсолютно плоский и размером не более метра. Этого эффекта Браманте добился с помощью особого наложения штукатурки и прекрасной росписи.

      В сентябре 1499 года Браманте переехал в Рим, где изначально был занят живописью, зарисовками и обмерами античных памятников. Но вскоре папа Юлий II назначает его на пост главного архитектора Ватикана.

 

Часовня-ротонда Темпьетто.

      И первая же работа Браманте, небольшая круглая купольная часовня-ротонда, возведённая во дворе монастыря Сан-Пьетро ин Монторио, стала считаться одним из лучших его творений, в котором отразились пластичная цельность, ясность и жизнерадостная гармония. Внутреннее оформление ротонды также делалось по проекту Браманте. И здесь в полной мере проявился его талант и архитектора, и живописца. К сожалению, из-за тесноты дворика монастыря сфотографировать часовню в нужном ракурсе невозможно, поэтому ни одна фотография не может передать её красоту.

   Дворик церкви Санта-Мария дела Паче.

      Не менее оригинальна и композиция дворика церкви Санта-Мария делла Паче, столбы которого в нижнем ярусе несут аркаду, а в верхнем, перемежаясь с коринфскими колонками, завершаются архитравным перекрытием. Этот клуатр также по праву считается одним из выдающихся архитектурных памятников эпохи Возрождения.

(Клуа́тр – окружённый стенами квадратный или прямоугольный в плане внутренний двор, примыкающий к комплексу зданий средневекового монастыря или церкви, служил нуждам клира и монашеской братии и был недоступен для мирян). 

 

      Из множества творческих достижений Браманте по реконструкции Ватикана, где он фактически создал новое сооружение, органически включив в него разрозненные старые строения, можно выделить двор Бельведер.

Двор Бельведера.

      Здесь Браманте предстояло связать летнюю папскую резиденцию, виллу Бельведер, с папским дворцом, а также создать сад и двор для развлечений и празднеств. По замыслу Браманте, огромный, длиной около 300 метров и вытянутый с севера на юг двор должен был располагаться на террасах в трёх разных уровнях. Коридоры по обеим продольным сторонам двора, связывавшие виллу и папский дворец, и лестницы, соединявшие террасы двора, превращали его в единую композицию, замкнутую с севера поперечной стеной с большой полукруглой экседрой на продольной оси комплекса. Двор Бельведера, развивая приёмы древнеримских ансамблей, предвосхитил композицию многих вилл последующего времени.

 

      Но самой масштабной работой Браманте, которую он так и не успел завершить, был проект базилики Святого Петра.

Собор Святого Петра.

         Почти все крупные архитекторы Италии по очереди участвовали в проектировании и строительстве собора Святого Петра, начатого Браманте по заказу папы Юлия II. Строительство возглавляли Рафаэль Санти, Бальдассаре Перуцци, Антонио да Сангалло, Микеланджело Буонарроти и другие. Достроен собор был только в первой четверти 17-го века. Вобравший в себя проекты и идеи всех архитекторов, собор производит сильное впечатление благодаря сходству с античными лаконичными и лёгкими храмами, а также своей грандиозной колоннаде, парящему над постройкой куполу и изящному портику со скульптурами Христа и учеников.

 

Живопись

 

      Амбициозные масштабы в сочетании с высокой сложностью композиции, иконографические и художественные отсылки к классической античности, а также пристальное изучение человеческого тела, пожалуй, таковыми будут ключевые признаки изобразительного искусства Высокого Возрождения. И хотя центр влияния итальянского искусства из Флоренции переместился в Рим, тем не менее, свою яркую страницу Венеция всё же вписала в историю искусства Высокого Возрождения творчеством Джорджоне и Тициана.

 

      Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, более известный как Джорджоне, считается первым мастером Высокого Возрождения в Венеции.

 

    «Юдифь», «Читающая Мадонна»,  «Мадонна Кастельфранко», «Поклонение Волхвов».

      Его искусство совершенно особое. В нём царит дух ясной гармонии и какой-то особенной созерцательности и мечтательности. Джорджоне умел передать настроение сцены и её едва уловимое, подобное чудному сну, абсолютное безмолвие. Он часто писал восхитительных красавиц, настоящих богинь. Обычно это поэтический вымысел – преклонение перед романтическим чувством и прекрасной женщиной.

 

      Тициан Вачеллио вошёл в историю итальянского искусства как титан и глава венецианской школы, как символ её расцвета. В творчестве этого художника с особой силой проявилось дыхание новой эпохи – чувственной, бурной и трагической. Творчество Тициана отличается исключительно широким и разносторонним охватом типов и жанров живописи.

 

   «Динарий кесаря», «Венера перед зеркалом», «Оплакивание Христа», «Любовь земная и небесная».

 

      Тициан принадлежит к величайшим колористам мировой живописи. Его картины сияют золотом и сложной гаммой вибрирующих светоносных полутонов цвета. Тициан выработал новую живописную технику, оказавшую исключительное влияние на дальнейшее, вплоть до XX века, развитие мирового изобразительного искусства.

 

 

Рафаэль, Леонардо и Микеланджело

 

      Творчество трёх великих итальянских мастеров знаменует собой вершину Ренессанса, это – Рафаэль Санти, Леонардо да Винчи и Микеланджело Буонарроти.

 

      Имя Рафаэля в истории мирового искусства связано с представлением о возвышенной красоте и гармонии. Принято считать, что в созвездии гениальных мастеров Высокого Возрождения, в котором Леонардо да Винчи олицетворял интеллект, а Микеланджело – мощь, именно Рафаэль был главным носителем гармонии. Неустанное стремление к совершенному и светлому началу пронизывает всё творчество Рафаэля.

      В своих произведениях он мастерски выдерживает меру реального и идеального, уравновешивает рациональное и эмоциональное, благодаря чему его произведения притягивают взгляд и завораживают вот уже не одно столетие. Талант Рафаэля блестяще раскрылся во многих областях – как в станковой и монументальной живописи, так и в архитектуре. Сюжеты его произведений разнообразны, но на протяжении всей жизни, – художника особенно привлекал образ женщины-матери, воплотившийся в его Мадоннах.

      Рафаэль, «Мадонна Конестабиле»

      «Мадонна Конестабиле» – одно из ранних полотен кисти Рафаэля. Прекрасный женский образ проникнут лиризмом, нежностью и неземной одухотворённостью. Это миниатюрное изображение Девы Марии и младенца Христа считается последней работой, созданной Рафаэлем в Умбрии, до его переезда во Флоренцию и первой, где Рафаэль впервые представляет зрителю образ Мадонны, открывая тем самым целую плеяду картин, которые позже искусствоведы назовут «Мадонны Рафаэля».

 

 

Рафаэль, «Мадонна Грандука»

 

      Когда Рафаэль прибыл во Флоренцию, он познакомился с работами Леонардо да Винчи и перенял его технику сфумато (плавный переход от света к тени). Теперь уже нет в его живописи чётких линий. Фигуры Марии и младенца как будто мерцают, что делает их ещё более живыми. Полуприкрытые глаза Марии, её робость и нежность заражают зрителя чувством высокого смирения перед неизбежностью всего, что будет суждено. При этом в картине нет никаких искусственных и принудительных приёмов, словно она сложилась не по воле художника, а по повелению самой природы.

    Рафаэль, «Мадонна Альба»

      «Мадонна Альба» была написана Рафаэлем в Риме, куда он прибыл по приглашению папы Юлия II для росписи залов Ватикана. Здесь же работал и Микеланджело над росписью Сикстинской капеллы. И хотя Микеланджело и Рафаэль почти не общались, это всё же не помешало Рафаэлю взять у мастера телесной красоты раскованность в жестах, величавость и монументальность

поз. Вместо хрупкой и уязвимой фигуры Мадонны Грандука, мы видим зрелую и величественную женщину. Она сильна и вынослива. Она уверенно и раскованно сидит и её взор уже нельзя назвать кротким

 

Рафаэль, «Мадонна в кресле (Мадонна дела Седия)»

      По легенде вдохновение для этой работы пришло к художнику, когда он увидел местную крестьянскую девушку, которая держала за руку своего сына в саду, а второй её маленький сын играл у неё на коленях. Рафаэль сразу же сказал, что хотел бы нарисовать её именно так, с двумя сыновьями.

Картина действительно проникнута теплотой и нежностью. Мадонна в кресле уверенно смотрит прямо на нас. Она прижимает сына к себе, как будто она уже сполна осознала, что его ждёт. Мария, младенец Иисус и Иоанн Креститель в образе ребёнка максимально приближены к нам. Пространства для заднего плана не остаётся, а потому дополнительные символы в виде деревьев и облаков уже не нужны. Только красота и безграничная материнская любовь.

 

   Рафаэль, «Сикстинская Мадонна»

      «Сикстинская мадонна», созданная по заказу папы Юлия II для алтаря церкви Святого Сикста II в Пьяченце, принадлежит к числу общепризнанных вершин искусства эпохи Высокого Возрождения и является одним из наиболее известных живописных произведений в мире.

      Рафаэль рассказывал своему другу, что однажды, ещё когда он жил в Умбрии, он долго не мог уснуть, а когда наконец задремал, то увидел Саму Богородицу, явившуюся перед ним в неописуемо прекрасном свете. Со временем детали видения в его памяти потускнели, но на всю жизнь осталось ощущение дивной чистоты и сияния, как бы изнутри наполнявшего образ Пресвятой Девы. Все «Мадонны», которых писал с той поры Рафаэль, были последовательными попытками приблизиться к тому идеалу красоты и

чистоты, к той прекрасной идее, которая была однажды ему открыта.

 

      Рафаэль был не только изумительным живописцем, портретистом, но также и монументалистом, работавшим в технике фрески, архитектором и мастером декора. Все эти дарования с особой силой проявились в его росписях апартаментов папы Юлия II в Ватикане.

 

   Рафаэль, фреска «Диспута».

      Фреска «Диспута», соединяющая земной и небесный миры.

Мир земной. В нижней части мы видим верующих, кардиналов, святые дары, алтарь и чашу с причастием.

Мир небесный. На облаке перед нами Троица, Богоматерь, Иоанн Креститель, ангелы, апостолы и святые.

   Рафаэль, фреска «Афинская школа».

 

      Фреска «Афинская школа» – одна из самых известных. Она написана на светскую тему и прославляет философию и поиск истины.

На фреске изображены философы разных эпох: Сократ, Диоген, Демокрит, Пифагор, Зороастр, Евклид. Также можно увидеть Александра Македонского и самого Рафаэля. В центре – Платон и Аристотель. Платон – идеалист, любимый философ Ренессанса, он указывает вверх, на небо. Платона Рафаэль писал с Леонардо да Винчи. Аристотелю же, ближе реальный мир, поэтому он обращён к зрителям. Вместо композиционного единства, как в «Диспуте», персонажи расположены группами и соединяются лишь взглядами и жестами. Разные философские учения и школы существуют здесь одновременно и на равных правах, а поиск истины – их высшая ценность.

 

      Вряд ли Леонардо да Винчи нуждается в отдельном представлении и в  истории человечества нелегко найти другую, столь же гениальную личность. Всеобъемлющий характер деятельности этого великого художника, скульптора, архитектора, учёного и инженера стал ясен только тогда, когда были исследованы его разрозненные рукописи, насчитывающие свыше семи

тысяч листов с архитектурными проектами, изобретениями и зарисовками.

 

      Трудно назвать ту область знаний, которой бы не коснулся его гений. В своём знаменитом «Трактате о живописи» и других записях Леонардо уделил большое внимание изучению человеческого тела, сведениям по анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимикой и эмоциональным состоянием человека. Леонардо занимали также проблемы светотени, объёмной моделировки, линейной и воздушной перспективы. Но Леонардо отдал дань не только теории искусства, он создал целый ряд великолепных алтарных образов и портретов.

 

   Леонардо да Винчи, Фреска «Тайная вечеря»

 

      «Тайная вечеря» – шедевр, который в истории живописи открывает эпоху Высокого Возрождения. Эта монументальная роспись, изображающая Иисуса Христа с апостолами и скорбное с ними застолье в вечер перед самым распятием, была создана в доминиканском монастыре Санта-Мария деле Грацие в Милане. В этой работе передан весь спектр переживаний героев: каждый индивидуален и вместе с тем типичен. Персонажи образуют символические группы из трёх человек, в форме треугольника изо­бражён и Христос в центре композиции. Математически точная перспектива задаёт сцене строгий ритм, а сочетание выверенной геометрии с эмоциональ­ными движениями героев позволяет добиться равновесия без застылости поз.

Наиболее известные картины Леонардо да Винчи.

 

         «Мадонна Литта» относится к миланскому периоду творчества Леонардо.

Художник создал образ идеально прекрасной женщины и поместил её в мир, исполненный гармонии. Мадонна предстаёт олицетворением материнской любви, как величайшей человеческой ценности.

      «Дама с горностаем» является портретом молодой Чечилии Галлерани, фаворитки покровителя Леонардо, Людовико Сфорца, герцога Миланского. Галлерани показана в относительно простом платье, показывающем, что она не из знатной семьи. Горностай представляет чистоту, так как считалось, что он никогда не испачкает свою белую шкурку ни при каких обстоятельствах.

      «Святая Анна с Мадонной и младенцем Христом». Такая иконография называется «Анна втроём»: название подчёркивает связь между женщинами. У Леонардо смысл сцены подчёркнут пластически: тела героев повторяют и продолжают друг друга. На коленях у Анны, словно на троне, сидит монументальная Мария, плавно склоняясь к младенцу, который пытается оседлать ягненка. Агнец символизирует жертву Христа, и одновременно это тихая семейная сцена. Вся троица изображена на краю обрыва, отделяющего их от зри­теля, а пустынный пейзаж придаёт сцене планетарный масштаб. Символи­ческое переплетается с эмоциональным, а идеальное – с реальным.

      «Спаситель мира» – это тип изображения, когда Христос представлен как владыка мира, поднимающий правую руку в благословляющем жесте.

      «Витрувианский человек» – одно из самых узнаваемых произведений Леонардо да Винчи – рисунок, выполненный пером и тушью на бумаге. Витрувианский человек – это исследование пропорций человеческого тела, в котором Леонардо соединил внимательное прочтение древнего текста римского архитектора Витрувия о геометрии с собственными наблюдениями за фактическими человеческими телами. Рисунок был использован в качестве примера симметрии человеческого тела.

       «Иоанн Креститель» считается последней картиной Леонардо, когда Высокий Ренессанс переходил к маньеризму. В этой работе Леонардо изображает святого Иоанна в игривой манере, нетипичной репрезентации человека, обычно рассматриваемого как огненный персонаж. Здесь у него длинные вьющиеся волосы, он одет в шкуры и загадочно улыбается. Указательный палец Святого Иоанна указывает на небеса, что говорит о спасении через крещение. Этот жест встречается и в других работах Леонардо.

 

   Леонардо да Винчи, «Мона Лиза дель Джокондо»

      Мона Лиза, пожалуй, самая известная картина всех времен. Изображение Лизы Герардини, неаполитанки из аристократического обедневшего рода, жены флорентийского торговца Франческо дель Джокон­до, стало поводом для множества домыслов и догадок. Как писал мастер? Каков характер этой женщины, добрая она или злая, весёлая или коварная, юная или зрелая? Модель не ста­тична – она спокойно сидит, но развернута в пространстве, голова и взгляд направлены в разные стороны. Намеренная неяс­ность очертаний и мягкость форм рождают у зрителя самые разные мысли о её характере и эмоциях. Невозможно понять, о чём она думает и что чув­ствует, но понятно, что это лицо отражает глубокую внутреннюю жизнь. Полуфантастичес­кий пейзаж в отдалении напоминает скорее о сказке или сне, чем об Италии. Именно эта сложность и неоднозначность – большое открытие Леонардо. Как настоящий психолог, он ставит эксперимент над зрителем, предлагая проективный тест, который нельзя пройти единственно правильным образом.

 

Скульптура

 

      Величайшим мастером Высокого Возрождения был и Микеланджело Буонарроти – ваятель, живописец, архитектор и поэт, покоривший своими произведениями весь мир не только в Высоком и Позднем Возрождении, но и по сегодняшний день. Свой творческий путь этот титан Возрождения начинал со скульптуры.

   Микеланджело, скульптура «Ватиканская Пьета».

      «Оплакивание Христа» или «Ватиканская Пьета» – одна из ранних и самых знаменитых работ Микеланджело. Шедевр выполнен из светлого мрамора, причём для работы Микеланджело выбрал цельную глыбу. Это подчеркивает стремление мастера создать чистое и искреннее произведение. В основе скорбящего образа – библейские события. Скульптура изображает, измученную от горя Деву Марию, которая склонилась над своим распятым сыном. Она держит Христа на руках в позе, характерной для кормления младенцев. Великий скульптор отсёк всё лишнее от мраморной глыбы и подарил верующему миру образ истинной скорби, сострадания, безысходности и  трагизма. В настоящее время скульптура находится в базилике Святого Петра в Ватикане.

 

   Микеланджело, статуя «Давид».

      Статуя «Давид» – также одно из величайших произведений Микеланджело. Эта знаменитая статуя имеет свою непростую историю. Обычно мастер сам отбирал мрамор для своих работ, контролируя даже процессы погрузки и транспортировки. В данном же случае для работы мастеру была предоставлена старая глыба, над которой ранее уже начинал работать не очень умелый скульптор. Отсекая сантиметр за сантиметром от этой глыбы всё лишнее, Микеланджело был вынужден в некоторых местах оставить следы резца предшественника. Тем не менее, это не помешало ему создать поистине великое произведение искусства, прославляющее красоту человеческого тела. Библейский персонаж Давид изображён в момент подготовки битвы с Голиафом. Прекрасный и благородный юноша сосредоточен на предстоящей битве, он готов защитить свой народ, и уверен в победе.

   Микеланджело, статуя Моисея.

      Мраморная скульптура  изображает  пророка Моисея в тот момент библейской истории, когда он, спустившись с горы Синай, принёс своему народу скрижали завета и вдруг увидел его поклоняющимся золотому тельцу. Красивое лицо Моисея выражает страдание, боль и гнев, а его мощная фигура запечатлена в порыве  к действию. Каждая крупная или мелкая деталь изображения – мускул на теле, вздувшаяся вена, длинная волнистая борода, ниспадающие складки одежды – всё тщательно отточено и проработано гениальным мастером.

      Особенностью статуи, вызывающей много вопросов, является то, что Моисей изображён с рогами. Объяснение этому – ошибка в существовавшем тогда переводе Библии: в описании внешности Моисея одно и то же древнееврейское слово могло быть переведено на латинский язык и как «лучистый», и как «рогатый». В современном переводе эта ошибка устранена, однако во многих произведениях искусства того времени Моисей остался запечатлённым с рогами.

 

                 Микеланджело, интерьер Сикстинской капеллы.

      Но особенно знамениты росписи Микеланджело в Ватикане, в Сикстинской капелле, в которых он проявил себя и как гениальный живописец. Пожалуй, никто в мировом искусстве, ни до, ни после Микеланджело, не создавал таких сильных телом и духом персонажей.

 

 

 

 

 

   Микеланджело, потолок Сикстинской капеллы.

      Огромная, невероятно сложная по исполнению фреска на потолке была выполнена художником в одиночку, без помощников; она и по сей день остаётся непревзойденным монументальным произведением итальянской живописи.

   Микеланджело, «Сотворение Адама», деталь фрески

      Центр потолка Микеланджело отвёл истории Адама и Евы. В этом блоке изображений два больших фрагмента. Первый эпизод из центральной группы – сотворение Адама – одно из наиболее знаменитых изображений в истории мировой живописи. Микеланджело создал абсолютно новую иконографию, выбрав момент, когда Бог протягивает руку просыпающемуся Адаму, передавая ему жизнь. 

 

      Также Микеланджело много и плодотворно работал в архитектуре, в частности, руководил строительством собора Святого Петра и ансамбля площади Капитолия в Риме. Всего же в архитектурном наследии мастера насчитывается более 15 зданий и сооружений. Творчество великого Микеланджело составило целую эпоху и далеко опередило своё время, оно сыграло колоссальную роль в мировом искусстве, в частности, оказало влияние на формирование принципов барокко.

 

Скачано с www.znanio.ru