Сценарий проведения внеклассного мероприятия, посвященного развитию театрального и циркового искусства от античности до наших дней

ВИДЕОПРОЕКТ  «ПРОИСХОЖДЕНИЕ ТЕАТРАЛЬНОГО ИСКУССТВА И ИСТОРИЯ РАЗВИТИЯ ТЕАТРА»

Проект реализован  в творческом объединении «Превратим детство в праздник» на базе гимназии «ГАММА» 1404.

Он разделен на фрагменты, объединяющие определенный период в развитии театрального искусства. Заснят в павильоне, в который легко превращается обыкновенный хорошо освещенный класс с различными драпировками, на фоне которых юные актеры читают свой текст.

Оснащен характерной музыкой. Между отдельными частями идут фотозаставки с названиями эпох в эволюции театра.

 

Текст для актеров:

Давным-давно, когда жизнь еще только зарождалась, самым важным для человека  было сохранение рода-для этого нужно было поддерживать огонь в жилище, обеспечивать пищу и обороняться от набегов врагов.

Жизнь развивалась, человек познавал мир вокруг и учился жить в гармонии

с ним.

Настали времена, когда этого оказалось недостаточно. Человек стал задумываться о развлечении.

Какова же природа развлечения? Это эстетическое удовольствие, к которому стремишься, когда скучно.

Понятно, что в 21 веке развлечений-на любой вкус.

А как же все начиналось?

Упоминание о зарождающемся творчестве разного характера встречается еще в третьем тысячелетии до нашей эры.

Первым появился язык тела. Танцы были сплошь ритуальными и предназначались для смягчения стихии, т.е. чтобы умилостивить богов.  Ведь человек был абсолютно уверен, что именно высшие силы, небожители, смогут подарить обильный урожай и хорошую погоду, а если ну очень попросить ,так и враги не смогут одолеть.

В последствии к языку тела добавился и голос-и вскоре в Древнем Египте самым популярным открытием для общения  с богами стали хоры.

Первые исполнители священных песен и танцев исключительно прославляли подвиги богов и вскоре разыгрываемые сценки из жизни небожителей положили начало драматическому искусству, обращавшемуся к чувствам зрителей.

В эти времена возникли первые школы профессионального исполнительства. Около полутора тысяч лет до нашей эры первые профессионалы среди танцоров и певцов не только демонстрируют  божественные интермедии, но и частенько приглашаются в богатые дома для своих представлений, целью которых уже является просто развлечение.

Ко времени привычного нам исчисления лет искусство становится светским и общедоступным.

Древняя Греция-колыбель европейской цивилизации…

Как и в Египте, драматическое искусство греков возникло из религиозных обрядов. В Афинах ежегодно устраивались празднества в честь бога плодородия и виноградарства Диониса. Для празднеств были характерны состязания на самую лучшую песню в исполнении группы певцов. Группы поющих назывались хором.

Во время такого исполнения было придумано замечательное новшество.

Один из исполнителей должен был обмениваться репликами с руководителем хора-и это был первый актер и первый диалог в истории театра. Идея принадлежала жрецу ФЕСПИДУ.

Толпа слушателей хора располагалась вокруг круглой площадки, называемой орхестрой. Актеры выходили петь из постройки, называемой скеной, которую разрисовывали живописцы, создавая фон хору.

От скены и произошло современное слово сцена.

Создав сцену, греки создали три типа пьес: трагедии, говорившие обывателю о возвышенном-о чести, доблести и прочих подвигах; сатирические скетчи, насмешливые пьесы, изобличающие пороки; комедии, полные забавных недоразумений и шуток .

Повозки, перевозящие актеров из города в город, служили также и передвижной сценой для представлений.

Актерами были исключительно  мужчины  и играть полагалось в масках.

Большинство римских театров были огромными и вмещали до 20 тысяч зрителей.

Рим начисто зачеркнул религиозное происхождение театра, убрал со сцены алтарь и хор.

Зато у сцены появился задник, изображающий городское здание с несколькими  выходами для актеров.

Появились театральные билеты. Они представляли собой костяной жетончик с названием пьесы и с датой показа на обороте.

Дикие звери содержались в подземных клетках, откуда их по надобности поднимали на сцену.

В 80 году нашей эры был открыт знаменитый римский амфитеатр Колизей.

Его создали для самой популярной забавы горожан-гладиаторских боев.

При открытии Колизея демонстрировались силовые игры, во время которых погибло 2000 гладиаторов.

Состязания силачей проходили на круглой площадке, покрытой песком, которая называлась ареной.

Чтобы взыскательная публика осталась удовлетворенной, гладиаторам часто приходилось сражаться с хищниками. Исход битвы был заранее ясен.

Раненый гладиатор мог обратиться  к зрителям за поддержкой. Если он отчаянно сражался, зрители поднимали большой палец вверх, что означало спасение.

В противном случае зрители опускали большой палец вниз, что означало для гладиатора смертный приговор.

Несмотря на эти жестокие и кровавые забавы горожан, из этой затеи выросла идея самого гуманного и увлекательного зрелища - современных Олимпийских игр.

Сначала на арене Колизея состязались гимнасты или устраивались гонки на колесницах.

Когда в 4 веке христианство стало официальной религией Европы, жестокие кровавые зрелища были запрещены церковью.

Заодно, чтоб не будоражить горожан, надолго было запрещено драматическое искусство театров.

На Древнем Востоке, как и в Европе, театр берет свое начало от религиозных обрядов. Задолго до наступления нашей эры на религиозных праздниках

в Китае устраивались пышные представления.

В 720 году до нашей эры действующий китайский император основал первую школу для обучения актеров. Здесь превалировал танец.

Пластические композиции  устраивались на открытом воздухе-обязательно в экзотических садах Востока.

Грим был искусен и по-восточному замысловат. Лица актеров раскрашивались в виде масок и для каждого сценического характера предполагался особый грим.

Белый грим на лице актера означал трусость и коварство.

Синий-свирепость.

Красный-храбрость и верность.

У богов лица раскрашивались золотом, у демонов-зеленью.

У каждого актерского амплуа кроме своего цвета грима характерный набор телодвижений, присущих только ему.

Танец с мечами, кинжалами или копьями означал сражение.

Если актера накрывали голубой тканью, на языке жестов это означало, что он утонул в море.

В Японии с древних времен до наших дней сохраняются театральные традиции.

Самой большой древностью Японского драматического искусства является танец воинов Бугаку, который исполнялся в императорском дворце.

В 14 веке для развлечения аристократов и воинов, чей кодекс чести запрещал открыто выражать свои чувства, возник особый вид  драмы-театр Но, где обо всех проявлениях эмоций можно было говорить лишь намеками.

Театр Кабуки, возникший в 17 веке, сочетал диалоги с песнями и танцами и был самым зрелищным на Востоке.

Театральные стили Но и Кабуки и сейчас очень популярны.

Главный персонаж в театре Но выступает в роскошном многослойном кимоно и в маске, второй актер задает ему вопросы, побуждая к рассказу.

В театре Кабуки актеры исключительно мужчины. И к работе актеров театра Кабуки готовят с ранних детских лет.

С раннего средневековья и до наших дней по всей Европе уличные комедианты, клоуны, исполнители музыкально-поэтических баллад и артисты-кукловоды неизменно забавляют зрителей.

Одна из традиций уличных театров –группа ряженых в костюмы  зверей. Пошло это от греческих обрядов во время проводов зимы, когда доморощенные артисты толпой ходили по домам, требуя угощений и денег за свои незамысловатые сценки.

Сейчас каждый из нас может открыто делать выводы о том, откуда взялись масленичные русские забавы.

Каких только персонажей не было в уличных театрах-жонглеры с ходулями, борцы и канатоходцы, ярмарочные дрессировщики с медведями и обезьянами! Актер, имеющий  амплуа дурака из народа в обязательном колпаке с длинными ослиными ушами и с бубенцами.

Всеобщим любимцем зрителя был неунывающий Арлекин.

Но из-за бедности Арлекина вся его одежда была  соткана из цветных заплат.

К 17 веку заплатки превратились в ромбы и по сей день костюм традиционен.

В 15 веке в Италии появился странствующий театр комедии масок-Дель  Арте. Его постоянными героями стали полюбившиеся простонародью комические персонажи: хитроумный слуга Арлекин, жадный купец Панталоне, молоденькая служанка Коломбина. Разумеется, неотъемлемым атрибутом актерского костюма были полумаски на лицах.

Дерзкий, высмеивающий власть и порядки текст придумывался, порой, на ходу.

В 16 веке Комедия дель  Арте была популярна во всех социальных слоях Европы-и у высшей знати, и у бедноты с городских окраин.

Слава дель Арте гремела в Италии, Испании, Франции, Голландии, Англии-с юга до севера.

В 17 веке несколько померкла слава Комедии дель Арте, но ее персонажи прочно обосновались в других театральных жанрах-в кукольном театре, пантомиме и балете.

Во времена средневековья христианская церковь, запретив театр, сама же невольно способствовала его возрождению.

Священники пробовали включать в церковные службы небольшие сценки, чтобы оживить рассказы о жизни и учении Христа.

Например, на Пасхальное воскресение священник изображал трех Марий, пришедших ко гробу Христа, где ангел возвещал им о его воскресении.

Эта идея оказалась столь удачной, что в церковные проповеди стали вскоре включать подобные эпизоды, используя временные сценические площадки в виде беседок ,стоящих в разных местах церкви под куполом.

 

В 15 веке актеры, разъезжающие по ярмаркам, стали объединяться в небольшие труппы. Они переезжали из города в город, перевозя скарб в фургонах.

В Англии 16 века, особенно в Лондоне, спектакли смотрели очень охотно. Успешные труппы брали на содержание знатные господа и давали актерской труппе свои имена.

Один из предприимчивых актеров Джеймс Бербедж, находившийся под покровительством английского лорда, решил построить постоянный стационарный театр. Конструкция постройки являла собой открытую площадку под соломенным навесом. Площадку он назвал «Театр».

Замысел Бербеджа оказался столь удачным, что к началу 17 века в Лондоне было уже несколько таких театров и они составляли друг другу конкуренцию.

У Джеймса Бербеджа подрастал сын, который тоже захотел связать жизнь с профессией актера.

Сыну Бербеджа несказанно повезло-в составе его труппы был сам Уильям Шекспир.

На берегу лондонской реки Темзы труппа построила для себя театр под названием «Глобус».

В 1613 году театр сгорел, через год был восстановлен и сам великий  Шекспир играл в нем и писал для него пьесы.

В эпоху Возрождения монархи и дворяне устраивали пышные празднества. Окружая себя блеском и роскошью, правитель демонстрировал свое могущество. В моду входят ристалища-рыцарские турниры. В них участвовать могли только титулованные особы, простые люди  были лишь зрителями.

 Сперва турниры были настоящими сражениями, что было опасно для жизни участников, но к началу 15 века турниры превращаются в праздничные игры, проводимые по строгим правилам. Длились они по нескольку дней кряду и каждый из дней завершался балами и пированием. В честь коронации очередного монарха устраивались торжественные уличные шоу. На улицах возводились триумфальные арки, а по пути следования короля располагали временные помосты с актерами и играющими оркестрами. Музыканты и артисты исполняли  панегирики в честь действующего короля.

В 17 веке торжественные балы превратились в маскарады-дурным тоном было не иметь помпезного костюма во время праздника. Среди придворных дам было популярно появляться в виде городских башен, колоколен, соборов. Причем, дело было не только в высоте и замысловатости прически, но и в каркасе, надетом на тело, где дамская ручка кокетливо высовывалась из окна дома, а ножка из дверей, одетого на даму здания.

Благодаря итальянцам, театр получил много новых традиций. Поскольку Эпоха Возрождения была слепком с античности, в театре возобновились постановки классических пьес и стало  совершенствоваться техническое устройство древнего театра.

В конце 16 века стали строиться специальные здания для театральных спектаклей. Сцену отделили от зрительного зала портальной аркой.

Для роскошных представлений , которые так нравились публике, нужно было часто менять декорации. И в тот момент итальянцами  были придуманы передвижные кулисы,  из деревянных рам, обтянутых  разрисованной по сюжету тканью. Это новаторство быстро распространилось в Европе.

Сцена освещалась по бокам и спереди масляными лампами с отражателями. В 18 веке стало очень модным посещение театра, чтоб не отстать от моды, знать приобретала собственные театральные ложи.

Менее денежная публика сидела на деревянных скамьях перед сценой. Теперь это место называется партером.

В 17 веке на сцену, наконец, были допущены и женщины. До этого женские роли исполнялись мальчиками-подростками.

К 19 веку актуальным становится соответствие костюмов, декораций и исторической достоверности спектакля своей эпохе. Режиссеры театральных спектаклей теперь исключительно профессионалы.

В Эпоху Возрождения античности к классической драме на сцене добавились эпизоды с песнями и танцами. Сюжетная линия спектакля, объединенная с жанрами пения и танцев так понравилась публике, что такое зрелище стало самым популярным. Смена сценических жанров и смена декораций получила название «опера». Сперва такие спектакли устраивались лишь при дворе знати и в кругах аристократии, но очень быстро стали общедоступны. Первая опера открылась в Венеции в 1637 году Во Франции монарший дом укоренил моду исполнять оперу под открытым небом в Версальском дворце. Оперы для Людовика  Четырнадцатого  писал придворный композитор Люлли. Когда стало понятно, что музыка скорее, чем слово, доходит до сердец зрителей, в спектакле остались только слова, положенные на музыку. И автор самой первой, настоящей, в современном понимании оперы, итальянский композитор Клаудио Монтеверди. Его оперы ставятся и в наши дни.

Миру дарили оперы лучшие композиторы-Моцарт, Вагнер, Верди.

Искусство балета произошло от пышных придворных празднеств.

В 17 веке Людовик  Четырнадцатый основал королевскую академию танца.

Конкурс соискателей был огромен.

Считалось очень почетным быть стипендиатом короля.

 Знаменитый при дворе Людовика   Мерлезонский балет включал в себя только медленные плавные движения, так как балетные костюмы были весьма причудливы и громоздки. Педагоги по танцу разработали позиции ног, используемые в балете и по сей день.

К 18 веку профессиональные танцовщики получали очень серьезную танцевальную подготовку. Появилась техника прыжков и поддержек в паре. Балет быстро укоренился в Европе.

Русский балет стал видным явлением в мировой культуре танца и к началу 20 века уже Европа с нетерпением ждала русских сезонов-ежегодных гастролей балета из России. Да и драматическое искусство России всегда было заметным явлением мировой культуры.

Самое время рассказать о великом русском актере Федоре Григорьевиче Волкове, который, по праву, считается первым русским профессиональным актером и театральным режиссером, драматургом, поэтом, музыкантом, художником.

Федора Волкова справедливо считают основателем русского театра

 С двенадцати лет юный уроженец Костромы обучался в Москве, благо, родительские средства позволяли.

Овладев в совершенстве немецким языком, Волков принимал участие в представлениях Славяно-греко-римской академии. Время учебы будущего актера совпало с восхождением на престол императрицы Елизаветы Петровны, которая нимало способствовала развитию культуры своей державы.

После учебы в Москве юный Волков два года обучается в Петербурге сценическим искусствам.

После смерти родителей он получает в наследство костромские заводы и устраивает в заводском цеху театр, в котором объединяет вокруг себя талантливую молодежь Ярославля. Уже через год в Ярославле было выстроено деревянное здание нового театра на берегу Волги.

 А спустя совсем немного времени о Волковском театре стало известно при дворе императрицы Елизаветы Петровны. Специальным указом она вызывает Волкова в Петербург.

Федор с братьями Гаврилой и Григорием перебрались в столицу и начали работать в императорском театре над новым репертуаром.

В императорском театре были играны комедии, масленичные представления и трагедии, например, шекспировский «Гамлет».

Спустя годы, Волков стал официально считаться первым профессионалом среди русских актеров, затем занял должность директора Императорского театра.

Им написано 15 пьес для сцены, увы, до наших дней не сохранившихся.

Также он самолично занимался художественным оформлением спектаклей, писал торжественные оды и баллады.

Был изрядным живописцем, в числе его художественных работ знаменитый резной иконостас в Николо-Надеинской церкви города Ярославля.

Также он играл на многих музыкальных инструментах и создавал музыку к спектаклям.

Прожил он очень яркую, но короткую жизнь-умер в 34 года от простуды.

Федор Волков похоронен в Москве в Андрониковом монастыре.

В Ярославле в честь Федора Волкова назван Российский академический театр Драмы, площадь перед театром и улица.

Правительством российской Федерации учреждена премия имени Федора Волкова за вклад в развитие театрального искусства России.

С развитием таких эстетичных зрелищ, как опера и балет, которые всегда предпочитались знатью и монархами, параллельно развивалось творчество, любимое простой, отнюдь небогатой публикой. Это цирковое искусство и ярмарочные аттракцоны. Цирковое представление с дрессированными животными, акробатами, клоунами, которое мы с вами традиционно привыкли считать цирком, возникло в 1786 году. Отставной английский кавалерист Филипп  Астлей оградил канатом круглую площадку под открытым небом и назначил плату за желание посмотреть на его мастерство в верховой езде. Начинание оказалось удачным, к нему присоединились другие исполнители и построили закрытый манеж.

Передвижные цирки Шапито появились в 1830 году и очень скоро стали грандиозными зрелищами.

Когда передвижной цирк прибывал в город, он оповещал о своем появлении шествием по улицам со слонами, клоунами и акробатами.

Вон как все повернулось-а ведь в древнем Риме цирком называлась беговая дорожка для состязаний в скоростном беге!

А вот ярмарки имеют гораздо более древнюю историю, нежели цирки.

Сначала ярмарками называлось просторное место для больших торгов, куда  в средние века съезжались купцы. Вокруг продавцов и покупателей располагались бродячие лицедеи, канатоходцы, шпагоглотатели, зазывалы. Они были готовы на все, лишь бы деньги текли рекой из карманов зевак и покупателей.

Вскоре ярмарки перестали быть центрами торговли, а превратились в место многолюдных развлечений-Чертово колесо, механические карусели, комнаты ужасов и смеха-на любой, самый взыскательный вкус.

В 18 веке появляется кукольный театр.

В Италии это сицилийские марионетки-куклы, которыми управляют кукловоды из темноты, дергая за нитки, привязанные к конечностям кукол.

В Японии популярным становится искусство тростевых кукол Бунраку.

Куклы играют с помощью людей, одетых в черное.

Куклы с острова Ява сделаны из натуральной кожи , они демонстрируются в театре теней. Там представления и по сей день исключительно религиозного содержания и освещают жизнь богов.

Перчаточные куклы одевались на руку, они самые подвижные и очень нравятся детям.

Цирк, кукольный театр, уличные ярмарочные представления привлекали огромное количество зрителей, то есть толпу.

Деловые люди, стоящие у истоков такого рода массовых зрелищ, понимают, что зрителям хочется все более ярких и захватывающих впечатлений.

В 19 веке в Европе появляются театры-варьете. Начало они берут с популярных ресторанов и кафе-и мысль достаточно проста: если в ресторане выстроить небольшой помост, как в театре, где будут попеременно демонстрироваться песни, танцы и акробатические этюды, посетители будут заказывать больше блюд и напитков, увеличивая этим выручку ресторана.

Вскоре идея театров-варьете стала популярной, сеть варьете расширялась, посетителям более не предлагалось угощения-они и без того обожали мюзик-холлы.

В конце 19 века в Париже появилась более изысканная разновидность варьете-кабаре. Музыкальные номера кабаре содержали острые социальные подтексты. Потому ими увлекались люди общественного толка-политики и журналисты.

Кабаре становится местом встреч артистической богемы.

Изменялись времена, изменялись зрительные пристрастия.

Нас сегодня окружают театры самых разнообразных тематик и жанров-традиционной драмы и гротеска, музыкальной комедии и моно-театры, театры одного актера, театры с иллюзионными и видеоэффектами.. И что еще придумает  и предложит нам изощренная фантазия профессионалов, помноженная на неиссякаемый зрительский интерес?

Вместе с нами вы совершили экскурсию в прошлые времена, побывали в разных странах и знаете теперь, как зарождалось искусство театра, так любимое и современниками, и жившими в прежние века людьми.

Узнали, как развивался театр, как совершенствовался. Как украшал нашу жизнь, делая ее интересней. Узнали про первого русского актера, прослывшего профессионалом своего дела, Федора Волкова.

Может быть, сейчас, в этом творческом проекте, вы увидели кого-то из будущих актеров. Или будущие актеры находились сейчас среди наших зрителей.

Так это, или нет, но, наверно, людей, равнодушных к разнообразию театрального мастерства и искусств, быть не может!