Джордж Гершвин. Рапсодия в блюзовых тонах

Джордж Гершвин. Рапсодия в блюзовых тонах Джордж Гершвин стал настоящим воплощением американской мечты, поднявшись от положения  скромного иммигранта к вершинам славы и  богатства.      О чем рассказывает его музыка? О простых  людях, об их радостях и горестях, об их любви, об  их жизни.     Вот почему его музыка по­настоящему  национальна...    Д. Шостакович   Джордж Гершвин С именем американского композитора и пианиста  Дж. Гершвина связана одна из интереснейших глав  истории музыки. Становление и расцвет его  творчества совпали с «веком джаза» — так называл  эпоху 20­30­х гг. XX в. в США крупнейший  американский писатель С. Фитцджеральд. Это  искусство оказало основополагающее влияние на  композитора, который стремился выразить в музыке  дух своего времени, характерные черты жизни  американского народа. Гершвин считал джаз  народной музыкой. «Я слышу в нем музыкальный  калейдоскоп Америки — наш огромный бурлящий  котел, наш... национальный жизненный пульс, наши  песни...» — писал композитор. Джордж Гершвин родился в Нью­Йорке в 1898 году  в семье еврейских эмигрантов из России. Настоящие имя и фамилия композитора ­ Янкель Гершовиц. Его детство прошло в одном из районов города —  Ист­Сайде, где его отец был владельцем небольшого ресторана. Озорной и шумный, отчаянно  проказничавший в компании своих сверстников,  Джордж не давал родителям повода считать себя  музыкально одаренным ребенком. Все изменила  покупка пианино для старшего брата. Редкие уроки  музыки у различных учителей и, главное,  самостоятельные многочасовые занятия  импровизацией определили окончательный выбор  Гершвина. Гершвин не получил систематического  музыкального образования и всем своим  достижениям в области композиции он в основном  обязан самообразованию и требовательности к себе в сочетании с неуемным интересом к крупнейшим  музыкальным явлениям своего времени. Будучи уже всемирно известным композитором, он не стеснялся  обращаться с просьбами о занятиях композицией и  инструментовкой к М. Равелю, И. Стравинскому, А.  Шенбергу. В 16 лет Джордж стал штатным пианистом в  издательстве Ремика, «рекламируя» новые песни на  знаменитой улице в Нью­Йорке, где располагалась  группа нотных издательств, которую окрестили  «Тин Пен Элли». Он также начал писать  собственные песни и к 1917 году был готов  двигаться дальше.   Стечение обстоятельств Его первый большой успех случился в 1919 году.  Гершвин работал на постановке мюзикла «Ла­ла,  Люсиль!» и вместе с поэтом­песенником Ирвингом Цезаром написал песню «Swanee» («Суони»).  Исполненная великим Элом Джолсоном, она стала  шлягером. К началу 1920­х годов Гершвин был  восходящей звездой среди композиторов  бродвейских мюзиклов. Он продолжал свое  музыкальное образование, оттачивал мастерство как пианист и никогда не боялся пробовать что­то  новое. Случай преставился в 1924 году, когда  дирижер джаз­оркестра Пол Уайтмен попросил его  написать произведение для фортепиано с оркестром  – «Рапсодию в блюзовых тонах». Она стала  настоящей сенсацией.   Невиданный успех В 1930­е годы карьера Джорджа Гершвина могла  считаться одной из величайших историй успеха ХХ  века. В основном работая со своим братом, талантливым поэтом­песенником Айрой, он стоял  плечом к плечу с Ирвингом Берлином, Джеромом  Керном и Коулом Портером сочиняя музыкальные  шоу для Бродвейской сцены и Голливуда. Он также пополнил список своих инструментальных  сочинений Фортепианным концертом фа мажор и мечтательной поэмой «Американец в Париже». Его  пианизм удивлял талантливейших композиторов ­  Равеля и Прокофьева, Стравинского и Шёнберга.  Гершвина чествовали во время частых визитов в  Европу, где многие из его музыкальных постановок  пользовались таким же успехом. В 1935 году он  закрепил свою популярность оперой «Порги и Бесс».   Трагичный финал В 1937 году Джордж и Айра вернулись в Голливуд  работать над экранизацией еще двух мюзиклов, где в главной роли выступал их старый друг Фред Астер.  Внезапно у Джорджа начались головокружения и  головные боли, несколько раз он падал в обморок. У  него обнаружились симптомы опухоли головного  мозга, композитор перенес операцию, но было уж  слишком поздно. Джордж Гершвин умер в июле того же года, не дожив до своего 39­го дня рождения.  Айра продолжил свою карьеру в музыкальном  театре и кино и прожил до 1983 года.   «Рапсодия в блюзовых тонах» Однажды Гершвин случайно прочитал в газете, что  по заказу Уайтмена работает над джазовым  концертом, хотя на самом деле даже не собирался  писать подобное произведение. Решив, что это  ошибка, он позвонил своему «шефу» и выяснил, что  тот действительно внес еще несуществующее сочинение в программу предстоящего концерта, где  авторитетные музыкальные критики на основе  прослушанного должны были ответить на  животрепещущий вопрос «что есть американская  музыка?». Гершвину не оставалось ничего, кроме  как согласиться. Так родилась «Рапсодия в стиле блюз» («Rhapsody  in Blue»), в названии которой обыгрываются два  значения английского слова «Ыuе» лирическая  песня (блюз) и голубой цвет. Композитор вспоминал о создании «Рапсодии»:  «Внезапно мне пришла в голову идея. Так много  болтали об ограниченности джаза, так неверно  понимали его функцию. Принято считать, что джаз  должен звучать в одном темпе и основываться  только на танцевальных ритмах. Я решил, насколько  возможно, разбить эту ошибочную концепцию одним ударом. Вдохновленный этой целью, я принялся  писать с непривычной скоростью». В день премьеры, 12 февраля 1924 года, в Иоулиэн­ холле Нью–Йорка собрались певцы, пианисты из  «Тин Пен Элли», звезды джаза и мюзикла,  выдающиеся критики и академические композиторы  среди которых Сергей Рахманинов и Игорь  Стравинский. Программа концерта, объявленного  «экспериментом в современной музыке», включала  произведения множества авторов с использованием  элементов джаза. Поначалу «эксперимент» явно не  вызвал восторга у публики. Некоторые слушатели уже начали покидать зал. Но  вот за рояль сел Джордж Гершвин. Зазвучала  «Рапсодия в блюзовых тонах» («Рапсодия в стиле  блюз»). От прежней скуки не осталось и следа.  Оркестранты играли, словно выворачивая себя наизнанку от эмоций, искренне, от души. Дирижер  Пол Уайтмен не замечал, что по его щекам катятся  слезы восторга. Гершвин играл на фортепиано  неподражаемо. Отзвучали последние звуки  «Рапсодии». Зал захлебнулся бурей оваций! Критика единодушно приветствовала гениальный  мелодический дар Гершвина, «оригинальное чувство гармонии» и «ритмическую изобретательность». Но  самое главное достоинство сочинения заключалось в том, что впервые произошло органичное соединение  состава оркестра, ассоциирующегося с  произведениями Моцарта, Бетховена или  Чайковского, и блюзового стиля. С легкой руки  Уайтмена новое направление стали именовать  симфоджазом. Впоследствии «Рапсодия в стиле блюз» оказалась  наиболее часто исполняемым во всем мире произведением, написанным американским  композитором. И уже к ней были вполне применимы  слова, сказанные дирижером и музыкальным  критиком Уолтером Дамрошем о Концерте для  фортепиано с оркестром Гершвина, созданном в  1925 году: «Многие композиторы ходили вокруг  джаза,  как коты вокруг тарелки с горячим супом,  ожидая пока он остынет, чтобы насладиться им, не  опасаясь обжечь языки, поскольку они привыкли к  тепловатой, дистиллированной жидкости,  приготовленной поварами классической школы.  Леди Джаз, украшенная интригующими ритмами,  шла танцующей походкой через весь мир, вплоть до  эскимосов на Севере и полинезийцев на Южных  островах. Но нигде ей не встретился рыцарь,  который ввел бы ее как уважаемую гостью в высшее  музыкальное общество. Джордж Гершвин совершил это чудо. Он ­ принц, который взял Золушку за руку  и открыто провозгласил ее принцессой, вызывая  удивление мира и бешенство ее завистливых  сестер». «Рапсодия в блюзовых тонах» стала визитной  карточкой Гершвина. Ныне она с равным успехом  исполняется музыкантами и академического и  джазового направлений.   Рапсодия (греч.  инструментальное или вокальное произведение,  написанное в свободном, импровизационном,  эпическом стиле. Для рапсодии характерно  чередование разнохарактерных эпизодов на  народно­песенном материале.  ­ эпическая песнь) ­  ῥαψῳδία Музыкальные инструменты. Ударные  инструменты Вот мы с вами и подошли к знакомству с самыми  древними инструментами. Десятки тысяч лет назад  человек взял в обе руки по камню и начал стучать  ими друг о друга. Так появился первый ударный  инструмент. Это примитивное приспособление, которое ещё не могло дать музыки, но уже могло  произвести ритм, сохранилось в быту некоторых  народов до наших дней: например, у аборигенов  Австралии и сейчас два обыкновенных камня играют роль ударного инструмента. Ударные гораздо старше всех остальных  инструментов: почти все исследователи сходятся во  мнении, что инструментальная музыка началась с  ритма, а потом уже возникла мелодия. Есть этому и подтверждение: при раскопках в селе  Мезин под Черниговом были обнаружены ударные  инструменты уже довольно сложной формы,  сделанные из челюстей, черепных и лопаточных  костей животных. Были даже колотушки из бивней  мамонта. Целый ансамбль из шести инструментов,  возраст которых 20 000 лет. Конечно же, просто ударить камнем о камень человек догадался ещё  раньше. Название этой группы произошло от способа  извлечения звука ­ удара по натянутой коже или  металлическим пластинкам, деревянным брускам и  т. д. Но внимательно присмотритесь, и вы увидите,  что во всём остальном ударные различаются: и  формой, и величиной, и материалом, и характером  звучания. Кроме того, ударные принято делить на две большие группы. К первой относятся те ударные  инструменты, которые имеют настройку. Это ­  литавры, колокольчики, колокола, ксилофон и др.  На них можно сыграть мелодию, и звуки их на  равных правах с голосами других инструментов  могут войти в оркестровый аккорд или мелодию. А звук барабана, например, содержит так много  неупорядоченных частот, что мы не можем  соотнести его ни с каким звуком фортепиано, не  может определить, настроен ли барабан на соль, ми  или си. С точки зрения физики, барабан издаёт шум,  а не музыкальный звук. То же самое можно сказать о бубне, тарелках, кастаньетах. Но, несмотря на  такую, вроде бы, немузыкальность, эти инструменты очень нужны ­ одни для ритма, другие ­ для разных  эффектов и нюансов. Это инструменты второй  группы, не имеющие определённой высоты звука. Обратили ли вы внимание на то, что барабан и  литавры, очень похожие друг на друга, попали в  разные группы. Но существует ещё одна система  деления ударных инструментов ­ на мембранные (у  которых звучит натянутая кожа ­ мембрана) и  самозвучащие. Тут барабан и литавры попадут в одну группу, так как звучащий элемент у них  одинаков ­ мембрана. А тарелки, которые из­за  неопределённой высоты звука были в одной группе с барабаном, теперь попадут в другую, так как звук у  них образуется самим корпусом инструмента. Для  нас с вами важно то, что они играют в музыке очень  большую роль. Барабан ­ один из самых распространённых ударных инструментов. Две разновидности барабана ­  большой и малый ­ уже давно входят в состав  симфонического и духового оркестров. Звук барабана не имеет определённой высоты,  поэтому его партию записывают не на нотном стане,  а на «нитке» ­ одной линейке, на которой обозначен  только ритм. Слушание: Большой барабан, звучание инструмента. Играют на большом барабане с помощью деревянных палок с мягкими колотушками на конце. Их делают  из пробки или войлока. Большой барабан звучит мощно. Его голос  напоминает раскаты грома или пушечные выстрелы.  Поэтому его часто используют в изобразительных  целях. Например, в Шестой симфонии Л. Бетховен с его помощью передал звук грома. А в Одиннадцатой  симфонии Шостаковича большой барабан  изображает выстрелы пушки. Слушание: Л. Бетховен. Симфония № 6  «Пасторальная», IV часть. «Гроза». Слушание: Малый барабан, звучание инструмента. Малый барабан имеет сухой и отчётливый звук. Его  дробь хорошо подчёркивает ритм, иногда оживляет  музыку, иногда вносит тревогу. Играют на нём  двумя: палочками. Многие считают, что играть на барабане – проще  простого. Хочу привести вам пример: когда  исполняется «Болеро» Равеля, малый барабан  выдвигают вперёд и ставят рядом с дирижёрским  пультом, потому что в этом произведении Равель  поручил барабану очень ответственную роль.  Музыкант, играющий на малом барабане, должен  выдержать единый ритм испанского танца, не  замедляя и не ускоряя его. Постепенно нарастает  экспрессия, прибавляются все новые и новые  инструменты, барабанщика так и тянет играть  чуточку быстрее. Но это исказит замысел  композитора, и у слушателей впечатление получится уже другое. Видите, какое искусство требуется от  музыканта, играющего на таком простом в нашем  понимании инструменте. Д. Шостакович ввёл в  первую часть своей Седьмой симфонии даже три малых барабана: они зловеще звучат в эпизоде  фашистского нашествия. У барабана были когда­то и зловещие функции: под  его мерную дробь вели на казнь революционеров,  прогоняли сквозь строй солдат. А сейчас под звуки  барабана и трубы строем идут на парад.  Африканские барабаны были когда­то средством  связи, наподобие телеграфа. Звук барабана  разносится далеко, это подмечено и использовано.  Барабанщики­связисты жили друг от друга на  расстоянии слышимости. Как только один из них  начинал передавать закодированное в барабанном  бое сообщение, другой принимал и передавал  следующему. Так радостная или печальная весть  распространялась на огромные расстояния. Со  временем телеграф и телефон сделали ненужным  такой вид связи, но и сейчас в некоторых африканских странах есть люди, знающие язык  барабана. Слушание: М. Равель. «Болеро» (фрагмент). Слушание: Звучание ударной установки. В состав симфонического или духового оркестра  обычно входят два барабана – большой и малый. А  вот в джазовом оркестре или эстрадном ансамбле  ударная установка кроме этих двух включает ещё до семи тамтамов. Это тоже барабаны, корпус у них  похож на удлинённый цилиндр. Характер звучания: у них иной. В ударную установку входят также и  бонги ­ два небольших барабана, один чуть больше  другого. Их соединяют в единую пару и играют на  них чаще всего кистями рук. В установку могут  войти и конги ­ их корпус сужается: книзу, и кожа  натянута только с одной стороны. Слушание: Литавры. Звучание инструмента. Литавры ­ тоже обязательный участник  симфонического оркестра. Это очень древний  музыкальный инструмент. У многих народов издавна встречались инструменты, состоящие из полого  сосуда, отверстие которого обтянуто кожей. Именно от них произошли современные литавры. Их роль  так важна, что некоторые дирижёры на гастроли  возят с собой своего литавриста. У литавр огромный диапазон силы звука: от  подражания: раскатам грома до тихого, еле  уловимого шороха или гула. Устроены они сложнее,  чем барабан. У них металлический корпус в виде  котла. Корпус имеет определённые, строго  рассчитанные размеры, что позволяет добиться  строгой высоты звука. Поэтому композитор может  писать для литавр ноты. Корпус бывает разного размера, а значит, и звук разной высоты. И если в  оркестре три литавры, значит, уже три ноты. Но  инструмент этот можно перестраивать и на  несколько звуков. Тогда получается даже небольшой звукоряд. Раньше перестройка литавры занимала некоторое  время. И каждый композитор знал: если требуется  звук другой высоты, надо дать литавристу время,  чтобы подкрутить винты и перестроить инструмент.  В середине XIX в. музыкальные мастера оснастили  литавры специальным механизмом, который  перестраивает литавры простым нажатием педали.  Теперь у литавристов появилось новое качество ­ им стали доступны небольшие мелодии. В давние времена любая война буквально не  мыслилась без барабанов, литавр, труб. Один англичанин говорил: «Обычно пытаются сделать  армию бессильной, отрезав её от продовольствия; я  же советую, если у нас когда­нибудь будет война с  французами, прорвать им как можно больше  барабанов». Литавристы и барабанщики пользовались огромным  авторитетом. Они должны были быть очень  смелыми, ведь шли во главе войска. Главным  трофеем в любой битве было, конечно, знамя. Но и  литавры были также своего рода символом. Поэтому музыкант был готов умереть, но не сдаться с  литаврами. Слушание: Пуленк. Концерт для органа, литавр и  симф. оркестра (фрагмент). Слушание: Ксилофон, диапазон инструмента. Слово ксилофон можно перевести с греческого  языка как «звучащее дерево». Оно удивительно подходит к музыкальному инструменту, состоящему из деревянных брусков, на которых играют двумя  деревянными палочками. Что бы получить привычный звукоряд из дерева, его  специально обрабатывают. Из клёна, ели, ореха или  палисандра выпиливают бруски разного размера,  причём подбирают размер так, чтобы каждый брусок при ударе издавал звук строго определённой высоты. Их располагают в таком же порядке, как клавиши у  фортепиано, и скрепляют между собой шнурками на некотором расстоянии друг от друга. Слушание: Моцарт. «Серенада» (ксилофон). Слушание: Маримба, диапазон инструмента. Маримба. Разновидность ксилофона ­ маримба. Это те же деревянные брусочки, но в маримбе они  снабжены металлическими трубками ­ резонаторами. Это делает звучание маримбы более мягким, не  таким щелкающим как у ксилофона. Маримба родом из Африки, где бытует и сейчас. Но  африканская маримба имеет не металлические  резонаторы, а тыквенные. Слушание: Альбенис. «Астурия» из «Испанской  сюиты» в исп. Т. Черемухиной (маримба). Слушание: Вибрафон, диапазон инструмента. Интересно устройство ещё одного ударного  инструмента ­ вибрафона. Как ясно из названия, он  даёт вибрирующий звук. Звучащие элементы у него  делаются не из дерева, а из металла. Под каждой  металлической пластинкой располагается  резонаторная трубка, как у маримбы. Верхние же  отверстия трубок прикрываются крышечками,  которые могут вращаться, то открывая, то закрывая  отверстие. Частое перемещение крышечек даёт эффект вибрации звука. Чем больше скорость  вращения крышек, тем чаще вибрация. Сейчас на  вибрафонах устанавливают электрические  двигатели. Ксилофон и маримба пришли к нам из  глубины веков, а вибрафон ­ инструмент очень  молодой. Он создан в Америке в двадцатые годы ХХ в. Слушание: Челеста, диапазон инструмента. Челеста. На полвека старше вибрафона челеста,  изобретённая в 1886 году во Франции. Внешне  челеста ­ небольшое пианино. Клавиатура тоже  фортепианная, такая же молоточковая система.  Только вместо струн в челесте звучат металлические пластинки, вставленные в деревянные коробочки­ резонаторы. Звук у челесты тихий, но очень  красивый и нежный. Не случайно ей дали такое  название: челеста по­латыни – «Небесная». Слушание: И. Бах. Шутка (челеста). Эти инструменты ­ ксилофон, маримба, вибрафон и  челеста ­ многозвучные, на них можно играть  мелодию. В 1874 году французский композитор Сен­Санс  написал произведение, названное им «Пляска  смерти». Когда её исполняли в первый раз,  некоторых слушателей охватил ужас: они услышали  стук костей, как будто в самом деле плясала Смерть ­ страшный скелет с черепом, глядящим пустыми  глазницами, с косой в руках. Композитор добился  такого эффекта использованием ксилофона. Семейство ударных инструментов очень  разнообразно и многочисленно. Давайте просто  перечислим некоторые другие ударные... Слушание: Колокола, звучание инструмента. Колокола ­ набор металлических трубок разной  длины, подвешенных в специальной раме. Слушание: Глокэншпиль (оркестровые  колокольчики), звучание инструмента. Колокольчики ­ очень похожие на игрушечный  металлофон, только в нём больше пластин и сами  пластины благозвучнее. Слушание: Тарелки, звучание инструмента. Всем хорошо знакомые тарелки. Слушание: Гонг, звучание инструмента. Гонг ­ большой массивный диск с загнутыми краями, который как никто другой умеет создавать  впечатление таинственности, мрака, ужаса; Слушание: Там­там, звучание инструмента. Разновидность гонга, имеющего определённую  высоту звука, ­ там­там, не настраиваемый точно. Слушание: Треугольник, звучание инструмента. Треугольник – стальной прутик, изогнутый  треугольником, при ударе по нему металлическим  стержнем издающий прозрачный, нежный приятный  звук. Список ударных инструментов можно и  продолжать. Вопросы и задания: 1. Какой из ударных инструментов является самым древним, а какой самым молодым? 2. Перечислите как можно больше ударных  инструментов. 3. Что такое мембрана? 4. На какие группы и по какому принципу делятся  ударные инструменты? 5. Назовите ударные инструменты, имеющие  определённую высоту звучания. Музыкальные инструменты. Струнные Сначала я расскажу вам одну легенду... Однажды по улице итальянского города Кремона  шёл волшебник. Из окна одного дома он услышал  прекрасные звуки. Войдя в дом, волшебник увидел  юношу, который играл на только что  изготовленной им скрипке. ­ Подари мне эту скрипку, и я исполню любое твоё желание. Юноша был молод, и ему хотелось жить вечно.  Но волшебник поставил одно условие: ­ Ты должен сделать ещё девятьсот девяносто  девять таких же прекрасных инструментов, но  на тысячном ты умрёшь. Шли годы. Мастер работал, делал скрипки,  альты, виолончели, гитары. Когда их количество  стало подходить к тысяче, он заболел. Тогда  мастер собрал своих сыновей и учеников,  рассказал им о пророчестве и добавил: ­ Я считаю, что волшебник выполнил своё слово.  Я сделал тысячу музыкальных инструментов, я  отдал им свою душу, всю свою жизнь. Мои  инструменты будут жить, а вместе с ними буду  жить и я. Вы, конечно, догадались, что эта легенда о  замечательном итальянском скрипичном мастере  Антонио Страдивари. Он действительно изготовил  около тысячи музыкальных инструментов, многие из которых живы и сейчас. В них поёт душа мастера. Наверняка вы безошибочно отличите скрипку от  любого другого инструмента и по голосу и по  внешнему виду. Но скрипка утвердилась в музыкальной практике  как сольный и ансамблевый инструмент с середины  XVI в. Давайте вспомним сначала инструмент,  преемником которого стало современное струнное  семейство ­ виолу. Вернее даже целое семейство  виол. По внешнему виду и некоторым приёмам игры их  можно считать предшественниками наших струнных. Правда, были черты, которые роднили их с ещё более древней лютней. Количество струн у виолы  доходило до семи. Расположены они были близко  друг к другу. Это давало возможность играть на  виоле различные аккорды. Большой популярностью в XV ­XVI вв.  пользовались две разновидности виолы. Виола да гамба по технике игры была похожа на  виолончель. Её аналогично держали при игре. Не  случайно её так назвали ­ слово gamba в переводе с  итальянского означает «нога». Название ещё одной предшественницы этого  семейства переводится как виола любви ­ виола  д'амур. Она обладала очень мягким, нежным  тембром и напоминала звучание скрипки. Эти инструменты были очень популярны в своё  время. Да и позже, в XIX­XX вв., некоторые композиторы включали их в свои оперные  партитуры. Но с появлением скрипки виолы отошли  на второй план. Скрипка ­ самый распространённый струнный  смычковый инструмент. Её часто называют  королевой инструментов. Значение скрипки  понимали ещё в XVII в. и говорили: «Она в музыке  является столь же необходимым инструментом, как  в человеческом бытии хлеб насущный». «Стенки» скрипки называют деками. На верхней  расположены отверстия в форме буквы f ­ эфы.  Струны натягивают на грифе при помощи колков. В  середине корпуса на двух ножках стоит подставка,  которая поддерживает четыре струны. Они носят  названия тех звуков, на которые настроены: ми, ля,  ре и соль. Диапазон скрипки от соль малой октавы до соль четвёртой. Высоту звука можно изменять,  прижимая струну к грифу. Конечно, вы знаете, что для удобства скрипку  кладут на плечо и прижимают её подбородком.  Играют на скрипке смычком, от которого во многом  зависит характер звучания. Смычок состоит из  трости и натянутого на неё конского волоса.  Значение смычка очень велико. Ведь если просто  ущипнуть струну, звук быстро угаснет. А смычок  можно вести по струне долго, и звук тогда тоже  будет тянуться долго. Отсюда удивительная  напевность скрипки. Посмотрите внимательно на скрипку. А теперь  представьте себя самого. Похожа скрипка на  человека? Правда, похожа. Кстати, даже детали её  имеют похожие названия: головка, шейка, какие  плавные у неё закругления, какая тонкая «талия». Вот видите, как интересно. Когда­то давно человек  создал совершеннейшее из своих созданий ­ скрипку  и сделал её похожей на совершеннейшее создание  природы ­ самого себя. А ещё научил её петь, как умеет петь трепетный  человеческий голос. Но она умеет не только петь.  Есть много способов игры на скрипке. Их называют  штрихами. Можно одновременно играть на двух  соседних струнах, тогда звучат две мелодии. Больше чем два звука на скрипке не сыграешь, потому что  струны расположены на закруглённой подставке. Но  можно особым приёмом ­ арпеджиато ­ извлекать на  ней и аккорды. Тогда звуки берутся не  одновременно, а один за другим, скользнув по  струнам смычком. Иногда скрипачи играют не  смычком, а щипком пальцев. Такой приём  называется пиццикато. Как­то во сне ему явился дьявол и предложил  показать конец сонаты, если Тартини продаст  ему за это свою душу. Композитор согласился.  Тогда дьявол схватил скрипку и сыграл музыку  неслыханной красоты. Проснувшись в экстазе,  Тартини повторил сыгранную мелодию. Соната  получила название «Дьявольские трели» и до сих  пор пользуется огромной известностью. Немало легенд сложено о гениальном Никколо  Паганини. Его обвиняли в колдовстве, потому что в  те времена не могли поверить, что обыкновенный  человек без помощи волшебства может так  великолепно играть на скрипке. ­ Сколько человек играет на эстраде? Тогда слепой музыкант встал, схватил своего  друга за руку и дрожащим голосом сказал: До наших дней дошла ещё одна история о Паганини. ­ Примите её от меня. У меня было две  одинаковые шкатулки. Одну я подарил врачу,  исцелившему моё тело, другую дарю вам,  исцелившему мою скрипку. Паганини не расставался со скрипкой до конца  жизни и, умирая, завещал её музею родного города  Генуи. До сих пор она хранится там под стеклянным колпаком, и зовут её «Вдова Паганини». Лишь  немногие прославленные музыканты удостаиваются  чести играть на ней. А ещё Паганини был первым в истории  исполнителем, который стал играть во время  концерта наизусть, без пюпитра. Рассказывают, что... Один американский миллионер, очень кичившийся  своим богатством, пришёл в музыкальный  магазин и попросил показать ему самую дорогую скрипку. Продавец принёс уникальный  инструмент, сделанный в 1730 году знаменитым  итальянским мастером. ­ Скажите,­ обратился миллионер к продавцу, а  эта фирма ещё существует? ­ Конечно, нет, ­ ответил продавец. ­ В таком случае я не могу купить скрипку. Где  же я найду к ней запасные части? Альт тоже часто называют скрипкой, только  побольше. Если судить по его внешнему виду, то это так. Но он имеет свой характерный тембр. Словом  «альт» называют низкий детский голос. Самый  низкий женский голос, контральто, раньше тоже  называли альтом. Потом это название перешло к  одному из струнных инструментов. Наверное,  потому что тембр его похож на контральто ­ мягкий, грудной, выразительный. Я хочу привести вам слова замечательного альтиста  Юрия Башмета из его книги «Вокзал мечты». Этот  музыкант всю свою жизнь посвятил тому, чтобы альт стал популярным сольным инструментом. Как  образно, как о живом существе, говорит он о родном инструменте: «Альт больше скрипки по размерам.  Он крупнее, массивнее, но... Он ведь и старше  скрипки, древнее. По­итальянски альт называется  «виолой», а скрипка – «виолино», то есть  «маленькая виола». Можно сказать, что скрипка –  усовершенствованный потомок альта. Альт гораздо глуше скрипки, звучание его  направлено как бы внутрь себя, слабее резонирует,  даже гнусавит. Но зато его звук ­ теплее, объёмнее, а в смысле виртуозности альт почти так же  совершенен, как скрипка» Диапазон альта от до малой октавы до ре второй  октавы. История альта драматична. Ему не везло, да и сейчас не очень везёт. Дело в том, что корпус альта, если  делать его по акустическим расчётам, исходящим из  строя инструмента, должен быть довольно большим  ­ около 46 сантиметров. Прибавьте к этому длину  грифа. Чтобы играть на таком инструменте,  музыкант должен иметь очень длинные и сильные  пальцы. Вот как пишет об этом Ю. Башмет: «Из­за большей  длины грифа альт заметно менее подвижен, и от  исполнителя: требуется соответствующая растяжка  пальцев и часто недюжинная сила и ловкость.  Представьте себе: вот рука нормального человека;  если он её поднимает, происходит отлив крови. Но  потом эту руку нужно развернуть локтём перед собой, а потом ещё и отдельно кисть. И при этом все время нужно работать («шагать») пальчиками.  Ощущение похоже на то, когда берут кровь из вены,­ перевязывают руку выше локтя: и просят сжимать и  разжимать кулак, чтобы вены вздулись. А если  играть форте в конце смычка и, значит, особым  способом распределить вес руки – происходит  отдача в позвоночник. В общем, вы поняли, что  играть на альте сложно даже физически.» Вы можете спросить: «А как же тогда играют на  виолончели и контрабасе, ведь они гораздо больше  альта?» Тут есть отличие. Левая рука скрипача и альтиста  делает сразу два дела: прижимает струну к грифу и  поддерживает инструмент. Виолончелист и  контрабасист от второго освобождены ­ их  инструменты имеют другую опору. Если бы альтист мог свободно держать руку над грифом, никаких бы  проблем не было. Но его большой палец все время  должен оставаться: внизу. Очень неудобно и трудно. Поэтому у музыкантов возникло стремление  уменьшить размер альта. Креманские мастера делали полные, правильные  альты, и звучали они изумительно. Но получался  парадокс: если скрипач всегда мечтал о хорошей  скрипке и искал её, альт часто сам искал музыканта. Сейчас в современном оркестре помимо обычных  требований к музыканту­альтисту предъявляют ещё  одно ­ его альт должен быть не короче 42  сантиметров. Альт не столь популярен, как скрипка, но очень важен как средний голос в хоре струнных. Виолончель уже никто не назовёт большой  скрипкой, хотя они достаточно похожи. У неё совершенно другой тембр звучания и совсем другой  характер. Когда нужно выразить в музыке скорбь,  отчаяние, печаль, виолончели нет равных, настолько  глубоко она передаёт эти чувства. Эти инструменты строили уже первые скрипичные  мастера ­ Бертолотти, Маджини, Амати. Но довёл  виолончель до совершенства А. Страдивари. Диапазон виолончели от до большой октавы до ми  третьей октавы. Если скрипку и альт музыкант держит  горизонтально на плече, то виолончель слишком  велика для этого. Её ставят вертикально. В давние  времена на ней играли стоя, поместив её на  специальный стул. Потом приспособили  металлический шпиль, который упирают в пол, и  исполнитель играет на ней сидя. Виолончель тоже не сразу заняла достойное место в  музыке. Сначала ей поручали только  сопровождение. Но со временем необыкновенные  качества этого инструмента были по достоинству  оценены. Для неё написано много замечательных  произведений, в симфонических сочинениях ей  часто поручают выразительные соло. И, наконец, последний представитель струнной  смычковой группы – контрабас – самый низкий из  них по звучанию. Его роль в музыке очень велика.  Он является своеобразным фундаментом, на  который опирается звучание всех остальных  инструментов. Это самый громоздкий и большой по размерам  инструмент. Играют на нём стоя или сидя на  специальном высоком стульчике. Диапазон контрабаса ­ от ми контроктавы до соль  первой октавы. Представьте, сколько добавочных  линий понадобится, чтобы записать его партию.  Поэтому принято записывать её на октаву выше. Играть на контрабасе достаточно сложно. Причём  это касается не только чистоты интонации. Сколько  силы надо приложить, чтобы заставить вибрировать  его струны! Поэтому как солирующий инструмент  он применяется нечасто. Хотя многие музыканты  контрабасисты достигли такой виртуозности, что на  своём огромном контрабасе играют сложнейшие  произведения, написанные для виолончели. Контрабасы популярны в эстрадных и джазовых  оркестрах. Там на них, как правило, играют щипком  ­ пиццикато. Необходимо, конечно, назвать и ещё один струнный  инструмент. Правда, играют на нём не смычком, а щипком. Это арфа. А кроме неё и целую армию  национальных струнных щипковых инструментов,  таких как балалайка, домра и многие другие... Вопросы и задания: 1. Какие вы знаете струнные смычковые  инструменты? 2. Какой из них обладает самым низким звучанием? 3. Что такое штрихи, и какие штрихи вы знаете? 4. Назовите диапазоны звучания всех струнных  инструментов. 5. Назовите предшественницу современных  струнных инструментов. Музыкальные инструменты. Клавишные  инструменты Итак, мы с вами выяснили, что по способам  извлечения звука музыкальные инструменты делятся на три больших семейства: струнные, духовые и  ударные. Но есть музыкальные инструменты,  которые как бы не укладываются в обычные рамки. Орган. Конечно, вы знаете этот инструмент. Его  называют королём музыкальных инструментов и  обращаются к нему: «Его величество орган». То, что нам видно из зала, называется фасадом органа. Он  состоит из нескольких десятков труб. Они расположены несколькими группами, а в каждой  группе ещё и выстроены по росту, образуя по­ настоящему неповторимое художественное  произведение. Потому что ни в каком другом зале  фасад не выглядит одинаково. Трудно представить  себе, какая громада скрывается за этим изящным  фасадом. Даже трудно определить – инструмент это  или машина. Слушание: Орган, диапазон инструмента. Главный принцип органа – определённое количество  труб, каждая из которых издаёт один единственный  звук. Этот принцип лежит в основе и флейты Пана,  или Сиринкс: каждая её трубка тоже издаёт один  звук. Но сравнить её с органом нельзя. Только когда к нему приспособили машину, он по­ настоящему превратился в орган. Сначала воздух в  трубы органа нагнетали при помощи мехов, таких же, как те, которыми кузнец раздувал огонь в своём  горне. Во II в. до н. э. в Александрии изобрели орган, воздух в который нагнетался не мехами, а водяным  прессом. Поэтому он поступал равномерно, и звук  становился лучше и ровнее. С веками инструмент усовершенствовался.  Появился исполнительский пульт или кафедра перед ним. Это настоящий пульт управления. На нём  кроме клавиатур размещено более двухсот разных  элементов ­ кнопок, рычагов, лампочек. Кафедра  имеет четыре ручные клавиатуры – они называются  мануалами. Слушание: Орган, звучание педали. Есть и ножная клавиатура ­ педаль, клавиши у  которой большие, длинные, широко расставлены,  чтобы музыкант не задевал случайно другую. С  помощью педалей извлекаются самые низкие звуки. Конечно, современный орган не похож на флейту  Пана. В нём звучат металлические трубы. Иногда их  несколько тысяч. Если бы каждой трубе  соответствовала клавиша, то на инструменте с  несколькими тысячами клавиш играть было бы  невозможно. Поэтому над клавиатурами установили  регистровые ручки или кнопки. Каждой клавише  соответствует несколько десятков или даже сотен  труб. Они издают один звук, но имеют разный тембр. Благодаря этому орган может подражать звучанию  флейты, гобоя, даже пению птиц. Так что у нас получается, к какому семейству мы  отнесём орган? У него есть трубы, в которые  вдувается воздух, есть специальные клапаны внутри  труб, как и у некоторых духовых инструментов. Но  эти клапаны открываются или закрываются при нажатии на клавишу. В общем, получается, что это  инструмент духовой и клавишный одновременно. В средние века орган привлёк к себе внимание  церкви. Его торжественное и мощное звучание очень подходило к архитектуре соборов с уходящими  вверх линиями, высокими сводами. У нас в России орган был больше светским, а не  церковным инструментом, потому что в  православной церкви, в отличие от церкви  католической, он не используется. Слушание: Иоганн Себастьян Бах. Прелюдия соль  мажор. Много великолепной музыки было написано для  этого инструмента. Лучшие композиторы мира  служили церковными музыкантами, в том числе И.  С. Бах. Принцип органа лежал и в основе русских роговых  оркестров. Они были очень популярны в поместьях  богатых русских вельмож в XVIII в. Здесь тоже  каждый рог издавал только один звук. Участниками  таких оркестров в основном были крепостные  крестьяне, которые не всегда были музыкантами.  Многим хватало умения в нужный момент выдувать  из своего рога его единственный звук. Это обычно  делалось по команде, поэтому и помнить  произведение наизусть было не обязательно. Труб  разной величины в роговом оркестре было несколько десятков, а у богатого владельца ­ до трёхсот. Вот  вам и орган. Александр Сергеевич Грибоедов, замечательный  русский писатель, дипломат, композитор и пианист,  свободно играл на органе. Во время Отечественной  войны 1812 года Грибоедов добровольцем вступил в