Искусство Возрождения

Синхронологическая таблица по Европейскому искусству эпохи возрождения и нового времени

 

Европейские центры культуры	Основные временные рубежи
	13 век	14 век	15 век	16 век	17 век	18 век
Италия	дученто	треченто	кватроченто	высокое Возрождение	Барокко, классицизм	классицизм
Франция	Ранняя готика	«лучистая»  и «пламенеющая» готика	французский маньеризм, ранее барокко	Французский ренессанс	классицизм	рококо
Испания	Испанская готика	поздняя готика, мудехар	раннее Возрождение	позднее Возрождение, «золотой век»	борокко	позднее барокко
Англия	ранняя английская готика	английская готика «украшенный стиль»	"перпендикулярная готика"	стиль Тюдоров	Классицизм, раннее английское барокко	«золотой век»
Германия	немецкая готика	период высокой и поздней готики	ранний Ренессанс	Высший Ренессанс	барокко	переход барокко в рококо, классицизм
Фландрия	готический стиль	поздняя готика	зарождение эпохи Возрождения	эпоха Возрождения	«золотой век», барокко	поздний ренессанс
Голландия	готический стиль	поздняя готика	Интернациональная готика	ранее Возрождение	высокое  Возрождение ,Голландский классицизм	конец эпохи голландского реализма, барокко

 

13 век Италия

Сформировавшийся стиль – дученто.

Основные художники:

●       Джотто ди Бондоне (1266–1337), по происхождению мальчик-пастух с холмов к северу от Флоренции, стал учеником живописца Чимабуэ и самым выдающимся художником своего времени. Считается, что в своём творчестве Джотто преодолел стиль иконописи, общий для Италии и Византии. Плоское, двухмерное пространство иконы Джотто превратил в трёхмерное с использованием светотени, создающей иллюзию глубины пространства. Фигуры на картинах Джотто кажутся трёхмерными; они стоят на земле, облачены в одежды со складками и структурой. Но больше всего характерно для Джотто то, что герои его картин испытывают эмоции. На лицах, изображаемых Джотто, видна радость, гнев, отчаяние, стыд, злость и любовь. У Джотто человеческие фигуры не отбрасывают теней, к изображаемым им сценам неприменимо понятие «освещённость». Светотень он использует для создания ощущения рельефности фигуры, используя при этом известный оптический эффект — глаз человека воспринимает более светлое — более близким, а тёмное — удалённым.

●       Ченни ди Пепо. Он происходил из знатной и богатой фамилии Ч. Гвальтьерн.
Работал в основном во Флоренции, а также в соседних Ассизи и Пизе. Чимабуэ был учителем Джотто. Ченни ди Пепо был очень требовательным к себе художником и безжалостно уничтожал свои произведения, если они ему не нравились.

●       Пьетро Каваллини(1240 — 1330) — итальянский живописец эпохи Проторенессанса, автор мозаик и фресок.

          О жизни художника известно очень мало. Дата его рождения определяется приблизительно между 1240 и 1250 годами. Несомненной является только информация о его римском происхождении, так как свои работы он нередко подписывал «pictor romanus». Каваллини жил и работал в Риме и, предположительно, там же и умер.

          Первой известной работой Каваллини считаются фрески в церкви Сан-Паоло-фуори-ле-Мура, созданные на сюжеты из Ветхого и Нового Завета. Фрески погибли при пожаре 1823 года; сохранились лишь копии.

Архитектура

Архитектура Проторенессанса не обладала большой степенью стилевого единства. С середины 13 в. в культовом зодчестве начинают укореняться формы готики, в гражданском — продолжают сохраняться и развиваться элементы романской архитектуры.

В конце 13 в. началось возведение главного храмового сооружения Флоренции — собора Санта Мария дель Фьоре. Первый проект его был создан крупнейшим итальянским зодчим этого времени Арнольфо ди Камбио (ок. 1240 — ок. 1310); в 13 в. работу продолжали Джотто (начавший строить колокольню), Андреа Пизано и Франческо Таленти.

Характеристика стиля: Дученто сыграло большую роль в развитии итальянского искусства. В это переходное время был подготовлен будущий подъём ренессансного искусства, зародился особый интерес к античности, человека стали воспринимать как сознательную и мыслящую личность. В период дученто темпы развития архитектуры, живописи и скульптуры не совпадали. Ранее всего искусство дученто проявилось в скульптуре, а именно в творчестве Никколо Пизано и его ученика Арнольфо ди Камбио. Однако ведущим видом изобразительного искусства дученто была архитектура.

14 век Италия

Сформировавшийся стиль – готическое искусство (треченто).

Основные художники:

●                  Дуччо ди Буонинсенья (1255-1319), основатель сиенской школы, будучи учеником византийских мастеров, соединил в своем искусстве старую греческую манеру с готикой. Его лучшей работой, вызвавшей множество подражаний, явилась огромная икона-полиптих, служившая некогда главным алтарным образом сиенского собора. Изображение Богоматери с младенцем Христом, окруженной ангелами и святыми, «Маэста» («Величание Богоматери») - занимало лицевую сторону. На оборотной стороне иконы в клеймах были представлены различные евангельские сюжеты. Эта работа Дуччо дает самое лучшее и самое полное из всех существующих изображение евангельской легенды. Но она поражает и своей изумительной декоративной роскошью: краски сияют, как драгоценные камни, на фоне матового золота и слоновой кости. В Сиене было сильно влияние французской готики, элементы которой впоследствии получили распространение и в других городах Италии. ;

●              Симоне Мартини (1284-1344) работал при дворе герцога Анжуйского в Неаполе и в папском дворце в Авиньоне. Он и привнес в итальянское искусство черты готики, которая культивировалась при дворах королей и дворянской знати и получила название «интернациональной». Это был высший уровень развития готического стиля, рафинированное и аристократически-утонченное течение. Ему была присуща определенная цветовая гамма, построенная на сочетании синего и красного цветов с широким использованием золота; золотой фон и плоскостное изображение; размещение композиции на досках либо двухстворчатых(диптихи), либо трехстворчатых (триптихи) с завершением в виде стрельчатой аркиили треугольного вимперга и резной золоченой рамой с готическим орнаментом: крестоцветами, краббами, трилистниками. ;

●       Андреа да Буонайути уподобил композицию великолепному сияющему иконостасу, состоящему из двух ярусов. В верхнем изображался трон с восседающим на нем Фомой Аквинским, который покоился на нижнем, служащем ему как бы пьедесталом, с аллегорическими фигурами семи христианских добродетелей и семи свободных искусств, на которые в своем учении опирался видный схоласт. На противоположной стене на фреске «Триумф покаяния» в аллегорической форме были представлены устав и деятельность ордена в борьбе с еретиками. Согласно доминиканской доктрине, еретики - волки, нападающие на овец, которых защищают многочисленные псы, отгоняющие и убивающие волков. Вовремя вспомнившие о спасении души обращаются с покаянием к доминиканскому монаху, который отпускает грехи, и раскаявшиеся души, проходя через врата рая, пополняют число спасенных (см. цв. вкл.). Художник ввел в композицию жанровые элементы - пляску девушек, игры детей в кронах деревьев, здание Флорентийского собора, что придавало событию особую достоверность. Этому же способствовали и портреты современников. Так, среди изображенных пап, кардиналов, епископов, королей, рыцарей, христианских князей художник поместил Петрарку. Располагая сцены уступами друг над другом, как на склоне холма, поворачивая их под различными углами, разделяя пространственными паузами, Андреа да Буонайути создал ощущение свободно расстилающегося, чуть вогнутого или чуть выпуклого пространства. Эта ступенчатая пространственная композиция уподоблена многоцветному роскошному «ковру», переливающемуся розовыми, сиреневыми, белыми, изумрудно-зелеными бликами. ;

●       Веронский мастер Алътикъеро Его фрески в базилике Сант-Антонио в Падуе свидетельствуют об использовании и развитии основных художественных принципов, заложенных Джотто. Альтикьеро чрезвычайно умело и точно изображает окружающий мир. Созданные им образы исполнены огромной человеческой значительности и очень правдивы, но в то же время в их облике преобладает некое общее начало - массивность фигур, подчёркнутая тяжёлыми продольными складками тканей, величавая сдержанность жестов, спокойствие широкоскулых лиц с характерным удлинённым разрезом глаз. И при всем интересе к человеческой фигуре, световой моделировке, к правдивому изображению натуры росписи кажутся состоящими из однородной, плотной, тяжеловесной материи, будь то скалистая гора, здание или складки плаща. Однако благодаря реальному, усложнённому подробностями пейзажу, чёткости рисунка, большому количеству действующих лиц, многие из которых узнаваемы, Альтикьеро предвосхищает мастеров раннего Возрождения и является своеобразной переходной фигурой, соединяющей две художественные эпохи .

Характеристика стиля: 14 век – это время распространения в Италии готического стиля, связанного с избранием на папский престол француза. «Авиньонское пленение» римских пап -перенос папской резиденции в Авиньон - обусловило не только зависимость католической церкви от французского престола, но также экономический и культурный обмен между Францией и Италией.

Для Италии готика была своеобразным возвратом к прошлому. Применение и распространение готических форм в Италии в XIV столетии свидетельствуют о соседстве гуманизма с мистикой.

В период Треченто крупным центром художественной культуры выступает город Сиена. Сиенское искусство отличается от флорентийского искусства – именно в Сиене готический стиль и нашёл признание. Культура Сиены аристократична, пронизана феодальным мировоззрением, римско-католическим духом.

Изобразительное искусство:

В изобразительном искусстве черты готики проявлялись в стремлении к аллегорическим символам, к изысканным цветовым решениям. Отличие же состояло в том, что в Италии готике предшествовал Проторенессанс, искусство которого сделало уже первые шаги к разрыву со средневековыми художественными системами. Поэтому итальянская готика не аналогична готике в других странах Европы.

Рисунки, над которыми лучшие сиенские художники работали на протяжении двух столетий, выполнены в технике граффити, т.е. состоят из тонких черных линий со вставками из цветного мрамора на общем фоне белого, являя собой колоссальную гравюру на мраморе.

Если живопись Дученто выражала демократические и перспективные тенденции развития итальянской культуры, то треченто – аристократические и ретроспективные.

Поскольку готический стиль был тесно связан с рыцарской этикой и придворной куртуазностью, он и получил наиболее яркое развитие в Сиене, где у власти находились аристократы.

 

 

Архитектура:

В итальянской архитектуре готический стиль применялся в основном во внешнем декорировании фасадов храмов. Остроконечные щипцы, стрельчатые очертания арок, башни, окно-роза – всего лишь графический рисунок на плоскости. Таковы церкви Сан-Дзено в Вероне, Санта-Кроче и Санта-Мария Новелла во Флоренции, Дворец Дожей и фасад собора св. Марка в Венеции.

Но высшим достижением треченто в Сиене является Дуомо, кафедральный собор, которому нет равных по завершенности во всей Италии. Гармоничность архитектурных пропорций, пестрота мраморных полос, мерцающая мозаика на щипцах и тимпанах порталов сообщают ему волшебную элегантность. Настоящее художественное чудо -мраморная инкрустация пола в Сиенском соборе, представляющая собой живопись в мраморе светотенью, начало которой, как писал Вазари, положил сиенский живописец Дуччо ди Буонинсенья, за что он «заслуживает одобрения и похвалы.

 

15 век Италия

Сформировавшийся стиль – раннее Возрождение или Кватроченто, сохраняются средневековые и готические черты.

Основные художники:

·               Филиппо Брунелле́ски  — флорентийский архитектор, скульптор, ученый и инженер. Брунеллески возвел во Флоренции целый ряд зданий, придавших архитектуре принципиально новый импульс. Наиболее значимые постройки: перестройка церкви Сан Лоренцо, ставшей семейным храмом Медичи (1422-1446), Воспитательный дом (Оспедале дельи Инноченти, 1421-1444), церковь Санто Спирито (начата в 1444), капелла семейства Пацци во дворе францисканского монастыря Санта Кроче (начата в 1429) и ряд других замечательных зданий ренессансной Флоренции. Брунеллески стал одним из "отцов" Раннего Возрождения, наряду с живописцем Мазаччо и скульптором Донателло – три флорентийских гения открыли новую эпоху в архитектуре и изобразительном искусстве.

·          Мазаччо - полное имя художника: Томмазо ди сер Джованни ди Гвиди. Родился 21 декабря 1401 года в Сан-Джованни-Вальдарно, Тоскана. Известен как один из лучших художников своего времени, мастер флорентийской школы живописи. Он работал на самой заре расцвета живописи и внёс немалый вклад в становлении основных живописных законов и принципов. Учителями Мазаччо были Филиппо Брунеллески  и Донателло. Мазаччо стал известен именно своей религиозной живописью. Современные исследователи считают, что самым первым произведением Мазаччо был Триптих Святого Ювеналия, который сегодня хранится в церкви Сан Пьетро а Кашья ди Реджелло. Среди массы религиозных картин, фресок и росписей, также известны и три потерта Мазаччо. На всех трёх портретах Мазаччо изобразил молодых людей в профиль. Самыми знаменитыми картинами итальянского живописца 15 века Мазаччо стали такие произведения, как: фрески для капеллы Бранкаччи, «Изгнание из рая», «Чудо с сатиром», «Крещение неофитов», «Святой Пётр исцеляет больного своей тенью», «Раздача имущества и смерть Анании», «Мадонна с младенцем», «Св. Иероним и Иоанн Креститель» и многие

другие. Великий художник флорентийской школы умер в Риме осенью 1428 года.

·          Донате́лло — итальянский скульптор эпохи Возрождения, основоположник индивидуализированного скульптурного портрета. Мастер увлекался двумя стилями: классическим и реалистическим, но даже реалистические скульптуры Донателло потрясали воображение современников, поклонников классической греко-римской школы. Работы, выполненные мастером, украшали (и сейчас украшают) многие архитектурные достопримечательности Флоренции: башню Джотто, музей Барджелло, Старый Дворец Казимо Медичи.В 1444 году мастер уехал  в Падую, где работал над украшением церкви Св. Антония. Донателло сумел возродить ту технику, которой когда-то владели древнеримские мастера. Можно сказать, что  падуйский период   – вершина творчества мастера. В Падуе мастер пробыл до 1457 года, потом снова вернулся во Флоренцию. В 1457 же году он начал работать над скульптурой Иоанна Крестителя (сейчас она находится во флорентийском музее Барджелло). После завершения работы  скульптор начал создавать барельефы для украшения церкви Св. Лаврентия. В этот же период Донателло работал над надгробными памятниками для церковной аристократии. Донателло продолжал работать до глубокой старости, имел несколько мастерских и несколько сотен учеников, которые после смерти своего учителя заканчивали,  не

доведенные им до конца, проекты.

·          Сандро Боттичелли (1444 – 1510) – флорентийский художник эпохи ренессанса, чьим настоящим именем было Алессандро ди Мариано Филипепи, Сандро - это сокращение от Алессандро, а вот прозвище Боттичелли прилипло к нему, потому что так называли одного из старших братьев художника. В переводе это означает «бочоночек». Родился он во Флоренции в 1445.  Отец будущего художника был кожевником. Примерно в 1458 году маленький Сандро уже работал подмастерьем в ювелирной мастерской, которая принадлежала одному из его старших братьев. Но он там долго не задержался, и уже в начале 1460-х годов был записан в ученики к художнику Фра Филиппе Липпи. Первый свой заказ Боттичелли выполнил для зала суда. Это было в 1470 году. К 1475 году Сандро Боттичелли был вполне известным и востребованным мастером. Лоренцо ди Пьерфранческо де Медичи, когда купил себе виллу, пригласил Сандро Боттичелли жить у него и писать картины для интерьера. Именно в это время Боттичелли пишет две свои самые знаменитые картины – «Весна» и «Рождение Венеры».  К 1481 году Боттичелли отправился в Рим по приглашению папы Сикста IV. Он принимал участие в росписи Сикстинской капеллы, которую только-только закончили строить. Заказчики толпами шли в его мастерскую, поэтому некоторые работы выполняли ученика мастера, а он же брался только за более сложные и престижные заказы. Это время было пиком славы Сандро Боттичелли. Он слыл самым лучшим художником Италии. Но через десять лет власть сменилась. На трон взошел Савонарола, который презирал Медичей, их роскошь, продажность. Боттичелли пришлось нелегко.

 

 

Характеристика стиля - мировоззренческие принципы и тенденции кватроченто оказали несомненное влияние на искусство последующих веков — от классицизма и романтизма до определённой направленности в развитии культуры вообще.

Изобразительно искусство - период знаменуется окончательным переходом от гармоничной условности и образного строя средневековья, в значительной степени подчинённых идеалам духовности и каноническим нормам раннехристианской культуры (переход этот наметился ещё в эпоху проторенессанса — дученто и треченто),— к системе взглядов, представлений и правил, послуживших основой для формирования концепции фигуративного искусства, т. н. реализма, и, в свою очередь, ставших питательной средой для такого направления, как академизм.

Архитектура - новый стиль, который появился в результате переработки и осмысления средневековыми зодчими античных традиций применительно к местным условиям, ярче всего проявился в архитектура. Основными постройками того времени были храмы (центрально-купольный и базикальный) и дворцы аристократии (палаццо) - новый тип городского дворца. Во Флоренции сохранились палаццо Питти и палаццо Пацци, которые относят к постройкам круга Брунеллески; палаццо Медичи-Рикарди архитектора Микеллоци ди Батоломео (1396-1472). Все эти палаццо имели общие черты: квадратный план с открытым внутренним двором, вокруг которого группируются все помещения; довольно суровый внешний облик; укладка стен грубо отесанным (рустованным) камнем или кирпичам; горизонтальное, трехэтажное членение фасада; использование аркады вдоль стен внутреннего двора.

 

16 век Италия

Сформировавшийся стиль - Высокое Возрождение или Римский классицизм.

Основные художники:

·       

Донато Браманте - итальянский архитектор эпохи ренессанса, родился в городе Урбино. Сооружения Браманте, находящиеся в Риме, рассматриваются как наиболее характерные примеры высокого стиля ренессанса. В 1477 году Донато Браманте рисовал фрески в городском дворце Бергамо. В Милане, а также близлежащих городках (Павиа, Виджевано) художник создал картины, возвращающие к работам Пьера Делла Франческа, Мантегна. Браманте оформил большую часть церкви Санта-Мария Сан-Сатиро в Милане. Знаменитый хор, нарисованный в перспективе, дает иллюзию объемности и глубины, не смотря на то, что невелик размерами. Браманте также проектировал восточную часть Санта-Мария деле Грацие, обширную куполовидную часть старой церкви в готическом стиле. После 1499 года в биографии Донато Браманте был покинут Рим. До этого момента он работал над простым, но красивым монастырем Санта-Мария делла  Паче, изысканным Темпьетто с округлыми формами в Монторио. Другими работами архитектора в Риме являются внутренний двор Бельведере, массивный дворец суда, церковь Санта-Мария дел Пополо, а также другие церкви. Кроме того Браманте спроектировал собственный громадный дом  с ритмично расположенными дорическими колоннами. Одна из важнейших работ в биографии Донато Браманте, вероятнее всего, – проект Святого Петерса, впечатляющая куполообразная структура громадного размера. Позже здание  было переделано, получило более вытянутую форму. Замыслы великого архитектора оказывали влияние также на ряд более мелких церквей.

 

·        Рафаэ́ль Са́нти— итальянский живописец, график и архитектор умбрийской, а затем римской, школы. Один из ярчайших представителей искусства эпохи Высокого Возрождения, или римского классицизма начала XVI века. За свою недолгую жизнь он стал одним из самых прославленных и богатых художников Италии. Его картина «Сикстинская Мадонна» является одной из самых узнаваемых в истории. В его творчестве с наибольшей ясностью воплотились гуманистические идеалы Высокого Возрождения о прекрасном и совершенном человеке, живущем в гармонии с миром, характерные для эпохи идеалы жизнеутверждающей красоты.

С 1504 года Рафаэль работал во Флоренции, где познакомился с творчеством Леонардо да Винчи и Фра Бартоломмео, занимался изучением анатомии и научной перспективы. Вслед за Леонардо Рафаэль начинает много работать с натуры, изучает анатомию, механику движений, сложные позы и ракурсы, ищет компактные, ритмически сбалансированные композиционные формулы.

В последних флорентийских работах живописца (“Положение во гроб”, 1507, галерея Боргезе, Рим; “Святая Екатерина Александрийская”, около 1507-1508, Национальная галерея, Лондон) появляется интерес к сложным формулам драматически-взволнованного движения, разработанным Микеланджело. Созданные живописцем во Флоренции многочисленные изображения Мадонн (“Мадонна Грандука”, 1504, Галерея Питти, Флоренция; “Мадонна с младенцем Христом и Иоанном Крестителем” или “Прекрасная садовница”, 1507, Лувр, Париж; “Мадонна со щеглом”, Уффици) принесли молодому художнику всеитальянскую славу. Рафаэль получил от папы Юлия II приглашение в Рим. Переехав в Рим, 26-летний мастер получает должность «художника апостольского Престола» и поручение расписать парадные покои Ватиканского дворца. В последние годы жизни итальянский живописец был так перегружен заказами, что доверял выполнение многих из них своим ученикам и помощникам , обычно ограничиваясь общим наблюдением над работами. В этих работах (фрески “Лоджии Психеи виллы Фарнезина”,  фрески в Лоджиях Ватикана,; алтарный образ “Преображение Христово”, 1520, Ватиканская пинакотека) отчетливо проявились черты кризиса Возрождения, тяготение к маньеризму. Исключительное значение для развития итальянского зодчества имела деятельность Рафаэля как архитектора, представляющая собой

связующее звено между творчеством Браманте и Палладио.

 

·               Микела́нджело Буонарро́ти, полное имя Микела́нджело ди Лодо́вико ди Леона́рдо ди Буонарро́ти Симо́ни — итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт и мыслитель. Один из крупнейших мастеров эпохи Возрождения  и раннего барокко. Его произведения считались наивысшими достижениями искусства Возрождения ещё при жизни самого мастера. Микеланджело прожил почти 89 лет, целую эпоху, от периода Высокого Возрождения к истокам Контрреформации. За этот период сменилось тринадцать пап римских — он выполнял заказы для девяти из них Горячий патриот, Микеланджело тяжело переживал бедствия, постигшие Италию в начале XVI века. В статуях и картинах отразилась его мечта о человеке - борце, о герое, способном на жертвы ради спасения родины. Он изображал людей с могучим телом и сильной волей. Из огромной глыбы мрамора скульптор высек статую «Давид» высотой 5,5 метра. Современники прозвали эту статую «Гигантом». Скульптор изобразил легендарного юношу-пастуха, который вышел на поединок с грозным великаном и уложил его метким ударом камня. «Давид» был установлен на центральной площади Флоренции и считался с тех пор покровителем города. Микеланджело принял участие в сооружении собора св. Петра в Риме. Этот собор в течение нескольких десятилетий строили самые знаменитые итальянские архитекторы. Микеланджело разработал проект главной части храма - его огромного купола. Храм св. Петра является лучшим образцом архитектуры Возрождения. В творчестве Микеланджело проявились лучшие черты культуры

Возрождения: прославление силы и мужества человека, вера в его
разум.

 

·          Леона́рдо ди сер Пье́ро да Ви́нчи — итальянский художник (живописец, скульптор, архитектор) и учёный (анатом, естествоиспытатель), изобретатель, писатель, музыкант, один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, яркий пример «универсального человека» . Одним из наиболее великих деятелей итальянского Возрождения был флорентиец Леонардо да Винчи  флорентиец Леонардо да Винчи (1452-1519)(1452-1519). Отец его был зажиточным горожанином, мать - простой крестьянкой. Леонардо да Винчи был очень разносторонним человеком: гениальным художником и учёным, инженером-изобретателем, архитектором и скульптором, музыкантом и поэтом. Леонардо да Винчи с детства воспитал в себе неутомимое трудолюбие. Трудности не могли сломить его - они рождали в нём лишь новые силы. Своим ученикам он говорил: «Счастье приходит к тому, кто много трудится». В картинах Леонардо да Винчи отражена жизнь, которую любил и изучал художник. Он подолгу бродил по улицам и площадям, делая зарисовки с натуры. Его привлекали люди в минуты радости или горя, когда их жесты и лица особенно выразительны. Рискуя навлечь на себя гнев инквизиции, великий художник тайно вскрывал трупы; он старался понять строение человеческого тела, чтобы правдиво изображать его, на картинах. Леонардо да Винчи достиг высокого мастерства в передаче неуловимых переходов от света к тени. Это особенно приближало изображение к действительности. Леонардо да Винчи как художника больше всего интересовал человек и его переживания. Всему миру известна картина Леонардо «Джоконда» Джоконда  Леонардо да Винчи. - портрет молодой женщины. Художник сумел передать не только внешнее сходство, но и характер, настроение женщины. Лицо, руки, вся фигура нарисованы с таким мастерством, что кажутся живыми. Леонардо да Винчи был и великим учёным. В своих открытиях он на несколько столетий опередил современников. Научные выводы Леонардо да Винчи строил на наблюдении и опыте. «Мудрость - дочь опыта»,- любил говорить учёный. Он мечтал с помощью науки облегчить труд человека. Современники высоко ценили его как инженера: по его проекту был построен большой канал, снабжавший Милан питьевой водой. Листы записных книжек Леонардо да Винчи испещрены чертежами и проектами. Здесь и металлорежущие и ткацкие станки, и прялка, и землечерпалка. Леонардо да Винчи разрабатывал устройство парашюта и вертолёта. Леонардо да Винчи выступал против учения церкви. За это духовенство преследовало его. Всю жизнь он скитался и умер на чужбине, во Франции.

Характеристика стиля - гармония, упорядоченность и простота форм, геометрически правильные объемы; ритм; уравновешенность планировки, четкий и спокойный пропорций; использование элементов ордера античной архитектуры: портики, колоннады, статуи и рельефы на глади стен. Особенностью классицизма в архитектуре разных стран стало сочетание античных и национальных традиций.

Изобразительно искусство - идейной основой итальянской культуры эпохи Возрождения был гуманизм, а одной из его важнейших составляющих - открытие и глубокое творческое освоение античного наследия. Искусство того времени утверждает представление о высоком предназначении человека. В своих произведениях художники отображали окружающий мир, опираясь на научные достижения, они разрабатывали основы линейной перспективы, изучали анатомию человека и законы освещения.

Архитектура - основные памятники итальянской архитектуры этого времени — светские здания, которые отличаются гармоничностью и ясностью пропорций, изяществом деталей, изысканной отделкой, орнаментацией карнизов, окон, дверей, фресковыми росписями в интерьерах. В храмовом строительстве наблюдается стремление к величию, подобающему столице Католического мира. Поэтому период первой четверти XVI века в истории итальянской архитектуры именуют римским классицизмом. С наступлением второй половины XVI века в итальянском зодчестве происходят перемены, выраженные желанием художников всё более точно воспроизводить классические образцы, чему стали посвящаться целые трактаты.

Сформировавшийся стиль - поздний ренессанс и маньеризм (середина XVI — 90-е годы XVI века)

Основные художники:

·          Андреа Палладио — итальянский архитектор позднего Возрождения и раннего маньеризма. Основоположник палладианства и европейского классицизма. Будущий мастер появился на свет в Падуе – городе на юге Италии. По одним данным родился он в семье каменщика, по другим - мельника. В 1524 году переехал в Виченцу, где устроился в мастерскую сеньора Кавацца, печально знаменитую в то время своими нечеловеческими условиями труда. Два раза пробовал бежать, и со второй попытки ему это удалось. После побега он устроился подмастерьем в другую мастерскую, где можно было понемногу развиваться как мастеру. В этой мастерской Палладио сначала выполнял самую простую работу, придавая форму различным каменным поделкам. Очень сильно повлиял на становление Палладио как мастера и как личности известный гуманист того времени Дж.Дж. Триссино, ставшего близким другом и советчиком еще юного мастера. Именно Триссино посоветовал будущему архитектору поменять имя на Палладио, взяв название статуи Афины Паллады. Впоследствии его друг и стал первым заказчиком и учителем Палладио. По совету Триссино зодчий объездил всю Италию, изучая памятники скульптуры и строительства Древнего Рима, также побывал в Хорватии и Франции. Поэтому его искусство основано на глубоком знании правил античных приемов в строительстве и являет собой образец культуры Позднего Возрождения. Его первое масштабное произведение - это Базилика в Виченце – дворец 13 века постройки архитектор обложил мраморной аркадой, состоящей из 2-х ярусов. В этой же местности появились его знаменитые дворцы: палаццо Тьене и Кьерикати в 1550 году, Американо-Вальмарана и другие знаменитые роскошные постройки. Визитной карточкой Палладио при создании этих дворцов стал оштукатуренный фасад. Занимаясь проектированием и строительством этих зданий мастер развивает архитектурный образ существовавших до него видов палаццо, добавляя к их облику новые штрихи. К примеру, добивался максимально гармоничной связи фасада с планом местности, а всего здания в целом — с городской застройкой. Придерживался концепции открытой архитектуры. С 1558 года Палладио работал в Венеции, где создал несколько роскошных церквей, дворцов, общественных построек, а также, выполняя заказы местной аристократии, создавал виллы в окрестностях Венеции и Виченцы. В 1570 года получил титул «виднейшего гражданина Венеции» за свои архитектурные и общественные заслуги.

 Самая обширная и известная часть наследия Палаццо - сельские дома венецианской знати, спроектированные архитектором по закону симметрии. В Венеции был построен ряд церквей, в том числе Сан-Пьетро ин Кастелло, в 1558 году, фасад церкви Сан-Франческо делла Винья в 1562 году, Санта-Мария делла Презентационе и другие прекрасные шедевры архитектуры. И если виллы его рук несут на себе печать покоя и стабильности, то церкви наоборот, патетичны и навевают мысли о динамике и прогрессе. Поздние постройки Палладио близки по духу стилевым решениям барокко. К примеру, Лоджия дель Капитаньо, построенная в 1571 году напоминает классическую античную триумфальную арку, а полуколонны, соединяющие два этажа дополняют торжественный облик всего здания. Шедевр его мастерства - театр Олимпико в Виченце. Здесь архитектор переосмыслил проект античного театрального сооружения. Амфитеатр небольшого размера, рассчитанный на 1000 человек с каменными ступенями, выполняющими роль и скамей одновременно, обнесенный сверху кол  оннами, увенчанными статуями.

 

·          Джулио Романо (Пиппи) – самый известный среди учеников Рафаэля представитель итальянской живописи и архитектуры, один из основателей маньеризма, работавший в этом стиле наиболее самобытно. Самое известное оригинальностью исполнения его произведение – роспись в Палаццо дель Те – располагается в Мантуе. Он сам спроектировал это здание, придерживаясь принципов маньеризма, а затем в той же характерной манере расписал стены этого дворца. «Низвержение Гигантов» – это огромная фреска, созданная для украшения стен Палаццо дель Те, и ее можно считать воплощением стиля, выработавшегося к тому моменту у Романо. Палаццо дель Те в итальянском городе Мантуя стал первым самостоятельным творением Романо. На этом полотне явно просматривается его склонность к гиперболизации: манерность и вычурность поз, обращающих на себя внимание зрителя крайней неестественностью, граничит с рискованностью. Таков и есть фирменный стиль Романо второго периода его творчества, в котором он совершенно лишился влияния Рафаэля. На смену легкой естественности, присущей рафаэлевскому периоду творчества живописца, пришла надуманность композиции, склонность к преувеличенной пышности, вплоть до помпезности.

Особенно сильно это видно по фрескам, созданным Джулио Романо в 30-х годах в Зале Гигантов. Стены и плафон в этом помещении благодаря мастерству живописца являются единой композицией, изображающей грандиозную катастрофу с мифологическим сюжетом, в котором задействован карающий молниями Юпитер.

·       

Перуцци Бальдассаре - итальянский архитектор и живописец. Сотрудничал с Донато Браманте и Рафаэлем; после смерти последнего руководил строительством собора святого Петра в Риме. В творчестве Перуцци-архитектора принципы Высокого Возрождения сочетаются с тенденциями раннего маньеризма. Для его ранних построек (вилла Фарнезина в Риме, 1509–1511) характерны изысканная легкость и своего рода интимность форм. По планам Бальдассаре Перуцци был также возведен собор Сагра Нуова в Карпи близ Модены (1514–1522).

  Постройки Бальдассаре Перуцци, вошедшие в число классических образцов ренессансного стиля, ознаменовали переход от гармонически уравновешенных решений к более динамичным маньеристическим постройкам. Резкими контрастами несущих и несомых элементов, динамичной связью композиции здания с городской средой отличаются произведения Перуцци 1530–х годов (Палаццо Массими в Риме, 1536). С 1535 года Бальдассаре Перуцци участвовал в постройке одного из шедевров архитектурного маньеризма – дворца Фарнезе в Капрароле близ Витербо.

·        Себастьяно Серлио - итальянский архитектор-маньерист позднего Ренессанса из Школы Фонтенбло. Один из ведущих теоретиков архитектуры своей эпохи. В 1514 году переехал в Рим, где работал в мастерской Бальдассаре Перуцци. В свои позднейшие проекты и постройки Серлио вводил причудливые рустованные колонны, чередуя поверхности гладкого и необработанного камня, что сближало его произведения с распространёнными в окрестностях Рима постройками в «сельском стиле». Его именем названа ордерная ячейка оконного или дверного проёма — серлиана. В 1540 году Серлио был приглашён во Францию, в частности для работ во дворце Фонтенбло. В 1537—1551 гг. Себастьяно Серлио работал над шестью «Книгами об архитектуре» (было задумано восемь) с посвящением французскому королю Франциску I и гравюрами, представлявшими «знаменитые памятники древней и новой архитектуры», детали оформления интерьера, вазы, камины, зеркала. Трактат Серлио и его деятельность во Франции оказали влияние на формирование европейского и, прежде всего, французского классицизма, а также маньеризма и барокко XVII в. Серлио является автором трактата, в котором описан опыт проектирования и строительства закрытого театрального здания итальянского типа. Также он впервые со времён античности дал изображение египетского Большого сфинкса. Из документов художник известен как один из родоначальников жанра фигур-обманок.

 

 

Характеристика стиля - утрата ренессансной гармонии между телесным и духовным, природой и человеком.  изысканная техника; напряженность образов; уход в мир фантастический, полный тревоги и беспокойства; резкая игра световых и цветовых контрастов; удлинение фигур.

Изобразительно искусство - повышенный спиритуализм, сочетающийся с не менее сублимированным эротизмом или, напротив, подчёркнуто противопоставленный ему, взвинченность и изломанность линий, в частности, частое использование так называемой «змеевидной» линии, удлинённость или даже деформированность фигур, напряжённость поз. Необычные или причудливые эффекты, связанные с разномасштабностью фигур, освещением или усиленной перспективой, использование резкой, контрастной цветовой палитры, перегруженность композиции деталями.

Архитектура - Маньеризм в архитектуре выражен в нарушениях ренессансной целостности композиции и сбалансированности форм, использовании архитектонически не мотивированных, вызывающих у зрителя ощущение беспокойства структурных решений. Декоративные элементы недостаточно связаны со структурой здания и часто кажутся "причудливым ковром, наброшенным на фасад постройки" (определение Виппера в отношении Казино папы Пия IV в садах Ватикана; П. Лигорио, 1559 - 1562). Одним из проявлений маньеризма в архитектуре, скульптуре и садово-парковом искусстве был сельский стиль.

 

17 век Италия

Сформировавшийся стиль - барокко (странный, вычурный), и классицизм.

Основные художники:

·       

Карло Модерна (1556–1629) — итальянский архитектор. С 1588 г. работал в Риме. Создал церковь Санта-Сусанна (1596–1606 гг.), палаццо Барберини (1625 г., закончили Л. Бернини и Ф. Борромини). С 1603 г. Модерна руководил постройкой собора св. Петра, коренным образом изменив план Микеланджело, удлинил главный неф, соорудил притвор и главный фасад собора.

 

·        Франческо Борромини (1599–1667) — итальянский архитектор. Учился в Милане, работал в основном в Риме. Он заменял прямые линии и плоскости изогнутыми, скругленными, извивающимися. Свободно используя классический ордер, Борромини изобретал все новые декоративные детали, с безудержной фантазией усложнял планы своих построек. На чередование вогнутых и выпуклых линий, расположенных в форме ромба, построил он церковь Сан-Карло у четырех фонтанов, дворец Фальконьери, закончил палаццо Барберини в Риме.

 

 

 

·        Лоренцо Бернини (1598–1680) — итальянский архитектор и скульптор, живописец, декоратор. Работал в Риме, в 1665 г. посетил Париж. Его работы выделяются размахом, парадной пышностью декора, гибкой динамикой форм, смелыми перспективными эффектами. Его работы: церковь Сант-Андреа аль Квиринале (1653–1658 гг.), оформление парадной лестницы Скала Реджа в Ватикане (для соединения Папского дворца с собором) (1663–1666 гг.), окончание строительства собора Святого Петра в Риме и оформление площади перед ним (1657–1663 гг.). 284 колонны, 80 столбов высотой по 19 м, 96 статуй образуют четырехрядную крытую колоннаду, замыкающую пространство площади. Два фонтана и Египетский обелиск между ними образуют середину площади.

Создавая интерьеры, пышно украшенные скульптурой, а также отдельные скульптурные произведения, Бернини живописно сочетал различные материалы, использовал раскраску, позолоту, световые эффекты; по-разному обрабатывая и полируя мрамор, он достигал почти натуралистической имитации блеска и мягкости кожи, фактуры тканей. Его скульптурам присущи текучая стремительность движения — алтарная кафедра собора св. Петра, «Экстаз св. Терезы», «Давид», «Аполлон и Дафна». В творчестве Бернини сформировались типы парадного портрета: бюсты эпохи барокко, сочетающего реалистическую достоверность облика с психологической остротой и бравурной декоративной пышностью; римского скульптурного фонтана; барочной гробницы с обилием аллегорических фигур — фонтан Тритона на Пьяцца Барберини, фонтан Четырех рек на Пьяцца Навона.

·          Микеланджело да Караваджо (1573–1610) — итальянский живописец, человек неуживчивого характера, неистового темперамента, он сделал простого человека своим героем. Караваджо, считал главным индивидуальную выразительность модели, простые бытовые мотивы — «Юноша с лютней». Новую, интимно-психологическую интерпретацию получили у него традиционные религиозные темы — «Отдых на пути в Египет», «Неверие Фомы». Отрицая господство жанров, художник внес большой вклад в становление натюрморта и бытового жанра, как самостоятельных видов станковой живописи — «Корзина с фруктами», «Гадалка», «Вакх», «Юноша с корзиной фруктов». Зрелые произведения Караваджо — это монументальные полотна, обладающие исключительной драматической силой «Призвание апостола Матфея», «Мученичество апостола Матфея», «Св. Матфей и ангел» (1602 г.), «Положение во гроб», «Смерть Марии», «Обращение Савла» (1600–1601 гг.). Живописная манера Караваджо в этот период основана на мощных контрастах света и тени, выразительной простоте жестов, энергичной лепке объемов, насыщенности колорита. В поздних произведениях Караваджо обращается к теме одиночества человека во враждебном ему мире, его привлекает образ небольшого содружества людей, объединенных родственной близостью и душевным теплом. Последователи Караваджо в Италии и за рубежом получили название караваджистов.

Характеристика стиля – Барокко — движение, экспрессия форм. События трактуются в грандиозном плане, сцены мучений, триумфов, экстазов. Прекрасным, с точки зрения классицизма, является лишь то, что разумно, гармонично. В искусстве классицизма единство достигается путем соединения всех частей целого. Часто черты этих стилей переплетаются в искусстве одной страны и даже в творчестве одного и того же художника.

Изобразительно искусство - свободные темы, изображались простые люди, асимметрия композиции, контраст, декоративность. В Италии сильно развита живопись классицизма — братья Карачи, Микеланджело Караваджо.

Архитектура –  формы становятся динамичные, закругленные. Архитекторы барокко создали систему планирования, упорядочив застройку городов, сделали улицы прямоугольными, завершив их площадями. Барочный сад итальянского типа — логическое продолжение сада эпохи Возрождения. Сады Возрождения были ещё небольшие по размерам, лишенные великолепия. Использовали фонтан со скульптурой, скамьи, горшки с лимонными деревьями. Над всем доминировал дворец или вилла. Образцом развитого барочного сада итальянского типа стал ансамбль виллы Альдобрандини в Фраскати под Римом.

 

18 век Италия

Сформировавшийся стиль – барокко окончательно вытесняется классическими мотивами.

Основные художники:

·        Джованни Батиста Тьеполо (1696–1770) — итальянский живописец–декоратор. Создавал фрески для дворцовых построек. Расписал Большой зал палаццо Лабна в Венеции — «Встреча Антония и Клеопатры» или «Пир Клеопатры», «Клеопатра и М. Антонио входят на корабль» (1745–1748 гг.). Росписи резиденции архиепископа–корфюрста Франконии в Вюрцбурге — «Свадьба Фридриха I Барбароссы», «Олимп и четыре части света» (1750–1753 гг.). Создал росписи королевского дворца в Мадриде, сделав небо главным в композиции. Тьеполо писал картины на исторические темы — «Меценат представляет императору Августу свободные искусства» (ок. 1745 г.).

·        Джованни Баттиста Пиранези (1720–1778) — итальянский живописец, график и архитектор. Он создавал сотни гравюр с видами Рима, проектов воображаемых зданий и архитектурных фантазий. Самыми загадочными среди них были «Тюрьмы», впервые изданные в 1745 г. и повторно ок. 1760 г. На этих гравюрах изображен странный мир. Сначала кажется, что это интерьеры каких-то гигантских зданий, но нет ни одного окна. Награможденные друг на друга подвесные мосты, башенки, непонятные конструкции заполнены орудиями пыток и крошечными фигурками людей, которые карабкаются по стенам и лестницам или снуют в разных направлениях. «Тюрьмы» освещены загадочным светом, источник его не ясен. Особую роль играют лестницы — зритель не видит, куда они ведут, где начинаются и где заканчиваются. Вместе с тем они, образуя множество пересекающихся перспектив, запутывают пространство подобно лабиринту. Лестницы Пиранези несут в себе глубокий смысл: они обозначают рай и преисподнюю; лестница, неустойчивая сама по себе, является символом неопределенности и страха.

 

·        Никколо Сальви - итальянский архитектор, работавший в Риме и Санкт-Петербурге. В 1719—1723 годах был главным придворным архитектором всех строительных работ в Петербурге и его пригородах. Долгое время учился у Карло Фонтана, крупнейшего мастера римского барокко, работал у него помощником на строительстве базилики Святых Апостолов. После смерти Фонтана достраивал, спроектированный последним, большой комплекс «San Michele a Ripa» в Риме. В числе самостоятельных проектов этого времени: Фонтан Треви . В 1715 году Никола Микетти принял участие, вместе с Филиппо Юварра, Антонио Каневари и другими в конкурсе для сакристии Собора Святого Петра.B тех же годах он построил часовню  для церкви Санта Марии в Транспонтине в Риме и капеллу Роспильози в церкви Сан-Франческо-а-Рипа. Между 1718 и 1723 годами Микетти работает в России, куда был приглашен царем Петром I в качестве придворного архитектора. Прежде всего, ему поручают продолжить работы, начатые архитектором Леблоном: в Летнем саду он заканчивает Грот, который был в дальнейшем перестроен архитектором Росси в Кофейный домик, и оранжереи; в Петергофе он заканчивает Монплезир, продолжает Марли и строит Эрмитаж, с 1720 года начинает возводить дворец в Стрельне. Из его построек одна сохранилась целиком, это — Екатеринентальский дворец (Кадриорг) в

Ревеле, который он, впрочем, только начал, поручив его достраивать своему ученику Михаилу Земцову.

 

·          Алессандро Галилеи – итальянский математик, архитектор и теоретик, член большой патрицианской семьи Галилеев. Учился архитектуре и инженерным наукам во Флорентийской академии  у А. М. Ферри, известного специалиста по фортификации, перспективе, стереометрии, гидравлике и артиллерии.С 1714 года Алессандро Галилей работал в Лондоне, занимался архитектурным и инженерным проектированием, изучал достижения английских архитекторов-палладианцев. В Ирландии Галилей спроектировал фасад Кастлтаун Хаус  близ Дублина в палладианском стиле. В 1719 году Галилей вернулся в Италию. В родной Флоренции был назначен «Инженером придворных зданий и крепостей Великих герцогов Тосканских». Однако архитектурных заказов в Италии, а тем более в Тоскане, в XVIII веке было мало. Поэтому Галилей более занимался теорией проектирования и строительной техники. В 1730 году флорентийский патриций Лоренцо Корсини был избран папой римским под именем Климента XII. В 1731 году он призвал Галилея в Рим, чтобы построить капеллу своей семьи в Базилике Сан-Джованни-ин-Латерано, которую Галилей завершил к 1732 году. В течение следующих шести лет Галилей создавал свои самые важные архитектурные работы в переходном стиле того времени. Среди них главное произведение — восточный фасад базилики Сан-Джованни-ин-Латерано (1733—1736). Эта композиция, необычная для итальянской архитектуры, позднее была признана французскими и английскими зодчими в качестве образцового примера архитектуры неоклассицизма. Галилей также построил более традиционный фасад в стиле римского барокко, или стиля контрреформации, для римской церкви Сан-Джованни-деи-Фиорентини .

 

Характеристика стиля –  гармония, упорядоченность и простота форм, геометрически правильные объемы, ритм, уравновешенность планировки, четкие и спокойные пропорции, использование элементов ордера античной архитектуры: портики, колоннады, статуи и рельефы на глади стен.

Изобразительно искусство - Ведущий стиль итальянской живописи XVIII в. — барокко.

Архитектура – В Риме завершается строительство ряда раннехристианских базилик (Санта-Мария Маджоре и др.), к ним пристраиваются пышные барочные фасады. Сложностью композиции и эффектностью динамичных форм выделяется фонтан Треви, созданный в это время Никколо Сальви. Этот великолепный фонтан с барельефами и статуями на скалистых выступах стоит перед фасадом Большого дворца. Во второй трети 18 века в итальянскую архитектуру постепенно проникает классицизм.

 

13 век Франция

Сформировавшийся стиль – ранняя готика

Жан де Шелль, — французский зодчий середины XIII века; руководил частичным возведением парижского собора Нотр-Дам. Начиная с 1258 года, он возводил боковые фасады, примыкающие к нефу собора, а также его северные и южные врата. В 1265 году его сменил зодчий Пьер де Монтрёй, предполагается, что в связи с его смертью.

Пьер де Монтрёй — французский зодчий XIII века; потомственный архитектор; работал в период «лучистой готики». В 1265 году сменил зодчего Жана де Шелль на строительстве парижского собора Нотр-Дам, занимался постройкой боковых часовен в южной части трансепта собора, также устанавливал красную дверь. Ему приписываются часовня на территории Сен-Жерменского дворца и трапезная церкви Сен-Мартен-де-Шан (ныне зал библиотеки парижской Консерватории искусств и ремёсел).

 

Характеристика стиля – Небывалая высота соборов была обусловлена возможностями каркасного строительства. Стены практически отсутствуют. Их заменяют колонны с арками, составляющие протяженные галереи. Ажурные мотивы спорят по красоте и изысканности с сотнями и тысячами скульптур, размещенных, буквально, везде. Готическая архитектура довольно драматична: повсюду скульптуры-гаргульи, украшающие порталы, карнизы, кровлю и даже водосточные трубы. Гаргульи, злобно оскалившиеся с высоты, словно созданы для устрашения слабого и беззащитного прихожанина.

Изобразительно искусство - одним из основных направлений готической живописи стал витраж, который постепенно вытеснил фресковую живопись. Техника витража осталась такой же, как и в предыдущую эпоху, но цветовая палитра стала гораздо богаче и красочней, а сюжеты сложнее — наряду с изображениями религиозных сюжетов появились витражи на бытовые темы. Кроме того в витражах стали использовать не только цветное, но и бесцветное стекло. На период готики пришёлся расцвет книжной миниатюры.

Архитектура - устремление зданий ввысь, достигавшееся при помощи остроконечных стрельчатых арок, которые заменили собой полуциркульные сводчатые арки построек романского стиля. Основой готического собора являлись столбы, состоявшие из пучка высоких и стройных колонн, на которые опирались рёбра (нервюры) стрельчатых арок, перекрещивающихся на очень большой высоте. Всё здание, таким образом, состояло из строительных ячеек (травей), ограниченных четырьмя внутренними пучками колонн и имевших особые, выступавшие с наружной стороны здания столбы (контрфорсы), которые через связующие полуарки принимали на себя значительную часть тяжести свода. Поэтому готические соборы в отличие от соборов романского стиля не нуждались в тяжёлых и толстых стенах. Здания стали менее массивными.

14 век Франция

Сформировавшийся стиль – «лучистая»  и «пламенеющая» готика

Основные художники:

Жан де Камбре – французский скульптор Парижской школы мастеров. Создатель памятника герцогу Иоанну Беррийскому в Бурж. О его биографии ничего не известно.

Андре Боневё — бельгийско-французский скульптор и живописец, работавший при дворах французского короля Карла V.Информация о жизни Андре Боневё чрезвычайно скудна и ограничена несколькими финансовыми документами его покровителей. «Мастер Андре» оформлял часовню в замке герцогини Ньепп (не сохранился). В 1364 году он работал в Париже в большой художественной мастерской, созданной Карлом V.. Он принимал участие в украшении фамильной резиденции герцога — замка Мегон-сюр-Йевр и, возможно, создал витражи и скульптуру капеллы в замке Буржа, устроенной по образцу парижской Сент-Шапель. Одна из немногих иллюминированных рукописей, в создании которой несомненно принимал участие Андре Боневё — Псалтирь Жана Беррийского. Скульптура Карла V выполнена с соблюдением портретного сходства с ярко выраженными  индивидуальными чертами, что резко отличает её от изображений членов его семьи. После 1386 года Боневё создал несколько скульптур для замка герцога Беррийского Мегон-сюр-Йевр и для часовни его замка в Бурже. От скульптур Мегон-сюр-Йевр сохранился один фрагмент — голова бородатого мужчины (ныне в Лувре).

 

Характеристика стиля – «Лучистая гостика» - направление французской готики, которое характеризуется набором декоративных оформительских приёмов на ранней стадии стиля. «Пламенеющая» готика - этот стиль произошёл от лучистой готики и был отмечен ещё большим вниманием к украшениям. Название пламенеющей готики происходит от похожих на языки пламени узоров орнаментов и сильному удлинению фронтонов и вершин арок. Часты орнаменты в форме «рыбий пузырь». 1) применение орнамента «масверк» напоминающего языки пламени; 2) первостепенная роль декора; 3) упрощённая планировка зданий по сравнению с предыдущими периодами; 4) сложные своды с декоративными нервюрами, также применение декоративных замков в местах пересечения нервюр; 5) использование скульптур для оформления фасадов и интерьеров

Изобразительно искусство - стремление воспроизводить натуру в её пространственных формах на плоскости. человеческие фигуры постепенно становились всё менее схематичными и приобретали всё более живые черты. Деревья, горы, реки и пр. стали изображаться гораздо более близкими к природе, чем это было раньше. Гамма красок сделалась значительно богаче. Начиная с XIV столетия получила распространение станковая живопись. Во фресковой живописи появились индивидуализированные образы. Художники-миниатюристы наряду с раскрашиванием рисунков, сделанных пером, стали теперь исполнять миниатюры и кистью

Архитектура - вступила в период так называемой «пламенеющей готики», когда здания как бы оделись в тончайшее каменное кружево (Турский собор, соборы в Корби, Алансоне, Амбере, Бурге, Конше, Лепине, Сен-Рикье и т. д.). Подлинного расцвета достигло архитектурное искусство при строительстве таких зданий, как замки, дворцы и жилые дома. Характерными памятниками позднеготического искусства явились королевский замок в Амбуазе, Венсенский замок с четырёхгранной сторожевой башней (XIV в.) и замок в Пьерфоне, представлявший суровую крепость снаружи и художественно отделанное здание внутри. Скульптурные изображения стали значительно более реалистическими, чем это было ранее. Стремление к реализму заметней всего проявлялось в надгробных портретных изваяниях.

 

15 век Франция

Сформировавшийся стиль – французский маньеризм, ранее барокко.

Основные художники:

Клаус Слютер —  скульптор, один из основоположников «северного реализма. Клаус Слютер — бургундский скульптор, родом из Нидерландов. О его биографии известно немного. В 1380 году поселился в Брюсселе, в 1385 году переехал в Дижон, в то время главный город герцогства Бургундского. В 1389 году стал придворным мастером бургундского герцога Филиппа II Смелого, трудился на этом месте до конца жизни. В работах Клауса Слютера в полной мере проявляется готический натурализм, его скульптуры пластичны и близки к натуре. Они отличаются монументальными масштабами, даже грандиозностью воплощения. Одно из самых известных произведений Слютера — Колодец Моисея, или, как его ещё называют, Колодец предков. Он представляет собой шестигранное подножие Распятия, которое окружено монументальными статуями ветхозаветных пророков: Моисея, Давида, Иеремии, Захарии, Даниила и Исайи. На углах колодца помещены фигуры скорбящих ангелов. Они облачены в широкие одежды, пластично выполненные складки, которых ниспадают по контурам фигур. Также скульптор начал работу над надгробием Филиппа II Смелого, однако не успел закончить его. После смерти Слютера надгробие завершил его племянник.

Жан Фуке - французский живописец, первый мастер французского Возрождения, портретист и миниатюрист, глава Турской школы. О годах его молодости сведений немного: вероятно, в начале 1440-х гг. Фуке учился в Париже, а затем первым из французских художников отправился в Италию и познакомился с искусством итальянского Возрождения. Между 1444 и 1446 он пишет портрет папы Евгения IV, вызвавший восхищение итальянцев. После пребывания в Италии Фуке вернулся в Тур, женился и открыл свою мастерскую. Работал при дворах Карла VII (в 1461 году) и Людовика XI. В 1475 году получил титул «королевского живописца». Выполнял заказы самых знатных особ Франции. Меценатами и заказчиками Фуке были семьи королев, казначея Этьена Шевалье и канцлера Гийома Жювенеля Дезюрсена.

Шедевром Фуке являются миниатюры «Часослова Этьена Шевалье», не имевшие себе равных по художественным достоинствам. Особенно хороши миниатюры «Благовещение», «Встреча Марии и Елизаветы», и другие, созданные на сюжеты Священного писания. В конце 1450-х гг. мастер создал иллюстрации к сборнику новелл Джованни Боккаччо. Великолепны его миниатюры к рукописи «Больших французских хроник», заказанных Карлом VII .

 

Характеристика стиля –  эмоциональность в передаче образов, изящные, удлиненные человеческие фигуры. Динамичность и напряженность поз. Необычная передача перспективы и освещения. Яркие краски.

Изобразительно искусство - Маньеризм доводил до максимума проявления зла: боли, страданий, иррациональности поступков людей.

Архитектура – странные, вычурные, неестественные формы. Скульпторы и архитекторы использовали необычные пропорции, причудливые сочетания цветов, делали акцент на живописных эффектах и гротескных декоративных элементах. Основным мерилом красоты, по мнению представителей маньеризма, является субъективная художественная идея художника. В связи с этим маньеристы искажали принципы гармонии, в центре их внимания были эфемерность мира и зыбкость человеческой судьбы.

 

16 век Франция

Сформировавшийся стиль – французский ренессанс.

Основные художники:

Жан Клуэ́  — придворный художник французского короля Франциска I, заложивший основы французской портретной традиции.  Отец художника эпохи Возрождения Франсуа Клуэ. Учёные отождествляют его с Муленским мастером. Подписанных произведений Клуэ не сохранилось, однако ему исстари приписывают семь миниатюр из рукописной «Галльской войны» и собрание из 130 портретных эскизов французской знати, хранящееся в Шантильи. Среди этих эскизов имеются наброски полотен на библейские темы в стиле миланца Солари, которые висят в Лувре. Руки моделей выполнены в разной технике, что свидетельствует об участии в их написании подмастерий. Некоторый свет на загадочную фигуру Клуэ-старшего пролила расчистка портрета гуманиста Гийома Бюде. Об этом портрете упоминает сам Бюде, и среди эскизов из Шантильи уцелел набросок этого полотна. Несмотря на сходство с работами брюссельских художников, Клуэ выделяется из их числа уверенной пластикой, искусным рисунком и тягой к психологическому реализму.

Жоффруа Дюмустье - французский миниатюрист, гравёр, декоратор, придворный художник королей из династии Валуа. Жоффруа Дюмустье был миниатюристом кардинала Жоржа II Д'Амбуаза, затем переехал в Фонтенбло, где он работал между 1537 и 1540 годами , привлекался к выполнению заказов короля работавшим здесь Россо Фьорентино. Находился под значительным влиянием этого итальянского художника. Исследователи находят в его работах также влияние Полидоро да Караваджо. Один из рисунков художника вдохновлён росписью потолка Сикстинской капеллы; он не основан непосредственно на фреске Микеланджело, но является отголоском альтернативного варианта фрески или вариантом копии. В 1549 году он упоминается как один из самых известных живописцев Руана. Современники особенно высоко оценивали гравюры, выполненные им. Находился на службе Франциска I, Генриха II, Елизаветы Австрийской, Екатерины Медичи и Луизы Лотарингской. Жоффруа имел многочисленное потомство, его сыновья Этьен Дюмустье и Косм II Дюмустье, были, как и отец, известными художниками. Умер в 1573 году в Париже, являясь придворным художником короля, был похоронен 13 октября на кладбище Невинных младенцев. Автопортрет Жоффруа Дюмустье хранится в Эрмитаже . Приписываются Жоффруа Дюмустье 26 гравюр, выполненных между 1543 и 1547 годами, изображающие религиозные или мифологические сюжеты в стиле школы Фонтенбло, вдохновленные композициями Россо, а также группа рисунков, эскизы.

Марк Дюваль - французский придворный художник и гравёр. Ему атрибутируются работы Мастера виконта Люксембурга-Мортига . Известен портретами вождей гугенотской партии. В своё время считался одним из лучших рисовальщиков и гравёров. Высоко ценились его портреты последних королей из династии Валуа, при дворе которых он работал, и парижских аристократов. Он умер в Париже вечером 13 сентября 1581 года во время, которое сам предсказал. 

 

Характеристика стиля – начало абсолютизма, распространение гуманизма, исследование «нового мира», заимствование из Италии и развитие собственных новых методов в области печати, архитектуры, живописи, скульптуры, музыки, наук, народной литературы, а также разработка новых правил этикета и ораторского искусства. Гуманистический интерес к человеку проявился и в изобразительном искусстве, особенно в портрете.

Изобразительно искусство - недостаток в живописцах для украшения дворцов побуждал того же Франциска I приглашать к своему двору знаменитых итальянцев (Леонардо да Винчи, Андреа дель Сарто, Приматиччо). Они положили первое основание самостоятельной французской живописной школе, которая, однако, и в XVII столетии продолжала идти по стопам итальянской. Гуманистический интерес к человеку проявился и в изобразительном искусстве, особенно в портрете. Торжественное выражение лиц и величавость поз в портретах Жана Клуэ сочетались с остротой индивидуальных характеристик.

Архитектура - Архитектура раннего периода Возрождения во Франции испытала сильное итальянское влияние. Развивая традиции готики, французские архитекторы создали новый тип архитектурных сооружений: замок Франциска I в Блуа, замки Азе-ле-Ридо, Шенонсо, Шамбор. В этот период очень широко использовались различные украшения зданий.

17 век Франция

Сформировавшийся стиль – классицизм.

Основные художники:

Соломон де Брос   - один из самых влиятельных архитекторов Франции на рубеже 16-17 веков. Автор широко известного Люксембургского дворца в Париже. Соломон происходил из семьи гугенотов (французских протестантов). Соломон выехал в Париж, где за мастерство получил звание архитектора в 1608 году. Соломон построил несколько дворцов (замков), акведук, разработал фасад церкви Сен Жерве в Париже. Получил заказ на строительство нового дворца Люксембург для королевы. Для парламента французской области Бретань Соломон где Брос спроектировал соответствующее помещение, было упрощенным вариантом Люксембургского дворца.

 

Жак Лемерсье́ — первый королевский архитектор при дворе Людовика XIII, умело соединявший в своём творчестве принципы классицизма и барокко. Жак Лемерсье принадлежал к семье архитекторов и мастеров каменной кладки, уже прославившейся в Иль-де-Франс.После длительного обучения в Риме (в годы правления Генриха IV) Жак Лемерсье, пользуясь протекцией Марии Медичи и кардинала Ришельё, становится первым королевским архитектором Людовика XIII. Помимо основной работы архитектором, проявил себя также как градостроитель, декоратор и садовый архитектор.

Главные работы: Университетская капелла в Париже, Павильон с часами Луврского дворца. В 1645 году Мазарини заказал Франсуа Мансару восстановление церкви и монастыря Валь-де-Грас. Работы начались весной 1645 года, но на следующий год Мансар передал их Жаку Лемерсье. Пале-Рояль в Париже, Молельня в Лувре, Церковь Сен-Жозеф-дэ-Карм в Париже, Фасад церкви свв. Петра и Павла в Рюэй-Мальмезоне.

Франсуа́ Манса́р — французский архитектор XVII века. Считается не только крупнейшим мастером элегантного и сдержанного французского барокко, но и зачинателем традиций классицизма во Франции. Сын плотника, Мансар не получил систематического образования, а карьеру архитектора начал как помощник Саломона де Броса. Первой самостоятельной работой Мансара был фасад церкви фельянов в Париже. Первые крупные заказы Мансар получил от Гастона Орлеанского — возведение шато в Бальруа и перестройку средневекового замка в Блуа. Масштаб и стоимость задуманных Мансаром в Блуа работ были такими, что от его услуг отказались после завершения северного крыла. В своих работах Мансар стремился придать объёмно-пространственной композиции здания предельную чёткость и лаконичность, не поступаясь при этом свойственным французской традиции богатым пластическим решением фасадов. Практически во всех проектах он использовал традиционную для Франции крутую крышу с изломом, создававшую возможность устройства под стропилами обитаемых помещений, которая стала зваться Мансаровой (отсюда и термин «мансарда»). Будучи прекрасно знаком с новейшими достижениями итальянского барокко, архитектор предпочитал придерживаться регулярной планировки. Не случайно в его замыслах черпали вдохновение многие мастера французского классицизма. Для творческой манеры Мансара было характерно беспредельное стремление к совершенству. Зачастую случалось, что он полностью сносил уже возведённое сооружение и начинал заново. По этой причине воплощение его проектов обходилось в баснословные суммы. Даже среди высшей французской аристократии услуги Мансара были доступны лишь немногим избранным. Поскольку начатые Мансаром постройки, как правило, достраивались менее требовательными зодчими, до нашего времени почти не уцелело зданий, которые были бы построены целиком под его руководством. Все его парижские сооружения были впоследствии перестроены. Единственное исключение из этого правила — дворец Мезон-Лаффит под Парижем. В 1650-е годы, когда Мансару покровительствовал кардинал Мазарини, архитектор подвергся нападкам политических противников последнего. В печати появлялись памфлеты, обвинявшие его в самовлюблённости, расточительстве и пренебрежении интересами заказчиков. Репутация Мансара была основательно подорвана, и подготовленные им планы перестройки Лувра и королевской усыпальницы в Сен-Дени остались без движения. Король

Луи Ленен — один из трех братьев-художников, имена которых стоят в ряду величайших французских живописцев. Ленен работал в крестьянском жанре. Для картин Ленена характерно: мощное рельефное построение, сдержанный колорит, в котором коричневые и серые тона едва оживлены несколькими цветовыми пятнами, уверенная простая и крепкая фактура. Сюжетам самым простым и непритязательным он придает особую значительность, торжественность самим характером пластического воплощения — «Возвращение с сенокоса», «Трапеза крестьян», «Семейство молочницы». Портреты кисти Луи Ленена просты и бесхитростны. Религиозные композиции, а их тоже случалось писать художнику, носят ярко выраженный жанровый характер. Немногочисленные пейзажи отличаются верностью наблюдения, некоторой интимностью восприятия природы и необычайным мастерством передачи серебристого прозрачного воздуха.

Никола Пуссен — знаменитый французский художник, основатель стиля классицизм. Обращаясь к темам античной мифологии, древней истории, Библии, Пуссен раскрывал темы современной ему эпохи. Своими произведениями он воспитывал совершенную личность, показывая и воспевая примеры высокой морали, гражданской доблести. Одной из особенностей творчества Пуссена был рационализм, сказывавшийся не только в сюжетах, но и в продуманности композиции. В 1627 г. Пуссен написал картину «Смерть Германика» по сюжету древнеримского историка Тацита, которая считает программным произведением классицизма. Пуссен писал станковые картины главным образом среднего размера — «Снятие с креста», картины на мифологические и литературные сюжеты — «Танкред и Эрминия» (1629–1630 гг.), «Аркадские пастухи» (1650-е гг.), «Царство Флоры». Во второй половине 40-х гг. Пуссен создал цикл «Семь таинств», в котором раскрыл глубокое философское значение христианских догм. В последний период творчества (1660–1665 гг.) Пуссен пишет пейзажи, герои его были связаны с литературными, мифологическими сюжетами: «Пейзаж с Полифемом». Последнее, незавершенное полотно мастера — «Аполлон и Дафна» (1664 г.). Значение творчества Пуссена для истории живописи огромно. Пуссен был первым французским живописцем, который воспринял традицию классического стиля Леонардо да Винчи и Рафаэля. Ясность, постоянство и упорядоченность изобразительных приемов Пуссена, идейная и моральная направленность его искусства позже сделало его творчество эталоном для Академии живописи и скульптуры Франции.

Характеристика стиля – Французский классицизм утверждал личность человека как высшую ценность бытия, освобождая его от религиозно-церковного влияния. Во многом классицизм опирался на античное искусство взяв его за идеальный эстетический образец, «золотой век». Во Франции XVII века он назывался временем Минервы и Марса.

Изобразительно искусство - Учрежденная при Мазарини парижская академия сделалась центром художественной деятельности и исходным пунктом направления, которого она неуклонно держалась в течение всего долгого царствования Людовика XIV. Все отрасли искусства централизовались.

Архитектура - сооружение, давшее начало французскому классицизму — квадратный двор Лувра в Париже, начатый в 1546 г. Пьером Леско. В XVII в., до наступления эпохи барокко, классическая французская архитектура развивалась под влиянием стиля трех ведущих архитекторов — Соломона де Бросса, Жака Лемерсье и Франсуа Мансара. Главной чертой архитектуры классицизма было обращение к формам античного зодчества как к эталону гармонии, простоты, строгости, логической ясности и монументальности. Архитектуре классицизма в целом присуща регулярность планировки и четкость объемной формы. Основой архитектурного языка классицизма стал ордер, в пропорциях и формах близкий к античности. Для классицизма свойственны симметрично-осевые композиции, сдержанность декоративного убранства, регулярная система планировки городов.

 

18 век Франция

Сформировавшийся стиль - рококо

Основные художники:

Жермен Бофран  –  французский архитектор и декоратор эпохи рококо.  Получает заказ на исполнение интерьеров в парижском особняке принца де Субиза, построенном в 1705–1709 гг. Интерьеры отеля Субиз показывают, какое внимание уделяет эпоха рококо проблеме синтеза искусств.

 

Жак-Анж Габриэль - французский архитектор, член Академии архитектуры (1728); королевский архитектор (1742); Первый королевский архитектор (1743); президент Академии архитектуры (1743—1782). Один из основоположников архитектурного классицизма XVIII века. Он получил заказ на застройку площади Людовика XV (ныне — площадь Согласия). Он не ставит никаких зданий и ничем не заслоняет естественные линии ландшафта. Площадь Людовика XV — первая открытая площадь, узел основных дорог района. В 1749–1750 гг. Габриэль построил Французский павильон. Один из шедевров Габриэля — знаменитый Малый Трианон, загородный дворец, построенный им в Версале (1760-е гг.) по заказу Людовика XV. В нем нет ничего от торжественной представительности подлинного дворца, он не рассчитан на парадные приемы или хотя бы на одновременное присутствие многочисленных гостей, — это интимная вилла, идеальное место для отдыха.

 

Жан-Антуан Ватто -  выдающийся мастер периода французского Регентства, творчество которого стало прологом общеевропейского стиля рококо Его творческая манера изыскана и насыщена сложными эмоциями. Главное для него — мир человеческих чувств, неподвластных контролю разума. Обращаясь к мотивам, почерпнутым из современной ему жизни, Ватто вносил в них особую интимность и лирическую взволнованность. В зрелый период творчества он разрабатывает новый тип сюжетов — театральные сцены и «галантные празднества» — «Затруднительное предложение», ок. 1716 г.; «Паломничество на остров Киферу», 1717–1718 гг.; «Жиль», 1717–1719 гг., «Общество в парке». Богатство эмоциональных оттенков в этих картинах Ватто подчеркивается пейзажем, выразительностью поз и жестов, изысканностью нежных цветовых сочетаний, игрой красочных нюансов.

Франсуа Буше — художник, идейно связанный с аристократическим обществом в период его упадка. Он запечатлел в своих полотнах то откровенно-чувственное наслаждение всеми благами жизни, которое царило среди высших классов в середине XVIII в. Буше исполняет огромное количество работ не только для двора и для мануфактуры гобеленов в Париже и в Бове, но иллюстрирует книги, работает для театров. В 1736 г. появились его первая пастораль и первые изображения амуров, которые с этого времени будут у него бесчисленное множество раз повторяться. Буше очень разнообразен в своей тематике. Он пишет пасторали и мифологические картины, жанровые сцены из быта аристократического общества («Завтрак», 1739 г.), портреты, религиозные изображения, пейзажи («Пейзаж с прудом»), цветы, орнаментальные мотивы. Буше много пишет мифологических героинь в разные моменты их любовных похождений или занятых своим туалетом — «Туалет Венеры». (1751 г.). В более поздних работах с обилием оттенков розового и голубого, извилистых сплетающихся линий и сложных ракурсов усиливаются декоративность, чувственность, несколько жеманная грация, впечатление «фарфоровости» фигур — «Портрет маркизы Помпадур». Буше был талантливым декоратором, работал над оформлением отеля Субиз в Париже.

Жан Батист Симеон Шарден (1699–1779) — французский живописец, один из известнейших художников XVIII столетия и один из лучших колористов в истории живописи, прославившийся своими работами в области натюрморта и жанровой живописи. Свое творчество Шарден начал как мастер натюрморта. Именно этот жанр принес ему широкую известность и открыл доступ в Академию. Шарден избегал в своих натюрмортах эффектных предметов, сложных построений. Едва ли не все, что он пишет, можно без труда найти на столе небогатого буржуа того времени или даже на кухне ремесленника — «Натюрморт с атрибутами искусств» (1766 г.). Одной из излюбленных тем Шардена является изображение дышащего миром и довольством уюта буржуазной семьи. Своим творчеством он утверждал ценность буржуазного мира, противопоставляя свои идеалы художественным взглядам аристократического общества. Художник умел находить красоту в обыденной жизни с ее повседневными заботами и мелочами — «Молитва перед обедом» (1744 г.), «Вернувшаяся с рынка» (1739 г.) и др.

Жан-Батист Грёз (1725–1805) — это не живописец, ищущий свой путь интуитивно, порывисто, это человек программы и твердо выработанных формул, которым подчиняет все свое творчество. Работы Грёза посвящены изображению жизни мелкой буржуазии. Типаж в картинах однообразен, жесты его фигур заучены и повторяются при аналогичных ситуациях. Каждому действующему лицу дается наиболее эффектная, несколько театральная поза. Любая его картина существует одновременно как бы в двух планах: во-первых, это бытовая сцена, во-вторых, иллюстрация какого-либо морального поучения. Грёз подчеркивает такую двойственность, давая своим полотнам названия с разъясняющими подзаголовками: «Паралитик, за которым ухаживают его дети, или Плоды хорошего воспитания» (1763 г.), «Балованное дитя, или Плоды дурного воспитания». Очень многое в искусстве Грёза принадлежит старой, аристократической традиции. Он наследует от рококо не только фарфорово-искусственную гамму светлых цветов или кукольную миловидность своих героинь, но и пристрастие к пикантному намеку, к эротическому подтексту — «Разбитый кувшин», «Молочница».

Жан Оноре Фрагонар (1732–1806) — французский живописец и график. Продолжая традиции искусства рококо, Фрагонар создавал лирические сцены повседневной жизни, интимных человеческих чувств. Сияющие гармонии розовых, голубых, палевых цветов, легкие и капризные очертания форм, беглая текучесть мазка — это любимые выразительные средства Фрагонара. Творчество для Фрагонара — не длительное вынашивание замысла, а счастливое вдохновение — «Вдохновение» (1769 г.). Он был мастером фривольно-жанровых сцен — «Счастливые возможности качелей» (1767 г.). Юная красавица на качелях, которые раскачивает любезно улыбающийся кавалер, взлетает высоко в воздух, и широко раздувающиеся юбки открывают самые «счастливые возможности» поклоннику, который восхищенно наблюдает за ней, лежа среди кустов роз. Такие сцены художник писал десятками. Фрагонар умел оправдать любые рискованные ситуации либо веселым, остроумным задором либо неподдельной горячностью чувства.

Для его рисунков, выполненных в технике сангины, бистра, иногда сепии, характерны светотеневые эффекты — «Выигранный поцелуй». В 1780 г. Фрагонар создает одну из своих известнейших работ: «Поцелуй украдкой». Фрагонар отличался большой разносторонностью, писал портреты, религиозные картины, декоративные панно, иллюстрировал книги («Дон Кихот»), делал миниатюры.

 

Жак-Жермен Суффло — выдающийся французский архитектор, придавший архитектуре французского неоклассицизма,  величественный, монументальный характер, совмещающий достижения античного и национального французского искусства. Наставник русского архитектора В.И. Баженова в Париже. В 1750 году вновь уехал в Италию в компании будущего маркиза де Мариньи, брата мадам де Помпадур , которого готовили к должности директора Королевских зданий. Суффло посетил Пестум, где зарисовывал и обмерял уникальные древнегреческие храмы VI в до н. э. Позднее, в 1764 году, Суффло издал серию гравюр по рисункам храмов в Пестуме. В 1755 году Мариньи, новый генеральный директор Королевских зданий, передал Суффло архитектурный контроль над всеми королевскими постройками в Париже. В 1755 году Суффло был принят в Королевскую академию архитектуры. В 1756 году в Лионе был открыт построенный им Оперный театр.

Как и многие архитекторы своего времени, Суффло был приверженцем классицистического стиля. Он особо выделял «строгость линий, твердость формы, простоту контура и строгую архитектурную концепцию деталей». Такой подход контрастировал с предшествующей архитектурой позднего барокко и рококо во Франции и в других европейских странах. Пользуясь своими путевыми зарисовками и обмерами античных памятников, Суффло научно подошёл к разработке нового стиля. Под влиянием идей Марка-Антуана Ложье, выдвинувшего идею равноценности готического и античного искусства и создания национального французского стиля архитектуры, совмещающего обе традиции, Суффло также пытался соединить традиции французского средневекового зодчества с антикизирующим классицизмом. Такой странный сплав он назвал «греко-готическим стилем». Главное творение архитектора Суффло — здание церкви Св. Женевьевы в Париже (1758—1789). Женевьева — святая покровительница города и эта постройка имела значение главного храма французской столицы. Во время революции в 1791 году церковь упразднили, а здание переименовали в Пантеон — «Усыпальницу великих людей, которые погибли за свободу Франции». Композиция Пантеона продолжает линию французского классицизма, намеченную Жюлем Ардуэном-Мансаром в его выдающейся постройке — церкви Дома инвалидов в Париже (1679—1706).

Характеристика стиля – Рококо имеет в основном орнаментальную направленность; само название происходит от сочетания двух слов: "барокко" и "рокайль" (мотив орнамента, затейливая декоративная отделка камешками и ракушками гротов и фонтанов). Для живописи, скульптуры и графики характерны эротические, эротико-мифологические и пасторальные (пастораль) сюжеты.

Изобразительно искусство - Во Франции важным событием стали публичные выставки — Салоны, которые ежегодно (с 1667 г.) организовывала Королевская академия живописи и скульптуры при поддержке двора. Произведения для Салонов отбирала специальная комиссия академии. Париж превратился в общеевропейский художественный центр.

Архитектура - влияние рококо проявляется своеобразно. Новые веяния в архитектуре подхватывает буржуазия. На старинных парижских улицах появились небольшие дома, первые этажи которых отводились для лавок или мастерских, а верхние — для семей их владельцев и для сдачи внаем. Именно здесь впервые отвергается торжественность античных ордеров с неизбежными портиками и колоннадами. Их сменяют практичность, простота, чуткость ко всем проявлениям современного вкуса. Объемы и массы становятся гораздо легче, пропорции — скромнее, стена все больше членится: выступами, нишами, балконами или лепным декором. То, что строится в эти годы для аристократии, отличается компромиссом и консерватизмом. Преобладающий тип здания теперь «отель» — небольшой особняк, рассчитанный на одну богатую семью. Главная задача архитектора — обеспечить семье удобство и уют.

Во второй половине XVIII в. архитекторы работали в стиле ампир - стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве.  Известнейшим творцом этого периода был Жак Жермен Суфло. По проекту Суфло, выдержанному в духе зрелого классицизма XVIII в., сооружена церковь Сент-Женевьев в Париже.
13 век Испания

Сформировавшийся стиль – испанская готика.

Основные художники:

Петрус Петри (также Педро Перес)  - испанский архитектор. Он был первым мастером архитектором собора в Толедо. Известно, что Петрус Петри также работал в создании собора Саламанки. Он также работал с Флорин де Pituenga , Casandro Романо , Альвар Гарсия , Педро де ла Обра , Хуан - эль - Педреро , Санчо Педро и Хуан Франко .

Характеристика стиля – влияние мавританского искусства. Для испанской готики  характерно многообразие, несмотря на общие черты. Свободное нарушение строгой конструктивной логики здания.

Изобразительно искусство -  характеризуется плавностью перехода от романского стиля к готическому, который происходил постепенно, без резких рывков. Отличительной чертой готической живописи в Испании является изменение и развитие предшествующих ей романских форм, в сочетании с влиянием зарубежных школ живописи (французской и итальянской), а также своеобразие использования мудехарских декоративных элементов. Несмотря на наличие уцелевших архаичных черт, мировоззренческий (концептуальный) характер романской живописи постепенно смягчается в результате того, что теперь живописцы начинают черпать больше вдохновения во внешнем мире, что проявляется в более тщательном воссоздании природы, в растущем интересе к выражению чувств и эмоций, а также к большей гуманизации образов.

Архитектура - испанская готика характеризуется своеобразным соотношением стен и декора. Для этой страны характерны гладкие стены, а интерьер и оформление состоит из крупных объектов, украшенных орнаментами, с обязательными элементами роскоши. Искусствоведы считают, что такой прием характерен для традиционной восточной архитектуры, но никак не французской. Позднее, эта особенность станет отличительной чертой архитектуры Испании. Отличалось от французского и внутреннее убранство соборов. В условиях жаркого климата делались узкие окна, и внутри царил полумрак. Там, где обычно в соборах был хор, здесь размещали капеллу, обнесенную стеной. Сзади размещался алтарь и ретабло (заалтарный образ).

 

 

 

14 век Испания

Сформировавшийся стиль – поздняя готика, мудехар

Основные художники:

Церковь Сан-Тирсо в Саагуне Леон, Испания является ярким примером стиля мудехар.

Характеристика стиля – Мудехар - своеобразный синтетический стиль в архитектуре, живописи и декоративно-прикладном искусстве Испании, в котором тесно переплелись элементы мавританского, готического и (позднее) ренессансного искусства.

Изобразительно искусство - явление неоднородное и не всегда безусловное по художественному качеству

Архитектура – подковообразная (иногда со стрельчатым завершением) арка, сводчатые перекрытия, образующие в плане восьмиконечную звезду, наборные деревянные потолки, гипсовый орнамент и цветные изразцы на стенах («асулехос»). Основой живой и свободной пространственной композиции зданий служил внутренний двор, вокруг которого группировались остальные помещения. Сооружения отличались простой, рациональной, прекрасно отвечающей климатическим условиям планировкой; в стиле «мудехар» охотно строили жилые здания — привлекали также недорогие материалы (кирпич, дерево, гипс) и дешевые рабочие руки народных мастеров.

 

15 век Испания

Сформировавшийся стиль – раннее Возрождение.

Основные художники:

Фернандо Гальего - был испанский художник, представитель испано-фламандской школы. Считается, что он родился в Саламанке, Испания. Был близок современным ему нидерландским живописцам, особенно Дирику Боутсу. Один из первых реалистов в живописи Испании. Творческая деятельность наиболее активна между 1466 и 1507. Писал алтарные картины для городов Саморы, Торо, Саламанки, Сьюдад Родриго. Оплакивание Христа (Мадрид, Прадо), написанное в нидерландской традиции с изображением пейзажа с высоким горизонтом, заполнено множеством подробностей, непомерно малы отмеченные портретной достоверностью фигурки донаторов, условно сочетание пространственных планов, действие сковано.

 

Бартоломé Бермéхо - испанский художник испано-фламандской школы, крупнейший представитель готики в Испании. Сложился под влиянием фламандской живописи. Работал в основном в королевстве Арагон — Валенсии, Дароке, Сарагосе, где сотрудничал с Мартином Бернатом и Мигелем Хименесом. С 1486 работал в Барселоне, соперничал с Хайме Уге. Его последняя документированная работа — Лик Господень — находится в Соборе Апостола Петра в Вике.

 

Педро Берругете — испанский художник, наиболее яркая фигура испанского искусства эпохи перехода от готики к Возрождению. По предположениям, учился живописи в Саламанке у Фернандо Гальего. В молодости отправился в Италию, где работал под покровительством Федериго да Монтефельтро, герцога Урбинского. В Урбино Берругете трудился вместе с Юстусом ван Гентом над серией портретов современников Знаменитые мужи (папа Сикст IV и др). Работал в соборе Св. Марии Толедской. По заказу Торквемады расписал центральный алтарь монастыря Св. Фомы в Авиле. Также работал в храме Вознесения в Санта-Мария-дель-Кампо, в монастыре Мирафлорес под Бургосом. Последние годы жизни трудился в родном городе. В его творчестве соединяются традиции итальянского, фламандского и испанского искусства.

Характеристика стиля – просторные помещения и округлыми полуциркульными арками, гармоничные формы, отделка резьбой по дереву, продуманность каждой детали, которые образуют прекрасное целое. Палитра цвета в ренессансе – достаточно мягкая и натуральная, где полутона переходят друг в друга без очевидных контрастов, царит абсолютная гармония, ничто не отвлекает. Приветствуются все оттенки древесины, пурпурный, синий, коричневый, желтый, золотистый и белый цвет.

Изобразительно искусство – благодаря важным экономическим и политическим связям между Испанией и Фландрией с середины 15 века привело к выделению испано-фламандской школы живописцев.

Архитектура – архитектура и скульптура сохраняют готический характер.

 

16 век Испания

Сформировавшийся стиль – позднее Возрождение, «золотой век»

Основные художники:

Хуáн Баути́ста де Эррéра— испанский архитектор и учёный, представитель Позднего Возрождения, создатель «неукрашенного» стиля ренессансного зодчества. Являлся одним из выдающихся архитекторов Испании XVI века. Как истинный человек эпохи Возрождения интересовался многими областями науки. Его работа «Речь о кубической форме» показывает его прекрасные познания в геометрии и математике. Карьера архитектора началась в 1561 году с работы над королевским дворцом в Аранхуэсе. С 1559 года Эррера принимал участие в качестве помощника главного архитектора Хуана де Толедо в строительстве монастыря-дворца Эскориала, а с 1567 по 1584 год возглавлял работы. Сохранив общую планировку комплекса, Эррера увеличил размер здания, удвоил число его этажей и объединил все четыре фасада общим карнизом. Кроме того, он спроектировал церковь (1574-82) и построил лазарет. Уже в этой работе виден характерный стиль архитектора, отличающийся строгостью архитектурных форм и отсутствием украшений. Этот стиль был назван «неукрашенным» или «эрререско»  и вплоть до середины XVII века использовался в испанском зодчестве. После 1567 года Хуан де Эррера работал над летним дворцом в Аранхуэсе, а в 1583—1598 годы занимался проектом Севильского торгового дома, здание которого в настоящее время занимает Архив Индий. В 1585 архитектор занялся кафедральным собором в Вальядолиде, который позже послужил моделью для соборов в Мехико и в Лиме. Сам Вальядолидский собор в XVIII веке был сильно изменён А. де Чурригерой, поэтому дошёл до настоящего времени в реконструированном виде.

 

 

 

Тициан - итальянский живописец, крупнейший представитель венецианской школы эпохи Высокого и Позднего Возрождения. Имя Тициана стоит в одном ряду с такими художниками Возрождения, как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль. Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и римские папы, кардиналы, герцоги и князья. Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции.По месту рождения (Пьеве-ди-Кадоре в провинции Беллуно, Венецианская республика) его иногда называют да Кадоре; известен также как Тициан Божественный. Одно из самых ранних и самых совершенных произведений Тициана «Христос с денарием» (Дрезден) – замечательное по глубине психологической характеристики, по тонкости исполнения и блестящему колориту.  В своих первых работах Тициан разрабатывает «живопись тона» («Не прикасайся ко мне», Национальная галерея, Лондон; серия женских полуфигур, таких как Флора, ок. 1515, Галерея Уффици, Флоренция), одновременно проявляя интерес к живописи Андреа Мантеньи, Альбрехта Дюрера и Рафаэля, все больше ориентируясь на экспрессивный реализм. «Ассунта» – шедевр религиозной живописи Тициана. Как оригинально Тициан разрабатывал античные сюжеты, показывают его картины «Диана и Каллисто» и особенно - полные жизни «Вакханалия» (Мадрид), «Вакх и Ариадна» (Национальная галерея, Лондон). До какого высокого совершенства было доведено мастерство изображения нагого тела, можно судить по многочисленным поражающим выпуклостью форм и силою колорита «Венерам» (лучшая во Флоренции, в Уффици) и «Данаям». Даже аллегорическим изображениям Тициан умел придать благородную жизненность и красоту. К превосходным образцам этого рода живописи Тициана принадлежат «Три возраста» Наконец, Тициан имеет крупное значение, как пейзажист. Пейзаж играет у него видную роль во многих картинах. Тициан превосходно изображает строгую, простую и величественную красоту природы. Глубина психологического проникновения характеризует и новые портреты Тициана: таковы Кларисса Строцци в возрасте пяти лет (1542, Государственные музеи, Берлин), Молодой человек с голубыми глазами, известный также под названием Молодой англичанин (Палаццо Питта, Флоренция).В Венеции деятельность Тициана была сосредоточена прежде всего в сфере религиозной живописи: он писал алтарные образы, вроде Мученичества Святого Лаврентия (1559, церковь иезуитов).В ряду его последних шедевров числятся Благовещение (Сан-Сальваторе, Венеция), Тарквиний и Лукреция (Академия изобразительных искусств, Вена), Увенчание тернием (Баварские картинные собрания, Мюнхен), которые обозначают явственный переход Тициана к маньеристическому этапу.

 Эль Греко (дословно «Грек», Теотокопули Доменико) - испанский живописец, скульптор и архитектор. Родился на Крите, отсюда прозвище - Грек. Обучался на Крите традиционной иконописи, после 1560 г. уехал в Венецию, где, возможно, учился у Тициана, а в 1570 г. - в Рим. Творческий почерк его живописи сформировался главным образом под воздействием Тинторетто и Микеланджело. В 1577 г. Эль Греко переехал в Испанию и обосновался в Толедо, где работал с 1577 вплоть до самой смерти (7 апреля 1614), создав ряд замечательных алтарей. Для его произведений характерны невероятная эмоциональность, неожиданные ракурсы и неестественно вытянутые пропорции, создающие эффект стремительного изменения масштабов фигур и предметов ("Мученичество св. Маврикия", 1580-1582 гг.). Мастерски написанные Эль Греко картины на религиозные сюжеты с большим числом персонажей своей ирреальностью родственны поэзии испанских мистиков. Такова, например, торжественно-величавая композиция "Погребение графа Оргаса" (1586-1588 гг.). Оказавшись сначала в орбите влияния Тициана и Микеланджело, а затем вступив на путь маньеризма, Эль Греко стал провозвестником искусства барокко.

 

Характеристика стиля – величайший культурный подъём в истории Испании. Большое значение для испанского Возрождения имел итальянский гуманизм, в рамках которого было пересмотрено отношение к слову. «Наука о слове» стала «наукой о человеке», так как именно дар слова отличает человека от всех других существ. Изучение греческих и римских авторов -кратчайший путь к формированию «идеального человека».

Изобразительно искусство – утверждают величие и значимость человеческой личности.

Архитектура – Большой высоты достигли в эту эпоху и пластические искусства. После длительного периода господства готики и расцвета мавританского зодчества в Испании XVI в, пробуждается интерес к архитектуре итальянского Ренессанса. Но, следуя его образцам, испанцы оригинально преобразуют формы итальянской архитектуры. Ко второй половине XVI столетия относится деятельность гениального архитектора Хуана де Эрреры (1530—1597), создателя особого стиля «эрререск». Стиль этот принимает формы античного зодчества.

 

17 век Испания

Сформировавшийся стиль – борокко

Основные художники:

Микела́нджело Меризи да Карава́джо -  итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII века, основатель реализма в живописи, один из крупнейших мастеров барокко. Одним из первых применил манеру письма «кьяроскуро» — резкое противопоставление света и тени, а также «тенеброcсо». Не обнаружено ни одного рисунка или эскиза, художник свои сложные композиции сразу реализовывал на холсте. Некоторое время в своей биографии Караваджо обучался в Милане. Затем в 1592 году Микеланджело приехал в Рим, со временем кардинал Франциско дел Монте  стал его покровителем. Для него Караваджо создал несколько полотен, среди которых музей «Метрополитен». Некоторые из жанровых работ художника, такие как «Гадалка» (Лувр) созданы во время его пребывания в Риме. Резкий характер, изменчивое расположение духа вовлекли его в несколько шумных ссор. А в 1606 году в биографии Микеланджело Меризи да Караваджо произошел переезд из Рима после убийства молодого человека на дуэли. Следующие пять лет он провел в Неаполе, Мальте, Сиракузе, Мессине.Революционный в искусстве художник был обвинен в копировании природы.

Хусе Рибера по прозвищу Спаньолетто - испанский караваджист эпохи барокко, живший и работавший в итальянском Неаполе. Помимо живописных работ, оставил большой объём графики. Рибера был одним из первых испанских художников, который начал работать в области гравюры, используя при этом технику офорта. Большинство офортов им выполнено в юности. Во второй половине 20-х гг. Рибера увлекся живописью. Очень важна для Риберы тема аскета-отшельника — «Мученичество св. Варфоломея». Рибера не раз обращался и к мифологическим сюжетам. Им созданы образы поверженных и закованных в цепи титанов: Иксиона, Титиуса, сатира Марсия, наказанного Аполлоном. Женские образы Рибера всегда прекрасны и одухотворены — «Мария Египетская», «Св. Инесса». В 1642 г. Рибера пишет свою прославленную картину «Хромоножка». Несмотря на то, что его ноги и руки изуродованы болезнью ребенок смеется, глаза его умны и лукавы.

Франсиско де Сурбаран - всецело принадлежал Испании, из которой никогда не выезжал. Обучался у мастера по раскраске деревянной скульптуры. В период расцвета своего творчества — 30-е и 40-е гг. Сурбаран был крупным севильским мастером. Главные его заказчики были монастыри. Он исполнял для них и алтарные образы, и циклы картин, иллюстрирующие местные легенды. В творчестве художника преобладала религиозная тематика, хотя он также писал портреты, натюрморты, исторические и мифологические картины. Сурбаран избегал многофигурных композиций, создавал одиночные фигуры в тяжелых одеждах, суровые и монументальные, четко выделяющиеся на просторном фоне. Первый большой заказ — написать сцены из жизни св. Доминика — Сурбаран получил в 1626 г. от севильского монастыря Сан Пабло. Лучшая картина из этой серии — «Распятие» (1627 г.). Внимание к вещам окружающим человека сделала Сурбарана первоклассным мастером натюрмортов — «Натюрморт с апельсинами и лимонами» (1673 г.). Славу Сурбарану в 40-е гг. принесли ряд женских образов — св. Касильда, св. Маргарита, св. Инесса, св. Аполлония и др. Какая именно святая изображена можно определить по атрибутам.

Диего Родригес де Сильва Веласкес - его произведения — вершина испанской живописи XVII в. Первые самостоятельные работы мастера показывают его интерес к жанру бодегон — картины с изображением лавки или трактира, нечто среднее между натюрмортом и бытовой сценой — «Завтрак», «Водонос». У Веласкеса почти отсутствуют произведения на религиозные сюжеты, а те, которые он избирает, трактуются им близко к бодегону — «Христос в доме Марфы и Марии». В 1623 г. Веласкес переезжает в Мадрид и становится придворным художником короля Филиппа IV. В середине 30-х гг. Веласкес пишет картину «Сдача Бреды» (1634–1635 гг.), посвященную единственному победному событию в бесславной для испанцев борьбе с голландцами. Колористическое решение скупо, построено на немногочисленных тонах — черных, желтых, розовых и зеленых, объединённых серым разной силы, интенсивности и оттенка, от темно-серого до жемчужного. Центральное место в творчестве Веласкеса занимал портрет — «Портрет инфанты Маргариты» (1660 г.), «Портрет Папы Иннокентия X» (1650 г.).  В последнее десятилетие жизни Веласкес создал три самых известных своих произведения — «Венера перед зеркалом» ,

«Менины», «Пряхи» .

 

Бартоломео Эстебан Мурильо — один из основателей, а затем президент Севильской Академии художеств. Его любимые темы: Мадонна с младенцем, изображение святого семейства, вознесение Мадонны — «Мадонна с младенцем» (1655–1660 гг.), «Вознесения Мадонны», «Непорочное зачатие», «Святое семейство с птицей» (1645–1650 гг.). Большой известностью пользовались жанровые картины Мурильо, часто он изображал детей улицы (мальчишек-оборванцев) — «Мальчик с собакой» (1650-е гг.). Мурильо визуально владел мастерством живописи. Мягкая гармония цветовых переходов, перетекание форм обволакивает воздушная дымка. Сильные стороны искусства Мурильо — интимность настроения, задушевность и теплота чувства.

Характеристика стиля – динамизмом композиций, «плоскостью» и пышностью форм, аристократичностью и незаурядностью сюжетов. Самые характерные черты барокко — броская цветистость и динамичность.

Изобразительно искусство - Для испанского искусства было характерно преобладание традиций не классических, а средневековых, готических. Роль католической церкви в сложении испанской школы живописи была очень велика. Под ее влиянием формировались вкусы заказчиков. Характерные черты испанской живописи правдивость, колорит, демократизм, интеллектуальность.

Архитектура – влияние барокко, исходившему в большей мере от Италии строгая архитектура Эрреры сменилась более свободным и вычурным стилем. К слову, испанская архитектура всегда отличалась живописностью форм, поэтому барокко здесь нашло для себя весьма благоприятную почву.

 

18 век Испания

Сформировавшийся стиль –  позднее барокко

Основные художники:

Хосé Бени́то де Чурригéра - наиболее известный представитель семьи архитекторов Чурригера, именем которых назван вычурный архитектурный стиль чурригереско. Следуя традициям семьи, Хосе Бенито поначалу занимался резьбой по дереву и скульптурой. Он создавал ретабло для мадридских церквей. В 1709 году он обратился к архитектуре и подготовил проект деревни Нуэво-Бастан недалеко от Мадрида, ставший одним из наиболее крупных градостроительных планов Испании того времени. По своим проектам он возвёл в деревне дворец, церковь и мануфактуру. В 1722—1723 годах Чурригера работал над ратушей Саламанки. Вместе со своими младшими братьями Хоакином и Альберто он создал пышный стиль позднего испанского барокко, который впоследствии получил его имя. В своих работах Хосе де Чурригера сочетал приемы барокко с отдельными мотивами готики и платереско (испанский вариант ренессанса). Применял вычурную орнаментику, изогнутые волнообразные карнизы, колонны, обильный скульптурный декор. Наиболее выдающиеся его работы :ретабло церкви Сан-Эстебан в Саламанке, дворец в Мадриде, ныне Королевская академия изящных искусств Сан-Фернандо, план города Нуэво-Бастан, с дворцом, церковью и фабрикой .

 

Мариано Сальвадор Маэлла Перес - был испанским художником, известным прежде всего своими портретами и религиозными фресками. Его художественное образование началось с его отца, который был также художником. В 1752 году, в возрасте одиннадцати лет, он переехал в Мадрид и получил уроки от Фелипе де Кастро, скульптора, который помог познакомить Испанию с неоклассическим стилем. За этим последовало зачисление в Королевскую академию искусств Сан-Фернандо , где он привлек внимание Антонио Гонсалеса Веласкеса (на дочери которого он позже женился).

 

 

Его карьера в Мадриде началась всерьез, когда он был назначен придворным художником в 1774 году и стал известен своими портретами.  Он работал не только во Дворце Реала, но и в Ла-Гранха-де-Сан-Ильдефонсо , Дворце Эль-Пардо и Дворце Эскориала . Кроме того, он восстановил работы Хуана де Боргоньи в соборе Толедо , нарисовал фрески в соборе Бурго-де-Осма и создал проекты для Королевской фабрики гобеленов ; где он также служил руководителем для новых художников. С 1795 по 1798 год, после смерти Франциско Байеон занимал должность генерального директора Академии. В 1799 году он и Франсиско Гойя были названы первыми придворными художниками, и он начал работать над восстановлением нескольких королевских мест. После падения короля Карлоса IV в 1808 году он, не колеблясь, переключил свою верность новому французскому правительству короля Хосе I и получил взамен гостеприимство короля. Это в конечном итоге привело к концу его карьеры.

Франсиско де Гойя — испанский художник и гравёр, один из первых и наиболее ярких мастеров изобразительного искусства эпохи романтизма. В 1770-х годах Гойя работал в испанском королевском дворе. В дополнение заказов портретов дворян, он создал произведения, которые критиковали социальные и политические проблемы своей эпохи.  Через немецкого художника Антона Рафаэля Менгса, Гойя начал создавать работы для королевской семьи Испании. Сначала он нарисовал карикатуры гобеленов, которые послужили моделями на заводе в Мадриде. Эти работы показали сцены из повседневной жизни, такие как «Зонтик» (1777) и «Керамика Производитель» (1779).   В 1779 году Гойя получил назначение в качестве художника к королевскому двору. Он продолжал расти в статусе, получив допуск в Королевской Академии Сан-Фернандо в следующем году. Со временем Гойя создал себе репутацию портретиста. Работа "Герцог и герцогиня Осуна и их дети" (1787-1788) отлично это иллюстрирует. Он умело написал мельчайшие элементы их лица и одежду.   В 1792 году Гойя стал совершенно глухой, после страдал от неизвестной болезни. Его стиль несколько изменился. Продолжая развиваться профессионально, Гойя был назначен директором Королевской академии в 1795 году, но он никогда не забывал бедственного положения испанского народа, и отражал это в своих работах.   Гойя создал серию фотографий под названием «Капричос» в 1799 году. Даже в своей официальной работе, как полагают исследователи, бросил критический взгляд на своих подданных. Он написал портрет семьи короля

Карла IV около 1800 года, которая остается одной из самых известных его работ.

 

Характеристика стиля – динамизмом композиций, «плоскостью» и пышностью форм, аристократичностью и незаурядностью сюжетов. Самые характерные черты барокко — броская цветистость и динамичность.

Изобразительно искусство – отличается пестротой и отсутствием стилевого единства. Характерной чертой этого искусства был эклектизм, особенно заметный в произведениях живописцев Мариано Маэлья и Франсиско Байеу. Подражание живописцев классицисту Менгсу соседствовало с подражанием Тьеполо, творческая деятельность которого в Испании в 1767—1770-х гг. была, пожалуй, самым ярким событием художественной жизни того времени. Национальная традиция в живописи, приглушенная, неспособная противостоять натиску «подражательного» направления, все же существовала и проявлялась в талантливых работах Луиса Мелендеса.

Архитектура - сочетание безорнаметального стиля с декоративным барокко. Появляется большее стремление к свободе и декоративности, на фоне общей сдержанности форм. Распространённым типом здания стала культовая постройка. Она отличалась особой театральностью фасадов и таинственностью интерьеров.

13 век Англия

Сформировавшийся стиль –  ранняя английская готика

Основные художники:

Элиаш Дерхем – английский архитектор, руководивший строительством знаменитого собора в Солсбери, который является чистейшим образцом английской готики. Знаменит своим 123 метровым шпилем, будучи самым высоким средневековым зданием в Великобритании. О его биографии ничего не известно.

 

Характеристика стиля –  Наиболее значительное и характерное развитие раннего английского периода было заостренная арка известной как ланцет. Остроконечная арка использовалась почти повсеместно, а не только в сводах широкого диапазона, такие как таковые из нефа аркады , но и для дверных проемов и стрельчатых окон .

Изобразительно искусство – До XVII века об английской живописи можно было говорить только условно. Миниатюры или фрески присутствовали, но на фоне итальянской или голландской школ англичане выглядели бледно. Живопись в стране не поощрялась – господствовавшие в идеологической сфере строгие и суровые пуритане всяческого «украшательства» не приветствовали. В Англии нашла развитие мемориальная пластика. Здесь надгробия высекались из различных пород камня, чеканились или отливалисьиз латуни и меди, нередко золотились.

Архитектура - В этот период были канонизированы характерные черты композиции английских кафедральных соборов, отличающихся от французских, доминирующей центральной башней над средокрестием, двумя маленькими башенками, фланкирующими по норманнскому обычаю главный фасад, прямоугольной апсидой. Большая роза западного фасада, как правило, отсутствует, она заменяется прямоугольным окном (такое же окно появляется в апсиде). Арки применяются ланцетовидные. Даже главное требование готики - устремлённость к небу - английские зодчие постарались выявить по-своему. Воздвигая соборы всё более вытянутыми в длину, они снабжали их стрельчатыми дугами, многократно повторяющимися в окнах, и таким же изобилием настенных вертикальных переплётов с добавлением третьей башни, уже не фасадной, а расположенной над средокрестием.

14 век Англия

Сформировавшийся стиль –  английская готика «украшенный стиль»

Основные художники:

Характеристика стиля – тяжеловесность, перегруженность композиционных линий, сложность и богатство архитектурного декора. Появляется пристрастие к изогнутым линиям, криволинейному декору.

Изобразительно искусство – Английская живопись и миниатюра в эпоху готики были тесно связаны с искусством Франции. Как и во французской, в английской миниатюре много элементов реальной жизни. Примером могут служить светские хроники и богослужебные книги восточно-английской школы XIV века, из которых самая знаменитая - Псалтырь королевы Марии (1320).

Архитектура - опередила континент усовершенствованием сквозных украшений в виде пламени свечи и богатых сетчатых и звездообразных сводов. Теперь она предоставила континенту дальнейшую разработку «пламенеющего» стиля и других прихотливых форм фантазии. Разнообразна и каменная резьба, для которой характерны разнообразные орнаменты: геометрический, сетчатый – и растительные узоры, разбивавшие окна на все большое число составляющих частей.

 

15 век Англия

Сформировавшийся стиль –  "перпендикулярная готика"

Основные художники:

Реджинальд Эли и Николас Клоос – архитекторы Часовня Королевского колледжа в Кембридже, Англия — шедевр английской перпендикулярной готики. Об их биографии ничего не известно.

 

 

 

 

 

 

Характеристика стиля – Основной мотив декора - «панель», узкий, вытянутый прямоугольник ажурного кружева, увенчанный маленькой аркой с остроконечным навершием.

Изобразительно искусство – В средневековой Англии были высоко развиты ювелирное дело, искусство резьбы, витража, ковроделие.

Архитектура - Основным мотивом декора перпендикулярного стиля является вытянутый, узкий прямоугольник, увенчанный аркой с остроконечным навершием. Такие прямоугольники покрывают все поверхности, образуя геометрически правильную решетку. Перпендикулярная готика в архитектуре Англии позволила увеличить окна, практически полностью заменив ими стены. Воплощение перпендикулярного стиля – Часовня королевского колледжа, основанного в Кембридже при Генрихом VI в 1441 году.

 

16 век Англия

Сформировавшийся стиль –  стиль Тюдоров

Основные художники:

Оксбру-холл  — здание I класса в деревне Оксборо в Англии, то есть здание, представляющее особый интерес. Загородный дом в тюдоровском стиле построен около 1482 года Эдмундом Бедингфелдом. Имя архитектора неизвестно.

Николас Хиллиард— английский художник, ювелир и иллюстратор манускриптов, прославившийся своими портретными миниатюрами с изображениями придворных Елизаветы и Якова I. Художник был сыном Ричарда Хиллиарда  ювелира и глубоко верующего протестанта, который был шерифом города и графства в 1560 году, и Лоуренс, дочери Джона Уолла, лондонского ювелира. Вероятней всего, в юном возрасте Хиллиард был взят в дом видного эстерского протестанта Джона Бодли (отца Томаса Бодли, основателя Бодлианской библиотеки в Оксфорде). С восшествием на престол Марии Тюдор Джон Бодли отправился в изгнание, и 8 мая 1557 года 10-летний Хиллиард отмечен в числе сопровождавших его в Женеве домочадцев. Именно в Женеве Хиллиард выучил немецкий язык. Томас Бодли, который был старше его на два года, продолжил в столице Швейцарии своё классическое образование у ведущих учёных. Но не ясно, учился ли Хиллиард вместе с ним. В 13 лет Хиллиард написал автопортрет, и как утверждают, в 18 ему позировала уже Мария Стюарт. Он ушёл в ученики к ювелиру английской королевы Роберту Брандону, который был мастером золотых дел и казначеем города Лондона. Предполагают также, что Хиллиард мог учиться искусству живописи у Левины Теерлинк, дочери Симона Бенинга, последнего великого мастера фламандской традиции иллюминирования манускриптов, служившего придворным художником Генриха VIII после смерти Гольбейна. После 7 лет ученичества Хиллиард был признан Мастером Почтенным Цехом Ювелиров в 1569 году и открыл вместе с младшим братом Джоном мастерскую. Наиболее крупным художником среди учеников мастерской Николаса Хиллиарда стал Исаак Оливер.Умер Хиллиард в 1619 году.

Исаак Оливер или Исаак Оливье — английский художник-миниатюрист французского происхождения. Родился в Руане около 1556 или около 1565 года в гугенотской семье. Переехал в Лондон в 1568 году из-за усиления гонений на гугенотов и бедствий религиозных войн во Франции. Учился миниатюрной живописи в мастерской Николаса Хиллиарда. Уже в 1590 году начал работать самостоятельно. Он посетил Венецию в 1596 году, где копировал в миниатюре произведения художников итальянского Возрождения. 9 февраля 1602 году в голландской церкви Лондона он женился на Саре, дочери известного художника-портретиста Маркуса Герертса Старшего. Считается, что этот брак позволил ему войти в круг художников, работавших по заказам английской аристократии. Хотя художник принял английское подданство в 1606 году, он всегда считал себя французом и его знание письменного английского языка было слабым. Современники единодушно считали его англичанином, но свою подпись он ставил во французской форме «Isaac Olivier» и «Isaac Ollivier», единственное исключение — подпись под завещанием, где оно стоит в английской форме «Isaac Oliver». После смерти королевы Елизаветы I, придворным художником которой был Хиллиард, он стал придворным художником Анны Датской, супруги Якова I, а затем Генриха Фредерика Стюарта, с 1610 года принца Уэльского. Оливеру также принадлежали большие картины маслом на религиозный сюжет. В документах упоминаются полотна: «Святой Иоанн Креститель», «Святое семейство» и «Положение во гроб». До нашего времени первые две картины не дошли. Изображений античных сюжетов в творчестве художника немного, одной из редких подобных работ является миниатюра с изображением Дианы в собрании Лувра.

Характеристика стиля – фундамент в форме букв Y, E, H; щипец криволинейной формы, пришедший из Нидерландов; большие застекленные оконные проемы; длинные галереи; тюдоровская арка; геометрически оформленный

Изобразительно искусство – Отблеском великого средневекового искусства Англии являются лишь некоторые английские картины на стекле первой половины XVI столетия. Их исследовал Уистлек. Нам придется ограничиваться по поводу их лишь немногими замечаниями. И в этой области воочию приобрело почву в Англии нидерландское искусство. Уже святые с горящими глазами и библейские сюжеты на окнах церкви в Файфорде начала XVI века были, как оказалось, нидерландского происхождения, а относительно знаменитых расписных окон 1532 г. в Личфилдском соборе известно, что они были привезены в Англию из Нидерландов, именно из монастыря Геркенроде. Некоторые из окон Вестминстерского аббатства также происходят из Нидерландов. С другой стороны здесь работали для Генриха VIII также и отличные английские живописцы по стеклу Джемс Николсон и Бернард Флауэр.

Архитектура - Стиль Тюдоров представляет собой стиль поздней английской готики, процветавший в период правления королевской династии Тюдоров 1485 – 1603. Временные рамки стиля с 1500 по 1560-е годы, после чего тюдоровскую архитектуру стала вытеснять Елизаветинская архитектура. Стиль сочетает в себе элементы эпохи Возрожденяи и средневековой готики.

 

17 век Англия

Сформировавшийся стиль –  классицизм, в последней четверти XVII века – раннее английское барокко.

Основные художники:

Иниго Джонс  — английский архитектор, дизайнер, художник и сценограф, который стоял у истоков британской архитектурной традиции. Будучи поклонником венецианца Андреа Палладио, он первым принёс его благородно-классицистическую манеру («палладианство») на север Европы. Укорениться ей было суждено именно в Англии, и заслугу Джонса в этом трудно переоценить. Значительную часть его времени занимала разработка костюмов и декораций к придворным представлениям (маскам) на тексты Бена Джонсона (множество набросков находится на хранении в Чатсуорт-хаусе у герцога Девонширского). В период между 1605 и 1640 годами Джонс осуществил сценографию более чем 500 театральных представлений.В 1613 году он вновь ездил в Италию изучать работы Палладио. В течение последующих 28 лет, с 1615 по 1642 годы, Джонс был главным придворным архитектором Якова I и Карла I. Он применил своё знание произведений Палладио и Скамоцци при постройке домика королевы (Куинс-хаус) в Гринвиче. Эту работу пришлось прервать, когда в 1619 году сгорел Уайтхолльский дворец в Лондоне. В ходе восстановительных работ Джонс построил сдержанный и элегантный Дом банкетов, изнутри решённый как базилика. Единственный зал этого здания украсил Рубенс. Примерно в то же время Джонс работал над капеллой Сент-Джеймсского дворца.

Кристофер Рен - английский архитектор и учёный. Между 1649 и 1653 годами изучал математику в Оксфордском университете. С 1657 года профессор астрономии в Лондоне, с 1661 года в Оксфорде. В 1681-1683 годах президент Лондонского королевского общества. Обратившись с 1660-х годов к архитектуре, стал крупнейшим представителем английского классицизма. План реконструкции Лондона, составленный Реном после пожара 1666 года, не был осуществлен, но зодчий построил в Сити многочисленные жилые дома, а также церкви, отличающиеся необычайным разнообразием конструктивных и пространственных решений (церковь Сент-Мэри-ле-Боу). Главные произведение Рена - собор святого Павла в Лондоне (1675-1710), являющийся самым большим протестантским храмом в мире и гармонично объединяющий в своей композиции осевую систему с центральнокупольной. Среди других лондонских построек Рена - величественные ансамбли госпиталей в Челси и Гринвиче. Много строил также в университетских

городах (библиотека Тринити-колледжа в Кембридже).

Джон Ванбру - британский драматург и архитектор, самый значительный представитель английского барокко. Главные и самые крупные его работы — это выстроенные в первые годы 18 в. дворцы Хоуард и Бленхейм. Уже в первом из них он, пытаясь сочетать версальский размах с английским комфортом, поразил современников прежде всего размерами своей постройки, протяженность которой равнялась 200 м, глубина — почти 130 м, высота центрального купола превышала 70 м. В еще более грандиозном по размерам Бленхеймском дворце, выстроенном для знаменитого полководца герцога Мальборо, архитектор попытался улучшить несколько неуклюжий план первой постройки. Соблюдая строгую симметрию, он расположил по обе стороны огромного курдонера еще два двора, которые соединены с главным корпусом галереями, украшенными колоннадой. В наружной архитектуре дворца Бленхейм ни тяжелый портик главного входа, ни триумфальная арка паркового фасада, ни угловые будто надстроенные башни не радуют глаза: формы здесь тяжелы и грубы. Внутренние помещения дворца неудобны и неуютны. Свойственное классицизму стремление к строгой парадности довольно механически сочетается у Ванбру с восходящей к барокко поверхностной пышностью. В его архитектуре, по выражению одного из современников, «тяжелой по форме и легковесной по существу», нетрудно обнаружить явные признаки эклектизма.

Николас Хоксмур - английский архитектор. Был ведущим деятелем английского барокко в архитектуре конца XVII — начала XVIII века. Работал наряду с главными архитекторами того времени — Кристофером Реном и Джоном Ванбру, а также участвовал в создании некоторых самых значимых построек того периода: Собор Святого Павла, церквей Рена в Лондонском Сити, Бленхеймского дворца и замка Говард. Он вел строительство лондонских церквей, из которых наиболее интересна церковь Сент Мэри Вулнос с фасадом, украшенным рустом, и окруженной колоннами прямоугольной в плане колокольней, завершенной двумя башенками с балюстрадой. Хоксмур работал после своего учителя в Оксфорде, где выстроил новый корпус Куинс-колледжа с монументальным дворовым фасадом и своеобразным входом. Наконец, еще при жизни Рена и после его смерти Хоксмур в продолжал строительство Гринвичского госпиталя. Расположенный на берегу Темзы, этот один из самых значительных и по размерам и по художественным достоинствам памятников английской архитектуры принял при Хоксмуре окончательный вид.

Характеристика стиля – В классицизме категорически отвергаются округлые вычурные формы барокко. Эталоны гармонии, строгости и монументальности в этом направлении являются преимущественными.

Изобразительно искусство – В живописи также наблюдается значительное присутствие иностранных мастеров. Рубенс и Ван Дейк — наиболее известные, но не единственные нидерландские художники, работавшие в Англии; кроме того, известны итальянские и немецкие художники в Англии. Но существовали и самобытные течения, например, миниатюрная портретная живопись — специфический английский стиль.

Архитектура - Ключевыми особенностями английских сооружений различного назначения (общественные и жилые), строившихся для различных слоев населения, можно назвать такие признаки, как прямоугольный план, симметричная планировка фасада, значительная высота парадного этажа и небольшая –верхнего. Входы и выходы в здания выделялись так называемыми портиками – крытыми галереями различных размеров, перекрытие которых опирается по поддерживающим его колоннам. По торцам здания, как правило, размещались по два флигеля, которые соединялись с основным зданием при помощи крытой колоннады, имеющей полукруглую форму в плане. Барочная эстетика оказала мало влияния в Англии.

18 век Англия

Сформировавшийся стиль –  «золотой век»

Основные художники:

Уи́льям Хо́гарт — английский художник, основатель и крупный представитель национальной школы живописи, иллюстратор, автор сатирических гравюр, открыватель новых жанров в живописи и графике. Многие свои произведения художник, испытавший на себе влияние идей философов Просвещения, подчинил задаче воспитания с помощью художественного творчества нравственного начала в человеке и искоренения пороков. В 1730—1731 годах Хогарт выполнил серию из шести картин, получившую название «Карьера проститутки». Большим успехом пользовались гравюрные оттиски серии, напечатанные в 1732 году. Неизвестно, была ли его модель, написанная на серии картин, вымышленной или реально существующей. Мы видим на этих картинах ярко накрашенную молодую женщину. Сквозь белила, румяна и помаду просвечивает трагическая судьба человека, вынужденного работать в столь непрезентабельной профессии. В то время посетитель публичного дома мог получить любую женщину, заплатив всего шиллинг. Следующая серия гравюр — «Карьера мота» — была опубликована в 1735 году, а в 1745 году появился знаменитый цикл «Модный брак». Затем последовали другие серии, среди которых — «Прилежание и леность» (1747), «Четыре стадии жестокости» (1751) и «Выборы» (4 гравюры, 1755—1758). Хогарт выполнил также множество отдельных гравюр, несколько портретов и ряд исторических картин. В 1753 году вышел в свет его трактат «Анализ красоты». В 1757 году Георг II назначил Хогарта главным живописцем; в этой должности он стал преемником Джеймса Торнхилла. В 1764 году художник выпустил свою последнюю гравюру «Конец, или Бездна». В середине 50-х годов XVIII века почти в любой английской лавочке или книжном магазине можно было купить гравюры Уильяма Хогарта. Лучше любых биографов о нём рассказал автопортрет, композиция которого необычна — это «картина в картине».

 

Джошуа Рейнольдс — английский исторический и портретный живописец, представитель английской школы портретной живописи XVIII века. Теоретик искусства. Первый президент Королевской академии художеств, член Лондонского королевского общества. Член Общества дилетантов, созданного с целью изучения античного искусства. В 1749 году Рейнольдс начинает свое путешествие по Европе. Он осуществляет свою мечту посмотреть мир, благодаря знакомству с Огастесом Кеппелом. Этот моряк получил приказ плыть в Средиземное море, и предложил юному художнику составить ему компанию. Сначала живописец побывал на Менорке (один из островов рядом с побережьем Испании). Оттуда Джошуа поехал в Рим, где несколько лет изучал античную греко-римскую скульптуру и итальянскую живопись. Также художник около месяца жил в Париже. Закончив свои странствия, в 1753 году Рейнольдс окончательно переезжает в Лондон. В столице он становится очень популярным портретистом. Некоторые из его работ хранятся в музеях Великобритании, Германии, Испании, России.   После 1760 года, в его картинах прослеживается классический стиль. А в 1768 году, его избирают на пост президента Королевской Академии, который он не покидал до конца своей жизни.   Джошуа был успешен не только в искусстве. В начале июля 1774 года он становится доктором юридических наук в университете Оксфорда. После этого, начинается самый продуктивный период его жизни. Рейнольдс продолжает писать портреты красивых женщин, детей, увлекается мифологией. В 1781 году, он отправляется в Германию и Голландию, в 1783 году, посещает Фландрию. Через год художника назначают придворным живописцем английского короля. В 1789 году у художника начинаются серьезные проблемы со здоровьем и Рейнольдс перестает видеть одним глазом. 23 февраля 1792, умирает живописец, портретист, оратор и просто великий человек.

 

Уильям Кент – английский архитектор и садовод, стоявший у истоков британского классицизма и системы английского сада. Известен своим сотрудничеством с Ланселотом Брауном и графом Бёрлингтоном. Вместе с лордом Берлингтоном, мнившим себя архитектором, он спроектировал и выстроил виллу в Чизвике, наиболее удачную из многочисленных английских вариантов палладиевской виллы Ротонда. Более свободно чувствовал себя Кент при строительстве замка Холкхэм-холл, где органично связанные с центральным корпусом четыре флигеля (с часовней, библиотекой, кухней и комнатами для гостей) выходят в окружающий их парк. Особенно велики заслуги Кента в садово-парковом искусстве, где он известен как «отец современного сада». Самая зрелая работа архитектора — скупой по формам безордерный фасад казарм конногвардейского полка в Лондоне.

Джеймс Гиббс  — наиболее яркая индивидуальность в английской архитектуре первой половины 18 века. Пройдя школу у Филиппе Ювары в Турине, он также усвоил ордерную и пропорциональную систему Палладио. Наиболее значительная из его построек и по масштабу и по художественным достоинствам — так называемая Редклиффовская библиотека в Оксфорде (1737—1749), исключительное по своеобразию центрическое сооружение, состоящее из шестнадцатигранного цоколя, цилиндрической основной части и купола. Массивный рустованный цоколь прорезан большими арочными дверными и оконными проемами; круглая часть расчленена парными трехчетвертными колоннами на шестнадцать простенков с двумя ярусами чередующихся окон и ниш. Над балюстрадой, завершающей основной цилиндрический объем, вздымается увенчанный фонарем купол. Вполне выражающая свое назначение, строгая и монументальная университетская библиотека занимает, бесспорно, одно из первых мест среди лучших памятников английской архитектуры. Своеобразны и лондонские церкви Гиббса, строительство которых он продолжал вслед за Реном и Хоксмуром,— двухэтажная церковь Сент Мэри ле Стрэнд (1714—1717) с полукруглым портиком входа и стройной колокольней и церковь Сент Мартин ин-де Филдс (1721—1726) с импозантным коринфским портиком.

Уильям Чемберс был последовательным представителем палладианства в Англии во второй половине 18 в., когда менее значительные английские архитекторы уже отказались от безуспешных попыток приспособить планы вилл Палладио к условиям английского климата и требованиям английского комфорта. Пройденному этапу английской архитектуры Чемберс подвел итоги в своем архитектурном трактате и крупнейшей своей постройке, известной под названием Сомерсет-хауз в Лондоне. Это монументальное здание, сооруженное на аркадах субструкций, выходит своими рустованными фасадами на Стрэнд и на набережную Темзы (обращенный к реке фасад достроен позже, в 19 столетии). В помещениях Сомерсет-хауза в 1780 г. разместилась Королевская Академия. Последний палладианец, Чемберс был первым представителем академического направления в английской архитектуре.  Сомерсет-хауз, в особенности фасад с трехарочным въездом со Стрэнда и величественный двор здания, достойно завершает большую и блестящую эпоху в истории английской архитектуры. Неоспоримы заслуги Чемберса и в области садово-парковой архитектуры, где он пропагандировал английский ландшафтный парк. После Кента он работал в парке Кью, где кроме классических павильонов выстроил китайскую пагоду как дань европейской моде на «китайщину» и как воспоминание о совершенном им в юности путешествии на Дальний Восток.

Роберт Адам - другой виднейший английский архитектор второй половины 18 в., часто противопоставляется Чемберсу. В то время как консерватор Чемберс был строгим блюстителем палладианских традиций в архитектуре, Адам, проповедник «новых вкусов», был до известной степени новатором в английском искусстве. Воспринимая по-новому античность, уделяя при этом особое внимание декоративным мотивам, он, по его собственному выражению, «революционизировал орнамент». Возглавляемые им передовые английские зодчие этого времени много сделали для того, чтобы проводимые им новые художественные тенденции распространились с отделки интерьеров (их образцом может служить созданный архитектором Джеймсом Пейном вестибюль замка Уордор в Уилтшире, см. илл.) на мебель, ткани, фарфор. Характерный образец творчества Адама — замок Кедлстон-холл, выстроенный и отделанный им внутри по составленному другими архитекторами палладианскому плану (с полукруглыми крыльями, примыкающими к центральному зданию). Но расположенные по главной оси самые большие парадные помещений замка принадлежат, несомненно, Адаму. Замысел большого холла, где за несущими лепной потолок коринфскими колоннами из искусственного мрамора стоят в нишах стен античные статуи, и перекрытого куполом салона, стены которого расчленены нишами и табернаклями, навеян, вероятно, античными памятниками, с которыми Адам ознакомился во время поездки в Далмацию, где он изучал дворец Диоклетиана в Сплите. В еще большей степени отвечали новым изысканным вкусам приемы отделки других, меньших по размерам помещений — лепнина потолков и стен, украшения каминов. Изящный фасад

клуба Будль в Лондоне (1765) дает представление о том, как Адам решал внешний облик здания.

 

Характеристика стиля – более трезвые и реалистические формы мировоззрение. Развитие получили точные науки, материалистическая философия, классическая политическая экономия, движение Просвещения с идеей «естественного человека»

Изобразительно искусство – Художники этого времени перестали писать, только богачей и знаменитостей. На их картинах всё чаще можно было видеть простых людей - моряков, нищих, слуг, женщин лёгкого поведения. Широкое распространение получили исторические сюжеты. Единичные полотна или циклы иногда остро сатиричны, иногда глубоко печальны, но всегда очень живы и реалистичны. Полотна превращаются в удивительные “театральные” представления. Теперь на месте миниатюр, все прочнее закрепляются гравюры и другие виды искусства.

Архитектура -  В то время как барокко достигло в европейской архитектуре кульминации, английская архитектура продолжала стоять на позициях рационализма и классицизма. Особого своеобразия английские мастера достигли в области жилой архитектуры – в сельских виллах, дворцах, окруженных живописными парками. Идеал красоты здесь сочетался с требованиями разумного расположения частей здания и расчлененной планировкой. Регулярный парк (французский) во второй половине 18 века вытесняется в Англии ландшафтным, в котором композицию образуют свободные группы деревьев, открытые лужайки, озера с извилистыми берегами.

 

13 век Германия

Сформировавшийся стиль –  немецкая готика

Основные художники:

Герхард фон Риле — архитектор Кёльнского собора, начавший работу над ним в 1248 году по приглашению кёльнского епископа Конрада фон Гохштадена. Образцом для Риле служил Амьенский готический собор. От эпохи Средних веков остались известия о людях, принадлежащих к благородному роду «Риле»; есть предположение, что мастер Герхард относился к нему. Известно, что с 1173 г. близ Кёльна жил Шиллинг фон Риле, министериал Кёльнского архиепископа. Он владел там особняком и землями. Недалеко он получил во владение виноградник, и об этом есть запись, сделанная представителем капитула церкви св. Куниберта.

Наумбургский мастер - Все эти качества в полной мере проявились в стиле неизвестного наумбургского мастера, поистине гениального художника, наиболее известной работой которого является замечательная серия статуй и рельефов, созданных им примерно в 1240—1250 гг. для Наум-бургского собора. Показанное «Распятие» служит центральным элементом перегородки, отделяющей хоры от общедоступной части здания. Справа и слева мы видим статуи Богородицы и Иоанна Крестителя. Размещенные в глубине увенчанного островерхим щипцом портика, эти три фигуры обрамляют проход, соединяющий главный неф со святилищем хора. Размещая данную скульптурную группу на перегородке (а не над нею, в соответствии со сложившейся практикой), скульптор как бы опустил их на землю — в физическом и эмоциональном отношении. Страдания Христа теперь принадлежат реальному человеку вследствие выразительно переданных веса и объемности его тела. Богородица и Иоанн Креститель как бы молятся вместе с пришедшими в собор людьми, и горе их более красноречиво, чем когда-либо прежде.

Характеристика стиля – вертикальность композиций, стрельчатая арка, сложная каркасная система опор и ребристых сводов, устремлённость ввысь, лёгкость и ажурность образа.

Изобразительно искусство – светские мотивы, жизненные изображения, реалистическое многообразие форм. Появились мотивы рыцарской любви и придворной жизни. В миниатюре исполнителями стали уже не монахи, а горожане-ремесленники. Повышение роли художника отразилось в том, что имя мастера, создавшего рукопись, украшенную миниатюрами, теперь не всегда останется неизвестным.

Архитектура -  расцвет монументальной готической скульптуры. В немецкой скульптуре резко обозначились черты экспрессии и характерности.  Распространение "зубчатого стиля", названного так по характеру динамичных зигзагообразных складок одеяний. Одним из лучших примеров росписей "зубчатого стиля" является живопись плафона Михаэльмкирхе в Гильдесхейме (ок. 1240 г.)

 

14 век Германия

Сформировавшийся стиль –  период высокой и поздней готики

Основные художники:

Мастер Вильгельм – основатель кёльнской школы живописи. Об его биографии сведения не сохранились.

Архитектор неизвестен - Минденский собор - главный памятник XIV столетия благодаря своим пропорциям, обусловленным широко раздвинутыми столбами, а также богатству и своеобразию мотивов в резьбе оконных переплетов. Из храмов XIV столетия к нему близки церковь св. Марии в Герфорде и церковь Богоматери на лугу в Зёсте; обе они — классические зальные церкви, с почти квадратным в плане основанием.

 

Характеристика стиля – распространения зального типа церкви, архитектурная конструкция которой позволяет создавать единое внутреннее пространство. Энергия общего движения ввысь ослабевает.

Изобразительно искусство – характерна кельнская школа, где началось развитие станковой живописи, живописи на досках.

Архитектура -  «Мягкий стиль» региональный стиль поздней Готики, получивший распространение в скульптуре в 1390-1410-х гг. Основные произведения скульпторов «мягкой готики» — так называемые «горизонтальные оплакивания», в композиции которых тело Христа изображалось «горизонтально» распростертым на коленях Марии, и «прекрасные мадонны», где экзальтированность культа Богоматери, распространенная в раннем средневековье, выродилась в сентиментальную расслабленность, мягкость темы «умиления».

Кирпичная Готика — специфический стиль готической архитектуры, распространенный в Северной Европе, особенно в Северной Германии и прибалтийских регионах, не имеющих природных каменных ресурсов. Для строительства использовали только кирпичи. Ратуша Штральзунд и церковь Св. Николая являются примерами этого стиля.
15 век Германия

Сформировавшийся стиль –  ранний Реннесанс

Основные художники:

Штефан Лохнер — немецкий живописец, прозванный мастером Штефаном Кёльнским. Работал в Кёльне с начала 1430-х гг. Рассматривается историками искусства как главный мастер кёльнской школы. Для художников этой школы характерны лиризм и мягкость в трактовке образов Священного Писания. Лохнер шёл по стопам основателя школы, мастера Вильгельма, с которым равнялся по глубине выражения религиозного чувства и по милой наивности и которого превзошёл в отношении силы лепки и красок. Главное и несомненное его произведение — знаменитый алтарный складень в Кёльнском соборе с изображениями «Поклонения волхвов» на средней доске и сцен из жития св. Гереона и св. Урсулы на боковых створках. Вероятно, ему же принадлежат «Богоматерь в беседке из роз», находящаяся в кёльнском Музее Вальрафа-Рихарца, и «Сретение Господне» в Дармштадтской галерее. В 1447 году Лохнер становится членом городского совета Кёльна.

Ко́нрад фон Зост — вестфальский художник, представитель так называемого «мягкого стиля» поздней готики. Сыграл решающую роль в распространении в Северной Германии принципов интернациональной готики. Он оставил своё имя на Вильдунгенском алтаре и Дортмундском алтаре Марии. Его основные работы стилистически близки к традициям франко-фламандской книжной миниатюры и выдают влияние бургундского придворного искусства. В творчестве фон Зоста прослеживаются художественные приёмы и немецких мастеров, работавших до начала XV века, в том числе кёльнских, например Мастера Бердсвордского алтаря. В настоящее время известны следующие произведения Конрада фон Зоста:Алтарь святого Николая из Часовни святого Николая в Зосте (приписывается), Национальный музей искусства и истории культуры Мюнстера; Алтарь в городской евангелической церкви Бад-Вильдунгена, 1403 г., с самым старым к северу от Альп изображением очков; Переносной алтарь дортмундского семейства Берсвордт (de:Berswordt) с изображением святого Райнхольда (покровителя Дортмунда) и других святых, 1404 г., Старая пинакотека, Мюнхен; Алтарь Марии из дортмундской Церкви Святой Марии, 1420 г. Позднее произведение художника, в котором наиболее ярко

проявилось влияние западного (бургундского) изобразительного искусства.

 

 

Мастер Бертрам из Миндена - немецкий художник, один из крупнейших представителей готической живописи, работавший в стиле интернациональной готики.

Сохранившиеся работы:

В монастыре Доберан: две рельефные доски Рождество Христово и Бегство в Египет, размещённые на внутренней стороне крыльев алтаря-складня (1467).

В нью-йоркской библиотеке Пирпонта Моргана: художественные миниатюры на трёх листах: Воскресение Христово, праздничное действо ко дню Тела Христова и Изображение Христа в Храме (все три - до 1381 года)

В музее Декоративного искусства в Париже: шесть досок с изображениями Страстей Христовых, принадлежащих предположительно к двум алтарным крыльям

Собрание Тиссен в Кастаньоле близ Лугано: малый домашний алтарь с изображением Vera Icon. Считается ранней работой мастера, по манере исполнения близок и книжной миниатюре

Земельный музей Нижней Саксонии: алтарь 1394 для не сохранившейся до настоящего времени гамбургской церкви Св.Иоганна. Представляет собой развитие того художественного стиля, в котором был ранее выполнен Грабовский алтарь.

 

Характеристика стиля – Немецкий гуманизм, сохраняя основные черты движения, отличается от итальянского прежде всего более интенсивным патриотизмом. Немецкие гуманисты считают одной из главных своих задач — «выгнать варварство из Германии» и «вырвать науку у римлян». С этой целью они усердно переводят классиков на родной язык, отыскивают памятники нем. старины, основывают школы, учреждают ученые общества для изучения прошлого, пишут исторические сочинения, учебники и памфлеты в патриотическом духе. Другая особенность немецкого гуманизма — религиозность его представителей, которая внушила им интерес к Священному Писанию, помогла различить католицизм и христианство и примирить с последним новые потребности.

Изобразительно искусство – одним из достижений немецкого искусства 15 в. был подъем живописи, слабо развитой в Германии в предшествующее время. Но станковых картин создавалось в этот период еще мало. Ведущее место занимал алтарный образ. История немецкой живописи 15 в. является в первую очередь историей отдельных крупных алтарей, обычно включавших в себя ряд композиций, связанных общностью тематического замысла.

Главный акцент перенесен был на повествовательное начало и на выражение в религиозном сюжете живых человеческих чувств. Традиционные фигуры святых стали приобретать облик людей того времени, причем очень часто людей из народа, религиозные сцены — насыщаться жанровыми подробностями. Все чаще вводились в искусство наблюденные художниками жизненные детали, чрезвычайно оживлявшие изображения и делавшие их более доступными для зрителя.

Архитектура -  все более значительное место в немецкой архитектуре 15 в. начинают занимать памятники светского зодчества, в которых, с одной стороны, обнаруживается продолжение ценных традиций гражданской готической архитектуры предшествующих веков, а с другой стороны, находят благоприятную почву для своего развития новые, прогрессивные тенденции. Не менее выразительны фахверковые общественные постройки (конструкцию которых составляет деревянный каркас с кирпичным заполнением), достигшие в этот период замечательной художественной выразительности.

 

16 век Германия

Сформировавшийся стиль –  Высший Ренессанс

Основные художники:

А́льбрехт Дю́рер — немецкий живописец, гравёр и график, один из величайших мастеров западноевропейского Ренессанса. Признан крупнейшим европейским мастером ксилографии, поднявшим её на уровень настоящего искусства. Первый теоретик искусства среди североевропейских художников, автор практического руководства по изобразительному и декоративно-прикладному искусству на немецком языке, пропагандировавший необходимость разностороннего развития художников. Основоположник сравнительной антропометрии. Помимо перечисленного оставил заметный след в военно-инженерном деле разработкой теории фортификации. Первый из европейских художников, написавший автобиографию.

Вендель Диттерлин Старший — немецкий художник-маньерист: архитектор-декоратор, рисовальщик-орнаменталист, гравёр и теоретик архитектуры. Диттерлин писал картины, рисовал орнаменты, проектировал фонтаны и парковые павильоны. Большая часть этих произведений не сохранилась. В своём причудливом стиле, известном нам в основном по орнаментальным гравюрам художника, Диттерлин как подлинный маньерист соединял элементы фламандского и немецкого барокко с итальянским маньеризмом. Специалисты видят в стиле его декоративных росписей с «преувеличенными ракурсами» влияние фресок Джулио Романо в Палаццо  В 1590—1592 годах Диттерлин работал в Штутгарте, где выполнил росписи плафона «Увеселительного дворца». В конце жизни обобщил свой опыт в теоретическом трактате «Архитектура в построении, симметрии и пропорции пяти ордеров». Трактат содержит 209 гравированных иллюстраций.

Ганс Гольбéйн (Младший) — живописец, один из величайших немецких художников. Самый знаменитый представитель этой фамилии. Родился в Аугсбурге, Германия, учился живописи у своего отца — Ганса Гольбейна-старшего. Испытал влияние Ханса Бургкмайра. Позже с братом Амброзиусом Гольбейном переселился в Базель (Швейцария). В городе Гольбейн познакомился со многими гуманистами и учёными этого периода, в том числе с Эразмом Роттердамским. По просьбе последнего иллюстрировал его работу «Похвала глупости». Гольбейн иллюстрировал и другие книги, участвовал в создании немецкого перевода Библии, создавал витражи и писал портреты. В 1516 году он написал портрет бургомистра Мейера и его жены, а также живописца Ганса Гербстера, в следующем году — фрески внутри и на наружных стенах дома Гертенштейна в Люцерне. По возвращении осенью 1519 года в Базель, много работал над декорированием внешних фасадов домов. «Мёртвый Христос в гробу», 1521—1522, Художественный музей, Базель, картина, от которой, по словам князя Мышкина в романе Достоевского «Идиот», «у иного ещё вера может пропасть». Важнейшие произведения базельского периода Гольбейна: портрет юриста Бонифация Амербаха; десять картин страстей Господних, изображения Рождества Христова и Поклонения волхвов; Мадонна со святыми для города Золотурна; наконец, знаменитая Мадонна семейства Мейер. К этому же времени относятся портреты Эразма Роттердамского, Доротеи Оффенбург рисунки к Ветхому Завету и «Пляска Смерти», гравированные на дереве. 

Холль Элиас - немецкий архитектор. Работал главным образом в родном Аугсбурге, где в 1602 г. стал городским архитектором. В 1600—01 гг. путешествовал по Италии. Сыграл ту же роль в развитии нем. зодчества, что и Иниго Джонс в Англии: оба ввели в своей стране подлинный стиль Ренессанса. Среди множества зданий, которые он спроектировал в Аугсбурге, наиболее, знаменита ратуша (1616—20, разрушена во время 2-й мировой войны, затем отстроена заново) — высокое, строгое здание с очень простыми деталями в классическом стиле. Протестант Xолль работал в городе, населенном в основном католиками. В 1631 г. был уволен со службы по религиозным причинам, в 1632 г. его восстановили в занимаемой должности, но спустя три года окончательно уволили.

Характеристика стиля – светский характер культуры, её гуманизм и антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Расцветает интерес к античной культуре

Изобразительно искусство – утвердились принципы реализма, новые идеалы. Получает развитие политическая графика: листовки, памфлеты, карикатура. Многие немецкие художники становились участниками политической и религиозной борьбы и подвергались преследованиям. К этому времени относится расцвет книжной иллюстрации, карикатуры, станковой гравюры. Новые веяния ярко проявились в области гравюры – наиболее массовом виде искусства, менее скованном традицией.

Архитектура -  ведущую роль начинает играть светское зодчество. Жилой городской особняк, ратуша или торговый дом — таковы доминирующие в эту эпоху типы строений. Несмотря на многообразие форм немецкой архитектуры эпохи Возрождения, связанное с раздробленностью страны и наличием множества более или менее обособленных областей, в немецком зодчестве явственно выражены некоторые общие принципы. Традиции средневековой готической архитектуры не умирают в немецком зодчестве на протяжении всего столетия, накладывая свой отпечаток на образный строй ренессансных сооружений Германии.

 

17 век Германия

Сформировавшийся стиль –  барокко

Основные художники:

Маттеус Да́ниель Пёппельман — придворный архитектор Августа Сильного, основной представитель дрезденского барокко. Более, чем кому бы то ни было иному, Дрезден своим знаменитым барочным обликом обязан именно Пёппельману. В 1686 году он вступил в должность строительного кондуктора. В это время его заработок поступил преимущественно от строительства домов для горожан. Для этого Пёппельман должен был сперва занимать деньги, на которые осуществлялось строительство. Доход поступал лишь после продажи домов. Помимо этого, он в 1687 году получил лицензию на торговлю алкогольными напитками. В творческом плане в этот период М. Пёппельман находился под влиянием идей начальника управления по строительству, родоначальника «саксонского барокко» Вольфа Каспара фон Кленгеля и его последователя Иоганна Георга Штарке. В 1705 году он был назначен на должность государственного архитектора и в этой должности руководил планировкой новой королевской дворца-резиденции. В 1718 году он замещал Иоганна Фридриха Кархера в должности главного государственного архитектора. В этой должности полностью раскрылся талант Пёппельмана как архитектора и администратора, превративший Дрезден в один из красивейших городов Европы эпохи рококо. Главным творением М. Пёппельмана считается дрезденский Цвингер, созданный им совместно с архитектором Бальтазаром Пермозером. В 1729 году он выпустил серию из 22 гравюр по меди, посвящённых построенному зданию. Другими возведёнными им зданиями являются дрезденский Японский дворец, замок Пильниц, замок Гроссзедлиц, замок Градиц.

Бальтазар Пе́рмозер— известный немецкий скульптор барокко. Пермозер учился ремеслу у Вольфа Вейсенкирхнера и Джованни Баттиста Фоджини. Примером для него служили Джованни Лоренцо Бернини и Пьер Пюже. В 1663—75 годах Пермозер учился и работал в Зальцбурге и Вене, в 1675—89 годах — во Флоренции, а в 1689 года был приглашён в качестве придворного скульптора в Дрезден, где при Августе Сильном создал множество скульптурных работ. Особого упоминания заслуживают скульптуры, созданные Пермозером из дерева, камня и слоновой кости для Цвингера. Также известны восемь фигур, выполненных Пермозером из песчаника и украшавших поначалу дворец Фридрихсфельде, а затем его парк.

Братья Азам - Эгид Квирин Азам и Космас Дамиан Азам — немецкии скульпторы и декораторы интерьеров периода позднего барокко. Их самая известная работа находится в городе Pop в Баварии. В местной церкви они создали смелую композицию на один из таинственных христианских сюжетов: Вознесение Марии. В этой работе, выполненной из разноцветного и монохромного стука, фигура Богоматери парит между небом и землей вопреки всем законам земного притяжения. Лица и позы апостолов, собравшихся возле открытого гроба, выражают их реакцию на совершившееся чудо. Они выглядят как настоящие трагические актеры, исполняющие свои роли со страстной убежденностью. Братья Азамы были учениками Бернини. В "Вознесении Марии" они выступают как достойные продолжатели великого учителя.

Характеристика стиля – гигантизм пропорций; большое открытое центральное пространство, где каждый мог видеть жертвенник; скручивание колонны, театральные эффекты, включая свет, исходящий от выше купола; драматические внутренние эффекты, созданные с бронзой и позолотой; кластеры ваяемых ангелов и других фигур высоких накладных расходов; и широкое использование сверхнатурализма, с нарисованными архитектурными деталями и рисунками на стенах и потолке, чтобы увеличить драматический и театральный эффект.

Иоахим фон Зандрарт Старший — немецкий художник, график и историк искусства, переводчик. В 1625—1629 изучал живопись в Утрехте у Геррита ван Хонтхорста. В последующие 6 лет вместе со своим учителем путешествовал по Англии и Италии. В Италии много рисовал, в том числе для римского банкира Джустиниани и по заказу папы Урбана VIII. В первую очередь это были многочисленные портреты, а также полотна на библейские темы для интерьеров римских церквей. В Амстердаме написал для баварского герцога Максимилиана I такие полотна, как серию «Двенадцать месяцев» и аллегорию «День и ночь». После смерти своего тестя в 1645 унаследовал замок Штокау близ Ингольштадта и переселился в него из Нидерландов. Наиболее значимым его произведением там является большая картина «Великий пир мира», изображающая торжественное пиршество шведского короля Карла X Густава с императорскими и шведскими комиссарами в рамках мирного конгресса. В 1675 написал полотно «Сон Иакова» для церкви Босоногих в Аугсбурге. Своё главное и наиболее ценное сочинение по истории искусства, «Немецкую академию зодчества, ваяния и живописи», фон Зандрарт издал несколькими частями в период с 1675 по 1679 год. В этой работе ему помогал нюрнбергский поэт Зигмунд фон Биркен, перерабатывавший научную часть Зандрарта и оживлявший это сочинение своими стихами, сделав его наконец одним из шедевров немецкой литературы эпохи барокко.

Изобразительно искусство – Как таковые немецкие школы живописи слабо представлены в рассматриваемый период, все заметные немецкие художники работали под сильным итальянским и нидерландским влиянием

Архитектура -  Начинают строить дворцы, занимающие большие территории, с парками наподобие знаменитого Версаля. идеал естественной красоты дополнился великолепием сверхъестественного, изображенного с помощью возвышенных форм, цвета и символов. Новая архитектура, наполненная причудливыми орнаментальными мотивами в виде раковин (в так называемом стиле рококо, особенно развившемся во Франции при Людовике XV), воплотилась в возведенных княжеских замках с их садами, скверами, аллеями, театрами, которые служили не просто местом приемов и представлений дворянского общества, но и показателем благосостояния и символом власти.

 

18 век Германия

Сформировавшийся стиль –  переход барокко в рококо, классицизм

Основные художники:

Иоганн Бальтазар Нейман - один из крупнейших немецких архитекторов барокко и рококо. Творчество Бальтазара Неймана  связано с архитектурой Баварии. Самой крупной постройкой Неймана стала резиденция архиепископа-курфюрста Франконии. Это огромный дворец с четырьмя внутренними дворцами и очень протяженным фасадом (167 м). Чтобы избежать однообразия, Нейман оформил фасад крупными ризалитами. Нижний этаж выполнен строго и просто; верхние этажи украшены скульптурами.

 

Архитектор Георг Венцеслаус Кнобельсдорф  построил для короля Пруссии Фридриха II королевскую резиденцию Сан-Суси в Потсдаме, пригороде Берлина. Это вытянутое одноэтажное здание с изящной балюстрадой по карнизу — наиболее удачный пример немецкого рококо. В его центре — овальный зал, крытый куполом. Полукруглый парадный двор окружен колоннадой. Все элементы — скульптура, декоративная живопись, мебель, зеркала — образуют цельный, тщательно продуманный ансамбль.

Антон Рафаэль Менгс — самый крупный немецкий живописец эпохи классицизма. Был сыном саксонского придворного художника Измаила Менгса. Получил прекрасное художественное образование под руководством отца. Вместе с отцом жил в Риме, где изучал античное искусство и работы мастеров Эпохи Возрождения Рафаэля и Корреджо. Значительную часть жизни провёл в Риме, где был одним из создателей неоклассического стиля (неоклассицизм) в живописи. Вернувшись в Дрезден, Менгс назначен главным придворным художником. У современников художник пользовался огромной популярностью. Работал в Риме, Мадриде, Неаполе. В Испании Менгс помог молодому Франциско Гойе устроиться в Королевскую шпалерную мануфактуру, оценив его талант. Теперь его исторические и аллегорические полотна кажутся весьма невыразительными, а портреты, напротив, признаны изысканными. В 1761-1769 и 1773-1777 гг. Менгс был придворным художником в Мадриде, и тот факт, что его тусклые и лишённые своеобразия фрески предпочли работам великого живописца, как Тьеполо, свидетельствует о вкусах тогдашней публики, обращённых в сторону нео  классицизма. Вернулся в Рим где скончался 16 июня 1779 года.

Антон Графф – немецкий художник швейцарского происхождения, выдающийся портретист своего времени. Написал более 1,5 тысяч портретов, среди которых наиболее интересны изображения деятелей науки и искусства: немецкого поэта Иоганна Фридриха Шиллера, драматурга Готхольда Эфраима Лессинга, Фридриха Гедике и др. По заказу Екатерины II копировал ряд картин из Дрезденской галереи для Эрмитажа.

 

Характеристика стиля – Характерными чертами рококо, которые можно выявить в произведениях искусства этого стиля, можно признать следующие:  Грациозность и легкость, затейливость, декоративная утонченность и импровизация, пасторальность (пастушеская идиллия), тяга к экзотике. Орнамент в виде стилизованных раковин и завитков, арабесок, цветочных гирлянд, фигурок амуров. Сочетание пастельных светлых и нежных тонов с большим количеством белых деталей и золота. Культ прекрасной наготы, восходящей к античной традиции, изощренная чувственность, эротичность. В классицизме категорически отвергаются округлые вычурные формы барокко. Эталоны гармонии, строгости и монументальности в этом направлении являются преимущественными.

Изобразительно искусство – Учение о подражании древним грекам (Винкельман) или об «эклектическом» слиянии лучших качеств всех лучших старых мастеров (Менгс) всего методичнее было разработано именно в Германии, а потому ничтожным остается число немецких художников XVIII столетия, самостоятельно способствовавших дальнейшему развитию живописи, несмотря на воскрешение многих полузабытых немецких живописцев того времени.

Архитектура -  новый сильный приток архитекторов из Франции вытесняет итальянцев и вместе с тем приносит в немецкую архитектуру формы рококо. Французское воздействие, однако, по-разному сказывалось в условиях Германии с ее резкими территориальными различиями. Кроме того, французские идеи находили отзвук главным образом в градостроительстве, а также светском, дворцовом и парковом строительстве, либо военном и лишь косвенно касались церковной архитектуры (применение мотивов рококо во внутреннем декоре), наиболее ярко представленной именно южно-немецким барокко.

 

13 век Фландрия

Сформировавшийся стиль –  готический стиль

Основные художники:

Наиболее значительным сооружением эпохи готики стал собор Св. Гудулы в столичном Брюсселе, заложенный в 1220 году и законченный в 15 в. архитектором  Яном ван Рейсбрук. Образцом для него служил Реймсский собор Франции. Но в Нидерландах не получила значительного развития скульптура на фасадах, что придавала такую выразительность и привлекательность соборам Франции. Поэтому фасады собора Св. Гудулы более сдержанные.

Характеристика стиля – Для готической архитектуры Фландрии характерны не столько церкви, сколько ратуши и цеховые здания.

Изобразительно искусство – Искусство Нидерландов и Фландрии было единым до конца XVI в.

Архитектура -  развитие готического стиля во фламандской архитектуре в основном проявляется в архитектуре храмов, аббатств. Развивался он на основе романской (бургундской) архитектуры. На территории Фландрии готика в основном ориентировалась на образцы храмов на основе типичного французского проекта: трехнефный собор с трансептом, хором и де- амбулаторием. Также для этого архитектурного храмового типа характерен трехъярусный профиль центрального нефа (аркада, верхний ряд окон и трифорий). Однако эта модель была достаточно сильно упрощена: опорами аркадных арок служили простые в плане круглые колонны.

 

14 век Фландрия

Сформировавшийся стиль –  поздняя готика

Основные художники:

Гордостью фламандской готики остаются ратуши в Брюгге, Брюсселе, Лувене, суконные и другие биржи в Ипре, Антверпене. Имена архитекторов неизвестны.

Характеристика стиля – Символико-аллегоричный тип мышления и условность художественного языка.  Главенство архитектуры в системе искусств.

Андре Боневё - бельгийско-французский скульптор и живописец, работавший при дворах французского короля Карла V и его брата Жана Беррийского. Одна из немногих иллюминированных рукописей, в создании которой несомненно принимал участие Андре Боневё — Псалтирь Жана. Боневё как миниатюрист явно находился под влиянием стиля Жана Пюселя, самая известная из работ которого — Часослов Жанны д’Эврё — к тому времени уже находилась в собрании герцога Беррийского. В 1365 году Карл V заказал Боневё четыре мраморных изваяния для надгробий его бабки и деда по отцовской линии, отца и самого себя. Скульптуры предназначались для аббатства Сен-Дени, усыпальницы французских королей. Скульптура Карла V выполнена с соблюдением портретного сходства с ярко выраженными индивидуальными чертами, что резко отличает её от изображений членов его семьи. Один из проектов, которыми Боневё был занят между 1374 и 1377 гг. — надгробный памятник графу Фландрии, Луи де Малю. После 1386 года Боневё создал несколько скульптур для замка герцога Беррийского Мегон-сюр-Йевр и для часовни его замка в Бурже. От скульптур Мегон-сюр-Йевр сохранился один фрагмент — голова бородатого мужчины. Изобразительно искусство – Стилистические особенности достойная элегантность, которая заменяет монументальность, наряду с богатой декоративной окраской, вытянутыми фигурами и плавными линиями.

Архитектура -  фламандская готическая архитектура развивалась под сильным влиянием английской ланцетовидной готики, что в итоге привело к появлению двух направлений готической архитектуры Фландрии: шельдской готики, ориентированной на северофранцузские образцы архитектуры и так называемой брабантской готики, которая сочетала в себе элементы французского лучистого стиля и английской ланцетевидной готики.

 

15 век Фландрия

Сформировавшийся стиль –  зарождение эпохи Возрождения

Основные художники:

Ян Ван Эйк - нидерландский живописец. Один из зачинателей искусства Раннего Возрождения, Ян ван Эйк работал над украшением графского замка в Гааге, в 1425 стал придворным художником бургундского герцога Филиппа Доброго. Крупнейшее произведение ван Эйка – знаменитый “Гентский алтарь”, начатый, согласно позднейшей надписи на внешних створках, старшим братом ван Эйка Хубертом  и законченный Яном в 1432 году. Ян ван Эйк – один из первых в Европе мастеров портрета, выделившегося в его творчестве в самостоятельный жанр.

Робе́р Кампе́н — фламандский живописец, предполагаемый родоначальник традиции ранней нидерландской живописи. Наставник Рогира ван дер Вейдена и Жака Даре. Один из первых портретистов в европейской живописи. Кампена отождествляют с Флемальским мастером. Робер Кампен считается ведущим художником города Турне своего времени. Про его ранние годы практически ничего не известно. Родился он предположительно в городе Валансьен между 1375 и 1380 годами. Неясно, где он жил первые тридцать лет своей жизни и у кого обучался искусству живописи. В 1410 году Кампен стал гражданином Турне, где прожил всю оставшуюся жизнь и показал себя не только весьма талантливым мастером, но и успешным предпринимателем. Он владел большой процветающей мастерской, среди многочисленных учеников которой были выдающиеся художники Жак Даре и Рогир ван дер Вейден. Большинство исследователей отождествляют Робера Кампена с Флемальским мастером, творческая активность которого приходится аккурат на годы жизни Кампена, а приписываемые ему работы (Рождество Христово, Алтарь Мероде, Обручение Девы Марии и др.) очень близки творчеству Даре и ван дер Вейдена по манере письма. Главное достижение Флемальского мастера заключается в том, что он решительно порвал с традиционным готическим стилем и добился небывалой доселе реалистичности изображения, благодаря чему признаётся основателем Нидерландской школы живописи наряду с Яном ван Эйком.

Рогир ван дер Вейден — нидерландский живописец, наряду с Яном ван Эйком считающийся одним из основоположников и наиболее влиятельных мастеров ранненидерландской живописи. Творчество ван дер Вейдена сфокусировано на постижении индивидуальности человеческой личности во всей её глубине. Сохранив спиритуализм предшествующей традиции, ван дер Вейден наполнил старые изобразительные схемы ренессансной концепцией активной человеческой личности, глубоким психологизмом и эмоциональной интенсивностью. В конце жизни, по словам БСЭ, «отказывается от универсализма художественного мировосприятия ван Эйка и концентрирует всё внимание на внутреннем мире человека».

Альберт (Альбрехт) Баутс — южнонидерландский (фламандский) художник эпохи Возрождения. Рисованию учился в мастерской отца, а затем, по всей видимости, за пределами родного города. А. Баутс как художник работал в основном в Лёвене, писал картины религиозной тематики по заказам различных церквей. Одной из наиболее известных его работ является триптих Вознесение Марии (ныне в Брюсселе). По своему стилю произведения кисти А. Баутса близки работам его отца, однако производят более «старинное» впечатление. В то же время в них чувствуется влияние живописи Хуго ван дер Гуса, которого некоторые исследователи считают вторым учителем А. Баутса. Сам же Альберт неоднократно копирует картины своего отца, стараясь достичь его мастерства. После 1475 года он вместе со своим братом Дирком завершают многие неоконченные отцовские произведения. Занимался также художественной реставрацией.

Характеристика стиля – начало абсолютизма, распространение гуманизма, исследование «нового мира». Гуманистический интерес к человеку проявился и в изобразительном искусстве, особенно в портрете.

Изобразительно искусство – основание Нидерландской школы живописи.  Нидерландские живописцы XV в. могут быть названы реалистам. Но реализм их носил характер, отличный от итальянского. Нидерландцы, предпочитали низводить Марию, ангелов и святых с неба на землю, вводить их в храмы или жилые покои, представлять их в царских одеждах и в коронах. Их присутствие делало священным саму землю, деревья, травы, цветы, зверей, мелочи будничного быта.

Архитектура -  доменирует интенсивное гражданское строительство в стиле поздней готики. Города соперничали в возведении богато украшенных зданий ратуш, цехов, гильдий. Со старыми жилыми домами бюргеров соседствовали новые, с высокими, в несколько этажей, фасадами, имевшими вытянутые вверх треугольные фронтоны и узкие окна. Характерная черта архитектуры этого периода — раскрытые фасады с богатыми белокаменными уборами на фоне красной кирпичной стены — «пламенеющая готика». Так как церкви возводились больше из кирпича, чем из камня, то и церковная скульптура не получила развития — она медленно преодолевала готические традиции и по уровню достижений далеко отставала от живописи.

 

16 век Фландрия

Сформировавшийся стиль –  эпоха Возрождения

Основные художники:

Питер Брейгель Старший  был самым значительным художником голландской и фламандской живописи эпохи Возрождения , живописец и гравер из Брабанта , известный своими пейзажами и крестьянские сцены (так называемый жанр живописи ); он был пионером в создании обоих типов субъекта фокус в больших картинах. Он был формирующее влияние на голландском Золотой век живописи, а позже картина в целом в его новаторских выборе предмета, так как один из первого поколения художников расти, когда религиозные предметы перестали быть естественным предметом живописи. Он также не покрашен и не портретов, другой оплот нидерландского искусства. После обучения и путешествий в Италию, он вернулся в 1555 году, чтобы поселиться в Антверпене , где он работал главным образом как плодовитый дизайнер принтов для ведущего издателя дня. Знаменитые картины Брейгеля —  «Битва Масленицы и Поста», «Фламандские пословицы», «Несение креста», «Избиение младенцев», «Поклонение волхвов», «Перепись в Вифлееме», «Проповедь Иоанна Крестителя», «Обращение Савла», «Жатва», «Притча о Слепых», «Падение Икара», «Вавилонская башня», «Вино на празднике Святого Мартина», «Проповедь святого Иоанна Крестителя», «Страна лентяев», «Калеки», «Три солдата», «Сорока на виселице», «Крестьянская свадьба», «Разоритель гнезд», «Крестьянский танец», «Пьяницу заталкивают в свинарник».

Кве́нтин Ма́ссейс – фламандский живописец. Писал большие алтарные картины, жанровые сцены морализирующего содержания, в которых проявил интерес к портретным характеристикам, бытовой обстановке, пейзажу; Учился, вероятно, у Альберта Баутса. В 1491 вступил в антверпенскую гильдию художников и открыл собственную мастерскую. Стремился к синтезу принципов нидерландского и итальянского Возрождения. Работал в Антверпене, писал большие алтарные картины и жанровые сцены морализирующего содержания, в которых проявился его интерес к реальному жизненному началу — портретным характеристикам, бытовой обстановке, пейзажной среде. Художниками стали и сыновья Квентина Массейса — Корнелис Массейс и Ян Массейс.

Патинир - фламандский художник Ренессанса из истории и ландшафтных предметов. Он был фламандский, из района современной Валлонии , но работал в Антверпене, затем центр арт - рынка в странах Бенилюкса . Патинир был пионером пейзажа как самостоятельного жанра , и он был первым фламандским художником считать себя прежде всего как пейзажист. Он эффективно изобрел мировой ландшафт, отличный стиль панорамных северных ландшафтов эпохи Возрождения, которая является важным вкладом для западного искусства. Есть только пять картин, подписанных Патинира, но и многие другие работы были приписаны ему или его мастерской с разной степенью вероятности. Те, которые подписаны следующим образом: (Opus) Joachim Д. Patinier , «D» в его подписи, означающий Dionantensis ( «из Динан »), что отражает его место происхождения. Его работы:   «Отдых на пути в Египет», «Крещение Христа» (один из двух в Вене), «Сент – Джон» в Патмос, Пейзаж с пастухами (Антверпен) и Отдых на пути в Египет ( Миннеаполис институт искусств ). Существует также триптих приписывали ему Покаяние святого Иеронима.

 

 

Джованни Болонья, Джамболонья – фламандский скульптор, настоящее имя которого – Жан Булонь. Не смотря на то, что Болонья родился в Дуэ, Франция, он обучался во Фландрии. Главным образом, биография Джованни Болоньи отождествляется с итальянским ренессансом. Считается, что Болонья был одним из величайших скульпторов тех времен. В основном он жил в Риме, перед тем, как переехал во Флоренцию. К шедеврам его руки относят «Flying Mercury». Работа «The Rape of the Sabines» (Флоренция) со спиралевидными формами и сложной структурой точек обзора является прекрасным примером маньеристской скульптуры. Эта работа оказала глубокое влияние на дальнейшее развитие искусства. Среди других работ в биографии Джованни Болонья известны статуи всадников во Флоренции, фигура Фердинанда I, Козимо I, два фонтана в садах Боболи (Флоренция). Кроме того скульптор выполнил бронзовые двери кафедрального собора Пиза, фонтан Нептуна в Болонье, грандиозную скульптуру Апеннин. Две элегантные статуи евангелистов находятся в музее «Метрополитен», одна в музее ун  иверситета Канзаса.

Характеристика стиля – устойчивость средневековых традиций. Разработка основных проблем реалистического искусства – освоение пропорций человеческой фигуры, построение пространства, объема

Изобразительно искусство – начинают проявлять больше интереса к природе и в красоте на Сечи , что приводит к стилю , который включает в себя элементы эпохи Возрождения, но остается очень далеко от элегантной легкости итальянского искусства эпохи Возрождения, и ведет прямо к темам великие фламандские и голландские барочные живописцы: пейзажи, натюрморты и жанровые картины - сцены из повседневной жизни.

Архитектура -  Интересно, что это перенимание (не заимствование) ренессансного искусства, в том числе и в архитектуре, было косвенным, ведь итальянцы или французы не работали в нидерландских городах, как скажем в Германии, то есть абсорбция нового происходила на местной почве силами местных же строителей, что неизбежно вело к трансформации архитектурных форм итальянского Ренессанса в нидерландской архитектуре. Формы эти, воспринимаемые извне и основательно переработанные, использовались для декоративного убранства, не затрагивая старой, привычной готической конструкции зданий. Ордерные элементы, ренессансные тяги, карнизы наносились на обычные, по сути средневековые, здания, результатом чего стало значительное изменение «классических» пропорций. Очень высокие фронтоны зданий сохраняли ступенчатую форму, на фасадах по-прежнему выделялись эркеры.

 

17 век Фландрия

Сформировавшийся стиль – «золотой век», барокко

Основные художники:

Питер Пауэл Рубенс (1577–1640) — нидерландский (фламандский) живописец, один из основоположников искусства барокко, дипломат, коллекционер. Творческое наследие Рубенса насчитывает около 3000 картин, значительная часть которых выполнена в сотрудничестве с учениками и коллегами, крупнейшим из которых был Антонис ван Дейк. Рубенс — создатель огромных барочных патетических композиций. Был придворным художником испанской наместницы Нидерландов. Организовал свою мастерскую, в которой работали лучшие художники страны. Он сформировал национальную школу граверов. Его ранние произведения выполнены в стили караваджистов. Он писал огромные полотна, алтарные композиции для католических храмов — сцены страданий и мученической смерти — «Воздвижение креста» (1610 г.), «Снятие с креста» (1613–1614 гг.), «Распятие» (ок. 1606–1610 гг.). Его герои — часть могучей первозданной природы. Ранние картины отличаются красочной палитрой. Писал картины на мифологические и аллегорические темы: «Вакханка», «Охота на львов» (1615 г.), «Похищение дочерей Левкипа» (1618–1620 гг.), «Битва с амазонками» (ок. 1619 г.), «Союз Земли и Воды». Расцвет творчества Рубенса — 1620 г., когда он стал писать тональную многосложные композиции на белом или красном грунте, сочетая моделировку с эскизностью «Персей и Андромеда». 24 картины на тему «Жизнь Марии Медичи». Много работал как портретист: «Автопортрет с женой Изабеллой Брант в зарослях жимолости» (ок. 1609 г.), «Портрет инфанты Изабеллы», «Портрет камеристки инфанты Изабеллы», «Автопортрет» (1639 г.). В 1630 г. Рубенс женился на Елене Фоурмен. Он отошел от дипломатической деятельности, отказался от официальных заказов и проводил большую часть жизни за городом замке Стэн, где писал картины небольших размеров, в основном портреты близких: «Портрет Елене Фоурмен с детьми» (ок. 1634–1635 гг.), «Шубка» (Портрет Елены Фоурмен, ок. 1638 г.).

 

Антонис ван Дейк - фламандский живописец, рисовальщик и гравёр, мастер придворного портрета и религиозных сюжетов в стиле барокко. Создатель нового типа декоративного портрета. Рано сложился как художник, был учеником Рубенса. Его живопись — изысканная и деликатная. Его герой — человек со специфическими тонкими чертами — благородством, интеллектом, с налетом меланхолии. Был модным портретистом. Пишет автопортреты, изображая себя то Ринальдо, то Парисом (1624 г.), то св. Себастьяном. Создал галерею портретов итальянских аристократов, знати, серию портретов Карла I — «Семейный портрет» (1621 г.), «Дети Карла I» (1635 г.), «Карл I, король Англии, в трех ракурсах» (1636 г.), «Филипп, лорд Уортон» (1632 г.), «Портрет Карла I» и др.

Якоб Иорданс — фламандский художник, один из выдающихся представителей фламандского барокко. Один из лучших помощников Рубенса. За какие бы темы он ни брался — мифологические, христианские, аллегорические — он всегда оставался трезвым реалистом, сумевшим сохранить здоровое народное начало. В живописном стиле его ранних произведений есть воздействие Караваджо. Композиции на тему «Поклонение пастухов» (1618–1620 гг.) принадлежат к лучшему созданиям молодого Иорданса. Писал картины на евангельские, библейские и мифологические темы — «Детство Зевса» (ок. 1640 г.). Лучшее работы Иорданса — его жанровые композиции. Темами для них служили фламандские пословицы или праздники — «Как поют старики, так щебечут и младшие», «Праздник бобового короля» (ок. 1638 г.), «Сатир в гостях у крестьянина» (ок. 1622 г.). Художник часто черпал свои образы в народной толпе. Эти образы всегда сохраняют свою конкретность и национальную специфику. Позднее он меньше увлекается эффектами светотеневых контрастов. Насыщенность цвета создает праздничность композиции, всегда брызжущей весельем. Живопись Иорданса сочная, свободная, пластически мощная, выказывающая большие декоративные возможности художника. Национальный колорит и национальный тип выражены в произведениях Иорданса с наибольшей полнотой и прямолинейностью.

Виллем Хесиус - фламандский архитектор. Он присоединился к иезуитам в 1617 году. Первоначально Гесий стал известен как проповедник и важная фигура в религиозной политике, и он не стал активным архитектором, пока ему не исполнилось 50 лет. В третьей четверти 17-го века он был самым важным советником по архитектуре своего ордена. Планы на церковь св. Михаила в Лувене один из самых важных примеров архитектуры фламандского барокко, были приписаны ему и датируются 1650 годом. Конструкция характеризуется главным образом высокой башней фонаря с куполом над стыком трансепта и нефа.

Характеристика стиля – более реалистические черты, народность, жизнерадостность, праздничность.

Изобразительно искусство – изображали массовые карнавальные действия, свадьбы, игры, празднества «бобового короля», т. к. Фландрия — страна крестьян со своеобразной народной праздничной культурой. натюрморт утвердился как самостоятельный жанр.

Архитектура -  зодчие Фландрии сумели на основе местных традиций и с помощью переработки римского наследия создать самобытный вариант барокко. Его отличает не столько изощренность и оригинальность плановых и объемно-пространственных решений, но также и общий дух торжественной и праздничной декоративности, который нашел наиболее полное выражение в фасадах зданий. Среди лучших произведений архитектуры второй половины столетия можно назвать церковь св. Михаила в Лувене архитектора Хесиуса и брюссельскую церковь Иоанна Крестителя ордена бегинок этого же архитектора.

 

18 век Фландрия

Сформировавшийся стиль –  поздний ренессанс

Основные художники:

Ян Франс ван Даль (или Жан Франсуа) - фламандский живописец. Удивительным является тот факт, что ван Даль был художником-самоучкой, тем не менее, он достиг такого уровня, что с большим успехом представлял свои работы на выставках. На одной из подобных выставок его работы были удостоены крупным денежным призом, на двух других художник заполучил гран-при - золотую медаль. Ван Даль оставался преданным фламандской традиции цветочной живописи. Манера живописи Яна Франса ван Даля говорит о том, что его вдохновляли работы великого мастера натюрмортов Яна ван Хейсума. Но он также привнес в свои картины много французского, вдохновленный японской икебаной и декоративной монументальностью. По некоторым данным учителем (и близким другом) ван Даля был нидерландский художник Жерар ван Спаендонк. Работами ван Даля восхищалась Жозефина Богарне, императрица Франции, первая жена Наполеона, которая приобрела 3 работы художника. После того, как Наполеон развелся с Жозефиной, вторая его супруга, Мария-Луиза Австрийская, так же покровительствовала Яну ван Далю. Даль был плодовитым и успешным художником в количестве своих работ и также выполнял заказы от таких богатых и влиятельных людей, как короли Луи XVIII и Карл X.

Альберт Жак Франсуа Грегориус - фламандский-бельгийский художник - портретист и директор Академии художеств в Брюгге. Он родился в бедной семье трудящегося. Его рисунок способности были замечены, местный художником-любителем, который взял его, дал ему первые уроки и помог ему поступить в художественную академию. Грегориус был там с 1791 по 1793 г. и получил несколько наград. В 1801 году он отправился в Париж, где он был учеником к Жозеф-Бенуа Сюве , который также был из Брюгге. Вскоре после того , Suvée отправился в Рим , чтобы стать директором Французской академии , но Грегориус смог найти место в студии Жака-Луи Давида . В 1805 году он вернулся в Брюгге, готовится к выходу на Римскую , но заболел и не смог принять участие. Он скоро не зарекомендовал себя как портретист и создали ассоциацию с другими экспатриантов фламандских художников ( «De Club ван де Belgen»). После экспонирования в Генте салоне, он вошел в Парижском Салоне в 1812 году и будет по- прежнему отображаться там ежегодно до его отъезда. В дополнение к обычной французской знати, он также известен за его портретом Августа Вильгельма Шлегеля , который сейчас находится на выставке в замке Коппе . В возрасте 61 года он получил назначение на должность директора «Де Вриая Academie» (теперь «De Stedelijke Academie») в Брюгге. Он служил до 1852 года , когда он был вынужден уйти в отставку после столкновений с коллегами, студентами и городскими чиновниками над его консервативным подходом к искусству. Его самый известный ученик был Форд Мэдокс Браун.

Характеристика стиля – более реалистические черты, народность, жизнерадостность, праздничность.

Изобразительно искусство –  в натюрмортах преобладают обманки или ложные рельефы в пейзаже господствует описательная объективность

Архитектура -  ведущее положение в занял новый тип патрицианского жилого дома, отныне утратившего столь долго сохранявшиеся традиционные национальные мотивы.

 

13 век Голландия

Сформировавшийся стиль –  готический стиль

Основные художники:

Характеристика стиля – Термин «готика» чаще всего применяется к известному стилю архитектурных сооружений, который можно кратко охарактеризовать как «устрашающе величественный»

Изобразительно искусство – Одним из основных направлений готической живописи стал витраж, который постепенно вытеснил фресковую живопись. Техника витража осталась такой же, как и в предыдущую эпоху, но цветовая палитра стала гораздо богаче и красочней, а сюжеты сложнее — наряду с изображениями религиозных сюжетов появились витражи на бытовые темы. Кроме того в витражах стали использовать не только цветное, но и бесцветное стекло.

Архитектура -  Главным строительным материалом остался КАМЕНЬ. Конструктивную основу готики составляют каркасная система и ее важнейшая составная часть - РЕБРИСТЫЙ СВОД. К каркасной системе привело стремление максимально увеличить высоту и уменьшить массивность сооружения.

 

14 век Голландия

Сформировавшийся стиль –  поздняя готика

Основные художники:

 

Братья Лимбург  были известные голландские миниатюрные художники из города Неймеген. Работали в готическом стиле. Они создали то , что, безусловно , самый известный позднего средневековья манускрипт , то Великолепный часослов герцога Беррийского .

 

 

Жан Малуэль — художник нидерландского происхождения, один из крупнейших мастеров Бургундской школы. Родной город художника — Неймеген, где он, вероятно, обучался в мастерской отца, художника Виллема Малвала. Регистрируется в качестве художника в 1382 году. Женившись, Жан Малуэль переехал с семьей в Париж, где был в 1396 году замечен герцогом Бургундии Филиппом Смелым. Герцог в 1397 году приглашает Малуэля в Дижон в качестве придворного художника и камердинера. С этого времени художник работал до конца своих дней при Дворе герцогов Бургундских. Около 1400 года на службу к герцогу поступили и племянники художника, сыновья его сестры Мехтильды — братья Лимбурги. В 1405 г., вскоре после смерти Филиппа, он вернулся в Неймеген, женился и вернулся в Дижон. Согласно документам, он выполнял многочисленные декоративные работы, создал надгробие герцога Филиппа Смелого (1410). По заказам сына Филиппа, Иоанна Бесстрашного, он пишет картины, пять алтарей для монастыря Шанмоль (с 1398), портрет самого Иоанна (1412). Ни одно из этих произведений не сохранилось. Художнику приписывают работы бургундского происхождения, выполненные в то же время. Авторство большого тондо «Оплакивание Христа» (Париж, Лувр) с гербом Филиппа Смелого на обороте уверенно приписывают Малуэлю. Картина была создана, возможно, около 1400—1410[2]. В тондо художник объединил два сюжета, нарушив общепринятую форму, «Оплакивание» и «Троицу»: вместе с Марией и Христом изображены бог-отец и святой дух. Мастер блестяще справился с тондо, довольно сложным форматом для композиционного построения. Возможно, что картина-тондо изобретение Малуэля — в тондо, появившихся позднее, ощущается влияние его стиля.

Характеристика стиля – применение орнамента «масверк» напоминающего языки пламени;  упрощённая планировка зданий по сравнению с предыдущими периодами; сложные своды с декоративными нервюрами,

Изобразительно искусство – развивалось в традиционно религиозных формах, впитывая передовые достижения французской и немецкой готики.

Архитектура -  Почти вся архитектура готических соборов обусловлена одним главным изобретением того времени — новой каркасной конструкцией, что и делает эти соборы легко узнаваемыми.

 

15 век Голландия

Сформировавшийся стиль –  Интернациональная готика

Основные художники:

Робе́р Кампе́н — фламандский живописец, предполагаемый родоначальник традиции ранней нидерландской живописи. Наставник Рогира ван дер Вейдена и Жака Даре. Один из первых портретистов в европейской живописи. Кампена отождествляют с Флемальским мастером. Робер Кампен считается ведущим художником города Турне своего времени. Про его ранние годы практически ничего не известно. Родился он предположительно в городе Валансьен между 1375 и 1380 годами. Неясно, где он жил первые тридцать лет своей жизни и у кого обучался искусству живописи. В 1410 году Кампен стал гражданином Турне, где прожил всю оставшуюся жизнь и показал себя не только весьма талантливым мастером, но и успешным предпринимателем. Он владел большой процветающей мастерской, среди многочисленных учеников которой были выдающиеся художники Жак Даре и Рогир ван дер Вейден. Большинство исследователей отождествляют Робера Кампена с Флемальским мастером, творческая активность которого приходится аккурат на годы жизни Кампена, а приписываемые ему работы (Рождество Христово, Алтарь Мероде, Обручение Девы Марии и др.) очень близки творчеству Даре и ван дер Вейдена по манере письма. Главное достижение Флемальского мастера заключается в том, что он решительно порвал с традиционным готическим стилем и добился небывалой доселе реалистичности изображения, благодаря чему признаётся основателем Нидерландской школы живописи наряду с Яном ван Эйком.

А́льберт ван О́уватер— нидерландский художник. Об Альберте ван Оуватере имеется очень скудная информация. Большая часть информации содержится в «Книге о художниках» Карела ван Мандера, в которой Оуватер описывается преимущественно как известный мастер пейзажа. Кроме пейзажей Оуватер написал по всей видимости несколько религиозных полотен, одно из которых идентифицировано благодаря описанию в книге ван Мандера. Это созданное в 1450—1460 гг. «Воскрешение Лазаря», которое хранится в Берлинской картинной галерее и до настоящего времени является единственной картиной, бесспорно принадлежащей кисти Оуватера. Оуватер был отличным колористом, владевшим мельчайшими нюансами цветовой палитры и правилами построения перспективы.

Петрус Кри́стус— южнонидерландский (фламандский) художник, работавший в Брюгге с 1444 года. Также упоминается под именем Питер Кристофсен. Петрус Кристус не был учеником Яна ван Эйка. Однако он помогал Яну ван Эйку в последние годы жизни мастера и доделал некоторые не завершенные им заказы. На стиль Кристуса помимо ван Эйка оказали влияние художники Рогир ван дер Вейден и Робер Кампен. Петрус унаследовал мастерскую Ван Эйка после его смерти в 1441 году и оказал значительное влияние на других мастеров брюггской школы — Дирка Баутса и Гертгена тот Синт Янса. В полотнах на религиозные темы Кристус не сумел достичь уровня ван Эйка, однако портреты кисти Кристуса благодаря характерно проработанным деталям мимики выглядели очень живыми. Петрус Кристус был первым фламандским живописцем, серьёзно посвятившим себя портретной живописи. Одним из его шедевров считается «Портрет девушки» из Берлинской картинной галереи.

Дирк Боутс известный также под именем Дирка Гарлемского — нидерланд. живописец, образовавшийся под влиянием А. Оуватера и Р. ван дер Вейдена. работал в Гарлеме и, главным образом в Лёвене, где и ум. в 1475 г. Картины этого мастера отличаются выразительностью и внимательною обработкою пейзажной части. Важнейшие произведения Б.: складень "Тайная вечеря" (средняя часть в црк. св. Петра, в Лёвене, боковые — в Мюнхенск. пинак. и в Берлинском музее), "Правосудие императора Оттона" (две картины, в Брюссельск. муз.), "Поклонение волхвов" с фигурами Иоанна Крестителя и св. Христофора на створках (в Мюнхенск. пинак.), "Мучение св. Эразма" (в црк. св. Петра, в Лёвене), "Тибуртинская Сивилла" (в Штеделевск. инст. во Франкфурте-на-Майне) и "Св. Ипполит" (в црк. Спасителя, в Брюгге).

Характеристика стиля –  красочность, изысканность и декоративность, экзальтированность, утончённость. Как завершающий, финальный этап развития стиля, он отличается некоторым маньеризмом: экспрессивностью форм, остротой, графичностью и гротеском.

Изобразительно искусство – Частые золотые фоны, пренебрежение пространственной глубиной, плоскостность, отсутствие свето-воздушной среды и прочие черты средневекового искусства сочетаются при этом с высокими ремесленными живописными навыками, тщательностью в разработке деталей костюма и интерьера, проработанностью драпировок, лиц, а также растений.

Архитектура – «пламенеющая готика», также необыкновенно вычурная.

 

 

16 век Голландия

Сформировавшийся стиль –  ранее Возрождение

Основные художники:

Еру́н Анто́нисон ван А́кен, более известный как Иерони́м Босх— нидерландский потомственный художник, один из крупнейших мастеров периода Северного Возрождения. Из творчества художника сохранилось около десяти картин и двенадцати рисунков. Был посвящён в члены Братства Богоматери; считается одним из самых загадочных живописцев в истории западного искусства. В родном городе Босха, голландском Хертогенбосе, открыт центр творчества Босха, в котором представлены копии всех его произведений. Босх ассоциируется с городом Гертогенбосх, где он родился и работал. О его жизни, воспитании известно немного. Достоверно лишь то, что Босх родился в семье художников. Его картины, выполненные в совершенных цветах,  со сверхъестественным мастерством деталей, наполнены удивительными живыми предметами, странными растениями и животными. На полотнах художника часто встречаются чудовища, забавные или дьяволические фигуры, вышедшие из народных легенд, аллегорических поэм, морализированной религиозной литературы, а также направлений позднего готического искусства. Такие работы в  биографии Иеронимуса Босха, как «Garden of Earthly Delights» , спутывают аллегории. Однако символизм этих работ непонятен, вызывает различные толкования. Босх интересовался гротеском, дьяволическим, богатым и смертельным. Он был одним из первых художников Европы, изобразившим на своих полотнах сцены повседневной жизни, хотя часто с ненормальными элементами. Король Испании Филипп Второй собирал некоторые из лучших творений Босха. «Temptation of St. Anthony» (Лиссабон), «The Last Judgment» являются часто встречаемыми темами в творчестве художника. Другие картины Босха представлены в Эскориале, Брюсселе. Примеры «Adoration of the Magi» представлены в музее «Метрополитен», музее Филадельфии, где также находится «Mocking of Christ». В биографии Босха глубокое влияние оказало творчество Питера Брейгеля. В 20 веке Иеронимуса воспринимали как предвестника сюрреализма. Работы Босха до сих пор впечатляют современных художников. Картины Босха часто подделывали, а стиль копировали. Сам же художник за всю свою жизнь продал лишь 7 полотен. Со временем ученые стали приписывать руке Босха все меньше и меньше работ, считавшихся до этого его произведениями.  К началу 21 века названо всего 25-30 картин, точно являющихся творением Босха.

Абрахам Блумарт — нидерландский художник. Блумарт оказал большое влияние на развитие голландской живописи. Среди его многочисленных учеников — Ян Бот с братом Андрисом, Якоб Кейп, его сын Альберт Кейп, Ян Баптист Веникс и Николаус Кнюпфер.  Объединив в своём творчестве традиции голландской и фламандской живописных школ, он писал полотна на исторические темы, портреты, жанровые сцены и пейзажи. Многочисленные гравюры и ксилографии, созданные по мотивам его работ, отражают художественные устремления живописца. Манера работы художника с цветом напоминает творчество маньеристов XVI века.  Большинство сохранившихся полотен Блумарта хранится в Музее изящного искусства Сан-Франциско, а также в картинных галереях Берлина и Лувре.   «К лучшим его произведениям принадлежат: «Поклонение пастухов», «Святое семейство» (в Берлинском музее), большая историческая картина «Смерть сыновей Ниобии» (в Королевской галерее в Копенгагене) и множество других, находящихся в Париже, Мюнхене, Гааге и т. д. По портретной живописи самое удачное произведение Б. — его собственный портрет. Кроме того, Б. был превосходным гравером и формовщиком».

Исайя ван де Вельде - голландский пейзаж художник. Ван де Вельде работал в Харлеме с 1610 до 1618, и вступил в Харлеме гильдию Святого Луки в 1612 году вместе с Сегерсом . Это событие во многом созданы реалистичные ландшафтные картины, как отдельный жанр в этой части Нидерландов. Ван де Вельде был под влиянием немецкого художника Эльсхаймер развивать свои картины в более натуралистическом направлении, чем его наставник, и принять низкую точку зрения и треугольную композицию. Кроме пейзажей, ван де Вельде также рисовал жанр и военные картины.

Характеристика стиля – развитие элементов светского гуманистического мировоззрения, развитие идей религиозного «обновления»

Изобразительно искусство –большее влияние готического искусства, меньшее внимание к изучению анатомии и античного наследия, тщательная и детализированная техника письма. Кроме того, важной идеологической составляющей явилась Реформация.

Архитектура – влияние позднеготической архитектуры продолжало оставаться очень сильным вплоть до середины столетия, ренессансные элементы, постепенно проникавшие с начала 16 в. в нидерландское зодчество, подготовили почву для более решительных изменений. Первоначально эти новые элементы появились в архитектуре малых форм, зачастую включаясь в традиционный готический ансамбль.

 

17 век Голландия

Сформировавшийся стиль –  высокое  Возрождение, голландский классицизм

Основные художники:

Хендрик де Кейзер — нидерландский архитектор и скульптор, который мастерски воплотил в городской архитектуре, в частности Амстердама, формы позднего Ренессанса — маньеризма. Де Кейзер известен возведением ряда важных зданий, принадлежащих к основным историко-архитектурных памятникам нынешней нидерландской столицы, ряда других городов Нидерландов. Из них до сих пор сохранились Южная церковь (Зёйдеркерк) и башня при ней, Делфтская ратуша, Западная церковь (Вестеркерк) и Западная башня, Нордеркерк. Здание Амстердамской товарной биржи, возведённое де Кейзером, было разрушено в XIX веке. Проекты Хендрика де Кейзера, воплощённые в Амстердаме в первые десятилетия XVII века, ознаменовали установление в современной нидерландской столице позднеренесансного маньеризма, который известен под названием «амстердамский ренессанс». Этот архитектурный стиль во многом отклоняется от итальянской архитектуры эпохи Возрождения XVI века. Классические элементы, такие как пилястры, карнизы и фронтоны, использовались в Амстердаме в больших масштабах, но в основном для декора. Де Кейзер никогда не копировал образцы классической архитектуры, изложенные в итальянских трактатах. Его версия Ренессанса, которая достигла расцвета в конце 2-го десятилетия XVII века, была всё-таки авторской разработкой в местных амстердамских условиях — именно она заложила основу для дальнейшего развития голландской классической архитектуры, воплотилась в творчестве Якоба ван Кампена и Питера Поста. Считается, что Хендрик де Кейзер, скорее всего, спроектировал и амстердамский «Ост-Индский дом». Кроме архитектуры, Хендрик де Кейзер известен как скульптор. Он разработал проект надгробного памятника на могиле Вильгельма Молчаливого в делфтской Новой церкви (1614 — 23), хотя лично не увидел окончания работ — проект завершил его сын, тоже скульптор, Питер де Кейзер.

 

Франс Халс — основоположник голландского реалистического портрета. В портретах Халса все слои общества, изображенные без прикрас. Его портреты граничат с бытовым жанром. Халс — живописец смеха, веселой, жизнерадостной улыбки. С конца 1620-х гг. складывается зрелое мастерство художника. Работая теперь исключительно в области портрета, он создает целую галерею типов голландского общества — от офицерства и богатых бюргеров до социальных низов, предстающих в трактовке Халса воплощением неистощимой жизненной энергии народа — «Цыганка», «Мулат», «Малле бабе», «Шут с лютней», «Веселый рыбак». В этот же период Халс работает над популярным в Голландии жанром группового портрета — «Групповой портрет стрелковой роты св. Адриана» (1633 г.). С 1640-х гг. психологические характеристики в портретах Халса углубляются, в колорите начинают преобладать богатые переходами оттенков серебристо-серые тона — «Регенты госпиталя св. Елизаветы» (1641 г.). В поздних работах художника, построенных на строгих, напряженных контрастах черных и белых тонов, оттененных редкими красно-коричневыми пятнами, нередко появляются ноты безысходности и горького пессимизма — «Регентши приюта для престарелых в Харлеме» (1664 г.). Перестав в старости получать заказы и впав в беспросветную нужду, Халс умер 26 августа 1666 г. в харлемской богадельне.

Рембрандт Харменс ван Рейн — голландский живописец, офортист и рисовальщик, величайший художник Голландии. В 1632 г. Рембрандт получает заказ, изменивший всю его дальнейшую жизнь — групповой портрет для гильдии амстердамских хирургов. «Анатомия доктора Тулпа» принесла художнику признание публики. Теперь амстердамские богачи наперебой заказывали ему свои портреты. Создал много портретов своей жены — «Даная» (1636 г.). С 1640-х гг., в творчестве Рембрандта, особенно в картинах на религиозные темы, значение приобретает светотень, создающая напряжённую эмоциональную атмосферу. Художника интересует потаённая суть явлений, сложный внутренний мир изображаемых людей. В 1642 г. он пишет своё самое выдающееся и известное полотно «Ночной дозор», композиционное решение которого не имеет ничего общего с традиционным групповым портретом. Рембрандт создал не имеющую аналогов галерею портретов — «Автопортрет» (1640 г.), «Мужчина в красном» (1652–1654 гг.), «Старуха в красном», «Портрет Тупса». Его последние работы поражают отточенностью мастерства. Он пишет все более великие шедевры — «Европейская невеста» (1666 г.), «Возвращение блудного сына» (1668–1669 гг.). Рембрандт создал замечательные произведения почти во всех жанрах, пользовался разнообразной техникой письма (живопись, рисунок, офорт). За свою жизнь Рембрандт создал около 600 картин, почти 300 офортов и более 1400 рисунков.

Ян Вермеер Дельфтский — нидерландский художник, мастер бытовой живописи и жанрового портрета. Ранние картины на мифологические и евангельские темы («Диана с нимфами») свидетельствуют о влиянии итальянского барокко. Любовь в самом широком, равно плотском и духовном, смысле, является лейтмотивом его картин. Героини Вермеера вникают в амурные послания, музицируют, любуются драгоценностями; все эти сцены, в большинстве случаев однофигурные, полные покоя и уюта — «Девушка с письмом» (1657 г.), «Дама, примеряющая ожерелье», «Кружевница» (1664–1665 гг.), «Девушка с жемчужиной». Применяя камеру-обскуру в качестве вспомогательного средства для перевода реального мотива на поверхность картины, в своих городских видах Вермеер достиг почти фотографической объективности, привычно соединяя ее с задушевной поэзией («Вид Дельфта», ок. 1660 г.).

Характеристика стиля – сочетает в себе элементы итальянского барокко и классицизма с наследием национальной кирпичной архитектуры.

Изобразительно искусство – картины украшали дома и правящей верхушки, бюргеров, ремесленников, крестьян. Они продавались на ярмарках и аукционах. Картины — товар, средство наживы, поэтому наиболее талантливые мастера, отстаивающие свою самостоятельность, погибали в нужде и одиночестве. Главный объект изображения — окружающая действительность: бытовой жанр, портрет, натюрморт, пейзаж.

Архитектура -  Специфика природных условий вызвала появления плотин и дамб, шлюзов и каналов, обилие зелени, воды, своеобразный вид зданий, спускающихся к воде. Классицизм как основной стиль массового строительства возобладал в голландской национальной школе раньше, чем в других странах. Этот стиль сочетал в себе элементы итальянского барокко и классицизма с наследием национальной кирпичной архитектуры. Для архитектуры классицизма характерно использование классических ордеров (таких, как тосканский, дорический, ионический, коринфский и композитный). Во время расцвета классицизма, элементы стиля, такие как пилястры, классические фронтоны и архивольты, использовались повсеместно. Их можно было встретить как на представительских зданиях, так и на постройках утилитарного назначения. В стиле голландского классицизма выдержаны «узкие» кирпичные дома Амстердама.

 

 

 

 

18 век Голландия

Сформировавшийся стиль –   конец эпохи голландского реализма, барокко

Основные художники:

Адриан ван дер Верфф — голландский художник; старший брат Питера ван дер Верффа. В 1669—1670 учился рисованию у К. Пиколе, в 1671—1676 — у Эглона ван дер Нера. После завершения образования жил и работал в Роттердаме. Главными темами произведений художника были библейская и древняя история, античная мифология, бытовые сценки, пасторали и миниатюры, отличавшиеся крайне тщательным и аккуратным исполнением. Полотна ван дер Верффа высоко ценились современниками как за совершенное исполнение рисунка человеческого (женского) тела, так и за совершенное владение искусством передачи его цвета — от слоновой кости до блестяще-фарфорового оттенка кожи. Картины мастера охотно приобретались многими европейскими дворами. 16 из них хранится ныне в мюнхенской Старой Пинакотеке, 12 — в Дрезденской галерее. Кроме того, работы ван дер Верффа можно увидеть в крупнейших музеях Санкт-Петербурга (Эрмитаж), Берлина, Парижа, Лондона, Амстердама, Роттердама, Дюссельдорфа, Бонна, Энсхеде и других городов.

Виллем ван Мирис — голландский художник-портретист, автор исторических и жанровых полотен. Работал в традициях основанной Герардом Доу лейденской художественной школы. Виллем ван Мирис родился в семье художников. Его отец, Франс ван Мирис-старший, был известным учеником Г. Доу, старший брат Виллема Ян ван Мирис также был живописцем. После обучения в мастерской отца Виллем в 1683 году становится членом лейденской гильдии художников св. Луки. В 1687, 1698, 1704 и 1708 годах он — управляющий делами Гильдии, в 1699 избирается её председателем. В 1694 году ван Мирис, совместно с художниками Якобом Торенфле и Карелом де Моором, основывает в Лейдене Академию искусств Leidse Tekenacademie, просуществовавшую в этом городе до 1736 года. Приблизительно к этому времени художник ван Мирис ослеп и перестал рисовать. Избранные полотна: Возвращение блудной дочери, Одиссей и Цирцея, Дама с попугаем, Смерть Клеопатры, Портрет вдовы.

Ян ван Хёйсум— нидерландский художник. Очень быстро стал ведущим нидерландским художником, мастером натюрморта. Среди его покровителей были принц Уильям Гессен, герцог Орлеанский, короли Польши и Пруссии, курфюрст Саксонии, сэр Роберт Уолпол, граф Орфордский. Ян скрывал от других художников методы своей работы. Единственной ученицей, причём недолго, была Маргарет Хауверман (1720-1795). В отличие от других мастеров натюрморта, Ян делал предварительные рисунки, очень тщательно выписывал картины, порой на протяжении многих лет, летом он выезжал в Харлем, центр садоводства Нидерландов тех лет, для наблюдения за цветами. Особенности художественной манеры Яна ван Хёйсума хорошо видны в двух парных картинах «Цветы» (1722) и «Цветы и плоды» (1723), выполненных по заказу лорда Уолпола и находящихся в Эрмитаже. «В своих выдержанных в светлых тонах букетах он достигает большой силы красочных звучаний. Особенно характерна в этом отношении картина «Цветы и плоды» (1723), где наряду со светлой гаммой цветов, определяющей колорит, в нагромождении фруктов внизу и изысканном узоре изгибающихся лоз вверху чувствуется тонкий художественный расчет мастера позднего натюрморта. Тщательность выполнения и светлый красочный аккорд картин Хейсума, который, подобно Яну Давидсу де Хему, использовал все возможности передачи букетов в светлом окружении, изменил самый характер натюрморта.

Характеристика стиля – отмечен признаками творческого спада, который сопутствовал нараставшему экономическому и культурному упадку страны.

Изобразительно искусство – в натюрмортах преобладают обманки или ложные рельефы в пейзаже господствует описательная объективность

Архитектура -  ведущее положение в голландском зодчестве занял новый тип патрицианского жилого дома, отныне утратившего столь долго сохранявшиеся традиционные национальные мотивы.

 

Скачано с www.znanio.ru