Урок: Бетховен. Краткие биографические сведения

Бетховен. Краткие биографические сведения

Ещё одним великим представителем венской школы является Людвиг ван Бетховен.

Детство Бетховена прошло в Бонне. Профессию мальчик выбрал не случайно: его отец и дед были профессиональными музыкантами, так что он, естественно, пошёл по их стопам. Его детство протекало в материальной нужде, было безрадостным, суровым. Вместе с тем большую часть времени Людвиг должен был посвящать занятиям: мальчика обучали игре на скрипке, фортепиано, органе.

Он быстро делал успехи и уже с 1784 года служил в придворной капелле. Людвиг прошёл хорошую школу в придворном оркестре, где его обучением занимались многие выдающиеся музыканты - К. Нефе, И. Гайдн, И. Альбрехтсбергер, А. Сальери. Там он начал сочинять музыку, а также сумел занять место органиста и виолончелиста.

В 1787 году Бетховен решил отправиться навстречу судьбе в Австрию. Её столица - Вена - славилась великими музыкальными традициями. Там жил Моцарт, учиться у которого было давним желанием Бетховена. Услышав игру юного боннского музыканта, Моцарт сказал: «Обратите на него внимание. Он всех заставит о себе заговорить!»

Влиятельные друзья помогли Бетховену, и вскоре он стал модным пианистом и учителем. С 1792 года Бетховен постоянно живёт в Вене. Вскоре он приобрёл славу замечательного пианиста и импровизатора. Его игра поражала современников глубиной страстей, эмоциональностью, необычайной инструментовкой.

Однако композитора, находившегося в расцвете сил, поразил тяжёлый недуг. С 1796 года он начал глохнуть и к концу 1802 года оглох полностью. Вначале он впал в отчаяние, но, преодолев тяжёлый психологический кризис, смог собраться и снова начал сочинять музыку. Тяжёлые переживания и огромную любовь к жизни и музыке Бетховен отразил в своих сочинениях, но теперь они приобрели драматический оттенок.

В центре почти всех произведений Бетховена представлен яркий, незаурядный характер борющейся личности, обладающий неподдельным оптимизмом. Вместе с тем героические образы переплетаются с глубокой, сосредоточенной лирикой, с образами природы. Умение Бетховена соединять в одном произведении элементы разных жанров стало не только открытием, но и особенностью музыки его последователей. Творчество композитора оказало большое влияние на европейскую музыку.

Тяжёлое заболевание, потребовавшее нескольких операций, подорвало его могучий организм. Людвиг ван Бетховен скончался 26 марта 1827 года. В день его похорон были отменены занятия во всех венских школах. За гробом великого музыканта шла двадцатитысячная толпа людей.

Звуки музыки

Последней из созданных Бетховеном симфоний стала Девятая, которая звучит как гимн мощи и силе человеческого духа, восставшего над недугом. Ведь последние годы жизни Бетховена были омрачены тяжёлыми жизненными лишениями, болезнью, одиночеством.

Для самого грандиозного претворения темы героической борьбы и победы Бетховену в его Девятой симфонии оказалось недостаточным выразительных средств оркестра. И он поступил совершенно необычным до того образом - ввёл в финал симфонии хор и певцов-солистов. Слова он взял из «Оды к Радости» своего современника - немецкого поэта Фридриха Шиллера. На эти слова Бетховен создал венчающий произведение величественный гимн, призывающий народы всего мира к радостному братскому единению.

Как будто огромное солнце поднимается на небе. «Обнимитесь, миллионы, слейтесь в радости одной!» Вот оно, будущее! В единении всех людей, стремящихся к миру, свободе, счастью.

Премьера симфонии состоялась 7 мая 1824 года в одном из венских театров. Бетховен стоял за дирижёрским пультом и размахивал руками. Он давно уже не мог управлять оркестром, потому что был глух. На самом деле дирижировал другой капельмейстер, стоявший рядом с Бетховеном.

Когда музыка отзвучала, начались такие овации, что, казалось, рухнет крыша театра. Их не слышал один Бетховен. Он стоял спиной к публике. Тогда одна из певиц повернула его лицом к залу. И он увидел успех своей симфонии. Бетховена приветствовали пятикратными овациями. Но даже императора тогда полагалось приветствовать трижды. Чтобы прекратить такое нарушение церемониала, полиция приказала слушателям покинуть зал.

Эта мелодия принята в настоящее время в качестве гимна Европейского Союза.

По силе мысли, широте замысла, совершенству воплощения Девятая симфония не имеет себе равных. Девятая симфония с её финальным призывом стала идейным завещанием человечеству и оказала сильнейшее воздействие на симфонизм XIX и XX веков.

Слушание: Л. Бетховен. Симфония № 9 «Хоральная», 4 часть (фрагмент).

Вопросы и задания:

1. Какого из великих композиторов называют венскими музыкальными классиками?  

2. Чем объясняется такое определение?

3. Расцвет каких музыкальных жанров связан с творчеством венских классиков?

4. Назовите состав классического (струнного) квартета.

5. Что отличает звучание квартета Й. Гайдна – единство, слаженность или их отсутствие?

6. Черты песенности, танцевальности или маршевости очевидны в музыке Й. Гайдна?

7. Ария Царицы ночи – это ария мести. Послушайте арию. Только ли драматический характер присущ ей? Подумайте, почему?

8. Какое произведение венчало собой творчество Л. Бетховена?

9. Кто автор стихов, положенных в основу финала Девятой симфонии?

10.            Каков характер финала Девятой симфонии?

«Народный» композитор Италии Джузеппе Верди

Содержание:

1. Роль оперы в жизни итальянского народа.

2. Значение музыки Дж. Верди в годы оккупации Италии австрийскими войсками.

3. Важнейшие отличительные особенности произведений Верди - сила духа, стремление к свободе, призыв к борьбе.

Музыкальный материал:

1. Дж. Верди. Марш из оперы «Аида» (слушание);

2. «В путь». Итальянская народная песня (пение).

Характеристика видов деятельности:

1. Воспринимать на эмоционально-образном уровне профессиональное музыкальное творчество народов мира.

2. Распознавать особенности музыкальной речи композиторов (на примере творчества Дж. Верди).

3. Узнавать по характерным стилевым признакам изученные музыкальные сочинения.

В контексте истории

Для итальянского народа опера является одним из любимых музыкальных жанров. Захватывающие сюжеты, пышные декорации, прекрасное исполнение издавна сделали оперу всеобщим предметом поклонения.

По традиции посещать оперные театры могли все слои общества. Аристократические семьи располагались в богатых ложах. В партере находились служащие и офицеры. Бедняки толпились на галёрке. (Галёрка – верхний ярус театра).

Каждое новое произведение темпераментные итальянцы воспринимали крайне эмоционально. Если музыка и исполнение нравились публике, взрывам одобрительных аплодисментов не было конца. Однако в случае неуспеха «в награду» артистам нередко доставались бранные выкрики и гневный топот.

Любовь итальянцев к опере объясняется и другой важной причиной. В XVIII веке север Италии был захвачен австрийскими войсками. Чтобы удержать власть, новые правители ввели запреты на свободу слова, на издание патриотических газет и журналов. По счастью, запреты не коснулись музыкальных театров. Враги считали, что опера – всего лишь пустая забава итальянских богачей.

Расчёт оказался неверным: ведь музыка обладает огромной силой человеческого объединения!

Именно в это время на сцене знаменитого театра «Ла Скала» (по-итальянски «скала» - «лестница») ставятся оперы Джузеппе Верди.

В своей музыке композитор сумел передать переживания и надежды итальянского народа. Пламенность чувств, призыв к борьбе он отразил в ярких запоминающихся мелодиях, энергичных ритмах. После спектаклей итальянцы повсюду распевали мелодии из опер Верди, выражающие стремление к свободе.

Биография

Джузеппе Верди родился в маленькой деревушке неподалёку от города Буссето, где его отец был трактирщиком. Первым инструментом, на котором мальчик научился играть, был старый спинет (предшественник клавесина). Учил будущего композитора органист деревенской церкви Байстрокки.

Занятия музыкой Верди не прекратил и вовремя учёбы в школе, после окончания, которой поступил на службу в контору купца Антонио Барецци. Хозяин Верди был большим любителем музыки, и именно в его доме проявилась необычайная музыкальная одарённость юноши.
Работая у купца, Верди уже в 15 лет не только играл на органе в городском соборе, но и дирижировал городским филармоническим оркестром, заменяя штатного дирижёра.

В 1831 году он получил стипендию и отправился поступать в Миланскую консерваторию. Однако его не приняли, поскольку он происходил из низшего сословия, поэтому пришлось брать частные уроки у дирижёра театра «Ла Скала» Винченцо Лавинья.

Именно в это время Верди пришлось заменить своего учителя во время одного из концертов. Выступление Верди прошло настолько успешно, что дирекция театра заказала ему сочинение оперы. Однако материальные условия вынудили Верди занять должность директора филармонического общества в Буссето. Одновременно он подрабатывал в том же городе церковным органистом.

Концерты с участием Верди были настолько популярными, что в церковь, где он играл, собирались жители со всего города. Поворотным в жизни будущего композитора стал 1839 год, когда на сцене «Ла Скала» состоялась премьера его первой оперы «Оберто». Она прошла с огромным успехом, после чего Верди получил заказ написать ещё несколько опер.

В 1842 году вся Италия аплодировала новым операм композитора – «Набукко» и «Ломбардцы в крестовом походе». Тема освобождения от вражеского гнёта, звучавшая в их музыке, вызвала огромный политический резонанс. Оперы Верди стали такими популярными, что их одновременно поставили в нескольких городах Италии. На сцене Лондонского театра прозвучала его опера «Макбет».

Верди стал живым классиком итальянской музыки. Менее чем за десять лет он написал восемь опер, каждая из которых явилась шедевром этого жанра. Среди них – «Риголетто», «Трубадур», «Травиата», «Симон Бокканегра», «Бал-маскарад», «Сицилийская вечерня».
Любопытно, что в России оперы Верди далеко не сразу были приняты публикой. Даже крупные композиторы и критики - В. Стасов, А. Серов, П. Чайковский - лишь какое-то время спустя оценили их достоинства. Причина была в том, что напряжённая драматургия и яркая музыка требовали незаурядных способностей, что оказалось не по силам, имевшимся в то время в России певцам и исполнителям.

В следующее десятилетие творчество Верди было менее интенсивным. Но каждая из его опер представляла собой монументальное произведение. Центральное место занимают оперы «Дон Карлос» по драме Ф. Шиллера, а также «Аида» по египетской легенде.
Оперы поражают своим размером, исполнение их длилось не менее пяти часов. Кроме того, был задействован большой состав инструментов и огромное количество исполнителей. Верди увлекался народными сценами, поэтому часто эти пьесы происходили в естественных декорациях: например, «Аида» часто ставилась вблизи Каира на фоне пирамид.

Верди стремился к созданию музыкальной драмы, где музыка и драматургия соединялись бы в единое целое и каждый герой получал бы завершённую музыкальную характеристику. Примером такой оперы является «Отелло» - последняя опера Верди, премьера которой состоялась в феврале 1887 года. Композитор сам руководил постановкой и даже показывал отдельные сцены актёрам, среди которых был великий итальянский певец Ф. Таманьо. Дирижировал оперой Артуро Тосканини.

Спектакль стал подлинным триумфом композитора. Все улицы вокруг театра были заполнены народом, и после окончания спектакля публика донесла Верди на руках до его дома.

Любовь к музыке великого композитора была всенародной. Известно, что в день его похорон все жители Милана вышли к театру «Ла Скала» проститься с маэстро. (Маэстро – почётное название выдающихся музыкантов, композиторов, художников.) В знак особого почтения во время траурной процессии лошадям специально подвязали тканью подковы, чтобы не было слышно цокота копыт.

Музыка Верди продолжает покорять сердца миллионов людей и поныне!

Звуки музыки

Марш из оперы Дж. Верди «Аида»

Действие оперы происходит в древнем Египте. Перед зрителями предстаёт красочное зрелище. Площадь, полная народу. На троне – царь Египта, окружённый жрецами, приближёнными, стражей. Грандиозный храм и триумфальная арка создают впечатление величия и могущества. Ликующая толпа встречает египетское войско, под предводительством Радомесом, после победы над Эфиопами. Музыка марша передаёт победный шаг воинов, гордость победителей, возвращающихся домой, радость встречающих.

Тема марша, воинственная и торжественно-ликующая, звучит у трубы в сопровождении оркестра. В ней слышатся энергичные фанфарные возгласы. (Фанфара – сигнальная труба.)

Весь марш строится на развитии этой темы. Композитор находит свежие и яркие краски для выражения в музыке торжественности и величия. В середине марша неожиданно сменяется тональность, вступает весь оркестр. Музыка становится ещё светлее и праздничнее.

Марш исполняет симфонический оркестр, а также духовой оркестр, размещённый прямо на сцене. Музыканты, облачённые в костюмы египтян, становятся участниками сценического действия.

Вопросы и задания:

1. Почему для итальянского народа опера является одним из любимых музыкальных жанров?

2. Послушайте марш из оперы «Аида». Её сюжет рассказывает о борьбе двух древних народов – Эфиопии и Египта. Звуки торжественного марша символизируют победу египтян. После прослушивания фрагмента постарайтесь ответить, почему итальянцы так горячо воспринимали музыку Верди. Какую огромную силу она заключает в себе?

Музыкальное путешествие в Италию

Содержание:

1. Италия - страна хранительница величайших культурно исторических ценностей (краткий художественно исторический экскурс).

2. Италия - родина оперы, родина бельканто.

3. Чудо-город Венеция.

4. Музыкальное посвящение М. Глинки - романс «Венецианская ночь».

5. Знакомство с жанром баркаролы.

Музыкальный материал:

1. М. Глинка, стихи И. Козлова. «Венецианская ночь» (слушание);

2. Н. Паганини. «Каприс» № 24 (ля минор);

3. П. Чайковский. «Итальянское каприччио» (по желанию педагога);

4. «Санта Лючия». Итальянская народная песня (пение).

Характеристика видов деятельности:

1. Воспринимать на эмоционально-образном уровне профессиональное и народное музыкальное творчество разных стран мира.

2. Анализировать художественно-образное содержание, музыкальный язык произведений мирового музыкального искусства.

3. Воплощать художественно-образное содержание народной музыки в пении.

Сегодня мы совершим музыкальное путешествие в прекрасную Италию – страну южных морей и гор, залитых солнцем долин, садов и виноградников.

Древняя Италия по праву считается хранительницей величайших исторических и художественных ценностей.

Почти в каждом городе страны мы можем увидеть великолепные дворцы и храмы, фонтаны и парки, музеи и памятники.

С Италией связаны имена гениев мировой художественной культуры. Среди них Петрарка и Данте (литература), Леонардо да Винчи и Рафаэль (изобразительное искусство), Верди и Паганини (музыка).

Многие иностранные композиторы стремились побывать в Италии – на родине оперы, родине прекрасного пения – бельканто (bel canto по-итальянски - прекрасное пение).

Вы знакомы с творчеством русского композитора, основоположником русской классической музыки. М. И. Глинка создал основы русского музыкального языка.

Композитор Глинка родился недалеко от города Смоленска. Существует легенда о том, что в момент рождения мальчика в саду запел соловей, и это словно определило жизненный путь ребёнка – быть ему музыкантом.

Музыка М. Глинки полна народности, музыковед В. Стасов пояснял, откуда в творчестве композитора эта черта: «Глинка родился, провёл первые годы и получил первое своё образование не в столице, а в деревне, и таким образом натура его приняла в себя все те элементы музыкальной народности. Которые, не существуя в наших городах, сохранились лишь в сердце России». М. Глинка был первым русским композитором, который сочинил оперы, балетную музыку и симфонии, ставшие классическими, т. е. образцовыми. Вот почему М. Глинка считается первым русским композитором.

Но профессионально музыке Михаил Иванович Глинка учился в Италии, тогда в России не существовало своих учебных заведений для музыкантов. И занимался Глинка так старательно и хорошо, что вскоре обогнал своих педагогов, и они сами почтительно стали называть его «маэстро», что означает «учитель». В память о своём пребывании в Италии Глинка сочинил замечательный романс, который называется «Венецианская ночь».

Посмотрите на рисунок – на нём изображён итальянский город Венеция. Это очень необычный город, вместо привычных улиц там водные каналы, по которым неспешно и плавно скользят длинные гондолы (гондола – венецианская лодка).  И в Венеции принято, чтобы гондольеры (лодочные гребцы) непременно пели песни. Эти песни получили название «баркарола». Слово «баркарола» в переводе на русский язык и означает «песня лодочника». Слово «лодка» на итальянском языке произносится как «барка».

Мелодия баркаролы нежная, лирическая, темп спокойный. Однообразный ритмический рисунок вызывает ощущение лёгкого покачивания.

В стиле баркаролы написан и нежный, мечтательный романс М. Глинки «Венецианская ночь». В музыке романса вы услышите переливы волн, звуки воды, которая стекает с вёсел.

И ещё Венеция славится своими карнавалами, которые длятся несколько дней и ночей подряд. Вот о таком венецианском карнавале и пойдёт речь в романсе М. Глинки.

Послушайте начало этого романса.

Ночь волшебница дышала
Светло-южною красой,
Тихо Брента протекала,
Серебримая луной.
Окружён волной огнистой
Блеск прозрачных облаков,
И восходит пар душистый
От зелёных берегов.

(Слова И. Козлова)

Вслушайтесь в музыку романса, в его слова.

Слушание: М. Глинка. Романс «Венецианская ночь».

1. Какой характер у романса? (Изящный, изысканный, утончённый, нежный.)

2. В каком жанре сочинил композитор этот романс?

3. Как переводится слово «Баркарола»?

4. В каких жанрах создавал музыку М. И. Глинка?

5. Какая музыка М. И. Глинки вам запомнилась больше всего?

6. Что рисует сопровождение романса?

Сегодня мы познакомимся с творчеством знаменитого итальянского композитора, автора произведений для скрипки по имени Никколо Паганини.

Паганини славился как виртуозный мастер игры на скрипке и сочинил для неё много разных пьес. Его произведения казались настолько сложными, что играть их мог только он сам. Имя Паганини было овеяно легендами. Люди, которым доводилось слушать его игру, не верили такому мастерству, говорили, что смычком Паганини водит сам дьявол. У Паганини было много завистников, не раз перед концертом ему старались навредить – обрывали струны у скрипки. Но мастерство этого скрипача было так велико, что он умудрялся свои сочинения исполнять даже на одной струне.

Познакомьтесь с одним из самых знаменитых произведений Н. Паганини, оно называется «Каприс». Обратите внимание на форму музыки и её развитие.

Слушание: Н. Паганини. «Каприс».

1. Попробуйте спеть лейтмотив «Каприса» Н. Паганини.

2. Повторялся ли лейтмотив в течении пьесы? (Да.)

3. Менялся ли он в своём оформлении? (Да.)

4. Как называется такая музыкальная форма? (Вариации.)

5. Назовите автора этого произведения.

6. Паганини был не только великим композитором, но и великим исполнителем. На каком музыкальном инструменте он играл?

7. Как называется музыкант, который блестяще играет на музыкальном инструменте? (Виртуоз.)

8. Надо ли быть виртуозом, чтобы исполнять сочинения Н. Паганини? (Да.)

9. В какой стране родился и жил Н. Паганини? (В Италии.) 

Вопросы и задания:

1. Что в музыкальном путешествии по Италии вам запомнилось больше всего? Почему?

2. Что такое баркарола? Каковы её особенности?

3. Какие картины возникают во время прослушивания романса М. Глинки «Венецианская ночь»?

4. Что, по-вашему, изображает ритм в этом романсе?

Дополнительный материал

Пётр Ильич Чайковский в 1879 -1880 годах жил в Италии.

Внимательно вслушивался композитор в итальянскую народную музыку, распеваемую уличными певцами. Особенно запомнился многодневный яркий, красочный карнавал (правда, немало утомивший своим шумом, «беснованием»). Под его впечатлением Чайковский решил написать фантазию на народные темы для симфонического оркестра - «Итальянское каприччио». Он хотел, чтобы весёлая, светлая пьеса возбуждала жажду жизни, охоту танцевать и веселиться.

Слушание: П. Чайковский. «Итальянское каприччио».

Открывается эта одночастная пьеса звуками фанфары - сигнала, который Пётр Ильич слышал ежедневно в Риме из военных казарм, находившихся рядом с его отелем. За медленным вступлением следуют, сменяя один другого, эпизоды, контрастные по настроению: то грустные, печальные, то празднично приподнятые, светлые, то песенные, то танцевальные.

Произведение состоит из нескольких танцев, следующих один за другим без перерыва, каждый из которых основан на мелодии, услышанной композитором в Италии, начиная с имитации военного духового оркестра и знаменитой неаполитанской песни - до захватывающей тарантеллы в финале.

В презентации использованы фото достопримечательностей Италии, репродукции картин художников Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти, Рубенса Санторо, Ивана Айвазовского, Уильяма Тёрнера, Эмилио Фоссати и др. 

«На Руси родной, на Руси большой не бывать врагу...»

Содержание:

1. Историческая, музыкально-патриотическая тема.

2. Отражение патриотических черт русского характера в музыке хора «Вставайте, люди русские!» из кантаты С. Прокофьева «Александр Невский».

3. Контраст образов - русских освободителей и немецких рыцарей-крестоносцев - в музыке Прокофьева;

4. Знакомство с жанром кантаты.

Музыкальный материал:

1. С. Прокофьев. «Вставайте, люди русские!», «Ледовое побоище», «Мёртвое поле», «Въезд Александра во Псков» из кантаты «Александр Невский» (слушание);

2. Г. Гладков, стихи Ю. Энтина. «Край, в котором ты живёшь» (пение).

Характеристика видов деятельности:

1. Наблюдать за процессом музыкального развития на основе сходства и различия интонаций, тем, образов.

2. Применять знания основных средств музыкальной выразительности при анализе прослушанного произведения.

«Святая Русь не пуста стоит, на Святой Руси есть сильны могучи богатыри» - так говорил Илья Муромец о доблестных защитниках земли Русской.

В минуты тяжёлых испытаний в Росси всегда находились великие герои, ведущие народ на борьбу с врагом. Князь Игорь, Александр Невский, Александр Суворов, Михаил Кутузов… Имена этих русских полководцев навсегда вошли в историю Российского государства.

«Кто с мечом к нам войдёт - от меча и погибнет.
На том стоит, и стоять будет русская земля!»

 Александр Невский

Перелистаем страницы русской истории

Итак, начало XIII в. Русь задыхается под татаро-монгольским игом. Вся южная часть Русского государства изнемогает от жестокости завоевателей. А с севера новая беда – шведы да немцы.

В 1240 г. Князь Александр Ярославич наголову разбил отряд шведских рыцарей. Битва эта произошла на реке Неве, и победитель получил за это прозвище Невский. О том в народе даже песни складывают.

«А и было дело на Неве-реке,
На Неве-реке. На большой воде.
Там рубились в войске воинском
За великую землю Русскую.
За собою войско вёл Александр.
Были силы в войске богатырские,
Как налево махнут – станет улица,
А направо махнут – переулочек.
Не уступим мы землю Русскую,
Кто придёт на Русь, будет побеждён!»

Вскоре после Невской битвы на Русь двинулись отряды немецких рыцарей-крестоносцев. Чёрными крестами были расшиты их знамёна, чёрные кресты были и на щитах рыцарей. Строй крестоносцев русские прозвали «железной свиньёй».

Весной 1242 года на Чудском озере разыгралось кровавое побоище.

Русские войска, сражаясь, загнали врагов на лёд Чудского озера, лёд проломился, и тяжёлые доспехи увлекли захватчиков под воду.

Художники и композиторы воплотили облик героического князя и его подвиг в своих картинах и в музыке.

Живопись

На картине П. Д. Корина «Александр Невский» князь изображён во всю высоту полотна, опираясь обеими руками на огромный тяжёлый меч в ножнах. Он как бы возвышается над нами, это придаёт образу особое величие. Полководец изображён в боевых доспехах – в кованом шлеме, в стальной кольчуге, рукавицах, наколенниках – на фоне красного плаща и тёмного знамени с ликом Спасителя. Князь Александр Невский грозно смотрит перед собой. Взгляд его суров и неприступен. Весь его облик говорит: «Кто на Русь с мечом пойдёт, тот и от меча погибнет!»

На дальнем плане, за фигурой князя, мы видим белоснежные церкви Великого Новгорода. Отражение русского города в картине символизирует Великую Русь.

Звуки музыки

С. С. Прокофьев. Кантата «Александр Невский»

Композитор Сергей Сергеевич Прокофьев написал кантату к художественному фильму под названием «Александр Невский», в котором показывают битву на Чудском озере.

Именно кантатой, то есть музыкальным произведением для пения, а не сюитой из музыки к фильму назвал своё сочинение Сергей Сергеевич Прокофьев.

На сцене не будет декораций. Займут свои места оркестранты во фраках, выйдет и построится хор - чёткие ряды женщин в длинных платьях и мужчин в чёрных костюмах. Дирижёр подаст знак - и линия белых листков прочертит эти стройные ряды: хористы приготовят ноты. Но начнётся музыка - и всё исчезнет. Перед нами встанет измученная, разорённая монголами Русь, собирающая силы для борьбы с новым врагом.

«Вставайте, люди русские!
На славный бой, на смертный бой!»  

Мощно и грозно звучит призыв; то низко, рокочуще, то высоко и звонко ведут они мелодию песни. Вот слились вместе, будто идущие из разных мест ополченцы собрались в единую могучую рать:

«Вставайте, люди честные,
За нашу землю русскую!»

Слушание: С. Прокофьев «Вставайте, люди русские!» из кантаты «Александр Невский» (1 часть хора).

1. Есть ли в этом хоре инструментальное вступление?

2. Какой музыкальный инструмент звучит во вступлении? (Колокол.)

3. Каков характер звучания колокола? (Тревожный, призывный, беспокойный.)

4. Какой характер звучания хора? (Энергичный, смелый, напряжённый.)

У композитора в нотном тексте имеется указание: «решительно, мужественно».

1. Какой хор звучал в этом отрывке – мужской, женский, детский или смешанный? (Смешанный – слышны были мужские и женские голоса.)

2. Кто ещё, кроме смешанного хора, исполнял этот отрывок? (Симфонический оркестр.)

3. В какой динамике звучит весь отрывок? (Форте.)

4. В каком темпе звучит отрывок? (В быстром.)

5. Какому музыкальному жанру близок этот отрывок? (Маршу.)

Вы послушали начальный отрывок. А теперь послушайте полностью хор «Вставайте, люди русские!». Обратите внимание на его среднюю часть – изменится ли характер музыки, кто её будет исполнять? Вернётся ли в конце музыкальная тема начала?

Слушание: С. Прокофьев «Вставайте, люди русские!» из кантаты «Александр Невский» (полностью).

1. Отличалась ли по своему звучанию средняя часть хора? (Да.)

2. Какой был характер в этой части? (Распевный, плавный, мягкий.)

3. Кто исполнял среднюю часть? (Женский хор и симфонический оркестр.)

Послушайте текст, который поёт женский хор. Широко и плавно разлилась вдруг мелодия, зазвенела прекрасная высоким, чистым звоном.

«На Руси большой,
На Руси родной
Не бывать врагу!»

И снова клич по всей Руси: «Вставайте, люди русские!» Теперь уже поёт весь хор, и женщины, и мужчины, - ещё мощнее, и уже совсем грозно зазвучала песни, сзывая всех на битву с врагом.

«На Руси родной,
На Руси большой
Не бывать врагу.
Поднимайся, встань,
Мать родная Русь.»

1. Почему среднюю часть произведения с этими словами поёт именно женский хор? (Создаётся впечатление, что женщины провожают своих мужей на борьбу с врагом или, что сама Русь просит подмоги у защитников.)

2. Повторялась ли в конце начальная тема хора? (Да.)

3. Каков характер финала произведения? (Возвышенный, мощный, торжественный.)

4. Сколько частей было в хоре «Вставайте, люди русские!»? (Три части.)

5. Каким словом в музыке называется повторение? (Реприза)

А знаете ли вы, мои дорогие друзья, что в самые первые дни Великой Отечественной войны, когда не было и не могло ещё быть песен, зовущих на правое и святое дело - на битву с фашизмом (а как нужны были также песни сразу же, сейчас же!), когда не была ещё создана прекрасная и суровая песня-призыв «Вставай, страна огромная!»,- в эти самые первые дни по радио во всех уголках нашей страны звучал именно этот хор из кантаты Сергея Прокофьева.

«Вставайте, люди русские, на великий бой с захватчиками нашей Родины, за нашу землю», - сзывала советских людей мужественная песня. И могучая, жизнеутверждающая энергия, заключённая в музыке, вселяла уверенность, рождала волю к победе.

Но вернёмся снова к кантате.

В музыке кантаты «Александр Невский» С. Прокофьев создал не только русские героические образы, но и образы захватчиков.

…Мглистый, туманный рассвет над ледяным полем. Затаённо, тихо начинается «тема нашествия» немецких рыцарей. К засевшим в засаде русским войскам приближается непобедимый доселе стальной клин тевтонской «свиньи». Лязгает, громыхает броня, и сквозь лязг прорываются высокие, резкие голоса - это монахи исступлённо поют свои католические молитвы. Но и молитвы, и страшный лязг доспехов - всё заглушает песня, боевая песня русских воинов. Мужественно и грозно звучат низкие, мощные голоса русских богатырей...

В бой вступает дружина Александра Невского. У трубы звучит тема «Вставайте, люди русские!». Начинается русская атака. Её сопровождает новая стремительная, удалая тема.

Эти темы, как противники в бою, сталкиваются друг с другом. Потом вражеская тема слабеет, искажается. Завершает эту часть тихая и светлая тема среднего раздела четвертой части «На Руси родной, на Руси большой не бывать врагу».

На освобождённую русскую землю пришли мир и тишина.

Слушание: С. Прокофьев «Ледовое побоище» из кантаты «Александр Невский».

Окончена ледовая битва. Безмолвно и неподвижно ледяное поле, только огоньки факелов мелькают в темноте. Женщины разыскивают воинов, не вернувшихся с битвы. «Я пойду по полю чистому...» - одиноко плывёт над снежным простором низкий, глубокий женский голос. В мелодии, невыразимо печальной, распетой широко, как протяжные крестьянские песни,- не бессильное отчаяние, а сдержанная скорбь. И в огромном, безмерном горе сохраняет величавое достоинство русская женщина - мать, жена, невеста. «Песней невесты» и названа эта часть кантаты. Поёт песню один голос. Но этот одинокий голос звучит как скорбный реквием всего народа, как дань памяти павших в злой ледовой сече. После мощной, яркой, многообразной музыкальной картины ледового побоища, после шума и грохота этот одинокий голос не только не нарушает, но ещё сильнее подчёркивает застывшую, мёртвую тишину ледяного поля.

Послушайте, какими словами начинается отрывок «Мёртвое поле».

«Я пойду, пойду по полю белому,
Полечу по полю смертному,
Поищу я славных соколов,
Женихов моих, добрых молодцев.
Кто лежит, мечами порубленный,
Кто лежит, стрелой пораненный.
Напоили они кровью алою
Землю честную, землю русскую…»

Слушание: С. Прокофьев «Мёртвое поле» из кантаты «Александр Невский».

1. Какой характер у этой музыки? (Протяжный, мрачный, тоскливый.)

2. Какому жанру народной песни близка мелодия этой части кантаты? (Плачу.)

3. Кто исполнял эту часть кантаты? (Симфонический оркестр и певица-солистка.) 

Псков встречает победителей. Снова песня - счастливая, радостная. Сверкающей нитью вьются вокруг её мелодии высокие звенящие подголоски, чудесно сливаясь с малиновым перезвоном праздничных колоколов.

«На Руси большой,
На Руси родной
Не бывать врагу!»

Мы слышим знакомые мелодии - все они уже звучали в кантате. Чудесно преображённые, словно одетые в праздничный наряд, они не потеряли, однако, своей могучей силы ...

Слушание: С. Прокофьев «Въезд Александра во Псков» из кантаты «Александр Невский».

Пусть помнят враги: «Кто с мечом к нам войдёт - от меча и погибнет. На том стоит, и стоять будет русская земля».

Кантата окончена.

1. Как называется кантата, музыку из которой вы прослушали?

2. Какой композитор написал кантату «Александр Невский»? (Сергей Прокофьев.)

3. Произведение о каком герое написал С. Прокофьев? (Об Александре Невском.)

4. Чем прославился Александр Невский, почему он получил такое прозвище – Невский? (Под его командованием русское войско разбило шведов на реке Неве.)

5. Какое ещё большое сражение он выиграл? (Разбил немцев на Чудском озере.)

6. Какие слова Александра Невского стали крылатыми? («Кто с мечом к нам войдёт - от меча и погибнет»)

7. Как называется произведение, в котором композитор С. Прокофьев рассказал о подвигах Александра Невского? («Александр Невский».)

8. В каком жанре создано это произведение? (В жанре кантаты.)

9. Расскажите, что представляет собой жанр кантаты? (Это произведение для симфонического оркестра, хора и солистов.)

Наша страна всегда высоко ценила подвиги Александра Невского. Он причислен к лику святых. В ХХ веке, как вы уже знаете, о знаменитом сражении на Чудском озере был снят фильм, создана кантата.

В 1942 году был учреждён орден Александра Невского, которым награждали крупных военачальников за проведение боевых действий, в которых было разгромлено много сил противника.

Вопросы и задания:

1. Какие черты русского характера отразил С. Прокофьев в музыке хора «Вставайте, люди русские»?

2. Сравните звучание двух мелодий – русских освободителей и немецких рыцарей. Что в них общего? Чем они отличаются?

3. Каким музыкальным термином можно определить развитие музыки в «Ледовом побоище»? Слова для справок: крещендо, диминуэндо. Почему?

Николай Андреевич Римский-Корсаков.

Три чуда

Волшебная музыка открывает сегодня нашу встречу! Волшебная она потому, что придумана композитором Николаем Андреевичем Римским-Корсаковым к одной из самых удивительных сказок, которую вы все хорошо знаете. Послушайте её начало:

Три девицы под окном
Пряли поздно вечерком.

А написал эту удивительную сказку великий русский поэт Александр Сергеевич Пушкин. У этой сказки длинное название – «Сказка о царе Салтане, о сыне его славном и могучем богатыре князе Гвидоне Салтановиче и прекрасной царевне Лебеди». На сюжет этой сказки композитор Н. А. Римский-Корсаков написал музыку для оперы. Только название у неё он немного сократил – «Сказка о царе Салтане».

В опере происходит много разных событий. Вы, наверное, уже догадались из темы урока, мы услышим музыку всех трёх чудес, тоже соединённую в один музыкальный рассказ. Это самое большое оркестровое вступление в опере. Огромная красочная картина. Все три чуда - волшебная белочка, 33 богатыря, выходящие из моря, превращение лебедя-птицы в прекрасную царевну - предстают перед нами в полном блеске. Оркестр подробно рисует каждое из чудес. Знакомые музыкальные темы-образы здесь звучат полнокровно и сочно.

Вот мы с вами говорим, что «Сказка о царе Салтане» - это сказка, причём сказка музыкальная. Значит, и в музыке, и в том, как эта музыка действует в опере, тоже должно быть что-то сказочное. Что же в ней особенно для нас интересного?

Наверно, вы знаете, как выглядят черные лакированные шкатулки, расписанные художниками Палеха, Холуя. Представьте же себе, что перед вами три таких шкатулки. Форма, размер у всех трёх совершенно одинаковые, разные только картинки на крышках. Свои шкатулки художники расписывают обычно картинками, на которых изображены сцены из разных народных сказок. Краски в этих картинках яркие, так и горят, переливаются.

Каждый раз, когда слушаешь эту сцену, представляется, что рассказы о трёх чудесах похожи на такие шкатулки. На одной изображена белка в хрустальном дворце, на другой тридцать три богатыря, на третьей - красавица царевна. Словом, три чуда из «Сказки о царе Салтане». У каждого чуда есть своя музыкальная тема - яркая картинка, только написанная не красками, а звуками.

Первое чудо

«Внимание! - говорят нам фанфары. - Сказка продолжается».

Ель растёт перед дворцом,
А под ней хрустальный дом;
Белка там живёт ручная,
Да затейница какая!
Белка песенки поёт
Да орешки все грызёт.
А орешки не простые,
Скорлупы-то золотые.
Ядра чистый изумруд;
Белку холят, берегут.
Кучки ровные кладёт
И с присвисточкой поёт
При честном, при всем народе:
«Во саду ли, в огороде».

Сейчас вы услышите, как музыка рисует волшебную белочку. Её главную партию исполняет флейта. А ещё вы услышите напев русской народной песенки, о котором упоминает А. С. Пушкин, - «Во саду ли, в огороде».

Во саду ли, в огороде
Девица гуляла.
Она ростом невеличка,
Лицом круглоличка.

Второе чудо

«Внимание! - снова говорят нам фанфары. - Сказка продолжается».

Море вздуется бурливо,
Закипит, подымет вой,
Хлынет на берег пустой,
Разольётся в шумном беге,
И очутятся на бреге,
В чешуе, как жар горя,
Тридцать три богатыря,
Все красавцы удалые,
Великаны молодые,
Все равны как на подбор,
С ними дядька Черномор.

В музыке слышится тяжкая поступь витязей-богатырей и шум «бурливого» моря.

Третье чудо

«Внимание! - снова говорят нам фанфары. - Сказка продолжается».

За морем царевна есть, 
Что не можно глаз отвесть:
Днём свет божий затмевает, 
Ночью землю освещает, 
Месяц под косой блестит, 
А во лбу звезда горит. 
А сама-то величава,
Выступает, будто пава;
А как речь-то говорит, 
Словно реченька журчит.
Молвить можно справедливо, 
Это диво, так уж диво!

Композитор рисует образ птицы, плывущей по волнам, звуки напоминают всплески воды, которую стряхивает с себя лебедь. В оркестре расцветает тема прекрасной царевны. Вольно, широко разливается музыка, как чудесная русская песня.

Домашнее задание:

Попробуйте себя в роли художников: изобразите красками то, что изобразил Н. Римский-Корсаков в музыке.  Нарисуйте рисунок к наиболее понравившемуся фрагменту или музыкальной теме героев «Три чуда».

Александр Бородин. Богатырь русской музыки

Бородин был неповторимо талантливым композитором и незаурядным учёным. Его не столь обширное музыкальное наследие, тем не менее, ставит его в один ряд с величайшими русскими композиторами.

Биография

Александр Бородин родился в Санкт-Петербурге в 1833 году от внебрачной связи грузинского князя Луки Степановича и Евдокии Антоновой. Чтобы скрыть происхождение мальчика, его записали сыном крепостного слуги князя – Порфирия Бородина. Александр был воспитан матерью, однако в обществе его представляли, как её племянника.

Ещё в детстве мальчик усвоил три иностранных языка – французский, немецкий и английский.

В 1850 году Бородин поступил в Медико-хирургическую академию, но, изучая медицину, продолжал заниматься химией, которая стала делом всей его жизни.

В 1858 году Бородин получил звание доктора наук и на три года отправился за границу – в немецкий Гейдельберг, а затем в Италию и Францию. В Гейдельберге Бородин познакомился с талантливой русской пианисткой Екатериной Протопоповой, на которой в последствии женился. В 1869 году они усыновили 7-летнюю девочку.

В течении двух последующих десятилетий карьера Бородина в Академии складывалась блестяще: в 1864 году он стал профессором, а в 1872 году сыграл важную роль в основании женских врачебных курсов.

Усердно занимаясь наукой, Бородин в то же время не оставлял занятий музыкой, хотя и считал её всего лишь своим хобби. И, несмотря на то, что Бородин действительно был успешным учёным, именно музыка обессмертила его имя.

По возвращении в Россию в жизни Бородина произошли большие перемены, благодаря знакомству с Милием Балакиревым и его кружком, в который также входили композиторы Модест Мусоргский, Цезарь Кюи и Николай Римский-Корсаков. Бородин тоже стал членом этого кружка, известного под названием «Могучая кучка». Композиторы «Могучей кучки» видели своей целью развитие русской национальной музыки.

Основные произведения Бородина – это три симфонии, два струнных квартета, симфоническая картина, 16 романсов и песен и несколько сочинений для фортепиано – не такое уж скудное наследие для композитора, писавшего время от времени. И к тому же все эти произведения – прекрасные образцы классической музыки.

Однако около 18 лет все мысли Бородина как композитора были связаны с главным произведением его жизни – блистательной оперой «Князь Игорь», которая так и не была завершена.

Великий композитор и учёный умер во время карнавального вечера 15 (27 февраля) 1887 года. Ему было всего 53 года. Он был похоронен на кладбище Александро-Невской лавры рядом со своими друзьями: Мусоргским, Даргомыжским, Серовым.

«Князя Игоря» закончили Римский-Корсаков и Глазунов, а премьера состоялась на сцене Мариинского театра в 1890 году.

Упоительная музыка из этой оперы приобрела популярность за рубежом, когда на Бродвее был поставлен мюзикл «Кисмет», в котором использовались фрагменты произведения великого русского композитора.

Звуки музыки

«Князь Игорь»

Сюжет для оперы предложил композитору В. Стасов, он же набросал и первый вариант либретто, основанный на произведении древне русской литературы «Слово о полку Игореве». В «Слове» рассказывалось о неудачном походе отважного князя Игоря против половцев – кочевых восточных племён. Сюжет пришёлся композитору по душе. Однако он был вынужден постоянно отрываться от создания оперы в пользу научной деятельности, поэтому работа над произведением растянулась на годы. Композитор сам написал либретто, причём, желая, как можно лучше воссоздать эпоху, предварительно изучил памятники древней русской словесности, а также труды учёных, имевшие какое-либо отношение к избранному им сюжету.

Несмотря на то, что композиторы «Могучей кучки» были полны энтузиазма относительно «Князя Игоря», Бородин вдруг совершенно охладел к опере и в течение долгого времени не прикасался к ней, игнорируя уговоры друзей.  Вместо этого он принялся за Вторую симфонию, которую тоже сочинял урывками, в перерывах между своей научной деятельность. По иронии судьбы человеком, который убедил композитора вновь приняться за забытую оперу, стал друг Бородина – молодой врач Шоноров, а совсем не композиторы «Могучей кучки». Например, Н. Римский-Корсаков неоднократно пытался подтолкнуть Бородина к завершению. Но безрезультатно. Он призывал композитора вернуться к оркестровке Половецких плясок, буквально стоял над ним, пока тот работал с партитурой карандашом (чтобы ускорить процесс), и покрывал её тонким слоем желатина, чтобы нотные строки не стирались.

Поскольку Бородин не успел завершить оперу, её закончили композиторы Глазунов и Римский-Корсаков. Премьера состоялась в 1890 году. Глазунов по памяти восстановил увертюру, которую не раз слышал в исполнении автора. Эта опера, пусть и незаконченная, стала исключительным музыкальным произведением, основанном на масштабном сюжете, рассказывающем и об ожесточённой борьбе, и об искренней любви.

Действие начинается в древнем русском городе Путивле, где князь Игорь, оставляя свою жену, вместе с сыном и дружиной собирается в поход на половцев под предводительством хана Кончака. На фоне военных событий сюжет осложняется любовными отношениями между сыном Игоря, княжичем Владимиром, и дочерью хана – Кончаковной.

Увертюра начинается в задумчивом настроении, которое расцветает буйными мятежными красками, предвосхищающими контрастные картины и события, разворачивающиеся в опере. Вместе со звуками военных призывов здесь звучат витиеватые и пряные восточные темы, связанные с образом хана Кончака, а выразительная лирическая мелодия струнных отражает душевные переживания любящего сердца, вплетённые в музыкальную канву.

Половецкие пляски звучат в тот момент, когда действие оперы переносится в половецкий стан. Где в плену у хана Кончака томятся князь Игорь со своим сыном.

Удивительно, но хан обращается с пленниками гостеприимно. Он даже готов отпустить Игоря, если тот даст слово не поднимать меча против половцев. Однако Игорь смело заявляет, что, обретя свободу, он снова соберёт на хана свои полки. Чтобы рассеять мрачные думы князя, Кончак велит невольницам петь и плясать. Сначала слышится их песня, полная грусти и нежного очарования, но тут внезапно её сменяет дикая воинственная пляска мужчин. Мощные звуки барабана взрываются, словно буря, начиная неистовую пляску: все прославляют доблесть и силу хана. Вслед за тем мы словно слышим топот копыт – лихие всадники скачут на лошадях – этот бешеный ритм вновь уступает нежной мелодии девушек-невольниц, пока наконец не врывается с новой силой необузданная пляска. Предыдущие темы сменяют друг друга, ускоряя темп, предваряя грандиозный, буйный, необузданный и воинственный финал.

Симфония № 2 «Богатырская»

Рассвет творческих сил Бородина связан с сочинение Второй «Богатырской» симфонии и оперы «Князь Игорь». Оба произведения создавались в одни и те же годы, поэтому они сильно связаны друг с другом по содержанию и музыкальному складу.

Вторую симфонию - своё величайшее произведение Бородин создавал на протяжении 7 лет.

По свидетельству Стасова, прозвавшего симфонию «Богатырской», Бородин представлял в третьей, медленной части образ Баяна, в первой – образ русских богатырей, а в финале – сцену разудалого русского пира.

Первый музыкальный мотив симфонии, решительный и настойчивый, из которого вырастает музыка всей 1-ой части, создаёт могучий образ русских богатырей.

Лирико-эпический характер наиболее ярко воплощён в третьей части – неторопливом Andante. Оно воспринимается как повествование народного сказителя Баяна о славных ратных подвигах русских богатырей и древних князей. Сольная песня кларнета на фоне мягких аккордовых переливах арфы напоминает звучание гуслей. Сопровождающих спокойную речь певца.

Велико историческое значение Второй симфонии. Она стала первым образцом эпического симфонизма, который наряду с жанрово-живописным и лирико-драматическим стал одним из типов в русской симфонической музыке.

Героические образы Л. Бетховена

Содержание:

1. Героико-драматический пафос музыки Л. Бетховена.

2. Фортепиано - ведущий солирующий инструмент в эпоху венского классицизма.

3. Знакомство с жанром сонаты.

Музыкальный материал:

1. Л. Бетховен. Соната № 8 «Патетическая» для фортепиано. I часть. Экспозиция (слушание); II и III части (по желанию педагога);

2. Л. Бетховен, стихи Г. Пфеффель. «Свободный человек» (пение).

Характеристика видов деятельности:

1. Наблюдать за интонационной образностью музыкальных произведений.

2. Обнаруживать и выявлять характерные свойства музыки Л. Бетховена.

Соната № 8 «Патетическая»

«Героической» назвал Людвиг ван Бетховен свою Третью симфонию. Героической можно назвать и всю жизнь великого венского классика.

1. Внимательно рассмотрите портрет Л. Бетховена. По изображению попытайтесь определить, человеком какого характера был выдающийся композитор. Слова для справок: сильный, волевой, мягкий, добродушный, мужественный.

2. Какой цвет на картине усиливает восприятие основных черт характера Бетховена?

Ещё в молодости и Бетховена начала развиваться глухота, приведшая к полной потере слуха. Тяжкая болезнь не сломила волю композитора; год за годом он упорно трудился. Слова Бетховена «Я возьму судьбу за глотку» стали девизом всей его жизни.

Именно в тяжелейший период Бетховен создал лучшие произведения – Девятая симфония, Торжественная месса, поздние сонаты для фортепиано. По этому поводу русский музыкант А. Рубинштейн говорил: «О глухота Бетховена, какое страшное несчастье для него самого и какое счастье для искусства человечества!»

С молодых лет Бетховен зарекомендовал себя как незаурядный (необычный, выделяющейся среди других) пианист. «Его игра не отличалась чистотой, блеском и элегантностью… зато она была одухотворённой, величественной, в высшей степени полной чувства». Эти слова принадлежат Карлу Черни – австрийскому пианисту, педагогу и композитору, ученику Л. Бетховена.

Ведущим солирующим инструментом в эпоху венских классиков стало фортепиано. Для него создаётся много произведений в различных жанрах (сонаты, вариации, пьесы). Главным был жанр сонаты.

Слово «соната» происходит от итальянского «сонарэ» - «звучать», «играть» (на музыкальном инструменте). Это крупное музыкальное произведение, предназначенное для солирующего инструмента (или двух инструментов). Стоит, как правило, из трёх частей.

По фортепианным сонатам можно проследить путь становления композитора. 32 сонаты написаны Бетховеном на протяжении его жизни, в разные этапы его творчества. Одна из них – соната № 8 – называется «Патетическая», то есть «страстная», «взволнованная».

Это произведение было написано Бетховеном в период, когда он впервые осознал свой недуг.

...Это гигантский рывок вперёд, к тому, что в искусстве ещё только должно прийти. Такой музыки ещё не было.

Звуки музыки

Вступление. Grave-Allegro di molto e con brio

Аккорд! Могучий и грозный. Властный голос. Он требует ответа. Быстрого, ясного. Он нетерпелив. Он не хочет ждать.

И ответ приходит. Но робкий и уклончивый. В нём страдание и боль, но нет решения.

И тогда снова раздаётся прежний голос. На этот раз ещё более сильный и требовательный.

И пять тот же ответ.

Но голос не умолкает. Он всё настойчивей. От него не скроешься и не уйдёшь, как не уйти от жизни, требующей решения и ожидающей его. Жизнь зовёт к действию. И зову её невозможно противостоять.

С каждым новым аккордом слабеет сопротивление. И вот оно осталось только в одиноких и ломких звуках. Устало скатываются они вниз и тонут во вздымающихся валах начального аллегро. Стремительное и бурное, оно контрастирует с медленным, напряжённым вступлением.

Первая часть. Grave-Allegro di molto e con brio

Аллегро первой части полно борьбы - острой, кипучей, не затихающей ни на миг. Главная тема - она выросла из мощных аккордов вступления - порывистая, мужественная, сильная,

Побочная тема сродни ответу вступления. Побочная тема всё больше подчиняется главной, пока, наконец, могучий разлив совсем не поглощает её.

Ни внезапный возврат скорбных голосов вступления; ни аккорды, дробящие молотом воли нерешительность и сомнение, не в силах остановить победного движения, изменить исход борьбы.

Вторая часть. Adagio cantabile

Вторая часть - созерцательная, проникнутая философским раздумьем. Звучит медленно и певуче. Это размышление о том, что недавно произошло. Глубокое, спокойное, беспристрастное, свободное от случайных чувств и переживаний, вспыхнувших под влиянием момента и возникших в горниле борьбы. Свободно и плавно течёт мелодия, возвышенная, как сама борьба, развернувшаяся в первой части, и благородная, как цель, ради которой она велась.

Третья часть. Rondo Allegro

Третья, заключительная, часть сонаты - само движение. Оно вскипает с первых же тактов и стихает только с последними аккордами. Если вслушаться в стремительный взлёт главной темы - лёгкой и воздушной, нетрудно угадать знакомые черты побочной темы первой части. Но здесь она преображена. Нет ни горечи, ни страдания. На смену пришло веселье...

И, наконец, короткий, энергичный финал. «Патетическая» соната пронизана пафосом революционной борьбы. Её образы овеяны пафосом революции.

Главной темой многих произведений Бетховена была борьба людей за своё счастье и стремление к свободе. Герой Бетховена, как и он сам, - неистовый борец, мыслитель, личность, обладающая богатым внутренним миром.

Высшее предназначение своего искусства, которому он следовал до конца жизни, Бетховен выразил всего одной фразой: «Музыка должна высекать огонь из сердец человеческих».

Вопросы и задания:

1. Как вы думаете, слова «героизм», «героический» можно отнести к творчеству Л. Бетховена или также к обстоятельства его жизни? Почему?

2. Преимущественно для какого музыкального инструмента создавали сонаты венские классики?

3. Что означает слово «соната»?

4. Музыка Бетховена отличается резкой контрастностью – динамической, темповой, регистровой… Ощутимы ли контрасты в «Патетической» сонате? Подумайте, с какой целью они применяются.

5. Итальянскому музыканту Радичьотти принадлежит следующее высказывание: «Бетховен титан (гигант), он часто бьёт нас кулаками; Моцарт же всегда прекрасен!» Какой смысл, по-вашему, заключён в этих словах?

В презентации представлен разбор Экспозиции I части Сонаты № 8 «Патетическая».

Музыкальная Австрия. Венские музыкальные классики

Содержание:

1. Австрия - крупнейший музыкальный центр Европы.

2. Композиторы - венские классики: Й. Гайдн, В. Моцарт, Л. Бетховен.

3. Расцвет ряда жанров в их творчестве.

4. Знакомство с жанром квартета.

5. Соединение драматизма и лирики в произведениях В. А. Моцарта (на примере арии Царицы ночи из оперы «Волшебная флейта»).

Музыкальный материал:

1. Й. Гайдн. Квартет ре минор, соч. 76 № 2. IV часть (слушание);

2. В. А. Моцарт. Ария Царицы ночи из оперы «Волшебная флейта» (слушание);

3. Л. Бетховен. Симфония № 9 «Хоральная», 4 часть (слушание, по желанию педагога);

4. Й. Гайдн, русский текст Я. Синявского. «Мы дружим с музыкой» (пение).

Характеристика видов деятельности:

1. Анализировать жанрово-стилистические особенности музыкальных произведений.

2. Наблюдать и оценивать интонационное богатство музыкального мира (на примере произведений композиторов - венских классиков)

В контексте истории

Австрия была многонациональной империей. В ней наряду с австрийцами, у которых родной язык - немецкий, жили венгры и различные славянские народы, в том числе чехи, сербы, хорваты. Их песенные и танцевальные мелодии можно было слышать и в деревнях, и в городах. В Вене народно-бытовая музыка звучала повсюду - в центре и на окраинах, на перекрёстках улиц, в публичных садах и парках, в ресторанах и кабачках, в богатых и небогатых частных домах.

Вена - центр огромной страны - вбирала в себя эти неисчерпаемые фольклорные богатства. Венский простой люд был очень музыкален. В домах и на улицах города, на многочисленных народных гуляниях, наряду с австрийскими песнями раздавались звуки венгерского чардаша и полных глубокого чувства мелодий сердца Европы - западного славянства. Процветали австрийские танцы - лендлеры и вальсы. Народные мелодии и музыкальные жанры вливались в музыку венских композиторов совершенно естественно, часто неприметно для них самих, а заодно и для их аристократических слушателей.

Австрия стала крупнейшим музыкальным центром Европы. С этой страной связаны имена многих выдающихся композиторов, дирижёров, исполнителей.

Огромное значение для мировой музыкальной культуры имеет творчество австрийских композиторов -  Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена.    

Жизнь и деятельность каждого из них подолгу протекала в столице Австрии - Вене. Поэтому Гайдна, Моцарта и Бетховена называют венскими классиками. Классиками – потому что созданные ими произведения получили всемирное признание, как выдающиеся, образцовые. Сочинения композиторов Венской классической школы до сих пор остаются непревзойдённым образцом.

Музыка классического периода отличается объективностью и элегантностью формы.  Композиторы писали не для церкви, а скорее для гостиных и балов, которые становятся популярными в это время. В этот период кларнет стал равноправным инструментом оркестра, а клавесин был вытеснен только что изобретённым фортепиано.

Наследие композиторов «Венской тройки» составляет одну из вершин мирового музыкального искусства. Оно оказало огромное влияние на всё последующее развитие классической музыки. Сочинения композиторов Венской классической школы до сих пор остаются непревзойдённым образцом.

С творчеством венских классиков связан расцвет таких жанров, как опера, симфония, соната, концерт, квартет. Некоторые из них нам уже известны, с другими мы познакомимся впервые.

Гайдн. Краткие биографические сведения

Основоположником классической венской школы стал Франц Йозеф Гайдн.

Гайдн родился в деревне Рорау, в Австрии. Его родители не были профессиональными музыкантами, хотя отец любил народные песни и играл на арфе, не зная нот. В пять лет Гайдн вместе с отцом пел на семейных музыкальных вечерах.

В детстве Йозеф был наделён прекрасным чистым голосом, благодаря чему был принят в качестве певчего в хор венского собора св. Стефана. В хоровой школе он многому научился, но когда начал ломаться голос, пришлось уйти. Будущий музыкант к 17 годам получил почти полное исполнительское и композиторское образование.

Гайдн зарабатывал на жизнь уроками музыки, а также игрой на клавесине, органе и скрипке. Постепенно он под опекой итальянского композитора Никола Порпоры стал сочинять собственную музыку, в том числе свои первые струнные квартеты.

В 1761 году богатый венгерский князь Пал Антал Эстерхази пригласил к себе Гайдна в Эйзенштадт в качестве вице-капельмейстера. С этого момента началась служба Гайдна у семейства Эстерхази, которая продолжалась целых три десятилетия.

В своём распоряжении композитор имел один из лучших оркестров Европы, для которого написал множество опер, сочинений духовного характера, симфоний и струнных квартетов.

Последние годы жизни Гайдн провёл в Лондоне.

За свою долгую жизнь Гайдн подарил миру огромное количество гениальных творений. И хотя многое из его наследия было утеряно и того, что сегодня известно потомкам, было достаточно чтобы Чайковский сказал о Гайдне: «Не будь его - не было бы ни Моцарта ни Бетховена».

Звуки музыки

Одним из создателей классического квартета является Йозеф Гайдн. Классический (струнный) квартет включает четыре инструмента – две скрипки, альт, виолончель. При том, что каждый участник квартета исполняет самостоятельную партию, его общее звучание отличается единством и стройностью.

Квартеты соч. 76 Гайдн создавал в зените славы и композиторского мастерства. Они стали итогом длительного совершенствования композитора, которому в момент их создания было уже 65 лет. Второй квартет опуса стоит особняком – это единственное произведение, написанное в миноре.

Никакие квартеты не были так любимы исполнителями, как квартеты Гайдна. Так же и теперь гайдновские квартеты продолжают сохранять большой интерес и для исполнителей и для слушателей.

Слушание: Й. Гайдн. Квартет ре минор, соч. 76 № 2. IV часть.

Моцарт. Краткие биографические сведения

Высочайший взлёт венской школы связан с творчеством гениального Моцарта.

Вольфганг Амадей Моцарт родился в семье композитора Леопольда Моцарта. Одарённый феноменальным слухом мальчик с раннего детства начал учиться игре на клавесине и скрипке под руководством отца.

Вскоре Леопольд Моцарт демонстрировал чудо-ребёнка при дворе архиепископа Зальцбургского, а в 6 лет мальчик уже гастролировал с концертами по всей Европе. К двенадцати годам Моцарт был автором трёх опер.

Поездки расширили музыкальный кругозор и принесли ему множество ярких впечатлений. Куда бы семья не прибыла, всюду игру юного Моцарта на клавире встречали восторженно. Маленький гений был предметом разговоров всей Европы.

В 1770 году Моцарт вместе с отцом отправился в Италию, где с триумфальным успехом прошли премьеры его опер, в том числе и новой - «Митридат, царь Понта». В Сикстинской капелле Моцарт прослушал хоровое сочинение Аллегри «Мизерере», которое было запрещено публиковать и исполнять вне капеллы. Молодой композитор поразил всех, по памяти записав произведение после единственного прослушивания.

Однако юный Моцарт не у всех вызывал восхищение, многие музыканты завидовали ему или относились с недоверием. Так, в городе Болонье местные музыканты устроили Моцарту настоящий экзамен - предложили сочинить фугу. Обычно на это уходило несколько часов. Моцарт же справился с ним всего за полчаса. После этого юный композитор был избран членом Болонской музыкальной академии.

После триумфальных поездок по Франции и Италии он вернулся в Зальцбург и стал капельмейстером в архиепископском оркестре, где служил его отец. Однако Моцарт пришёлся там не ко двору. Ему завидовали другие музыканты, а деспотичного архиепископа не устраивал его гордый характер. Тем не менее, Моцарт много работал и именно в Зальцбурге стал зрелым, самостоятельным мастером симфонической музыки. Наконец ему надоело находиться в услужении, и он ушёл в отставку.

В 1781 году он уехал в Вену и стал зарабатывать на жизнь своим творчеством. Там он много сочинял и давал концерты. С его именем связано становление австрийской оперы: до Моцарта на австрийской сцене шли в основном оперы итальянских композиторов или их подражателей.

Композитор так и не смог добиться большого достатка, постоянно находился в долгах и вынужден был браться за любые заказы. Кроме того, тяжёлая болезнь подтачивала его силы.

Правда, в последние годы жизни Моцарт создал ещё одну оперу - светлую и радостную сказку «Волшебная флейта». В музыке этой оперы преобладают жизнерадостные тона, ясная, неомрачённая лирика. Вместе с тем в ней немало сцен, насыщенных страстью, душевным смятением, драматизмом.

Последнее произведение Моцарта гениальный «Реквием» - осталось незаконченным. Работу над ним оборвала смерть, наступившая 5 декабря 1791 г. в Вене. Похоронили Моцарта на кладбище для бедняков, и его могила затерялась.

Сейчас оперы Моцарта ставят на лучших сценах мира, а его сочинения входят в репертуар крупнейших музыкантов современности.

Звуки музыки

Оперный жанр в творчестве венских классиков представлен преимущественно сочинениями В. А. Моцарта. Нам предстоит послушать арию царицы ночи из его оперы-сказки «Волшебная флейта».

Два мира враждуют в «Волшебной флейте»: царство грозной повелительницы ночи и солнечное царство мудреца Зарастро. В мире Зарастро разлит яркий солнечный свет, слышны торжественные звуки труб и тромбонов, царят мир и спокойствие.

Повелительница мрака и зла, коварная Царица одержима идеей власти над миром. Она стремится победить мудрого правителя Зарастро и захватить его талисман – священный солнечный диск. Свою ярость она выражает в яростно-виртуозной арии. «Ужасной мести жаждет моё сердце! Я беспощадна!» - восклицает Царица ночи. Она повелевает родной дочери погубить Зарастро.

Слушание: В. Моцарт. Ария Царицы ночи из оперы «Волшебная флейта».