Урок: Импрессионизм в музыке

Импрессионизм в музыке В конце XIX века во Франции появилось новое  направление, получившее название «импрессионизм». Слово это в переводе с французского языка означает  «впечатление». Импрессионизм возник в среде  художников. В 70­е годы на различных парижских выставках  появились оригинальные картины К. Моне, К.  Писсаро, Э. Дега, О. Ренуара, А. Сислея. Их  искусство резко отличалось от приглаженных и  безликих работ живописцев­академистов. Импрессионисты вышли из своих мастерских на  вольный воздух, научились воспроизводить игру  живых красок природы, сверкание солнечных лучей,  разноцветные блики на водной глади, пестротупраздничной толпы. Они применяли особую технику  пятен­мазков, которые вблизи казались  беспорядочными, а на расстоянии рождали реальное  ощущение живой игры красок. Свежесть мгновенного впечатления в их полотнах сочеталась с тонкостью  психологических настроений. Позднее, в 80­90­е годы, идеи импрессионизма нашли выражение и во французской музыке. Два  композитора ­ К. Дебюсси и М. Равель ­ наиболее  ярко представляют импрессионизм в музыке. В их  фортепианных и оркестровых пьесах­эскизах с  особой новизной выражены ощущения, вызванные  созерцанием природы. Шум морского прибоя, плеск  ручья, шелест леса, утренний щебет птиц сливаются в их произведениях с личными переживаниями  музыканта­поэта, влюблённого в красоту  окружающего мира.Основоположником музыкального импрессионизма  считается Ашиль­Клод Дебюсси, который обогатил  все стороны композиторского мастерства ­  гармонию, мелодику, оркестровку, форму. В то же  время он воспринял идеи новой французской  живописи и поэзии. Клод Дебюсси Клод Дебюсси – один из самых значительных  французских композиторов, повлиявших на развитие  музыки ХХ века, как классической, так и джазовой. Дебюсси жил и работал в Париже, когда этот город  был Меккой интеллектуального и артистического  мира. Пленительная и красочная музыка композитора в немалой степени способствовала развитию  французского искусства. БиографияАшиль­Клод Дебюсси родился в 1862 году в городе  Сен­Жермен­ан­Ле, немного западнее Парижа. Его  отец Мануэль был мирным владельцем магазина, но,  перебравшись в большой город, окунулся в  драматические события 1870 – 1871 годов, когда  вследствие Франко­прусской войны произошло  восстание против правительства. Мануэль  присоединился к мятежникам и был заключён в  тюрьму. Тем временем юный Клод начал брать уроки  у мадам Моте де Флёрвиль и получил место в  Парижской консерватории. Новое течение в музыке Пережив столь горький опыт, Дебюсси проявил себя  одним из самых талантливых студентов Парижской  консерватории. Дебюсси тоже был так называемым  «революционером», часто шокируя учителей своими  новыми идеями о гармонии и форме. По этим жепричинам он был большим поклонником творчества  великого русского композитора Модеста Петровича  Мусоргского – ненавистника рутины, для которого в  музыке не существовало авторитетов, а на правила  музыкальной грамматики он обращал мало внимания  и искал свой новый музыкальный стиль. В годы обучения в Парижской консерватории  Дебюсси знакомится с Надеждой фон Мекк,  известной русской миллионершей и меценаткой,  близкой подругой Петра Ильича Чайковского, по  приглашению которой в 1879 году совершает своё  первое заграничное путешествие по Западной Европе. Вместе с фон Мекк они посетили Флоренцию,  Венецию, Рим и Вену. После путешествия по Европе  Дебюсси предпринял свою первую поездку по  России, где выступал на «домашних концертах» фон  Мекк. Здесь он впервые узнал творчество такихвеликих композиторов как Чайковский, Бородин,  Римский­Корсаков, Мусоргский. Вернувшись в  Париж, Дебюсси продолжил обучение в  консерватории. Вскоре он получил долгожданную Римскую премию  за кантату «Блудный сын» и проучился в столице  Италии два года. Там же он повстречался с Листом и  впервые услышал оперу Вагнера. На Всемирной  парижской выставке 1889 года звуки яванского  гамелана пробудили его интерес к экзотической  музыке. Эта музыка была безумно далека от западной традиции. Восточная пентатоника, или гамма из пяти  ступеней, отличающаяся от гаммы, принятой в  западной музыке, ­ всё это привлекало Дебюсси. Из  этого необычного источника он почерпнул многое,  создавая свой поразительный и замечательный новый  музыкальный язык.Эти и другие впечатления сформировали  собственный стиль Дебюсси. Два ключевых  произведения: «Послеполуденный отдых Фавна»,  написанный в 1894 году, и опера «Пеллеас и  Мелизанда» (1902), явились доказательством его  полной зрелости как композитора и открыли новое  течение в музыке. Созвездие талантов Париж в первые годы ХХ века был пристанищем для  художников­кубистов и поэтов­символистов, а  Русский балет Дягилева притягивал целое созвездие  блестящих композиторов, художников по костюмам,  декораторов, танцоров и хореографов. Это  танцовщик­хореограф Вацлав Нижинский,  знаменитейший русский бас Фёдор Шаляпин,  композитор Игорь Стравинский.В этом мире нашлось место и Дебюсси. Его  изумительные симфонические эскизы «Море», его  чудеснейшие тетради прелюдий и тетради «Образов»  для фортепиано, его песни и романсы – всё это  говорит о необычайной оригинальности, отличающей  его творчество от других композиторов. После бурной молодости и первого брака, в 1904  году он женился на певице Эмме Бардак и стал  отцом дочери Клод­Эммы (Шушу), которую обожал. Поворот судьбы Бесконечно нежный и утончённый музыкальный  стиль Дебюсси формировался долгое время. Ему  было уже за тридцать, когда он завершил своё первое  значительное произведение – прелюд  «Послеполуденный отдых фавна», вдохновлённый  поэмой своего друга, писателя­символиста СтефанаМалларме. Произведение впервые было исполнено в  Париже в 1894 году. Во время репетиций Дебюсси  постоянно вносил изменения в партитуру, и после  первого представления ему, вероятно, оставалось  много чего доработать. Приобретая известность Несмотря на все сложности и то, что прелюд был  исполнен в конце долгой и утомительной программы, публика почувствовала, что она слышит нечто  поразительно новое в отношении формы, гармонии и  инструментальной краски, и немедленно вызвала  исполнить произведение на бис. С того момента имя  композитора Дебюсси стало известно каждому. Непристойный сатир В 1912 году великий русский импресарио Сергей  Дягилев решил показать балет на музыку«Послеполуденного отдыха фавна», хореографом­ постановщиком и исполнителем которого стал  прославленный Вацлав Нижинский. Эротическое  изображение образа фавна, или сатира, вызвало  некоторый скандал в обществе. Дебюсси, по природе  своей закрытый и скромный человек, был разгневан и  смущён происшедшим. Но всё это только добавило  славы произведению, поставившему его в авангард  композиторов современной музыки, а балет завоевал  прочное место в мировом классическом репертуаре. С началом войны Интеллектуальная жизнь Парижа пошатнулась с  началом Первой мировой войны в 1914 году. К тому  времени Дебюсси был уже серьёзно болен раком. Но  он всё ещё создавал новую выдающуюся музыку,  например фортепианные этюды. Начало войны  вызвало у Дебюсси подъём патриотических чувств, впечати он подчёркнуто называл себя «французский  музыкант». Он умер в Париже в 1918 году во время  обстрела города немцами, всего за несколько месяцев до окончательной победы союзников. Звуки музыки Ноктюрн (nocturne), в переводе с французского –  ночной. В XVIII в. – цикл небольших пьес (род сюиты) для  ансамбля духовых инструментов или в сочетании их  со струнными. Исполнялись вечером, ночью на  открытом воздухе (подобно серенаде). Таковы  ноктюрны у В. Моцарта, Михаэля Гайдна. С ХIХ в. – музыкальная пьеса певучего, большей  частью, лирического, мечтательного характера, как  бы навеянная ночной тишиной, ночными образами.  Ноктюрн пишется в медленном или умеренномтемпе. Средняя часть иногда контрастирует своим  более оживлённым темпом и взволнованным  характером. Жанр ноктюрна как пьесы для  фортепиано создан Филдом (первые его ноктюрны  изданы в 1814 году).  Широкое развитие этот жанр  получил у Ф. Шопена. Ноктюрн пишут и для других  инструментов, а также для ансамбля, оркестра.  Ноктюрн встречается и в вокальной музыке. «Ноктюрны» Дебюсси закончил три симфонических произведения, в совокупности называемые «Ноктюрны», в самом  начале ХХ века. Он заимствовал название у  художника Джеймса Макнейла Уистлера, чьим  поклонником являлся. Некоторые гравюры и  картины художника как раз и назывались  «ноктюрнами».В этой музыке композитор выступил как подлинный  импрессионист, который искал особые звуковые  средства, приёмы развития, оркестровку для  передачи непосредственных ощущений, вызванных  созерцанием природы, эмоциональных состояний  людей. Сам композитор в пояснении к сюите «Ноктюрны»  писал, что это название имеет чисто «декоративный»  смысл: «Речь идёт не о привычной форме ноктюрна,  но обо всём том, что это слово содержит, от  впечатлений до особых световых ощущений».  Дебюсси однажды признал, что естественным  толчком к созданию «Ноктюрнов» послужили его  собственные впечатления от современного Парижа. Сюита имеет три части ­ «Облака», «Празднества»,  «Сирены». Каждая из частей сюиты имеет свою  программу, написанную композитором.«Облака» Триптих «Ноктюрны» открывается оркестровой  пьесой «Облака». На мысль назвать так своё  сочинение композитора навели не только реальные  тучи, которые он наблюдал, стоя на одном из  парижских мостов, но и альбом Тёрнера, состоящий  из семидесяти девяти этюдов облаков. В них  художник передал самые разнообразные оттенки  облачного неба. Наброски звучали как музыка,  переливаясь самыми неожиданными, едва уловимыми сочетаниями красок. Всё это ожило в музыке Клода  Дебюсси. «Облака», ­ пояснял композитор, ­ это картина  неподвижного неба с медленно и меланхолически  проходящими облаками, уплывающими в серой  агонии, нежно оттенённой белым светом».Слушая «Облака» Дебюсси, мы как бы сами  оказываемся вознесёнными над рекой и  рассматриваем однообразно­унылое пасмурное небо.  Но в этом однообразии – масса красок, оттенков,  переливов, мгновенных изменений. Дебюсси хотел отразить в музыке «медленный и  торжественный марш облаков по небу». Извилистая  тема у деревянных духовых рисует нам прекрасную,  но меланхоличную картину, изображающую небо.  Альт, флейта, арфа и английский рожок – более  глубокий и тёмный по тембру родственник гобоя –  все инструменты добавляют свою тембральную  окраску к общей картине. Музыка по динамике лишь  едва превышает пиано и, в конце концов, полностью  растворяется, словно облака исчезают на небосклоне. «Празднества»Спокойные звучания первой части сменяются  пиршеством красок следующей пьесы «Празднества». Пьеса строится композитором как сцена, в которой  сопоставляются два музыкальных жанра ­ танец и  марш. В предисловии к ней композитор пишет:  «Празднества» ­ это движение, пляшущий ритм  атмосферы с взрывами внезапного света, это также  эпизод шествия ... проходящего сквозь праздник и  сливающегося с ним, но фон остаётся все время ­ это  праздник ... это смешение музыки со светящейся  пылью, составляющее часть общего ритма». Связь  живописи и музыки была очевидной. Яркая картинность литературной программы находит своё отражение в живописности музыки  «Празднеств». Слушатели погружаются в мир,  полный звуковых контрастов, затейливых гармоний,  игры инструментальных тембров оркестра.Мастерство композитора проявляется в его  удивительном даре симфонического развития. Празднества» наполнены ослепительными  оркестровыми красками. Яркое ритмическое  вступление струнных рисует нам оживлённую  картину праздника. В средней части будто слышится  приближение парада, сопровождаемое медными и  деревянными духовыми, затем звучание уже всего  оркестра постепенно нарастает и выливается в  кульминацию. Но вот это мгновение исчезает,  волнение проходит, и мы слышим только лёгкий  шёпот последних звуков мелодии. В «Празднествах» он изобразил картины народных  увеселений в Булонском лесу. «Сирены»Третья пьеса триптиха «Ноктюрны» ­ «Сирены», для  оркестра с женским хором. «Это море и его бесчисленные ритмы, ­ раскрывал  программу сам композитор, ­ затем посреди волн,  посеребрённых луной, возникает, рассыпается  смехом и затихает таинственное пение Сирен». Немало поэтических строк посвящено этим  мифическим существам – птицам с головами  прекрасных девушек. Ещё Гомер описал их в своей  бессмертной «Одиссее». Чарующими голосами сирены заманивали к острову  путешественников, и корабли их гибли на  прибрежных рифах, и вот мы можем услышать их  пение. Поёт женский хор – поёт с закрытыми ртами.  Слов нет – одни звуки, будто рождённые игрой волн,  парящие в воздухе, исчезающие, едва возникнув, и  снова возрождающиеся. Даже не мелодии, а лишьнамёк на них, как мазки на полотнах художников­ импрессионистов. И в результате эти звуковые  блёстки сливаются в красочную гармонию, где нет  ничего лишнего, случайного. Хачатурян. Концерт для скрипки с оркестромПри первых звуках поэтичного вальса к драме М. Ю.  Лермонтова «Маскарад» или «Танца с саблями» из  балета «Гаянэ» слушатель сразу догадывается, что  это музыка Хачатуряна, в которой чувствуется  сочный колорит восточных мелодий, стремительный  танцевальный ритм и особая красочность звучания  оркестра. Биография Музыкальный путь композитора начался необычно. В детстве Хачатурян не учился музыке, только слушал  народные песни и пел сам. Его отец, известный в  Тбилиси мастер переплётного дела, был  самодеятельным музыкантом. Он пел под  аккомпанемент народных инструментов ­ саза,  кеманчи или тара.Настоящие занятия музыкой начались, когда Араму  исполнилось 19 лет. Он приехал в Москву и поступил в техникум при Институте имени Гнесиных по классу виолончели. Талант юноши сразу же привлёк  внимание выдающихся педагогов. В классе  композитора Гнесина Хачатурян изучал музыкальных классиков и впервые попробовал сочинять музыку.  Он блестяще оканчивает музыкальный техникум и  поступает в Московскую консерваторию в класс к  известному композитору Н. Мясковскому. В  консерватории Хачатурян пишет свою первую  симфонию, а также камерные и инструментальные  произведения. Любопытно, что созданные им в то  время марши были включены в обязательный  репертуар военных оркестров.В 1934 году Хачатурян закончил Московскую  консерваторию, и его имя, как лучшего выпускника,  было высечено на «золотой доске». Первая симфония сразу была признана выдающимся  произведением. В ней уже тогда проявилась такая  черта творчества Хачатуряна, как  импровизационность. Импровизировать ­ это значит  сочинять внезапно, без предварительной подготовки.  Здесь же это означало лёгкость и вместе с тем  чёткость мелодии. Недаром композитор использовал  много фольклорного материала ­ танцевальные  мелодии Грузии и Армении. Вслед за Первой симфонией появляется Концерт для  фортепиано с оркестром. В нём также соединяются  яркие национальные ритмы с чёткостью,  свойственной классическим концертам Чайковского.  Композитор пробует свои силы в самых разныхжанрах ­ пишет балет «Счастье», поставленный  впервые Ереванским театром балета, а также музыку  к кинофильмам и ко многим драматическим пьесам. По заказу театра им. Вахтангова Хачатурян создаёт  знаменитый «Вальс» к драме М. Лермонтова  «Маскарад», а для спектакля МХАТа «Кремлёвские  куранты» пишет песню «Море Балтийское». Наиболее крупным произведением стал Концерт для  скрипки с оркестром, посвящённый Давиду  Ойстраху, с которым композитора связывала не  только дружба, но и длительное творческое  сотрудничество. В годы войны Хачатурян пишет свой второй балет –  «Гаянэ», в котором рассказывает о борьбе советских  людей с врагами.С 1950 года он преподавал в Московской  консерватории и впервые начал выступать как  дирижёр. Любопытно, что исполнял он только  произведения собственного сочинения, считая, что  композитор не может воплотить музыку, сочинённую  другим. Центральное произведение послевоенного времени ­  балет «Спартак», ставший своеобразной визитной  карточкой Большого театра. Появлению этого балета на сцене Большого театра предшествовала долгая  история. Премьера «Спартака» состоялась в 1956  году в Ленинграде. Несмотря на то, что балет был  восторженно принят публикой и критикой,  композитор счёл необходимым доработать его  музыку, и на сцене Большого театра была поставлена  практически новая версия балета.В нём музыкальными средствами рассказана история  восстания древнеримских рабов и воссоздана  история любви Спартака и Фригии. Новизна балета в  том, что Хачатурян строит его драматургию на  соединении динамичных массовых сцен и  своеобразных танцевальных монологов героев. Это  отражено и в характере музыки. В последние годы жизни композитор работал над  монументальным сочинением совершенно нового  типа. Это был концерт­рондо, каждая из частей  которого должна была исполняться оркестром с  одним из солистов ­ на скрипке, виолончели и на  фортепиано. Однако Хачатурян так и не успел  закончить работу над этим новаторским сочинением. Значение его творчества заключается в создании им  практически новой музыки, музыки ХХ века,  отличающейся особым динамизмом, драматичностьюконфликта, мелодической выразительностью,  специальной тональностью сольных партий. Вот почему произведения Хачатуряна входят в  программу произведений, обязательных для  исполнения участниками Московского  международного конкурса имени П. Чайковского. Концерт для скрипки с оркестром Концерт для скрипки с оркестром написан  Хачатуряном в пору творческой молодости. Его  музыка передаёт характерное для композитора  страстное упоение земной красотой, поющей,  животворящей, лучезарной. Это произведение принадлежит к числу  популярнейших творений советской музыки. Эта  популярность во многом связана с достоинствами  сочинения. С особой силой здесь проявился даркомпозитора создавать музыку, опирающуюся на  народное творчество. В концерте не использованы  подлинные народные мелодии, но весь он является  выражением армянской народной песенности. Композитор, следуя традициям, варьирует мелодии,  оплетая их кружевом, орнаментом, «играет»  ритмами, оркестровыми красками, перекличками  оркестра с солирующей скрипкой. Праздничный,  приподнято­восторженный тон Концерта вызывает  ассоциации с цветущей природой Армении, рождает  в сердцах слушателей ответный восторг: «Да будет  свет! И да будет радость!» (Б. Асафьев.) Произведение это очень сложно для исполнения и  требует от скрипача огромного мастерства. Но это не просто виртуозность ради виртуозности. Она  является средством выражения содержания музыки,  её жизнерадостности, праздничности. Концертпосвящён известному скрипачу Давиду Ойстраху,  который и был первым исполнителем этого  сочинения. В концерте три части, которые рисуют три разные  картины из жизни народа, поэтические зарисовки  природы Армении. В центре их ­ лирическая «песня», которую обрамляют две танцевальные части. Первая часть открывается энергичным и напористым  оркестровым вступлением, которое сразу же вводит  нас в сферу активного действия. Чёткий, упругий ритм и танцевальный характер  отличают главную партию сонатного аллегро. Эта  тема, исполняемая солирующей скрипкой, близка  народной музыке Закавказья. Побочная партия своей импровизационностью  напоминает пение народных певцов­ашугов.В разработке, состоящей из трёх разделов,  подвергаются развитию все три темы. Результатом  этого развития становится сближение этих тем, когда плавная мелодия побочной партии наполняется  энергичными ритмами, а танцевальная главная  партия становится более лиричной. Как и положено,  разработка завершается блестящей виртуозной  каденцией скрипки. (В концерте есть так  называемая каденция ­ большой эпизод, который  солист исполняет без оркестра). В репризе все темы первой части Allegro con  fermezzo варьируются, обрастают подголосками,  движение становится все более динамичным. Такая  реприза называется динамической. Завершает первую часть кода, утверждающая волевой мужественный  образ первой части.Вторая часть Andante sostenuto ­ самый лиричный  образ концерта. Это своеобразная «песня без слов»,  которая «поётся» на фоне прекрасного кавказского  пейзажа. Вы никогда не были на Кавказе?  Представьте величественные горы, освещённые  лучами солнца, какая­то первозданность горного  пейзажа. Потому и музыка, его рисующая, звучит как  гимн солнцу, красоте, природе. Финал, 3 часть Allegro vivace ­ грандиозная картина  народного праздника. Всё в нём полно движения,  огня, энергии. Это как бы общий танец, из которого  время от времени выделяются солисты. Движение  танца постепенно становится всё более  стремительным, как будто в танцевальный круг  вливается всё больше людей. Оркестр подражает  народным инструментам.Большое значение в драматургии концерта играет  кода финала. В ней в стремительном вихревом  движении проносятся темы первой части, что  объединяет произведение в единое целое. Для творчества Хачатуряна характерны оптимизм,  жизнеутверждение. Вот и здесь драматические и  лирические образы первой части превращаются в  образы народного праздника, веселья, буйной пляски. Вопросы и задания: 1. Послушайте Концерт для скрипки с оркестром А. Хачатуряна и запишите свои впечатления от каждой  из его частей в «Творческую тетрадь». 2. Какие принципы развития ­ контраст, повтор,  вариационность ­ использует композитор в каждой  части Концерта? В каком соотношении находятся в  Концерте солирующая скрипка и оркестр?3. Если представить себе героя этой непрограммной музыки, то какими чертами его наделил  композитор? 4. Какие черты музыки Концерта Хачатуряна  созвучны вашим мыслям и чувствам, восприятию  современных слушателей? Шуберт. Симфония №8 си минор,  «Неоконченная» Музыку Бетховена, в которой слышались ещё  отголоски Великой французской революции,  вытесняли произведения развлекательных жанров.  Внешним фоном жизни Франца Шуберта, который  был современником Бетховена, была весёлая,  «танцующая» Вена. Интерес к судьбам человечества,гармония разума и действительности отодвигались на задний план. Творческие планы Шуберта,  потребность в духовном общении находили  сочувствие и поддержку лишь в небольшом кругу  друзей, людей, преданных искусству. В музыке  Шуберта впервые раскрылись черты характера,  эмоционального строя человека нового тогда XIX в.  Своё отношение к жизни, окружающему миру  художник выражает через лирику чувств и  переживаний реального, обычного человека. А для  этого нужны иные формы и иные средства  выражения, передающие непосредственность  высказывания. Живое чувство ритма музыки, непрерывно длящуюся мелодию можно сравнить с речью человека,  ощущением его дыхания. Мы всегда слышим,  спокоен он или взволнован, радуется или печалится,как меняется его состояние. Вслушиваясь в  музыкальную интонацию, всегда можно понять смысл музыки, почувствовать её выразительность, силу  воздействия. Франц Шуберт ­ непревзойдённый автор сонат,  симфоний, струнных квартетов и более шестисот  песен. Шуберт был одним из основоположников  немецкой романтической музыки. Жизнь Шуберта  была короткой и полной разочарований. Но он  оставил после себя музыкальное наследие,  беспрецедентное по выразительности и богатству  мелодий. Биография Франц Петер Шуберт родился в предместье Вены,  местечке Лихтенталь. Семья была многодетной –  четырнадцать детей, из которых выжили толькопятеро. Его отец Франц Теодор Шуберт, был  школьным учителем, и в юности будущий композитор пробовал свои силы в педагогике. Но вскоре стало  ясно, в чём его истинное призвание. Шуберт пел в  хоре Венской императорской капеллы, где его  педагогом был капельмейстер Антонио Сальери, в  прошлом соперник Моцарта. Годы юности были полны обещаний и надежд.  Коренастый и некрасивый, Шуберт всё же не  испытывал недостатка в друзьях и почитателях –  людях, которые распахивали двери своих домов,  оказывали протекцию в музыкальных кругах и  исполняли его музыку. Затем начались знаменитые «Шубертиады» в венских салонах или при поездках за город, на которых  впервые прозвучали многие сочинения композитора.  Это помогало его имени приобретать известность ввенском обществе, в том числе и в артистических  кругах. Однако во всём остальном Шуберта  преследовали неудачи. Он упорно работал над  несколькими операми и другими сценическими  произведениями, в частности над музыкой к  «Розамунде», но мало какие получили широкое  признание. Его здоровье быстро ухудшалось. В  состоянии глубочайшего отчаяния он писал о себе  как о «проклятом, несчастнейшем в мире создании». Повороты судьбы Через общих знакомых в венском обществе Шуберт  был представлен баритону Иоганну Михаэлю Фоглю.  Благодаря прекрасному голосу и импозантной  внешности тот уже был звездой Венской Оперы, и на  него не сразу произвёл впечатление неопытный и  неуклюжий молодой композитор. «Выразбрасываетесь мыслями», ­ ворчал он на Шуберта.  Но вскоре распознал гений юноши и стал его самым  пылким сторонником. Фогль способствовал постановке нескольких опер  Шуберта и в некоторых из них пел. Ещё большее  значение имела его поддержка Шуберта как  первопроходца и первого мастера немецкой  художественной песни. Фогль пел многие песни композитора из  «Шубертиад», а также брал друга на гастроли. Гастрольная поездка 1819 годы была для  композитора особенно счастливой. Они с Фоглем  поселились в сельской местности вместе со своим  другом Альбертом Штадлером. В это время Шуберт  сочинил прелестный фортепианный квинтет, в  который включил мелодию своей песни «Форель»,  вероятно, часто и с удовольствием исполнявшуюсяФоглем. После смерти композитора Фогль ещё много  лет продолжал исполнять его песни. Известность в узких кругах Вена славилась традициями домашнего  музицирования, распространёнными среди людей  всех сословий. Однако, несмотря на успех его  музыки среди любителей и на продолжение  «Шубертиад», в остальном удача всё реже ему  улыбалась. Несколько опер подряд – «Альфонсо и  Эстрелла», «Заговорщики, или домашняя война»,  «Феррабрас» ­ не были поставлены (в первую  очередь, в их прискорбной судьбе повинны  либреттисты). Успешное исполнение музыки к  «Розамунде» несколько вознаградило композитора.  Произведения печатались, но чаще – небольшие, не  приносившие существенных гонораров. Лето 1824года он провёл в качестве учителя в семействе  Эстерхазе, в 1825 году вместе с Фоглем вновь  отправился в Верхнюю Австрию. 1826 год принёс ещё одно разочарование: не было  удовлетворено ходатайство Шуберта о  предоставлении ему места капельмейстера  Придворной капеллы, где он когда­то пел ребёнком  и, выступив в последний раз, оставил запись в  альтовой партии мессы Петера Винтера: «Шуберт,  Франц, прокукарекал в последний раз 26 июля 1812  года». Безвременная смерть Концертные поездки вскоре тоже стали для него  невозможны из­за ухудшения здоровья. Образ жизни  композитора, от природы очень общительного,поневоле становился всё более и более замкнутым,  часто он был вынужден проводить время взаперти. Шуберт испытывал благоговение перед Бетховеном,  который также жил и работал в Вене. Он был на  премьере Девятой симфонии великого композитора.  Казалось, что Шуберт предчувствовал собственную  кончину и лихорадочно работал, чтобы завершить  свои последние и лучшие сочинения – вокальный  цикл «Зимний путь», Девятую симфонию и Струнный квинтет До мажор. Окрыляющей была дошедшая до Шуберта весть об  одобрении его таланта самим Бетховеном. По словам Шиндлера, друга Бетховена, познакомившего его с  шубертовскими песнями, Бетховен долго не  расставался с ними и многократно восклицал:  «Воистину, в Шуберте живёт божественная искра».Сковывающая Шуберта робость, из­за которой он  лишь издали осмеливался взирать на своё божество,  полная глухота Бетховена, его замкнутость  помешали их сближению. 1828, последний, год жизни композитора принёс ему,  наконец, признание венской публики.  Организованный в Вене авторский концерт вызвал  долгожданный крупный успех. Но частичные удачи  последнего времени уже не могли восстановить  подорванный внутренней напряжённостью и  длительными лишениями организм. С осени 1828  года здоровье Шуберта ухудшилось. Франц Шуберт умер 19 ноября 1828 года и был  похоронен рядом с Бетховеном. Друг композитора,  драматург Франц Грильпарцер написал на его  могиле: «Музыка похоронила здесь богатое  сокровище и ещё более прекрасные надежды».Шуберт. Симфония № 8 си минор,  «Неоконченная» Благодаря Шуберту появился новый тип лирико­ драматической симфонии. Одним из первых  шедевров мировой музыкальной культуры стала его  симфония №8. «Я пел песни и пел их много лет.  Когда я пел о любви, она приносила мне  страдания, когда я пел о страдании, оно  превращалось в любовь. Так любовь и страдания  раздирали мне душу», ­ писал Ф. Шуберт. Эта идея и определила содержание симфонии №8. Она явилась  обобщением образов вокальных сочинений  композитора, разросшимся до значения жизненно  важных проблем: человек и судьба, любовь и смерть,  идеал и действительность. В 1865 году один из венских капельмейстеров  составлял программу концерта старой венскоймузыки. Для этого он перебирал кипы старинных  рукописей. В одном неразобранном архиве он  обнаружил неизвестную ранее партитуру Шуберта.  Это была си­минорная симфония. Она была  исполнена впервые в декабре 1865 года ­ через 43  года после создания. В то время, когда Шуберт писал эту симфонию, он  уже был известен как автор прекрасных песен и  фортепианных пьес. Но ни одна из написанных им  симфоний не была публично исполнена. Новая си­ минорная симфония создавалась сначала в виде  переложения для двух фортепиано, а затем уже ­ в  партитуре. В фортепианном варианте сохранились  наброски трёх частей, но в партитуре композитор  записал только две. Поэтому впоследствии она  получила название «Неоконченной».До сих пор во всём мире ведутся споры, является ли  она незавершённой, или Шуберт полностью воплотил  свой замысел в двух частях вместо принятых в то  время четырёх. Существует мнение, что композитор собирался  писать обычную четырёхчастную симфонию. Его  идеалом, к которому он стремился приблизиться,  был Бетховен. Это доказала Большая До мажорная  симфония Шуберта. А написав эти две части, он мог  просто испугаться ­ так они не были похожи на всё  написанное в этом жанре до него. Вероятно,  композитор не понял, что созданное им ­ шедевр,  открывающий новые пути в развитии симфонии, счёл  симфонию неудачей и оставил работу. Однако две части этой симфонии оставляют  впечатление удивительной цельности, исчерпанности. Неоконченная симфония ­ новое слово в этом жанре,открывшее дорогу романтизму. С ней в  симфоническую музыку вошла новая тема ­  внутренний мир человека, который остро ощущает  свой разлад с окружающей действительностью. Симфония почти через сорок лет после смерти  композитора завоевала огромную популярность.  Шуберту удалось невозможное: невероятно  гармонично поведать о тоске и одиночестве,  превратить своё отчаяние в прекрасные мелодии.  «Неоконченную» симфонию много раз пытались  окончить, но в концертной практике эти версии не  прижились. Первая часть симфонии написана в форме сонатного  allegro. Симфония начинается с сумрачного вступления ­  своего рода эпиграфа. Это небольшая, лаконичноизложенная тема ­ обобщение целого комплекса  романтических образов: томления, «вечного»  вопроса, тайной тревоги, лирических раздумий. Она  рождается откуда­то из глубины в унисоне  виолончелей и контрабасов. Она застывает, словно неразрешённый вопрос. А  дальше ­ трепетный шелест скрипок и на его фоне ­  распев главной темы. Эту выразительную, словно  молящую о чем­то мелодию исполняют гобой и  кларнет. По музыкально­поэтическому образу и  настроению тема главной партии близка к  произведениям типа ноктюрна или элегии. Постепенно лента мелодии разворачивается,  становится все более напряжённой. На смену ей  приходит мягкая вальсовая тема побочной партии.  Она похожа на островок безмятежного покоя,  светлую идиллию. Но эту идиллию прерываеторкестровое tutti. (Слово tutti по­итальянски  означает «все». Так называют фрагмент  музыкального произведения, исполняемый всем  оркестром). Драма вступает в свои права. Тема  побочной партии как будто пытается пробиться на  поверхность сквозь сокрушительные аккорды. И  когда эта тема, наконец, возвращается, как сильно  она изменена ­ надломлена, окрашена скорбью. В  конце экспозиции все застывает. Разработка построена на теме вступления.  Музыкальное развитие достигает колоссальной  кульминации. И вдруг ­ полное опустошение,  остаётся звучать лишь одинокая тоскливая нота.  Начинается реприза. Ещё один круг драматического  развития приходится на коду. В ней ­ то же  напряжение, пафос отчаяния. Но сил для борьбыбольше нет. Последние такты звучат как трагический эпилог. Вторая часть ­ мир других образов. Это поиски  новых, светлых сторон жизни, примирённость с ней.  Как будто герой, переживший душевную трагедию,  ищет успокоения. Изумительной красотой  отличаются обе темы этой части: и широкая песенная главная, и побочная, проникнутая тонкими  психологическими оттенками. Очень эффектно завершает композитор симфонию:  постепенно затухает, растворяется начальная тема.  Возвращается тишина... «Музыка Шуберта, ­ писал Б. Асафьев, ­ может  сказать гораздо больше, чем любые мемуары и  записки, потому что она сама звучит, как  неистощимо содержательный, эмоционально  объективный дневник».Вопросы: 1. В каком году симфония была написана? Когда  состоялось её первое исполнение? 2. Почему симфонию называют «Неоконченной»? 3. Сколько всего симфоний написал Шуберт? 4. Чем отличается тематизм симфонии? 5. Как характер произведения влияет на  оркестровку? 6. Расскажите о строении частей симфонии.Шуберт. Форель Франц Шуберт ­ австрийский композитор XIX века.  Главное место в его творчестве занимает. Будучи  автором более 600 песен, Шуберт сделал этот жанр  столь же значительным и серьёзным, как соната,  симфония. «Из числа музыки не для театра, не для церкви, не  для концерта есть особенно замечательный отдел ­  романсы и песни для одного голоса с фортепиано. От простой, куплетной формы песни этот род развилсядо целых маленьких единичных сцен­монологов,  допускающих всю страстность и глубину душевной  драмы. Этот род музыки великолепно проявился в  Германии, в гении Франца Шуберта»,­ писал А. Н.  Серов. Шуберт ­ «соловей и лебедь песенности». В песне вся его творческая сущность. Именно шубертовская  песня является своеобразной границей, отделяющей  музыку романтизма от музыки классицизма. Одна из самых известных песен композитора –  «Форель» ­ написана на стихи близкого друга,  немецкого поэта К. Ф. Д. Шубарта. По воспоминаниям друзей, Шуберт, сочинив эту  песню, в тот же день принёс её на суд слушателей.  Песню с величайшим удовольствием повторили  несколько раз и признали, что это «одно из наиболее  грациозных и нежных его произведений».В этой песне поэт и композитор создали образ  хрупкой беззащитной красоты. Следуя за стихами и  мелодией, мы как бы глазами авторов видим  безмятежную картину: яркий солнечный день на  берегу ручья, изящную игру быстрых форелей в  прозрачной воде. На душе радостно и светло. Эта  спокойная радость, гармония человека и природы  идеально выражена музыкой Шуберта. Простой,  безыскусной мелодией, куплетным строением песня  «Форель» близка народным австрийским и немецким  песням. В её оживлённом движении ощущается  игривая танцевальность. Мелодию украшает изящный аккомпанемент.  Фортепианные пассажи подобны лёгким ритмичным  всплескам волн. Они переливаются в прозрачных  звуках аккордов, как струи журчащего ручья под  лучами солнца.Начало первых двух куплетов песни пронизано  интонациями радости ­ фанфарными мотивами. Как и в народных австрийских и немецких песнях,  гармония здесь опирается на простейшие аккорды ­  трезвучия Т, S, D. Звучит только мажор. Но вот в мир безмятежной красоты и гармонии вторгается нечто  враждебное, чуждое. Беспечная рыбка попалась на  крючок рыбака... Поэт описывает выразительную  сценку: Но скучно стало плуту Так долго ждать, Поток взмутил он в ту ж минуту Уж дрогнул поплавок, Он дёрнул прут свой гибкий, А рыбка бьётся там. Следуя за поэтическим текстом, композитор резко  изменяет характер музыки в третьем куплете песни.Теперь вместо мажора звучит минор, вместо  консонансов ­ диссонансы, мрачнеет регистр  аккомпанемента. Мелодию сменяет речитатив, его  дыхание становится взволнованным, сбивчивым, в  нем выделяются резкие восклицательные интонации.  Партия сопровождения прерывается паузами ­ в них  чувствуется напряжённое ожидание. Разрушен мир красоты, исчезли покой и радость... Однако законы музыкальной целостности  произведения требуют обрамления, музыкального  повтора. Поэтому третий куплет завершается вновь  короткими закруглёнными песенными фразами у  фортепиано, звучавшими в самом начале песни. Шуберт. Фореллен­квинтет В самую счастливую пору своей жизни написал  Шуберт этот квинтет. Шёл 1819 год.Вместе с Михаэлем Фоглем композитор  путешествует по Верхней Австрии. Фогль, уроженец  этих краёв, щедро «делится» с Шубертом. Но не  только радость узнавания новых мест и людей  принесло Шуберту это путешествие. Он впервые  воочию убедился в том, что его знают не только в  Вене, в узком кругу друзей. Что почти в каждом хоть немного «музыкальном» доме есть рукописные копии его песен. Собственная популярность не просто  удивила его — она его ошеломила. В верхнеавстрийском городке Штейре Шуберт и  Фогль повстречали страстного почитателя  шубертовских песен, промышленника Сильвестра  Паумгартнера. Ещё и ещё раз просил он друзей  исполнить для него песню «Форель». Он мог слушать  её бесконечно. По заказу Сильвестра Паумгартнера  Шуберт (больше всего на свете любивший доставлятьрадость людям) и написал инструментальный квинтет «Форель» ­ его красиво называют «Фореллен­ квинтет», в четвертой части которого звучит мелодия песни «Форель». Он пожелал, чтобы финал  представлял собой вариации на мелодию песни  Шуберта «Форель». Он же настоял на необычном для классического квинтета составе инструментов:  фортепиано, скрипка, альт, виолончель и контрабас. В квинтете бурлит, переливаясь через край, молодая  энергия. Порывистые мечты сменяются грустью,  грусть вновь уступает место мечтам, звонкому  счастью бытия, которое только и возможно в  двадцать два года. Тема четвертой части, простая, почти наивная,  грациозно ведомая скрипкой, расплёскивается  множеством вариаций. Первоначально излагается  сама тема песни. За ней следует ряд вариаций,каждая из которых не похожа на другую, и каждый из инструментов маленького ансамбля успевает сказать  своё слово. А завершается «Форель» безудержным, искрящимся  танцем, навеянным Шуберту, вероятно, танцами  верхнеавстрийских крестьян. Вопросы и задания: 1. Расскажите о песне Шуберта «Форель», спойте  её. 2. В чем проявилось сходство этой песни с  народными немецкими и австрийскими песнями? 3. Почему в песне появился речитативный эпизод?  Каковы его особенности? 4. Какие изобразительные детали фортепианного  аккомпанемента дополняют музыкальный образ  песни?5. Послушайте фрагмент из «Фореллен­квинтета» и  постарайтесь ответить на вопросы: как развивается  музыка в квинтете? Какие инструменты солируют в  каждой из вариаций? «В каждой мимолётности вижу я миры…»  «Я придерживаюсь того убеждения, что  композитор, как и поэт, ваятель, живописец,  призван служить  человеку и народу...» (С. Прокофьев)Константин Бальмонт был необычайно захвачен  музыкой Прокофьева. В ней он находил ту звучащую  магию, которая стала основой всего поэтического  творчества. В августе 1917 года Бальмонт вписал в  альбом Сергея Прокофьева «Что вы думаете о  солнце» свой сонет: Ребёнку богов, Прокофьеву Ты ­ солнечный богач. Ты пьёшь, как мёд, закат. Твое вино ­ рассвет. Твои созвучья, в хоре, Торопятся принять в спешащем разговоре Цветов загрезивших певучий аромат. Вдруг в золотой поток ты ночь обрушить рад. Там где­то далеко рассыпчатые зори Как нитка жемчугов, и в световом их споре Темнеющий растёт в угрозном гуле сад. И ты, забыв себя, но сохранивши светСтепного ковыля, вспоенного весной, В мерцаниях мечты, все новой, все иной, С травинкой поиграл в вопросы и ответы, И в звук свой, заронив поющие приметы, В ночи играешь в мяч с серебряной луной. (К. Бальмонт) Сергей Прокофьев принадлежит к числу тех  музыкантов, которые составили славу русской  музыки ХХ в. Он был выдающимся пианистом,  дирижёром, композитором, который работал во всех  жанрах и в каждом оставил образцы  непревзойдённого совершенства. Начало столетия ­ взрывчатое, бурное время, и в этот вихревой поток Прокофьев ворвался как нечто  неповторимое и новаторское. Неудивительно, что  представители «серебряного века» (так называли  этот период в искусстве) не поняли его музыку, итолько немногие смогли увидеть в нём создателя  нового искусства. Он был художником дерзким,  своенравным, не терпевшим никаких штампов, и его  произведения, как правило, были новым словом в  искусстве. Прокофьев был творцом светлого, жизнелюбивого  искусства. Иносказательным портретом композитора  могут служить строки из поэмы Маяковского  «Облако в штанах»: От вас, которые влюблённостью мокли, От которых в столетья слеза лилась, Уйду я, солнце моноклем Вставлю в широко растопыренный глаз. Действительно, он был солнечным композитором.  Широко известно, что композитор завёл альбом с  названием «Что вы думаете о солнце?» Ответ на этотвопрос в альбом записывали многие крупные  музыканты, литераторы, художники. Известнейший пианист Артур Рубинштейн написал в  этом альбоме такие слова: «Лучше всего я постигаю  Солнце благодаря нескольким гениальным  личностям, с которыми имею счастье быть знакомым. Король­Солнце сказал: «Государство ­ это я!»  Вы,  мой дорогой Прокофьев, могли бы сказать: «Солнце ­ это я!» Этот солнечный свет был неистребим, и Прокофьев  пронёс его через все коллизии своей нелёгкой жизни. Биография На Украине, недалеко от города Донецка, есть  скромное село Красное (бывшая Сонцовка), где  родился и провёл своё детство замечательный   русский композитор Сергей Сергеевич Прокофьев.С детства композитор рос в атмосфере крепких  традиций русской музыки. Его мать отлично играла  на рояле и с четырёх­пяти лет приобщила  талантливого мальчика к  серьёзной музыке. В своей «Автобиографии» композитор вспоминает  такой эпизод из детства: «...кувыркался в постели  моего отца. Вокруг стоят родные. В передней звонок  – приехали гости. Все бегут встречать. Продолжаю  кувыркаться и, слетев с постели, ударяюсь лбом о  железный сундук. Нечеловеческий рёв, все бегут  обратно. Удар был здоровенный ­ шишка на лбу  сравнялась только к тридцати годам. Когда, уже  молодым человеком, я дирижировал в Париже,  художник Ларионов трогал её пальцем и говорил: «А  может быть, в ней­то и весь талант?»К июню 1900 г. была закончена первая опера Серёжи  Прокофьева «Великан». «Тётя Таня водила к фотографу, снявшему меня  перед картонным пианино, на пюпитре которого  стоял белый лист. Готовые фотографии были  отнесены к тёти Таниному сослуживцу,  обладателю каллиграфического почерка, и он  мелко вывел на них: Опера «Великан», соч. Серёжи Прокофьева». Новаторство было характерной приметой музыки  Прокофьева на протяжении всего его творческого  пути. Поиски собственного стиля композитор начал  ещё в раннем детстве. Наблюдая за интенсивным  развитием музыкальных способностей ребёнка,  родители отвезли его в Москву к известному  композитору и педагогу Сергею Ивановичу Танееву.11­летний мальчик показал маэстро увертюру к опере «На пустынных островах», где музыкальными   средствами попытался изобразить дождь, ветер,  бурю. Танеев с большим интересом отнёсся к юному  дарованию, посоветовал начать систематические  занятия композицией, но отметил чрезвычайную  простоту и однотипность гармоний, использованных  в произведении. Спустя несколько лет, услышав  новые сочинения Прокофьева, Танеев пожаловался,  что в них «очень уж много фальшивых нот».  Молодой композитор напомнил ему о предыдущем  отзыве, и Сергей Иванович, шутя, воскликнул  «Неужто это я толкнул вас на такую скользкую  дорогу!» В 13­летнем возрасте Серёжа поступил в  Петербургскую консерваторию, где его наставникамибыли Н. А. Римский­Корсаков, А. К. Лядов, Н. Н.  Черепнин, А. Н. Есипова.  Прокофьев обучался по трём специальностям ­  композитора, пианиста и дирижёра. Несмотря на то, что Прокофьев с детства занимался  игрой на рояле, его пианистическая подготовка  оставляла желать лучшего. Замечательный  консерваторский педагог А. Н. Есипова долго не  могла совладать с неправильными навыками  музыканта, и однажды вынуждена была пригрозить.  «Или Вы будете держать, как следует руки, или  уходите из моего класса!» Наконец, все трудности были пройдены, и в 1914  году для Прокофьева наступил решающий момент.  По итогам концерта выпускников лучшему пианисту  присуждалась премия им А. Г Рубинштейна. Мечтая  о призе победителя ­ новом великолепном роялефирмы «Шредер», амбициозный молодой человек  пошёл на хитрость. Не надеясь обойти своих сильных соперников с классическим произведением, он  включил в программу собственный Первый  фортепианный концерт (1911).  В случае неудачи,   объяснял Прокофьев, «Не ясно было бы из­за чего я  проиграл, из­за плохого концерта или из­за плохой  игры». Ни Концерт, ни его исполнение строгая комиссия не  посчитала неудачным. С начальными звуками  Концерта в зал ворвалась свежесть, энергия  молодости, упругие и неожиданные ритмы.  Становилось ясно, что создать и исполнить такую  яркую музыку может только необычайно  талантливый человек. Премию присудили Прокофьеву. Но восторженным  овациям большей части зала противостояланегативная реакция на новый, непривычный  музыкальный язык и содержание сочинения. В  будущем композитор ещё не раз становился  свидетелем жарких споров вокруг своих  произведений. С присущей ему остротой и резкостью  суждений он парировал любые обвинения. Летом 1917 г. Прокофьев поехал на курорт в  Ессентуки. Мятежи на Дону отрезали его от Москвы  и Петрограда. За эти месяцы «кавказского плена»  появились Концерт для скрипки с оркестром, Третья  и Четвертая фортепианные сонаты, цикл  «Мимолётности» и «Классическая симфония». После революции Прокофьев выезжает за рубеж. Делает он  это очень своеобразно: через всю страну, объятую  пламенем гражданской войны, он поехал поездом из  Петрограда во Владивосток. Так он добрался доТокио, два месяца ждал визу на въезд в США, где с  успехом проходят его концерты. Потом, практически без гроша в кармане, он  оказывается в Сан­Франциско и, наконец, с большими сложностями в начале сентября ­ в Нью­Йорке.  Начинается его «завоевание» Америки. Жизнь вне России не была лёгкой. Его музыку не  всегда принимали. Поначалу американская публика  не проявляла к нему интереса: там интересовались  только тем, что проверено в Европе и имело громкий  успех. Музыка была там товаром, который тоже  нуждался в рекламе. Прошло два года, и Прокофьев понял, что в Америке ему делать нечего. Он перебирается в Париж, оттуда  совершая гастрольные поездки.Здесь он сближается с Онеггером, Мийо, Пуленком,  общается с Рахманиновым, Равелем, композиторами  «Шестёрки», художниками Пикассо, Матиссом,  Чарли Чаплином, дирижёрами Стоковским,  Кусевицким, Тосканини, продолжает сотрудничество с Дягилевым. Для его труппы композитор пишет  балеты «Стальной скок», «Блудный сын», «На  Днепре». В 1927, 1929, 1932 гг. Прокофьев приезжает в Россию с гастролями. Его концерты проходят с триумфом.  Проводя на родине недели, он не мог представить  себе истинной жизни в стране. Он видел лишь  «фасад» этой жизни – «будни великих строек» как  пелось в популярной песне, энтузиазм людей. По­ видимому, не представляя, какова на самом деле  жизнь в давно покинутой им стране, Прокофьев  считал, что, вернувшись в Россию, сможет жить так,как сам захочет, то есть выезжать на гастроли, писать то, что пожелает. Но он глубоко ошибался. В 1933 г. композитор вернулся на родину. Первые  пять лет гастроли ещё продолжались, но затем выезд  ему был запрещён. Резко изменилась тематика его творчества. Были  написаны музыка к кинофильму «Александр  Невский», оперы «Семён Котко», «Повесть о  настоящем человеке», оратория «На страже мира» и  многое другое. Конечно, наряду с этими уступками  господствующей идеологии, которые тоже стали  шедеврами русского искусства, им были написаны  балеты «Ромео и Джульетта», «Золушка», «Сказ о  каменном цветке», опера «Дуэнья», увертюры,  концерты, фортепианные произведения. Когда началась Великая Отечественная война,  Прокофьев был эвакуирован на Кавказ. Только в1943 г. он вернулся в Москву. Всё это время  композитор работал над оперой «Война и мир». Эта  работа заняла много лет. Послевоенные годы обернулись для композитора  тяжкими испытаниями. Резко ухудшилось его  здоровье, а главное, он попал в жерло советской  идеологии. Его музыка, так же как и произведения  Шостаковича, была признана критикой в 1948 г.  формалистической и антинародной. Неизвестно, как  реагировал Прокофьев, избалованный всемирной  славой, на эту жестокую критику. Он никогда не  высказывался по этому поводу. Он молчал. Но,  конечно, это не могло не отразиться на нём.  Возможно, именно эти преследования окончательно  подорвали его здоровье. Последним произведением, которое довелось  композитору услышать в концертном зале, былаСедьмая симфония. Это было в 1952 г. Гениальный  симфонический цикл, в котором всё дышит  одухотворёнными, чистыми красками, стал  настоящим завещанием великого Мастера потомкам. Прокофьев умер 5 марта 1953 г., в один день со  Сталиным. С этим и было связано то, что смерть его,  на фоне официальной скорби, прошла совершенно  незамеченной. О ней не было сообщено ни в одной  газете. Поэтому хоронили одного из крупнейших  композиторов ХХ в. лишь самые близкие друзья. Вопросы: 1. Назовите годы жизни композитора. 2. Какие жанры были ему особенно близки? 3. Перечислите известные вам крупнейшие  произведения Прокофьева.