Урок: Музыкальные инструменты. Клавишные инструменты

Музыкальные инструменты. Клавишные  инструменты Итак, мы с вами выяснили, что по способам  извлечения звука музыкальные инструменты делятся на три больших семейства: струнные, духовые и  ударные. Но есть музыкальные инструменты,  которые как бы не укладываются в обычные рамки. Орган. Конечно, вы знаете этот инструмент. Его  называют королём музыкальных инструментов и  обращаются к нему: «Его величество орган». То, что нам видно из зала, называется фасадом органа. Он  состоит из нескольких десятков труб. Они  расположены несколькими группами, а в каждой  группе ещё и выстроены по росту, образуя по­ настоящему неповторимое художественное  произведение. Потому что ни в каком другом залефасад не выглядит одинаково. Трудно представить  себе, какая громада скрывается за этим изящным  фасадом. Даже трудно определить – инструмент это  или машина. Слушание: Орган, диапазон инструмента. Главный принцип органа – определённое количество  труб, каждая из которых издаёт один единственный  звук. Этот принцип лежит в основе и флейты Пана,  или Сиринкс: каждая её трубка тоже издаёт один  звук. Но сравнить её с органом нельзя. Только когда к нему приспособили машину, он по­ настоящему превратился в орган. Сначала воздух в  трубы органа нагнетали при помощи мехов, таких  же, как те, которыми кузнец раздувал огонь в своём  горне. Во II в. до н. э. в Александрии изобрели орган, воздух в который нагнетался не мехами, а водянымпрессом. Поэтому он поступал равномерно, и звук  становился лучше и ровнее. С веками инструмент усовершенствовался.  Появился исполнительский пульт или кафедра перед ним. Это настоящий пульт управления. На нём  кроме клавиатур размещено более двухсот разных  элементов ­ кнопок, рычагов, лампочек. Кафедра  имеет четыре ручные клавиатуры – они называются  мануалами. Слушание: Орган, звучание педали. Есть и ножная клавиатура ­ педаль, клавиши у  которой большие, длинные, широко расставлены,  чтобы музыкант не задевал случайно другую. С  помощью педалей извлекаются самые низкие звуки. Конечно, современный орган не похож на флейту  Пана. В нём звучат металлические трубы. Иногда ихнесколько тысяч. Если бы каждой трубе  соответствовала клавиша, то на инструменте с  несколькими тысячами клавиш играть было бы  невозможно. Поэтому над клавиатурами установили  регистровые ручки или кнопки. Каждой клавише  соответствует несколько десятков или даже сотен  труб. Они издают один звук, но имеют разный тембр. Благодаря этому орган может подражать звучанию  флейты, гобоя, даже пению птиц. Так что у нас получается, к какому семейству мы  отнесём орган? У него есть трубы, в которые  вдувается воздух, есть специальные клапаны внутри  труб, как и у некоторых духовых инструментов. Но  эти клапаны открываются или закрываются при  нажатии на клавишу. В общем, получается, что это  инструмент духовой и клавишный одновременно.В средние века орган привлёк к себе внимание  церкви. Его торжественное и мощное звучание очень подходило к архитектуре соборов с уходящими  вверх линиями, высокими сводами. У нас в России орган был больше светским, а не  церковным инструментом, потому что в  православной церкви, в отличие от церкви  католической, он не используется. Слушание: Иоганн Себастьян Бах. Прелюдия соль  мажор. Много великолепной музыки было написано для  этого инструмента. Лучшие композиторы мира  служили церковными музыкантами, в том числе И.  С. Бах. Принцип органа лежал и в основе русских роговых  оркестров. Они были очень популярны в поместьяхбогатых русских вельмож в XVIII в. Здесь тоже  каждый рог издавал только один звук. Участниками  таких оркестров в основном были крепостные  крестьяне, которые не всегда были музыкантами.  Многим хватало умения в нужный момент выдувать  из своего рога его единственный звук. Это обычно  делалось по команде, поэтому и помнить  произведение наизусть было не обязательно. Труб  разной величины в роговом оркестре было несколько десятков, а у богатого владельца ­ до трёхсот. Вот  вам и орган. Александр Сергеевич Грибоедов, замечательный  русский писатель, дипломат, композитор и пианист,  свободно играл на органе. Во время Отечественной  войны 1812 года Грибоедов добровольцем вступил в  гусарский полк. Летом 1814 года этот полк стоял в  Брест­Литовске, где произошло следующее.Грибоедов зашёл в монастырскую католическую  церковь, пробрался на хоры к органу. Началась  служба. Грибоедов долго её сопровождал как  органист, а в конце к изумлению монахов заиграл  «Камаринскую». Слушание: Клавикорд, диапазон инструмента. Клавикорд. Самый первый клавишный струнно­ ударный – клавикорд – известен с XV века.  Инструмент сохранял свою популярность более трёх столетий  и совершенствовался на протяжении всего этого времени. Звукоизвлечение на клавикорде  представляет собой следующую картину: при  нажатии клавиши укреплённый на её задней части  металлический штифт (тангент) касается струны;  чем сильнее удар по клавише (и давление тангента  на струну), тем громче звук. Пока тангент прижат к  струне, исполнитель может варьировать высотузвука, добиваться эффекта vibrato и даже  имитировать crescendo. На титульных листах сборников XVI века клавикорд указывался как возможная замена клавесину или  вёрджинелу. По тем временам его звук  представлялся настолько громким, что инструмент  считался идеально подходящим для исполнения  танцевальной музыки. Пик популярности клавикорда приходится на  середину XVIII века. В это время Карл Филипп  Эммануэль Бах (1714­1788) весьма тепло высказался о нём в своём «Руководстве к истинному искусству  игры на клавире». Немецкие же поэты и музыканты  эпохи Бури и натиска считали клавикорд наиболее  приспособленным «для излияния душевных чувств».  Тем не менее, к концу XVIII века он был совершенно вытеснен фортепиано.Слушание: Йозеф Гайдн. Соната № 29 ми­бемоль  мажор, I часть. Слушание: Клавесин, диапазон инструмента. Клавесин. Этот инструмент вы тоже наверняка  знаете. У него несколько названий: клавицимбал,  чембало, вирджинал и самое распространённое ­  клавесин. Поначалу этот инструмент ставили на  стол. Потом у него появились красивые резные  ножки. Внутри корпуса натягивались струны разной  длины. Отсюда такая характерная форма клавесина.  Вспомните, какой инструмент похож на клавесин?  Конечно, рояль. У него тоже струны разной длины. Как же на клавесине извлекался звук? Когда  исполнитель нажимал на клавишу, она приводила в  движение упругие язычки, сделанные из птичьих  пёрышек. Язычки цепляли струну, и раздавался звук. То есть звук извлекался щипком. Правда,исполнитель не мог играть громче или тише. С какой бы силой он ни ударял по клавише, делал это резко  или мягко звук не менялся. Со временем мастера  стали придумывать различные приспособления,  чтобы разнообразить звучание клавесина. Например,  устанавливали несколько клавиатур с разной силой  звука. Или приспособили рычаг ­ педаль, которую  нажимали ногой, чтобы сделать звук тише. К какому же семейству мы отнесём клавесин? В нём есть струны, значит, это струнный инструмент. Звук  извлекается щипком, то есть ­ щипковый. Но видели  ли вы у струнных клавиши? А клавесин ещё и  клавишный. Этот инструмент был очень популярен в своё время.  Его включали в различные ансамбли, в оркестре он  исполнял партию сопровождения. Дирижёр в  оркестре долгое время сидел за клавесином. Левойрукой он играл аккорды, а правой руководил  оркестром. Клавесин широко использовали и как  сольный инструмент в XVII­XVIII вв. Это было  время, когда носили напудренные парики, пышные  платья с оборками и кринолинами. К этому  галантному времени очень подходил тембр  клавесина, напоминающий звучание струнных  щипковых, но более полный и богатый. Для этого  инструмента писали музыку знаменитые  французские клавесинисты ­ Рамо, Куперен, Дакен. Сегодня клавесин услышать можно редко.  Послушайте его звучание в записи: Дакен «Курица»,  Куперен «Жницы», «Вязальщицы», «Флорентинка»,  «Бабочки». Слушание: Доменико Скарлатти. Соната ре минор, II часть. Слушание: Фортепиано, диапазон инструмента.Фортепиано. Изобретение фортепиано принято  связывать с именем итальянца Бартоломео  Кристофори. Но не он один причастен к его  рождению. Когда идея носится в воздухе, её могут  воплотить почти одновременно разные люди. Так  получилось и здесь. Во Франции Жан Мариус, в  Германии Готлиб Шретер предложили свои  конструкции нового инструмента. Звук в новом  инструменте извлекался ударом по струнам  деревянных молоточков с обитыми упругим  материалом головками. Теперь исполнитель мог  играть тише или громче ­ piano или forte. Вот откуда  взялось название инструмента ­ пианофорте, а позже ­ фортепиано. Название это сохранилось и до наших  дней, объединяя все струнные клавишные  инструменты. Но мы их можем отнести и к ударным, ведь звук извлекается ударом молоточка по струне.Конечно, первые фортепиано были мало похожи на  наши современные инструменты. Они были  несовершенны. Но шло время, новый инструмент  улучшался, устройство его усложнялось, изменилось расположение струн. У фортепиано молоточек при нажатии клавиши  ударяет по струнам одинаковой длины и толщины.  Со временем мастера придумали педаль, которая  сдвигает молоточки так, что они задевают не все три струны, а одну или две. Это меняет тембр звука и  его силу. Как же играет инструмент? Когда музыкант  нажимает клавишу, молоточек ударяет по струне.  Одновременно от неё отскакивает войлочная  подушечка­глушитель (демпфер). От удара струна  начинает вибрировать и возникает звук. Значение  демпфера очень велико. Если бы он все время лежална струне, звук был бы глухим и коротким. А если  бы демпфера совсем не было, струны вибрировали  долго, и вместо музыки получилось бы сплошное  гудение. Звук прекращается, когда мы отпускаем  клавишу, потому что глушитель прижимает струну и заглушает звук. Со временем у фортепиано появилась ещё одна  педаль, расположенная: справа. Она отводит  демпфер от струн. Можно нажать эту педаль,  отпустить клавишу, а звук будет всё равно тянуться, пока не угаснет, потому что эта педаль держит  глушители, не пуская их на место. Благодаря: этому  в фортепианной музыке появились новые  возможности. Слушание: Клод Дебюсси. «Лунный свет» из  «Бергамасской сюиты». Слушание: Рояль, диапазон инструмента.В XIX в. фортепиано развивалось очень интенсивно.  Сложились два вида фортепиано: горизонтальный  ­ рояль (по­французски royal ­ королевский) с  корпусом, похожим на крыло, и вертикальный  ­ пианино (по­итальянски pianino ­ маленькое  пиано). Рояль ­ это концертный инструмент. Слушание: Фредерик Шопен. Ноктюрн № 19 ми  минор. Слушание: Пианино, диапазон инструмента. Пианино же мы используем там, где нельзя  поставить большой рояль и где можно обойтись  меньшей силой звука. У фортепиано огромные, поистине безграничные  возможности. Оно охватывает диапазоны всех  музыкальных инструментов. У него огромный  размах силы звука: от нежнейшего пианиссимо домощного фортиссимо. Оно может звучать легко, как  флейта, а может как целый оркестр. Поэтому многие великие музыканты отдали дань  этому инструменту, создавая для него истинные  жемчужины. Среди них были великие пианисты.  Достаточно назвать Бетховена, Шопена,  Шуберта, Рахманинова, Скрябина. Слушать этот  инструмент можно бесконечно. Слушание: Людвиг ван Бетховен. «К Элизе». Вопросы и задания: 1. Какой из клавишных инструментов является  самым молодым? 2. Что такое педаль у органа? 3. Назовите, принципы каких групп инструментов  объединяют в себе клавишные?4. Перечислите имена французских композиторов­ клавесинистов. 5. Какие разновидности фортепиано вы знаете? 6. Какой инструмент создал Бартоломео  Кристофори? Музыкальные инструменты. Деревянные  духовыеТак называют музыкальные инструменты, в которых  звук извлекается при помощи колебания воздуха в  полой трубке. Одни из них изготовляют из дерева,  другие ­ из металла. Это очень важно, ведь именно  материал, из которого делают инструмент, влияет на характер и тембр его звучания ­ звук металла сильно отличается от звука, издаваемого деревом. В связи с  этим духовые инструменты делятся на две группы ­  деревянные и медные. Но все они имеют одно общее  качество: в отличие от клавишных или струнных  инструментов они одноголосны. То есть на каждом  из них можно сыграть только одну мелодию.  Поэтому в оркестре применяют обычно по два и  более инструмента одного вида. Что представляют деревянные духовые  инструменты? Это полые трубки, снабжённые  сложным клапанным механизмом. Изготовлялисьони из дерева, впрочем, часто и из другого  материала. Особенно повезло флейте. Она была  любимицей королей и аристократов, поэтому в  XVIII в. её иногда делали из слоновой кости,  хрусталя, фарфора и даже золота. В наше время ­  это особый металлический сплав. Если все струнные инструменты свою форму  получили где­то в одно время, группа деревянных  духовых развивалась неодинаково. Одни  инструменты известны со времён далёкой древности, другие появились недавно. Каждый из них имеет  индивидуальную конструкцию. Общим для них  является способ извлечения звука. Звучащим телом в них является столб воздуха,  заключённый в трубке. Он приходит в колебание,  когда исполнитель вдувает в неё воздух. Если  закрыть клапанами все отверстия в трубке,инструмент издаст самый низкий звук. Если  постепенно открывать отверстия, столб воздуха  будет укорачиваться, а звук повышаться. Для  вдувания воздуха у флейты устроено особое губное  отверстие, а у других деревянных духовых  инструментов ­ специальное приспособление,  называемое тростью: сложенные вместе и связанные  камышовые пластинки. В нижней части трубки  некоторые инструменты имеют небольшое  расширение, похожее на колокольчик, ­ раструб, его  нет у флейты и фагота.  Слушание: Флейта. Диапазон инструмента. Флейта ­ один из старейших инструментов  семейства. Её прапрабабушкой была тростинка. Что  внушило человеку мысль дать голос тростинке?  Ветер ли, что нежно колыхал заросли тростника, или беззаботное пение лесных птиц?Ведь и сейчас композиторы, когда хотят изобразить  в музыке пение птиц, прибегают чаще всего к  флейте. Но флейта умеет петь не только весело и  беззаботно. Она может петь нежно и сильно, мягко и серебристо. Послушайте, как чарующе звучит она в  знаменитой «Мелодии» из оперы Глюка «Орфей». Слушание: Глюк. «Мелодия» из оперы «Орфей и  Эвридика». Флейта может звучать как человеческий голос,  недаром её звук сравнивают с колоратурным  сопрано. Ведь и само её название не случайно  происходит от слова flatus ­дуновение. Вспомните  оперу Н. А. Римского­Корсакова «Снегурочка»:  колоратурным пассажам дочери Мороза в самом  начале оперы вторят виртуозные наигрыши флейты. Слушание: Римский­Корсаков. Пролог из оперы  «Снегурочка» (фрагмент).Но не сразу звук флейты стал таким нежным,  серебристым, чистым и мягким. Каких только  превращений не претерпел этот древнейший  инструмент. Вряд ли найдётся народ, у которого не  было бы своей флейты. Испокон веков она была  пастушьим инструментом – её звуками пастухи  созывали свои стада. Слушание: Бетховен. Симфония № 6  «Пасторальная». II ч. (фрагмент). В Древней Греции была распространена  многоствольная флейта ­ флейта Пана, или Сиринкс. Эту историю рассказывали многие древнегреческие  авторы. Флейтисты в Элладе и Риме пользовались  особым почётом. Сиринкс состоит из нескольких трубок, каждая из  них ­ это тростник. Так же как под пальцами Афинызаливается флейта, в устах Пана поёт Сиринкс. (Пан ­ бог лесов и рощ. Он родился покрытый волосами, с рогами, с козлиными копытами, кривым носом,  бородой и хвостом). Когда­то Сиринкс была прекрасной девой.  Влюблённый Пан преследовал её, но густой лес  укрыл уносящуюся от него прочь девушку. Пан уже  было настиг её и простёр вперёд руку. Он думал, что догнал её и держит за волосы, оказалось же, что это  не волосы девушки, а листва тростника. Говорят,  что деву скрыла от него земля, а вместо неё родила  тростник. От гнева и обиды Пан срезал тростник,  считая, что он спрятал его возлюбленную. Но и  после этого не смог её найти. Тогда он понял, что  девушка превратилась в тростник, и очень  опечалился, что сам убил её. Пан собрал все  тростинки, как части тела, соединил их вместе, взялих в руки и стал целовать свежие срезы. Дыхание его проникло сквозь отверстия в тростнике, и Сиринкс  зазвучала. Слушание: Пан­флейта. Einsamer Hirte («Одинокий  пастух). Высоко ценили флейту и в Средние века. Играли в  то время на продольной флейте, которую держали  как дудочку ­ вертикально. Звук её мягче  современной, более нежен, но зато он менее ярок и  сила его звучания уступает поперечной флейте. Её  так назвали потому, что держат горизонтально. В XVII в. обе флейты ­ и продольная и поперечная  были распространены в быту и в профессиональной  музыке. Обе вошли в первые оркестры. Продольная  флейта обладала более поэтичным звуком, и её  называли «нежной флейтой». Но поперечная флейтаоказалась более жизнеспособной, так как легко  поддавалась усовершенствованиям. В середине  XVIII в. она вытеснила прямую флейту из оркестра. Гобой не менее древен, чем флейта. Его  прапрабабушкой является первобытная свирель.  Более близкие его предки – древнегреческий авлос и кавказская или среднеазиатская зурна. В Европу предки гобоя пришли с Ближнего Востока. В таком виде, как мы его знаем, он был создан  французскими мастерами в XVII в. и вскоре вошёл в состав оркестра. Почти целое столетие гобой был  кумиром музыкантов и любителей музыки. Люлли,  Рамо, Бах, Гендель отдали дань этому  замечательному инструменту.  Слушание: Гобой. Диапазон инструмента.Гобой представляет собой коническую трубку с  раструбом и трость, которую исполнитель держит во рту. Это наконечник, сделанный из двух камышовых  пластинок, прилегающих друг к другу. Когда в них  вдувают воздух, они приходят в колебание,  заставляющее звучать воздушный столб внутри  трубки. Благодаря некоторым особенностям  конструкции, гобой почти не меняет настройку.  Поэтому стало традицией именно по нему  настраивать весь оркестр. Гобой достаточно подвижный инструмент, хотя и  уступает в этом отношении флейте. Это скорее  поющий, нежели виртуозный, инструмент.  Чтобы познакомиться со звучанием гобоя,  послушайте «Танец маленьких лебедей» из балета П. И. Чайковского «Лебединое озеро». А в  симфонической сказке С. Прокофьева «Петя иволк» гобой изображает утку, громко крякающую и  неуклюже переваливающуюся с боку на бок. Слушание: Чайковский. Танец маленьких лебедей из балета «Лебединое озеро». Слушание: Английский рожок. Диапазон  инструмента. Самый близкий родственник гобоя – английский  рожок, который ещё называют альтовым гобоем. Он  чуть больше гобоя и звучит на квинту ниже. Звук его более меланхоличный, как сказал Н. А. Римский­ Корсаков: «лениво­мечтательный».  Английскому рожку часто поручают напевные  мелодии, например, вступление к ариозо Лизы из  оперы П. И. Чайковского «Пиковая дама», Поэма  для симфонического оркестра, хора и солистов  «Колокола» 4 часть, С. В. Рахманинова и др.Слушание: Рахманинов. Колокола. Поэма для  симфонического оркестра, хора и солистов. IV ч.  (фрагмент). Кларнет. Мы знаем, что флейта и гобой уже более  трёх столетий являются участниками оркестра.  Кларнет появился в нём только на рубеже XVIII­ XIX вв. Предком кларнета был народный  средневековый инструмент ­ свирель шалюмо. В  1690 году немецкий мастер Деннер  усовершенствовал его. Верхний регистр созданного  Деннером инструмента поразил современников  своим резким, пронзительным тембром,  напоминавшим звук трубы. В то время трубу  именовали Clarino. Поэтому новому инструменту  дали имя Clarinetto ­ маленькая труба. Оба названия  связаны с латинским словом Clarus ­ светлый, что  прекрасно характеризует тембр этих инструментов.Слушание: Кларнет Диапазон инструмента. Кларнет немного напоминает гобой. Это  цилиндрическая деревянная трубка с раструбом на  одном конце и тростью­наконечником на другом. Но сама трость отличается от гобойной: она состоит не  из двух, а из одной тростниковой пластинки,  прикреплённой к мундштуку, похожему на птичий  клюв. Кларнетист держит «клюв» во рту и, вдувая в  него воздух, заставляет инструмент звучать. Так  возникает звук совершенно особой окраски, полный,  округлый, отличающийся необыкновенным  благородством. Кларнет ­ один из совершеннейших инструментов,  требующий от исполнителя очень малого расхода  воздуха. Он необыкновенно подвижен. Пассажи,  скачки, арпеджио ­ всё это с лёгкостью удаётся  кларнету. Кроме того, кларнет обладает ещё однимочень важным качеством: ему доступно гибкое  изменение силы звука, постепенное усиление и  ослабление звука. Всё это сделало кларнет одним из  самых выразительных голосов оркестра. Недаром  многие композиторы именно кларнету поручают  выразительнейшие соло в своих произведениях. Во второй половине XVIII века возможности этого  инструмента были оценены по достоинству  благодаря ярким оркестровым и ансамблевым  сочинениям Рамо, Иоганна Кристиана Баха,  Генделя, Моцарта, Вебера, а затем, в XIX веке,  Брамса и других авторов. Слушание: Брамс. Квинтет для кларнета и  струнного квартета. II ч. (фрагмент). Есть несколько разновидностей кларнета. Кроме  основного существует ещё малый кларнет с  диапазоном на кварту выше обычного,отличающийся пронзительным звуком, а также бас­ кларнет, звучащий октавой ниже обычного. Тембр  бас­кларнета сочный, звенящий, а в низком регистре  мрачный, угрюмый. Фагот ­ самый низкий по звучанию инструмент  группы деревянных духовых. Его родословная  восходит к первой половине XVI в. Предком фагота  считается басовая свирель бомбарда. Пришедший ей на смену фагот был построен каноником Альфаньо  дельи Альбонези. Большая деревянная перегнутая  вдвое трубка инструмента напоминала вязанку дров, что и запечатлелось в названии. Итальянское слово il fagotto означает «вязанка». Новый инструмент  пленил современников мягкостью и благозвучностью тембра, и, по контрасту с хриплым, грубым голосом  бомбарды, его стали называть «дольчино» ­  сладостный. В дальнейшем он был значительноусовершенствован и с конца XVII в. вошёл в состав  оркестра.  Слушание: Фагот. Диапазон инструмента. Ствол фагота очень велик, поэтому играть на нём,  как на флейте или кларнете, было бы невозможно.  Мастера нашли оригинальный выход: трубку  сложили пополам. К верхней части трубки  прикрепляют изогнутую металлическую трубку, на  которую надета трость. Во время игры фагот на  шнурке подвешивают на шею. Тембр фагота на  протяжении диапазона меняется от мощного,  грозного внизу до пронзительного и напряжённого  вверху. В XVIII в. в Европе фагот пользовался огромной  любовью современников: одни называли его гордым,  другие ­ нежным, меланхолическим, религиозным.  Эта привязанность доходила до того, что количествофаготов в оркестре иногда превышало количество  скрипок: четыре фагота при трёх скрипках во  времена Генделя. В общем, фагот многое видел,  обладает огромным опытом музицирования в  салонах, домах, дворцах, концертных залах. Во  многих случаях фагот незаменим.  Иоганн Фридрих Фаш – один из крупнейших  композиторов Германии первой половины XVIII  века. Он родился близ Веймара, служил  капельмейстером при дворе Лукавече, затем в  Цербете. Он написал три оперы, кантаты, мессы,  оркестровые сюиты, концерты, сонаты для  солирующих инструментов. Авторитет его  настолько велик, что И. С. Бах сам переписал пять  из его оркестровых сюит, а в рукописном архиве Ф.  Э. Баха был найден годовой обиход его церковных  сонат. Соната C­dur для фагота – один из яркихпримеров раскрытия виртуозных возможностей  инструмента. Слушание: Иоганн Фридрих Фаш. Соната C­dur для  фагота I ч. Нередко исполняемая фаготом мелодия в быстром  темпе создаёт комическое впечатление. Это  использовал М. И. Глинка в опере «Руслан и  Людмила» для характеристики трусливого  поклонника Людмилы Фарлафа. Когда он  встречается с колдуньей Наиной, чередующееся  стаккато двух фаготов передаёт его трусливую  дрожь. Но иногда фагот звучит трагически. В начале Шестой симфонии П. И. Чайковского, фагот играет  скорбную сосредоточенную мелодию. А теперь  вспомните симфоническую сказку С. С. Прокофьева «Петя и волк». Роль дедушки в этой сказке играетфагот. Пожилые люди часто ворчат на своих внуков. Низкий, ворчливый, немного хриплый голос фагота  очень подходит к этой роли. Одна из разновидностей фагота – контрфагот ­  очень похож на фагот. Его диапазон на октаву ниже  основного. Применяется он для усиления басовых  голосов оркестра. Вопросы и задания: 1. Какой деревянный духовой инструмент является самым древним? 2. Что такое поперечная и продольная флейта? 3. Какой инструмент надо добавить, чтобы  семейство деревянных духовых стало полным:  флейта, кларнет, фагот? 4. Какой инструмент среди них является самым  высоким?5. Как извлекаются звук на кларнете? 6. Чем отличаются тембры звучания деревянных  инструментов? Бетховен. Симфония №3 «Героическая» Вечные образы ­ силу человеческого духа,  творческую мощь, неизбежность смерти и  всепобеждающее опьянение жизнью – Бетховен  соединил воедино в Героической симфонии и из  этого сотворил поэму обо всем великом, что  может быть присуще человеку... Третья симфония Бетховена стала рубежом в  развитии европейской музыки. Уже первые звуки ее  звучат как призыв, словно сам Бетховен говорит  нам: «Слышите? Я другой, и музыка моя – другая!»Затем, в седьмом такте, вступают виолончели, но  Бетховен нарушает тему совершенно неожиданной  нотой, в другой тональности. Прислушайтесь!  Бетховен никогда больше не создавал ничего  подобного. Он разорвал с прошлым, освободился от  подавляющего наследия Моцарта. Отныне и впредь  он будет революционером в музыке. Бетховен сочинил свою героику в 32 года, он начал  работу над ней меньше чем через год после того, как оставил своё горькое и безнадёжное  «Хейлигенштадтское завещание». Он писал Третью  симфонию несколько недель, писал, ослеплённый  ненавистью к своей глухоте, словно стремился  изгнать ее своим титаническим трудом. Это и в  самом деле титаническое сочинение: самая длинная,  самая сложная симфония из всех, созданных  Бетховеном на тот момент. Публика, знатоки икритики растерялись, не зная, как относится к его  новому творению. «Эта длинная композиция есть… опасная и  необузданная фантазия… которая часто сбивается в  подлинное беззаконие… В ней слишком много  блеска и фантазии… чувство гармонии полностью  утрачено. Если Бетховен продолжит следовать по  такому пути, это будет прискорбно как для него, так и для публики». Так писал критик респектабельной  «Всеобщей музыкальной газеты» 13 февраля 1805 г. Друзья Бетховена были более осторожны. Их мнение изложено в одном из отзывов: «Если этот шедевр и  не услаждает слух сейчас, то лишь потому, что  нынешняя публика недостаточно культурна для  восприятия всех её эффектов; лишь через несколько тысяч лет это произведение будет услышано во всем его великолепии». В этом признании явно слышатсяслова самого Бетховена, пересказанные его  друзьями, вот только срок в несколько тысяч лет  выглядит чрезмерно преувеличенным. В 1793 году в Вену прибыл посол французской  республики генерал Бернадот. Бетховен  познакомился с дипломатом через своего друга,  известного скрипача Крейцера (Девятая скрипичная  соната Бетховена, посвящённая этому музыканту,  носит название «Крейцеровой»). Вероятнее всего,  именно Бернадот навёл композитора на мысль  увековечить в музыке образ Наполеона. Симпатии молодого Людвига находились на стороне республиканцев, поэтому идею он воспринял с  воодушевлением. Наполеона в то время  воспринимали как мессию, способного осчастливить  человечество и исполнить надежды, возлагавшиеся  на революцию. А Бетховен к тому же видел в немещё и великий, несгибаемый характер и огромную  силу воли. Это был герой, которого следовало чтить. Бетховен отлично понимал масштаб и природу своей симфонии. Он написал её для Наполеона Бонапарта,  которым он искренне восторгался. Имя Наполеона  Бетховен написал на титульном листе симфонии. Но когда Фердинанд Рис – сын дирижёра  придворного оркестра в Бонне, который в октябре  1801 г. перебрался в Вену, где стал учеником и  главным помощником Бетховена, ­ сообщил ему о  том, что Наполеон короновался и провозгласил себя  императором, Бетховен пришёл в ярость. По свидетельству Риса, он воскликнул: «Значит, и  этот тоже – самый обыкновенный человек! Отныне  он будет попирать ногами все человеческие права в  угоду своему честолюбию. Он поставит себя над  всеми и сделается тираном!»Бетховен с такой яростью принялся вымарывать имя Наполеона с титульного листа, что прорвал бумагу.  Симфонию он посвятил своему щедрому  покровителю князю Лобковицу, во дворце которого  и состоялось несколько первых исполнений  произведения. Но когда симфония была напечатана, на титульном  листе остались слова: «Sinfonia Eroica… per  festeggiare il sovvenire di un grand Uomo»  («Героическая симфония… в честь великого  человека»). Когда Наполеон Бонапарт скончался,  Бетховена спросили, не мог бы он написать  траурный марш по поводу смерти императора. «Я  уже сделал это» ­ ответил композитор, вне всякого  сомнения, имея в виду траурный марш из второй  части «Героической симфонии». Позже Бетховенузадали вопрос, какую из своих симфоний он любит  больше всего. «Героику», ­ ответил композитор. Жак Луи Давид. Коронование  Наполеона Существует распространённое и вполне  обоснованное мнение, согласно которому  «Героическая симфония» стала началом  патетического периода в творчестве Бетховена,  предвосхитив великие шедевры его зрелых лет.  Среди них – сама «Героическая симфония», Пятая  симфония, «Пасторальная симфония», Седьмая  симфония, фортепианный концерт «Император»,  опера «Леонора» («Фиделио»), а также  фортепианные сонаты и произведения для струнногоквартета, отличавшиеся от более ранних  произведений гораздо большей сложностью и  продолжительностью. Эти бессмертные  произведения были созданы композитором,  сумевшим мужественно пережить и победить свою  глухоту – самую страшную катастрофу,  выпадающую на долю музыканта.   Это интересно… Валторна ошиблась! За четыре такта до репризы во время тихой игры  струнных, неожиданно вступает первая валторна,  повторяющая начало темы. Во время первого  исполнения симфонии Фердинанд Рис, стоящий  рядом с Бетховеном, был настолько изумлён этим  вступлением, что выругал  валторниста, заявив, чтотот вступил не вовремя. Рис вспоминал, что  Бетховен устроил ему суровый нагоняй и долго не  мог простить. Инструмент, играющий столь большую роль в  «Героической симфонии» ­ разумеется, не только  благодаря «фальшивой» ноте, но и гениальной  сольной партии валторн в третьей части  произведения, ­ во времена Бетховена существенно  отличался от той валторны, которую мы знаем  сегодня, прежде всего, у старинной валторны не  было вентилей, поэтому для смены тональности  музыкантам приходилось каждый раз менять  позицию губ или помещать правую руку в раструб,  изменяя высоту звуков. Звук у валторны был  резкий и сиплый, играть на ней было чрезвычайно сложно. Вот почему для подлинного понимания  бетховенского замысла «Героики» любителяммузыки следует посетить исполнение, в котором  используются инструменты того времени.   Звуки музыки Публичная премьера Третьей симфонии Бетховена  состоялась в Вене в 1805 году. Ничего подобного  люди ещё не слышали, это было началом новой эры в музыке. Первыми, кто услышал новую симфонию в декабре  1804 года, были гости князя Лобковица, одного из  меценатов Бетховена. Князь был меломаном, имел  собственный оркестр, поэтому премьера состоялась  в его дворце, практически в камерной обстановке.  Знатоки раз за разом наслаждались симфонией во  дворце князя, не выпускавшего сочинение из рук.  Лишь в апреле следующего года с «героическойсимфонией» познакомилась широкая публика.  Неудивительно, что она была всерьёз озадачена  небывалыми прежде масштабами и новизной  сочинения. Грандиозная первая часть основана на героической  теме, которая претерпевает множество метаморфоз,  по­видимому, рисующих путь героя. По словам Роллана, первая часть, возможно, «была  задумана Бетховеном как своего рода портрет  Наполеона, разумеется, совсем непохожего на  оригинал, но такого, каким его рисовало  воображение, и каким он хотел бы видеть Наполеона в действительности, то есть как гения революции».Борис Валеджио.  Прометей Вторая часть – знаменитый траурный  марш, образует редчайший контраст. Впервые место  певучего, обычно мажорного анданте занимает  похоронный марш. Утвердившийся во время  Французской революции для массовых действ наплощадях Парижа, этот жанр превращается у  Бетховена в грандиозную эпопею, вечный памятник  героической эпохе борьбы за свободу. Третья часть – скерцо. Слово это в переводе с  итальянского означает «шутка». Скерцо третьей части появилось не сразу:  первоначально композитор задумал менуэт и довёл  его до трио. Но, как образно пишет Роллан,  изучавший тетрадь бетховенских эскизов, «здесь  перо его отскакивает... Под стол менуэт и его  размеренную грацию! Гениальное кипение скерцо  найдено!» Каких только ассоциаций не рождала эта  музыка! Одни исследователи видели в ней  воскрешение античной традиции — игры на могиле  героя. Другие, наоборот, предвестие романтизма —  воздушный хоровод эльфов, наподобие созданногосорок лет спустя скерцо из музыки Мендельсона к  комедии Шекспира «Сон в летнюю ночь». Исполнителей и слушателей поджидает немало  сюрпризов, особенно охотно Бетховен  экспериментирует с ритмом. Четвертая часть симфонии основана на так  называемой «прометеевской» теме. В греческой  мифологии Прометей – титан, похитивший огонь из  кузницы Вулкана, чтобы принести его людям.  Бетховен посвятил ему балет «Творения Прометея», из финала которого и пришла в симфонию  музыкальная тема. Правда, Бетховен ещё  использовал ее в Пятнадцати вариациях с фугой для  фортепиано. Финал симфонии построен как цепь  вариаций. Сначала Бетховен берет из темы только  басовый голос и развивает его, затем вступает  мелодия, чтобы в процессе развития достичьбурного ликования: «прометеевский» финал  «Героической симфонии» действительно полон  небесного огня. Финал симфонии, который русский критик А. Н.  Серов сравнивал с «праздником мира», полон  победного ликования...Франц Шуберт. Романтик из Вены «Как и Моцарт, Шуберт больше принадлежал  всем – окружающей среде, людям, природе, чем себе, и музыка его была его пением про всё, но не лично  про себя…» Б. Асафьев Франц Петер Шуберт родился 31 января 1797 года в  Лихтентале, предместье Вены. Первые уроки музыки преподал ему отец, Франц Теодор Шуберт, учитель  лихтентальской приходской школы. Затем мальчик  перешёл под опеку Михаэля Хольцера, регентаместной церкви и добрейшего старика ­ он  бесплатно учил Шуберта гармонии и игре на органе. В возрасте одиннадцати лет Шуберт поступил  певчим в императорскую капеллу и, распростившись с родным домом, уехал в Вену (благо от предместья  до города было рукой подать). Теперь он жил в  императорском королевском конвикте ­  привилегированном интернате. И учился в гимназии. Об этом так мечтал его отец. Но жизнь его была невесела: подъём на заре, долгие  и утомительные стояния на клиросе, вездесущие  надзиратели, всегда умеющие найти за мальчиками  провинность, за которую следует высечь или  заставить бессчётное число раз повторять молитвы.  Существование Франца, привыкшего к кроткому  наставничеству Хольцера, было бы совсем  беспросветным, если бы не новые друзья ­ дружилитем крепче и самоотверженней, чем больше  воспитатели поощряли детей к наушничеству и  доносительству, якобы направленному к «спасению  душ заблудших товарищей». Пять лет (1808 ­ 1813), проведённые композитором в конвикте, были бы для него невыносимо тяжелы,  если бы не верные друзья, которых он нашёл здесь.  Слева направо Ф. Шуберт, И. Иенгер, А.  Хюттенбреннер.  И если бы не музыка. Талант юного Шуберта  заметил придворный капельмейстер ­ Антонио  Сальери. Он продолжил заниматься с ним и после  его ухода из школы в 1813 году (связанного с тем,  что голос подросшего певчего стал ломаться и  утратил необходимую «хрустальность»). В 1814 году в Вене произошло событие огромной  важности ­ состоялась премьера бетховенской оперы«Фиделио». Предание гласит, что Шуберт продал  все свои школьные учебники, чтобы попасть на эту  премьеру. Возможно, дело обстояло и не столь  драматично, но доподлинно известно, что  поклонником Бетховена Франц Шуберт оставался до конца своей недолгой жизни. Этот же год ознаменовался для Шуберта и более  прозаическими событиями. Он поступил на работу в  ту же школу, где преподавал его отец.  Педагогическая деятельность казалась молодому  музыканту скучной, неблагодарной, бесконечно  далёкой от его высоких потребностей. Но он  прекрасно понимал, что быть обузой для семьи,  которая и без того едва сводила концы с концами, он не может. Несмотря на все тяготы, те четыре года, что  композитор посвятил учительству, оказались весьмаплодотворными. К концу 1816 года Франц Шуберт  является уже автором пяти симфоний, четырёх месс и четырёх опер. И самое главное ­ он нашёл жанр,  вскоре прославивший его. Нашёл песню, где так  волшебно сливались музыка и поэзия, две стихии,  без которых композитор не мыслил своего  существования. В Шуберте, тем временем, вызревало своё решение,  которое он и воплотил в жизнь в 1818 году. Он  бросил школу, решив все свои силы посвятить  музыке. Этот шаг был смелым, если не сказать ­  безрассудным. Других доходов, кроме учительского  жалованья, музыкант не имел. Вся дальнейшая жизнь Шуберта представляет собой  творческий подвиг. Испытывая большую нужду и  лишения, он создавал одно произведение за другим.Нищета и невзгоды помешали ему жениться на  любимой девушке. Её звали Тереза Гроб. Она пела в  церковном хоре. Мать девушки возлагала на её брак  большие надежды. Естественно, Шуберт не мог её  устроить. Музыкой можно жить, но ею не  проживёшь. И мать отдала дочку замуж за  кондитера. Это было ударом для Шуберта. Через несколько лет возникло новое чувство, ещё  более безнадёжное. Он полюбил представительницу  одного из самых знатных и богатых семейств  Венгрии – Каролину Эстергази. Чтобы понять, что  чувствовал тогда композитор, надо почитать строки  его письма одному из друзей: «Я чувствую себя  самым несчастным, самым жалким человеком на  свете… Представь себе человека, самые блестящие  надежды которого превратились в ничто, которому  любовь и дружба не приносят ничего, кромеглубочайших страданий, у которого вдохновение  прекрасным (по крайней мере побуждающее к  творчеству) грозит исчезнуть…» В эти трудные времена отдушиной для Шуберта  становились встречи с друзьями. Молодые люди  знакомились с литературой, поэзией разных времён.  Исполнение музыки чередовалось с чтением стихов,  сопровождало танцы. Иногда такие встречи  посвящались музыке Шуберта. Их даже стали  называть «шубертиадами». Композитор сидел за  роялем и тут же сочинял вальсы, лендлеры и другие  танцы. Многие из них даже не записаны. Если он пел  свои песни, это всегда вызывало восхищение  слушателей. Его никогда не приглашали выступить в публичном  концерте. Его не знали при дворе. Издатели,  пользуясь его непрактичностью, платили ему гроши,а сами наживали огромные деньги. А крупные  произведения, которые не могли пользоваться  большим спросом, не издавались вообще. Бывало  так, что ему нечем было заплатить за комнату и он  часто жил у своих друзей. У него не было своего  фортепиано, поэтому он сочинял без инструмента.  Ему не на что было купить новый костюм. Бывало,  что несколько дней подряд он питался одними  сухарями. Отец оказался прав: профессия музыканта не  принесла Шуберту славы, громкого успеха, славы,  удачи. Она принесла только страдания и нужду. Но она подарила ему счастье творчества, бурного,  непрерывного, вдохновенного. Он работал  систематически, каждый день. «Я сочиняю каждое  утро, когда я кончаю одну пьесу, я начинаю  другую», ­ признавался композитор. Он сочинялочень быстро и легко, как Моцарт. Полный список  его произведений насчитывает более тысячи  номеров. А ведь прожил он всего 31 год! Известность Шуберта тем временем росла. Его  песни вошли в моду. В 1828 году были  опубликованы его важнейшие сочинения, а в марте  того же года состоялся один из самых  знаменательных для него концертов. На вырученные  от него деньги Шуберт купил себе фортепиано. Он  так мечтал о том, чтобы обладать этим  «королевским инструментом». Но долго  наслаждаться приобретением ему не довелось. Всего через несколько месяцев Шуберт заболел брюшным  тифом. Он отчаянно сопротивлялся болезни, строил  планы на будущее, пытался работать в постели... Композитор умер 19 ноября 1828 года в возрасте 31  года после двухнедельной лихорадки. ПохороненШуберт на центральном кладбище рядом с могилой  Бетховена, недалеко от памятника Моцарту, могил  Глюка, Брамса. И. Штрауса – так состоялось,  наконец, полное признание композитора. Известный в то время поэт Грильпарцер, на  скромном памятнике Шуберту на венском кладбище написал: «Смерть похоронила здесь богатое  сокровище, но ещё более прекрасные надежды». Звуки музыки «Одна красота должна вдохновлять человека в  течение всей его жизни – это верно, но сияние этого вдохновения должно  освещать всё остальное…» Ф. Шуберт Восьмая симфония си минор «Неоконченная»Судьбы многих великих произведений (как и их  авторов) полны превратностей. На долю  «Неоконченной» симфонии выпали все возможные  из них. Друзья любили песни Франца Шуберта. Как нежно  звучали они, как безошибочно дотрагивались до  самых глубинных струн души, эти песни! Но вот  «крупная форма» ... Нет, друзья старались не  огорчать милого Франца, однако ж, между собой  нет­нет, да и проговаривались: «Всё­таки это не  его». Шуберт написал «Неоконченную симфонию» в 1822  ­ 23 годах. А через два года отдал её партитуру  одному из лучших и старинных своих друзей ­  Ансельму Хюттенбреннеру. С тем, чтобы друг  передал её Обществу любителей музыки города  Граца. Но друг не передал. Из лучших, вероятно,побуждений. Не желая «опозорить милого Франца» в глазах просвещенной публики. Хюттенбреннер и сам писал музыку (отдавая предпочтение, между  прочим, крупной форме). Он понимал в ней толк. И  не сочувствовал симфоническим потугам своего  школьного товарища. Так случилось, что одного из лучших произведений  Шуберта «не существовало» до 1865 года. Первое  исполнение «Неоконченной» состоялось почти через сорок лет после смерти композитора. Дирижировал  Иоганн Гербек, случайно обнаруживший партитуру  симфонии. «Неоконченная симфония» состоит из двух частей.  Классическая симфония ­ всегда ­ четырёхчастная.  Версию, что композитор желал закончить её,  «дописать до нужного объёма», но не успел, нужно  отмести сразу. Сохранились наброски к третьейчасти ­ неуверенные, робкие. Словно Шуберт и сам  не знал, нужны ли эти попытки набросков. Два года  партитура симфонии «вылёживалась» у него в столе, прежде чем перешла в руки к рассудительному  Хюттенбреннеру. За эти два года у Шуберта было  время увериться в том, что ­ нет, не надо  «дописывать». В двух частях симфонии он  высказался полностью, «выпел» в них всю свою  любовь к миру, всю тревогу и тоску, которыми  обречён томиться человек в этом мире. Два главных этапа переживает человек в жизни –  юность и зрелость. И в двух частях симфонии  Шуберта острота столкновений с жизнью в юности и глубина постижения смысла жизни в зрелости.  Вечное переплетение радости и печали, страданий и  восторгов жизни.Подобно грозе ­ порывами ветра, далёкими  раскатами грома ­ начинается  Шубертовская «Неоконченная симфония». Квинтет Ля мажор «Форель» Квинтет «Форель» (его иногда ещё называют  «Фореллен­квинтет») тоже, как и «Неоконченная  симфония», необычен с точки зрения формы. Он  состоит из пяти частей (а не из четырёх, как это  принято), исполняется скрипкой, альтом,  виолончелью, контрабасом и фортепиано. В самую счастливую пору своей жизни написал  Шуберт этот квинтет. Шёл 1819 год. Вместе с  Фоглем композитор путешествует по Верхней  Австрии. Фогль, уроженец этих краев, щедро  «делится» ими с Шубертом. Но не только радость  узнавания новых мест и людей принесло Шубертуэто путешествие. Он впервые воочию убедился в  том, что его знают не только в Вене, в узком кругу  друзей. Что почти в каждом хоть немного  «музыкальном» доме есть рукописные копии его  песен. Собственная популярность не просто удивила его ­ она его ошеломила. В верхнеавстрийском городке Штейре Шуберт и  Фогль повстречали страстного почитателя  шубертовских песен, промышленника Сильвестра  Паумгартнера. Ещё и ещё раз просил он друзей  исполнить для него песню «Форель». Он мог  слушать её бесконечно. Для него­то Шуберт (больше всего на свете любивший доставлять радость людям) и написал «Фореллен­квинтет», в четвёртой части  которого звучит мелодия песни «Форель». В квинтете бурлит, переливаясь через край, молодая энергия. Порывистые мечты сменяются грустью,грусть вновь уступает место мечтам, звонкому  счастью бытия, которое только и возможно в  двадцать два года. Тема четвертой части, простая,  почти наивная, грациозно ведомая скрипкой,  расплескивается множеством вариаций. А  завершается «Форель» безудержным, искрящимся  танцем, навеянным Шуберту, вероятно, танцами  верхнеавстрийских крестьян. «Аве Мария» Неземная красота этой музыки сделала молитву  Деве Марии наиболее популярным религиозным  сочинением Шуберта. Она принадлежит к числу  внецерковных романсов­молитв, созданных  композиторами­романтиками. В переложении для  голоса и хора мальчиков подчёркнута чистота и  невинность музыки.«Серенада» Настоящей жемчужиной вокальной лирики является «Серенада» Ф. Шуберта. Это произведение ­ одно из  самых светлых, мечтательных в творчестве  Шуберта. Мягкая танцевальная мелодия  сопровождается характерным ритмом,  подражающим звучанию гитары, ведь именно под  аккомпанемент гитары или мандолины пели  серенады прекрасным возлюбленным. Мелодия,  волнующая душу уже почти два столетия... Серенадами назывались произведения,  исполнявшиеся вечером или ночью на улице  (итальянское выражение «al sereno» означает она  открытом воздухе) перед домом того, кому серенада посвящается. Чаще всего ­ перед балконом  прекрасной дамы.Джордж Гершвин. Рапсодия в блюзовых тонах Джордж Гершвин стал настоящим воплощением американской мечты, поднявшись от положения  скромного иммигранта к вершинам славы и  богатства.      О чем рассказывает его музыка? О простых  людях, об их радостях и горестях, об их любви, об  их жизни.     Вот почему его музыка по­настоящему  национальна...    Д. Шостакович   Джордж ГершвинС именем американского композитора и пианиста  Дж. Гершвина связана одна из интереснейших глав  истории музыки. Становление и расцвет его  творчества совпали с «веком джаза» — так называл  эпоху 20­30­х гг. XX в. в США крупнейший  американский писатель С. Фитцджеральд. Это  искусство оказало основополагающее влияние на  композитора, который стремился выразить в музыке  дух своего времени, характерные черты жизни  американского народа. Гершвин считал джаз  народной музыкой. «Я слышу в нем музыкальный  калейдоскоп Америки — наш огромный бурлящий  котел, наш... национальный жизненный пульс, наши  песни...» — писал композитор. Джордж Гершвин родился в Нью­Йорке в 1898 году  в семье еврейских эмигрантов из России. Настоящие имя и фамилия композитора ­ Янкель Гершовиц.Его детство прошло в одном из районов города —  Ист­Сайде, где его отец был владельцем небольшого ресторана. Озорной и шумный, отчаянно  проказничавший в компании своих сверстников,  Джордж не давал родителям повода считать себя  музыкально одаренным ребенком. Все изменила  покупка пианино для старшего брата. Редкие уроки  музыки у различных учителей и, главное,  самостоятельные многочасовые занятия  импровизацией определили окончательный выбор  Гершвина. Гершвин не получил систематического  музыкального образования и всем своим  достижениям в области композиции он в основном  обязан самообразованию и требовательности к себе в сочетании с неуемным интересом к крупнейшим  музыкальным явлениям своего времени. Будучи ужевсемирно известным композитором, он не стеснялся  обращаться с просьбами о занятиях композицией и  инструментовкой к М. Равелю, И. Стравинскому, А.  Шенбергу. В 16 лет Джордж стал штатным пианистом в  издательстве Ремика, «рекламируя» новые песни на  знаменитой улице в Нью­Йорке, где располагалась  группа нотных издательств, которую окрестили  «Тин Пен Элли». Он также начал писать  собственные песни и к 1917 году был готов  двигаться дальше.   Стечение обстоятельств Его первый большой успех случился в 1919 году.  Гершвин работал на постановке мюзикла «Ла­ла,  Люсиль!» и вместе с поэтом­песенником ИрвингомЦезаром написал песню «Swanee» («Суони»).  Исполненная великим Элом Джолсоном, она стала  шлягером. К началу 1920­х годов Гершвин был  восходящей звездой среди композиторов  бродвейских мюзиклов. Он продолжал свое  музыкальное образование, оттачивал мастерство как пианист и никогда не боялся пробовать что­то  новое. Случай преставился в 1924 году, когда  дирижер джаз­оркестра Пол Уайтмен попросил его  написать произведение для фортепиано с оркестром  – «Рапсодию в блюзовых тонах». Она стала  настоящей сенсацией.   Невиданный успех В 1930­е годы карьера Джорджа Гершвина могла  считаться одной из величайших историй успеха ХХ  века. В основном работая со своим братом,талантливым поэтом­песенником Айрой, он стоял  плечом к плечу с Ирвингом Берлином, Джеромом  Керном и Коулом Портером сочиняя музыкальные  шоу для Бродвейской сцены и Голливуда. Он также пополнил список своих инструментальных  сочинений Фортепианным концертом фа мажор и мечтательной поэмой «Американец в Париже». Его  пианизм удивлял талантливейших композиторов ­  Равеля и Прокофьева, Стравинского и Шёнберга.  Гершвина чествовали во время частых визитов в  Европу, где многие из его музыкальных постановок  пользовались таким же успехом. В 1935 году он  закрепил свою популярность оперой «Порги и Бесс».   Трагичный финал В 1937 году Джордж и Айра вернулись в Голливуд  работать над экранизацией еще двух мюзиклов, где вглавной роли выступал их старый друг Фред Астер.  Внезапно у Джорджа начались головокружения и  головные боли, несколько раз он падал в обморок. У  него обнаружились симптомы опухоли головного  мозга, композитор перенес операцию, но было уж  слишком поздно. Джордж Гершвин умер в июле того же года, не дожив до своего 39­го дня рождения.  Айра продолжил свою карьеру в музыкальном  театре и кино и прожил до 1983 года.   «Рапсодия в блюзовых тонах» Однажды Гершвин случайно прочитал в газете, что  по заказу Уайтмена работает над джазовым  концертом, хотя на самом деле даже не собирался  писать подобное произведение. Решив, что это  ошибка, он позвонил своему «шефу» и выяснил, что  тот действительно внес еще несуществующеесочинение в программу предстоящего концерта, где  авторитетные музыкальные критики на основе  прослушанного должны были ответить на  животрепещущий вопрос «что есть американская  музыка?». Гершвину не оставалось ничего, кроме  как согласиться. Так родилась «Рапсодия в стиле блюз» («Rhapsody  in Blue»), в названии которой обыгрываются два  значения английского слова «Ыuе» лирическая  песня (блюз) и голубой цвет. Композитор вспоминал о создании «Рапсодии»:  «Внезапно мне пришла в голову идея. Так много  болтали об ограниченности джаза, так неверно  понимали его функцию. Принято считать, что джаз  должен звучать в одном темпе и основываться  только на танцевальных ритмах. Я решил, насколько  возможно, разбить эту ошибочную концепцию одним