Урок: Подвиг во имя свободы. Л. Бетховен. Увертюра «Эгмонт»

Подвиг во имя свободы. Л. Бетховен. Увертюра  «Эгмонт» Содержание: 1. Пафос революционной борьбы в увертюре Л.  Бетховена «Эгмонт». 2. Автобиографические мотивы в этом произведении. Музыкальный материал: 1. Л. Бетховен. Увертюра «Эгмонт» (слушание); 2. В. Высоцкий. «Песня о друге» из кинофильма  «Вертикаль» (пение). Характеристика видов деятельности: 1. Воспринимать и оценивать музыкальные  произведения с точки зрения единства содержания и  формы.2. Выявлять круг музыкальных образов в различных  музыкальных произведениях. 3. Анализировать и сравнивать приёмы развития  музыкальных образов в произведениях одинаковых  жанров и форм. 4. Воспринимать особенности интонационного и  драматургического развития в произведениях сложных форм. 5. Исследовать многообразие форм построения  музыкальных произведений (сонатная форма). 6. Узнавать по характерным признакам (интонации,  мелодии, гармонии, ритму, динамике) музыку  отдельных выдающихся композиторов (Л. Бетховена). «Лишь тот достоин счастья и свободы, Кто каждый день за них идёт на бой…» И. В. ГётеСудьба, подобно другим вечным темам искусства, по­ разному воплощалась в выдающихся произведениях.  Невозможность принять её жестокие условия породила  глубоко трагические сюжеты, где соседствуют любовь  как стремление к свободе и смерть как расплата за это  стремление. Но в искусстве представлены и другие способы  противостояния судьбе. Вспомним, например, Людвига  ван Бетховена, чья музыка явилась выражением  могучей силы его личности. Много жизненных  испытаний выпало на долю этого великого музыканта,  всё творчество которого – потрясающая по мужеству  летопись борьбы и противостояния злой воле  обстоятельств. Да и каждое отдельное произведение  этого великого композитора является свидетельством  стойкости духа перед невзгодами жизни.С именем немецкого композитора Людвига ван  Бетховена связано рождение нового симфонического  жанра – программной увертюры. Увертюра – это  музыка, которая открывает оперу, драматический  спектакль, кинофильм. Созданные как музыкальные  вступления к театральным спектаклям, увертюры  Бетховена обрели жизнь самостоятельных  симфонических произведений. Именно Бетховен доказал возможность существования  одночастного оркестрового сочинения, способного по  глубине идеи, по насыщенности содержания  соперничать с многочастной симфонией. Бетховенские  увертюры представляют собой лаконичные  инструментальные драмы, «маленькие трагедии».  Во всём мире хорошо известна увертюра Бетховена к  трагедии Гёте «Эгмонт».Темой трагедии послужила борьба народа Нидерландов (современной Голландии) за независимость против  испанского владычества в XVI веке.  Граф Эгмонт возглавил восстание, которое было  жестоко подавлено испанским правителем герцогом  Альбой, а Эгмонт был брошен в тюрьму и приговорён к  смерти. Его возлюбленная Клерхен, девушка из народа,  призывает горожан к восстанию. Отчаявшись спасти  Эгмонта, она погибает. Увертюра усиливает драматическое состояние,  переданное в произведении Гёте. Пожалуй, наиболее  точно музыка отражает последние слова Эгмонта перед казнью: «О храбрый мой народ! Богиня победы летит впереди!  Как море, что твои плотины сокрушает, круши и тытиранов злобных крепость! Топите их, гоните вон с  несправедливо захваченной земли!.. Чу! Слышишь? Как часто эти звуки призывали меня на  поле битвы и побед. Как бодро ступали мои соратники  по стезе опасной доблести! Теперь и я выхожу из  темницы навстречу почётной смерти. Я умираю за  свободу. Для неё я жил, за неё боролся, и ей в  страданьях я приношу себя в жертву». Звуки музыки Увертюра «Эгмонт» Бетховена сочинена в сонатной  форме, развитие музыки в которой близко развитию  действия в драматическом спектакле. Монолитность формы в увертюре «Эгмонт» сочетается  с ясным ощущением отдельных разделов, которые  можно уподобить отдельным актам драмы. I ­ Медленное вступление ­ завязка драмы.II ­ Быстрая часть ­ активное драматическое действие,  завершающееся трагической кульминацией. III ­ Кода ­ триумф, торжество победы.  Открывается увертюра зловеще­торжественным  вступлением. В основе первой темы – ритм старинного  испанского танца сарабанды. Мощная, суровая,  гнетущая «поступь» аккордов струнных инструментов  воплощает идею власти. Создаёт образ жестоких  завоевателей.  Контрастом к первой теме вступления звучит одинокая мелодия деревянных духовых инструментов, которая  напоминает плач, стенания.  Из второй темы вступления постепенно рождается  страстная тема борьбы, героического порыва. С это  темы начинается экспозиция увертюры.Во второй теме экспозиции чередуются интонации  обеих тем: ритм сарабанды, сохраняющий своё  зловещее звучание, и интонации вздоха, горя, народного страдания. Этот острый конфликт лежит в основе  симфонического развития увертюры. Две темы экспозиции рисуют главные образы трагедии.  К чему приведёт их взаимодействие, можно узнать из  следующего раздела увертюры – разработки. Борьба обостряется: многократное повторение начала  главной партии каждый раз завершается двумя  отрывистыми и резкими аккордами ­ как будто на  робкие просьбы следует неумолимый и жестокий ответ. В конце репризы тема сарабанды (испанских  поработителей) звучит особенно непреклонно, а тема  народа ­ особенно умоляюще (повторяющаяся  интонация из двух ниспадающих звуков). И  неожиданный обрыв (контраст динамики, остановкадвижения, медленно тянущиеся, застывшие аккорды)  как бы возвещает о гибели героя. Развитие музыки приводит к трагическому перелому –  гибели героя и вслед за этим – к напряжённому  бурному нарастанию, завершающемуся мощным  взрывом радостного ликования.  Яркая, мажорная, огненная, торжественная музыка  коды звучит как «победная симфония», прославляющая героизм и самопожертвование во имя свободы. Так  Бетховен прочёл сюжет трагедии: через смерть героя –  к вольности, к свободе народа. Послушайте симфоническую увертюру Бетховена  «Эгмонт» и попробуйте определить многогранное  образное содержание этого выдающегося произведения. Вопросы и задания:1. Какие важные свойства личности Л. Бетховена  воплощены в музыке увертюры «Эгмонт»? 2. Почему замысел увертюры композитор воплотил в  сонатной форме? 3. 4. Какова роль музыкального вступления? Что  выражает заключительный раздел – кода? Какое из слов (словосочетаний), приведённых ниже, наиболее точно отражает характер взаимодействия  главной и побочной партий? Обоснуйте ваш ответ. Слова для справок: взаимодействие, контраст, две  грани одного образа. 5. Образу какого раздела увертюры в большей степени соответствует образ картины Л. Галле «Последние  минуты графа Эгмонта»?6. В чём вы видите черты сходства и отличия двух  музыкальный произведений – П. Чайковского «Ромео и Джульетта» и увертюры Л. Бетховена «Эгмонт»? «Мелодией одной звучат печаль и радость…» Содержание: 1. Изменчивость музыкальных настроений и образов ­  характерная особенность музыкальных произведений. 2. Сравнение характеров частей в произведении  крупной формы ­ Концерта № 23 для фортепиано с  оркестром В. А. Моцарта. Музыкальный материал:1. В. А. Моцарт. Концерт № 23 для фортепиано с  оркестром (слушание); Б. Окуджава. Песня о Моцарте (пение). 2. Характеристика видов деятельности: 1. Выявлять круг музыкальных образов в  произведениях крупных форм. 2. Воспринимать и сравнивать особенности  музыкального языка в произведениях (частях  произведения) разного смыслового и эмоционального  содержания. 3. Узнавать по характерным признакам (интонации,  мелодии, гармонии) музыку отдельных выдающихся  композиторов (В. А. Моцарта). Обращение к народно­песенной традиции, наиболее  полно передающей радостные настроения в музыке,  глубоко закономерно. Но не только народная музыказнает эти состояния чистой радости, ничем не  замутнённого веселья, когда мир кажется вечно юным,  беспечным и лучезарным. Вспомним светлые страницы  произведений Баха и Моцарта, Шуберта и Грига...  Однако атмосфера радости, присутствующая во многих великих произведениях, редко бывает только  безоблачной; скорее, радость присутствует в них как  сила, одержавшая верх над тревожным или тёмным  началом, над грустью или сомнениями.  Сравните, например, характер частей одного из самых  радостных произведений мировой музыкальной  культуры, созданного Моцартом (вспомним, что  именно этого композитора называли «сыном солнца» за  тот необыкновенный свет, что излучает его музыка). Как и все концерты, Двадцать третий ля мажор для  фортепиано с оркестром состоит из трёх частей.Первые же такты погружают нас в стихию грациозной  весёлости, такой своеобразно­неповторимой у  Моцарта. Что слышится нам в этой музыке? Спокойная и светлая радость, выражаемая то в певучей линии мелодии, то в лёгком ощущении танцевальности,  такой милой, непринуждённой, такой по­детски  чистой...  Все части концерта прекрасны, но жемчужина среди  них – вторая. Она разительно контрастирует с  радостными крайними частями. Начало II части звучит трогательно и грустно, тема  пленяет своей щемящей нежностью, печальной,  певучей, бесконечно прекрасной. Откуда такая грусть? Новое ли это настроение в  музыке концерта, лишь оттеняющее весёлость  предыдущей части?Прослушав Адажио, мы уже по­новому воспринимаем  характер I части. Так ли она безмятежна, как можно  было предположить по звучанию первых тактов? И,  возвращаясь к этой музыке, мы ещё раз убеждаемся,  что безоблачные состояния в ней крайне редки, как  редки они в настроениях и чувствах людей. Недаром  многие музыканты признавали Моцарта великим  художником реального живого человека со всеми его  мечтаниями, противоречиями, сомнениями.  И всё же финал концерта снова возвращает нас к  ощущению радости и света. Однако та ли это радость, что звучала в музыке I части? Можем ли мы снова охарактеризовать её словами  «непринуждённая, по­детски чистая»? Наверное, точнее было бы всё же сказать о новой  радости ­ радости, познавшей тревоги и невзгоды,преодолевшей их и возносящей смысл произведения на  новую высоту торжествующего света. Так даже в рамках одного произведения мы видим  столь различные нюансы одного эмоционального  состояния. Жанр инструментального концерта был необычайно  востребованным культурой XVIII века. Публика того  времени ценила всё театрально­зрелищное, броское,  блестящее, а именно эти качества заложены в  самой природе концертного жанра: термин  «концерт» происходит от латинского concerto ­  «состязаться». В творчестве Моцарта концерт  занимал особое место. Моцарту было лишь одиннадцать лет, когда он  сочинил свой первый концерт для фортепиано с  оркестром. Всего его перу принадлежит двадцать  семь сочинений в этом жанре.Моцарт синтезировал искания своих  непосредственных предшественников и в своём  творчестве довёл жанр концерта до классического  совершенства: установил классическую  последовательность и значение частей концерта: I ч. ­ сонатное allegro с двойной экспозицией. Первая  экспозиция ­ чисто оркестровая, вторая ­ с участием солиста. В тональном отношении первая,  оркестровая экспозиция напоминает, скорее,  сонатную репризу, поскольку все темы, в том числе  побочная, обычно проходят в ней в главной  тональности. Кроме двойной экспозиции в  концертной сонатной форме имеется виртуозное  соло ­ каденция. В каденции, когда оркестр замолкал, солист давал полную волю своей фантазии и  демонстрировал всё, на что был способен. Каденции  обычно импровизировались или, по крайней мере,сочинялись самим исполнителем. Однако,  существующие авторские каденции Моцарта  (сохранились 36 каденций к 14 концертам) были  записаны им для исполнителей. II ч. ­ лирический центр всей композиции, где  наиболее полно представлена инструментальная  кантилена, воспринятая концертным жанром у  итальянской оперы; III ч. ­ быстрый жанровый финал, написанный, как  правило, в форме рондо­сонаты. Концерт № 23 был написан в 1786 году в дни  Великого поста, когда спектакли и подобные им  развлечения запрещались, но публика всё равно  желала слушать музыку, поэтому концертная  жизнь в этот период резко активизировалась.  Моцарт, целенаправленно добившийся репутации  лучшего в Вене пианиста, не мог упустить такоймомент. При жизни Моцарта этот концерт не издавался, его впервые напечатали в Лейпциге уже в XIX столетии. Вопросы и задания: 1. Одно из значительных мест в творчестве Моцарта, а также в истории жанра занимают концерты для  различных инструментов в сопровождении оркестра.  Для какого солирующего инструмента написан  Концерт № 23? 2. Что вы знаете о таком жанре инструментальной  музыки, как концерт? Какова особенность этого  жанра? 3. Чем сольный концерт отличается от кончерто  гроссо? 4. Что, по­вашему, чаще встречается в музыке: смена  настроений или их одновременное выражение?Обоснуйте ваш ответ на примере Концерта № 23 В. А.  Моцарта. Назовите другие музыкальные произведения, в которых соседствуют различные настроения.Образы радости в музыке Содержание: 1. музыке. Воплощение эмоционального мира человека в  2. Многообразие светлых и радостных музыкальных  образов. 3. Безраздельная радость и веселье в Хороводной  песне Садко (из оперы Н. Римского­Корсакова  «Садко»). Музыкальный материал: 1. М. Глинка. «Камаринская». Фантазия на две  русские темы; 2. Р. Щедрин. Концерт для оркестра № 1. «Озорные  частушки»;3. Н. Римский­Корсаков. Хороводная песня Садко  «Заиграйте мои гусельки» из оперы «Садко»  (слушание); 4. В. А. Моцарт, русский текст А. Мурина. «Слава  солнцу, слава миру» (пение). Характеристика видов деятельности: 1. Осознавать и рассказывать о влиянии музыки на  человека. 2. Выявлять возможности эмоционального  воздействия музыки на человека. 3. Осознавать интонационно­образные, жанровые и  стилевые особенности музыки. В аттическую форму заключён Безмолвный, многоликий мир страстей, Мужей отвага, прелесть юных жён И свежесть благодатная ветвей.Века переживёшь ты не спроста. Когда мы сгинем в будущем, как дым, И снова скорбь людскую ранит грудь, Ты скажешь поколениям иным: «В прекрасном ­ правда, в правде ­ красота. Вот знания земного смысл и суть…» Дж. Китс (английский поэт) Человек с его мечтами, стремлениями, с тёмными и  светлыми сторонами, человек любящий и страдающий,  способный и на величие, и на малодушие ­ все эти  проблемы из века в век по­своему претворялись в  музыкальном искусстве. Ведь музыка изначально  возникла как выражение эмоционального мира  человека, мира вечно изменчивого, подвижного,  незримо живущего в каждом из нас от рождения до  конца жизни.Словно невидимыми токами пронизано бытие нашими  чувствами, сокровенными, скрытыми от постороннего  наблюдения, порой тщательно оберегаемыми. Но как  же бывает иногда необходимо выбраться из самого  себя, ощутить свою сопричастность с миром других  людей, почувствовать себя частью этого мира! Ты одна разрыть умеешь То, что так погребено,­ писала Анна Ахматова в стихотворении «Музыка». И действительно, музыка, пробуждающая и  понимающая нас, помогает хотя бы ненадолго  преодолеть эти оковы одиночества, в которых мы  пребываем наедине со своими восприятиями,  волнениями и надеждами. В ней узнаём мы свои  затаённые мысли, сны, фантазии, печали и радости,  узнаём, что и другие люди во все времена думали и  волновались о тех же вещах, что и мы.Музыке доступна передача не просто отвлечённых  чувств, не абстрактной «радости» или абстрактной  «печали», она говорит живым языком о малейших  оттенках радости и печали, какие и в нашей жизни  бывают такими многообразными! Если обратиться к светлым и радостным образам в  музыке, то мы найдём здесь разнообразную палитру  всевозможных состояний, какую, пожалуй, не  встретишь ни в одном другом искусстве. Уже в  народном творчестве – самой древней форме музыки ­  есть такие песни и танцы, шутливый и озорной характер которых способен рассмешить самого серьёзного  человека. «Ноги сами в пляс пустились» ­ это  выражение точно передаёт состояние человека,  охваченного стихией зажигательной музыки,  воздействующей помимо его желания. Не случайно  композиторы всех времён так охотно включали в своипроизведения весёлые народные песни и пляски, не  только оживляющие звучание их собственной музыки,  но и создающие эффект подлинного, живого,  достоверного веселья. Самым известным симфоническим произведением  Михаила Ивановича Глинки является его гениальная  «Камаринская» ­  фантазия на две русские темы. Это  сочинение стало новым словом в русской музыке. В ней композитор использовал песню для создания  произведения, рисующего разные стороны народной  жизни и народного характера. Но это не просто  картинка русского деревенского быта. Здесь раскрыто  богатство творческой фантазии народа. «Камаринская» ­ это вариации на темы двух русских  народных песен (эта форма называется двойными  вариациями). Первая песня ­ напевная, задумчиваясвадебная песня «Из­за гор, гор высоких», вторая ­  весёлая оживлённая плясовая «Камаринская». Интересно использует здесь Глинка инструменты  симфонического оркестра. Особенно струнные,  которые звучат то как голоса невидимого хора, то  лёгким пиццикато подражают балалайке. А духовые  деревянные звучат как наигрыши свирели. Родион Щедрин в «Озорных частушках» использовал  подлинные мелодии частушек, записанных в разных  уголках России ­ на Урале, в Рязани, Пинеже, Сибири.  Духу частушек, которые поются по очереди, очень  подходит форма концерта­соревнования, где  поочерёдно солируют все инструменты, как бы  «выхваляясь» друг перед другом, как на деревенском  песенном турнире. Композитор не зря назвал эти  частушки «озорными». В них ярко проявились  композиторская изобретательность и юмор.Препарированное фортепиано подражает  сопровождению на гармонике или балалайке, тембры  инструментов передают задиристую разноголосицу  участников веселья, которые стараются друг друга  перекричать. В общем, инструментальный концерт  превращается в театрализованное действие с живыми  персонажами, народным говором, полным лукавства и  юмора. Подготовленное фортепиано (или препарированное  фортепиано) ­ фортепиано, звук которого создаётся с  помощью различных предметов, которые помещаются  на или между струнами, или же на молоточки; в  результате фортепианное звучание совмещается с  перкуссионным, создавая особый неповторимый звук. В опере Н. Римского­Корсакова «Садко», одной из  важных идей которой является всепокоряющая власть  искусства, песни Садко становятся не простохарактеристикой главного героя, но той могучей силой, которая покоряет даже холодное и чуждое земным  радостям царство Морского царя. За эти песни  полюбила Садко прекрасная сказочная Морская  царевна; под его весёлый гусельный наигрыш пускается в пляс всё подводное царство. Искусство Садко­гусляра неотразимо воздействует  даже на силы природы, которые он укрощает,  подчиняет своей воле. Причём сам он поёт и играет на  гуслях так, как искони века поёт и играет народ, об  этом говорит сама музыка ­ яркая, красочная, очень  близкая к народной. А иногда и подлинно народная… Вопросы и задания: 1. Что представляет собой «Камаринская» М.  Глинки?2. 3. 4. Какие приёмы развития, идущие от народной  музыки, использовал в «Камаринской» композитор? В каком произведении отразился интерес Р.  Щедрина к жанру народной музыки, не  востребованному серьёзными композиторами? В чём оригинальность этого произведения? Какие  особенности симфонического письма вы можете  отметить? 5. Почему о музыке часто говорят, что это «язык  человеческих чувств»? 6. Помните ли вы случай, когда музыка оказывала на  вас влияние помимо вашей воли? Какая это была  музыка? Расскажите об этом.Весна священная. Языческая Русь в балете  И. Стравинского Начало ХХ века, века социальных и индустриальных  революций, машин, автоматов и роботов,ознаменовалось появлением огромного числа  выдающихся музыкальных произведений, по­новому  творивших свои возвышенные сказки и мифы, вопреки  всему, что происходило вокруг. «Кащей Бессмертный» и «Золотой петушок» Н.  Римского­Корсакова, «Баба Яга» и «Волшебное озеро»  А. Лядова, «Жар­птица» и «Весна священная» И.  Стравинского, «Замок Синей Бороды» Б. Бартока,  «Дафнис и Хлоя» М. Равеля ­ вот далеко не полный  перечень произведений, определивших музыкальное  направление первой четверти ХХ столетия. Отчего же в те годы появились именно такие  произведения, на первый взгляд, столь очевидно  несозвучные характеру эпохи? Некоторые музыканты  склонны объяснять это «духом бегства», во все времена свойственным творческим людям, не желающим  мириться с рутиной и обыденностью, с мертвящейскукой повседневности. «Крыльев! Чтобы воспарить  над горами, долами, над жизнью и смертью, над всем!» ­ эти слова одного из романсов Р. Шумана могли бы  стать девизом для многочисленных художников, не  желающих подчиняться тискам и оковам своего  времени. Однако есть и более глубокие причины, побуждающие  музыкантов пускаться в дальние странствия ­ по векам  и эпохам, по мирам сказочных фантазий и волшебных  превращений, ­ в поисках источника вечной мудрости и  красоты. Ведь искусство, это дитя богини Памяти,  неподвластно течению веков, не знает границ в  преодолении пространств и времён. Рождаясь в  условиях своего века, оно несёт ему знания и опыт  веков прошедших. И нередко бывает так, что опыт  давно отшумевших эпох поразительным образомспособен объяснять смысл самых современных событий и даже помогает предугадывать будущее. «В будущее мы входим, оглядываясь на прошлое»,  говорил французский поэт ХХ века Поль Валери,  подчёркивая непреходящее значение истин, которые  никогда не станут старыми, бесконечно возрождаясь в  каждом новом поколении. И в обращении музыкантов к глубинным пластам  культурной памяти, не угадывается ли стремление ещё  раз понять человека, его сокровенную природу ­  стремление, особенно понятное в эпохи больших  потрясений, переломов и распутий? Одним из произведений, созданных в переломное время начала ХХ века (1913 год), был балет И. Стравинского  «Весна священная». «Весна священная» ­ образ языческой Руси с её  весенними гаданиями, девичьими хороводами, культомЗемли, жертвоприношением в честь богини Весны. В  балете необыкновенно сильна и выразительна могучая  стихия ритма ­ этого первоначала музыки, восходящего к глубинным свойствам человеческой природы. Культ танца, идея танца как символа энергии жизни  вообще характерны для того времени, отмеченного  необыкновенным триумфом балетного жанра  (вспомним «Русские сезоны» в Париже с их серией  превосходных балетных постановок). Именно в рамках «Русских сезонов» и была исполнена  «Весна священная». Её замысел заключается в том,  чтобы средствами музыки ­ тембров, гармоний, но  прежде всего ритма показать извечное соотношение  природных, стихийных сил жизни, из которых  произрастает все: цветение весны, радость, любовь, ­ и  законов древнего порядка. Этот порядок,  подчёркнутый ритуальным началом балета, исподволь«разрастается» в его музыке, подчиняя себе гармонию,  внося размеренность в стихийную необузданность  ритма и, в конце концов, покоряя человеческие порывы  и страсти. И вот что удивительно: этот балет, столь необычный по тематике, такой далёкий от интересов европейского  искусства (создавался и исполнялся он в Париже), от  социальных потрясений своего времени, стал  подлинным художественным взрывом. Французский  публицист Жан Кокто назвал «Весну священную»  шедевром, «симфонией, исполненной дикой печали,  запечатлевшей землю в состоянии произрастания, шумы древних хижин и становищ, напевы, идущие из глубины  веков, прерывистое дыхание скота, глубокие  потрясения». Возможно, что в этой обращённости к вечным истинам ­ истине природы, истине древних законов, даннымсквозь призму музыкального звучания современности, и заключён секрет необыкновенной актуальности данного произведения. Ведь ничто не меняется в мире людей: те же силы движут побуждениями, что и тысячи лет назад, и те же оковы древних обычаев противостоят этим  слепым и могучим силам. Так традиция становится синонимом власти вечного. И может быть, умение увидеть это вечное, чувствовать  его дыхание в обычных, никем не замечаемых явлениях, именно и отличает истинного художника, чьё  творчество находится как будто вне своего времени,  его злободневных событий и проблем. Стравинский Стравинский родился в Российской империи, жил во  Франции, а позже – в Америке. В своей музыкекомпозитор блестяще отразил важнейшие черты  стремительно меняющейся эпохи. Стравинский родился в Ораниенбауме (сейчас это г.  Ломоносов), недалеко от Санкт­Петербурга, где его  отец Фёдор Игнатьевич был ведущим солистом  Мариинской оперы. Прежде чем стать учеником  композитора Николая Римского­Корсакова, Игорь  учился на юридическом факультете. Новый период в  его жизни начался в 1909 году, когда российский  импресарио Сергей Дягилев предложил ему сочинить  музыку для нового балета «Жар­птица». В результате  этого сотрудничества на свет появились ещё два балета («Петрушка» и «Весна священная»), благодаря  которым Стравинский стал знаменитым. Период волнений Премьеры балетов состоялись в Париже. Стравинский  был там со своей женой и тремя детьми, когдавспыхнула мировая война. Не имея возможности  возвратиться в Россию, он со своей семьёй вынужден  был обосноваться в Швейцарии. Дягилевская труппа  распалась во время войны, рассчитывать на крупные  постановки было невозможно, поэтому Стравинский  обратился к малым музыкальным формам. Послевоенные годы Конец войны совпал с началом «джазовой эры», а в  музыке появился так называемый стиль  неоклассицизма. Ответом Стравинского на новые  тенденции были такие произведения, как балет  «Пульчинелла», в котором автор обращался к музыке  XIX века, и опера­оратория «Царь Эдип», отсылающая  нас к древнегреческой трагедии. В 1930 году  Стравинский написал свою вдохновенную «Симфонию  псалмов» для Бостонского симфонического оркестра, а в 1939 году обосновался в США, став американскимгражданином. Творчески Стравинский был  разносторонен, как и прежде. Он создал такие  непохожие друг на друга произведения, как «Эбеновый  концерт», написанный для джазового кларнетиста и  дирижёра джаз­оркестра Вуди Германа, и опера  «Похождения повесы», вдохновлённая гравюрами  английского художника XVIII века Уильяма Хогарта.  Кроме того, Стравинский обращался к «серийной  технике», или «технике композиции с 12 тонами»,  введённой впервые венским композитором Арнольдом  Шёнбергом (также эмигрировавшим в Америку). Международное признание В 1962 году Стравинский торжественно вернулся в  Россию, для того, чтобы продирижировать рядом  концертов, состоящих из его собственных сочинений.  Он продолжал путешествовать по миру, дирижируя и  записывая свою музыку почти до самой смерти в Нью­Йорке в 1971 году. Его тело перевезли в Венецию,  чтобы похоронить на кладбище Сан­Микеле (недалеко  от могилы Дягилева – человека, открывшего его миру  много лет назад). Весна священная «Весна священная» ­ произведение дикое и  захватывающее – вершина так называемого  «русского» периода Стравинского  29 мая 1913 года является памятной датой в истории  музыки. Она отмечена премьерой в Париже балета  «Весна священная» («Le sacre du printemps»). Это  третий балет Стравинского, написанный для Дягилева. Дягилев, обладавший безошибочным музыкальным  чутьём, заинтересовался произведением.  Заинтересовался необычным сочинением и другСтравинского, художник Николай Рерих,­ он  осуществил сценографию для представления. Рерих был также страстным археологом и знатоком  обрядов древних славян. Он подготовил подробное  описание некоторых обрядов, высланное затем  Дягилеву: «В балете «Весна священная», как решили  мы со Стравинским, моей целью является  представление нескольких сцен,  в коих показана  земная радость славян и их поклонение языческим  божествам». Новизна, сложность и порой неистовство музыки  спровоцировало тогда неслыханные беспорядки среди  публики, и даже во время репетиций оркестр  жаловался, что музыку невозможно исполнять. Успех балета был поистине скандальным в  музыкальной истории XX столетия: с овациями,  переходящими в драку, и вмешательством полиции. Вскандале, вспыхнувшем в вечер премьеры, поначалу  винили Стравинского, но музыка «Весны» была  реабилитирована,  когда, исполненная в  симфоническом концерте, она вызвала овации. Позже  один из критиков писал: «Парижская премьера «Весны  священной» вспоминается как что­то очень  значительное,  как битва под Ватерлоо, как первый  полет воздушного шара». Жертвенное приношение Стравинский говорил, что был вдохновлён русской  весной, которая внезапно взламывает лёд и плавит снег  после долгой зимы. В священном благодарении за  возвращение весны старцы садятся и наблюдают, как  молодая девушка танцует, доходя до исступления, тем  самым принося себя в жертву богам.Первобытная и стихийная хореография Вацлава  Нижинского отлично соответствовала необузданной  мощи музыки Стравинского, столь далёкой от изящного классического балета, к которому привыкли парижские зрители. Союз этих двух революционных творческих  сил вызвал испуг. Краткое содержание Авторы либретто ­ И. Ф. Стравинский, Н. К. Рерих. Действующие лица: Старейший­Мудрейший; Старцы ­ человечьи праотцы; Девушка­обречённая; Девушки; Юноши; Старухи.В первой картине являются юноши со старой, очень  старой старухой, возраст и век которой неизвестны,  которая знает все тайны природы и научает сынов  своих прорицаниям. Она бежит, нагнувшись над землёй. Юноши рядом с ней, как весенние вестники, которые  своими шагами обозначают ритм Весны, биение пульса  Весны. В это время спускаются с берега реки девушки  (Щеголихи). Они составляют венок, смешивающийся с  хороводом юношей (Вешние хороводы). Они  смешиваются, но в их ритме чувствуются катаклизмы  составляющихся групп. Группы юношей разделяются и начинают бороться. От  одной к другой перебегают борцы, которые ссорятся.  Это — определение сил борьбою, т. е. игрою (Игра двух городов). Но вот слышится близость шествия.Это приближается Старейший­Мудрейший, самый  старый из племени. Всеми овладевает ужас. И Мудрый  благословляет землю, упав ниц, распластав руки и ноги, сливаясь в одно с землёй (Поцелуй земли). Его  благословение, это — как знак освобождения ритма.  Все бегут, извиваясь, соединяясь в большие группы, как новые силы природы. Это — выплясывание Земли. Вторая картина (Великая жертва) начинается тусклой  игрой юношей. Вначале музыкальная прелюдия  основана на мистическом пении, под которое танцуют  девушки. Последние своими извиваниями обозначают  место, где будет замкнута и откуда уже не сможет  выйти Обречённая. Обречённая ­ это та, которую должна освятить Весна.  Это та, которая вернёт Весне силу, отнятую у неё  молодостью. Девушки танцуют вокруг Обречённой,  нечто вроде славления (Величание Избранной).Потом следует очищение Земли и взывание к праотцам.  И предки группируются вокруг Избранницы (Действо  Старцев ­ человечьих праотцов), которая начинает  танцевать Искупительный танец (Великая священная  пляска). Языческие образы Первая часть балета, «Поцелуй земли», открывается  холодным звучанием фагота в его самом высоком  регистре, рисуя суровый, дикий и пустынный пейзаж.  Постепенно подключается остальная часть огромного  оркестра, словно замороженная земля начинает  просыпаться и возвращаться к жизни. «Весенние гадания. Пляски щеголих» известны своими  взрывными ритмами, юноши и девушки деревни  начинают свой танец, в то время как отрывки мелодии  русской народной песни слышится сквозь гармонию.Стремительное движение струнных, позывные валторн  и труб и настойчивые барабанные удары изображают  «Игру умыкания», в которой юноши уводят с собой  избранных ими девушек. «Вешние хороводы» наполнены таинственной  ритуальной торжественностью, теперь танец идёт в  тяжёлом медленном движении. Целый оркестр,  кажется, рычит под аккомпанемент сокрушительных  ударов там­тама. Балет заканчивается священной  пляской избранницы, в диком трансе она танцует,  доводя себя до лихорадочного конца. Танец  останавливается ­ боги получили свою жертву. «Весна священная» отразила дальнейшие новаторские  искания Стравинского в области гармонии, оркестра и  ритмики, достигающей здесь небывалой ранее степени  сложности. В тематизме балета большое место  занимают краткие архаические народные попевки,становящиеся типичными для языка Стравинского в  ряде последующих произведений с национальной  тематикой. Найденные в «Весне священной» новые выразительные  средства оказали огромное влияние на развитие  европейской музыки ХХ столетия. В классическом мультфильме «Фантазия» Уолта  Диснея использована музыка из балета «Весна  священная». Она звучит на протяжении четырёх  последовательных эпизодов, изображающих создание  земли, развитие простых форм жизни, появление  динозавров и их вымирание. Хотя первый показ  мультфильма изначально не сопровождался огромным  успехом, сейчас он стал классикой. Вопросы и задания:1. 2. Было ли у вас когда­нибудь ощущение, что  окружающий мир природы одухотворён? Возможно ли, по­вашему, для современного  человека чувство слияния, единения с природой? 3. Можно ли считать балет И. Ф. Стравинского «Весна священная» музыкальной картиной языческой Руси и  почему? 4. Согласны ли вы с утверждением, что в «Весне  священной» необыкновенно сильна и выразительна  могучая стихия ритма? С чем это связано?«Благословляю вас, леса...» Содержание: 1. Романс П. Чайковского на стихи А. Толстого  «Благословляю вас, леса...» ­ гимн восторженного  единения человека и природы, человека и всего  человечества.Музыкальный материал: 1. П. Чайковский, стихи А. Толстого. «Благословляю  вас, леса...» (слушание). Художественный материал: 1. И. Шишкин. Репродукции картин. 2. А. Толстой. «Благословляю вас, леса...» (слушание). Характеристика видов деятельности: 1. Эмоционально воспринимать мифопоэтическое  творчество во всём его многообразии. 2. Осознавать интонационно­образные, жанровые,  стилевые особенности изучаемой музыки. 3. Воспринимать и оценивать музыкальные  произведения с точки зрения единства содержания и  средств выражения.4. Осознавать и рассказывать о влиянии музыки на  человека. 5. Понимать характерные особенности музыкального  языка. 6. Понимать характерные черты музыки П.  Чайковского. Благословляю вас, леса, Долины, нивы, горы, воды! Благословляю я свободу И голубые небеса! А. Толстой Музыке доступно чувство, знакомое каждому из нас,­  чувство всеобъемлющей, светлой, очищающей любви к  природе, любви чистой, бескорыстной, не требующей  никаких благ. Это чувство охватывает нас и в июльский полдень, когда, кажется, вся земля окутана медовым  запахом цветущего луга, и морозным зимним утром,когда в воздухе искрятся лёгкие снежинки, и в майские  сумерки, приносящие запах весенней расцветающей  земли... Рекомендуется просмотр репродукций картин И.  Шишкина (даны в презентации). И чувство любви ко всему миру, любви, разлитой  повсюду в природе, как будто возносит и нас в светлые  высоты этой всеобщей радости, в которой мы  прозреваем главный смысл бытия. Благословляю вас, леса, Долины, нивы, горы, воды! Благословляю я свободу И голубые небеса! И посох мой благословляю, И эту бедную суму, И степь от краю и до краю, И солнца свет, и ночи тьму,И одинокую тропинку, По коей, нищий, я иду, И в поле каждую былинку, И в небе каждую звезду! О, если б мог всю жизнь смешать я, Всю душу вместе с вами слить! О, если б мог в свои объятья Я вас, враги, друзья и братья, И всю природу заключить! Это стихотворение А. К. Толстого звучит как слава  высшей любви, на которую способен человек,­ любви ко всему живому, без различия своих, чужих, друзей,  недругов... И такое понимание любви, замечательно  выраженное поэтом, не является ли вечной темой  искусства, присутствующей уже в самых ранних его  формах? Природа ­ бесценный Божий дар: все времена,  все поколения несли ей свою благодарность...Множество поэтических произведений обрели новое  звучание благодаря тому, что их по­особому  прочитали, услышали композиторы. Лирические  стихотворения, например, часто становились основой  песен, романсов. Романс – это камерное (небольшое) вокальное  произведение для голоса с инструментом. В романсах  раскрываются чувства человека, его отношение к  жизни, природе. Передать различные эмоциональные переживания  композитору помогают особые средства музыкальной  выразительности. Мелодика, ритм, ладовая окраска,  форма, аккомпанемент ­ создают неповторимость  художественного образа, индивидуальность авторского  высказывания.П. И. Чайковский, прочтя это стихотворение,  признавался, что «неожиданно пролил много слёз», и  решил написать на него музыку, в которой выразил бы  то огромное состояние восторга и любви, которое так  поразило его самого.  Созданный композитором романс «Благословляю вас,  леса...» стал одним из самых светлых, самых  одухотворённых его произведений, в котором сила  поэтического слова и её музыкальное выражение  слились в единый светлый гимн великому, лучезарному, благостному началу, сотворившему этот сияющий мир. Простая и ясная декламационная мелодия вокальной  партии, прерываемая частыми паузами и остановками  движения, передаёт состояние человека, погруженного  в глубокие думы. Постепенно нарастающее светлое  чувство достигает ликующей силы в заключительной  (четвёртой) строфе, где высказана главная мысльпроизведения: «О, если б мог в свои объятья я вас,  враги, друзья и братья, и всю природу заключить!» Творчество художника Ивана Шишкина ­ это  восторженная ода, воспевающая эпическую красоту и  мощь русского леса. С именем Ивана Шишкина у зрителя связано  представление о неторопливом и величественном  повествовании о жизни русского бора, о дебрях лесной  глуши, напоенных запахом смолы и преющего  бурелома. Его огромные полотна были как бы обстоятельным  рассказом о жизни могучих корабельных рощ, тенистых дубрав и раздольных полей с клонящейся под ветром  спелой рожью. В этих рассказах художник не упускал  ни единой подробности и безупречно изображал всё:  возраст деревьев, их характер, почву, на которой они  растут, и как обнажаются корни на кромках песчаныхобрывов, и как лежат камни­валуны в чистых водах  лесного ручья, и как расположены пятна солнечного  света на зелёной траве­мураве... Со всех сторон обступают нас богатырские сосны и  исполинские замшелые ели с причудливо  изгибающимися ветвями. Всё на полотнах художника  заполнили многочисленные, любовно выписанные  приметы лесной жизни: вылезающие из­под земли  корни, огромные камни­валуны, обросшие мхом и  опятами пни, кусты и обломанные сучья, трава и  папоротники. Всё это до мельчайших подробностей  изучено, облюбовано и написано И. Шишкиным,  половину жизни проведшего в лесу и даже внешностью  своей напоминавшего старика­лесовика. Певец русского леса Иван Иванович Шишкин и сам был похож на могучего «лесовика»: высок ростом, широк в  плечах, громкоголос, энергичен, с руками большими исильными, взглядом быстрым и внимательным. Таков  он на портрете 1880 г. Работы его друга художника  Крамского. Творчество художника ­ это восторженная ода,  воспевающая эпическую красоту и мощь русского леса. Вопросы и задания: 1. Знакомо ли вам состояние, выраженное в  2. стихотворении А. К. Толстого «Благословляю вас,  леса...» и одноименном романсе П. И. Чайковского? Когда, по­вашему, такое состояние приходит к  человеку: под влиянием красоты природы или это  внутренний порыв души? 3. Назовите другие музыкальные произведения,  которые, по­вашему, созвучны настроению этого  романса.Мир духовной музыки Содержание: 1. Мир красоты и гармонии в духовной музыке. 2. Великие композиторы ­ авторы духовных  сочинений. 3. Роль гармонии и фактуры в создании  художественного образа хора М. Глинки  «Херувимская песнь». Музыкальный материал: 1. М. Глинка. Херувимская песнь (слушание); 2. Д. Бортнянский. Тебе поём. Из «Трёхголосной  литургии» (пение); 3. Гимн «Достойно есть». Русское песнопение (пение).Характеристика видов деятельности: 1. Понимать значение духовной музыки в сохранении  и развитии общей культуры народа. 2. Эмоционально воспринимать духовную музыку  русских композиторов. 3. Оценивать музыкальные произведения с позиции  красоты и правды. 4. Осознавать интонационно­образные, жанровые и  стилевые основы русской духовной музыки. 5. Осуществлять поиск музыкально­образовательной  информации в сети Интернет. Мне не дороги ваши дары, А мне дороги ваши души... (Голубиная книга) Среди вечных тем музыкального искусства есть одна,  которую даже трудно назвать «темой», так велико и таквсеобъемлюще её значение в музыке различных эпох.  Она связана с той частью человеческого существа,  которая во все века стремилась к свету и истине, к  высшему, нетленному, одухотворяющему всё лучшее,  что есть в мире: красоту природы, великое искусство,  добрые дела. Вера в людях не умирала никогда; это она двигала их  стремлениями возводить храмы, это она учила любить  своих ближних и заботиться о них. Совесть,  сострадание, со­радование ­ есть лучшие человеческие  качества, на деле, а не на словах выполняющие  завещанный нам закон: «Друг друга тяготы носите». И точно так же, как велика созидательная сила веры  для человека, для становления его личности, так же  велика она и для искусства с его извечным стремлением к гармонии и красоте.«Сам Бог говорил над моим ухом»,­ свидетельствовал  Бетховен, подобно многим и многим великим  художникам признававший, что сила, порождающая его  музыку, неизмеримо выше человека. «Каждый человек, ­ писал священник Александр Мень,  ­ даже если он не знает о Боге или отрицает Его – в  глубине души тянется к чему­то прекрасному,  совершенному, что даёт смысл жизни, перед чем можно преклоняться. Как свойственно людям дышать,  мыслить, чувствовать, так свойственно им и верить в  идеал. Убеждение в том, что есть нечто высшее, даёт  нам силы существовать». К этому обращены лучшие творения религиозной и  светской музыки – не только произведения, написанные для исполнения в церкви, где храмовое действо  усиливает воздействие слова и музыки, но и вокально­ драматическое творчество русских и зарубежныхкомпозиторов, с которыми мы встречаемся в  концертных залах. Если представить историю музыки как ряд великих  имён, то среди них трудно назвать композитора,  творчество которого не включало бы духовно­ музыкальных сочинений, то есть тех, что основаны на  образах и текстах Священного Писания (Библии). Бах,  Моцарт, Бетховен, Шуберт, Брамс, Верди; в России ­  Глинка, Мусоргский, Чайковский, Римский­Корсаков,  Рахманинов... Высочайшим достижением культового творчества М.  Глинки, да и всей русской церковной музыки второй  четверти XIX века остаётся его «Херувимская песнь».  Звучание шестиголосного смешанного хора композитор уподобляет мощному и безукоризненно выровненному в регистровом отношении органу.Слушание: М. Глинка. «Херувимская песнь» (Херувим  – ангел, относящийся к лику высших ангелов).  Духовная музыка, её темы, образы, возвышенность её  звучания была и остаётся источником самого  прекрасного, что вообще есть в музыкальном  искусстве. И это не удивительно: ведь именно церковь  некогда была колыбелью музыки. Церковные  песнопения, первоначально одноголосные, без имён  авторов, явились как свидетельства бого­ вдохновенности храмового пения, заключающие в себе  отзвук небесной гармонии. Не случайно многие люди  признавались, что высшую радость своей жизни они  испытывали во время богослужения, слушая пение  церковного хора. Из церковных песнопений за многие века выросло  могучее древо музыкального искусства. И как бы  далеко не ответвлялись некоторые его направления отсвоего первоистока, всё же в лучших образцах музыка  несёт память о некогда осенившем её отблеске  неземной красоты. Слушание. Д. Бортнянский. Тебе поём (из  Трёхголосной литургии) в исп. Детского хора «Весна» Если попытаться определить качества, которые  характеризуют звучание церковной музыки, то среди  главных следует назвать сдержанность, глубину,  возвышенное благородство... И при этом есть в ней что­ то непостижимое, побуждающее нас задуматься о  самых важных, самых вечных вопросах ­ жизни и  смерти, смысле существования человека на земле. Всё  мелкое, незначительное отступает перед этой музыкой,  напоминающей о главном, о душе, о высшем  предназначении, ради чего и создан был человек по  образу и подобию Божию.Виктор Михайлович Васнецов считал эту работу  главным делом всей своей жизни. Он любил повторять,  что «нет на Руси для русского художника святее и  плодотворнее дела, как украшение храма». Около двух лет писал Васнецов образ Богоматери.  Когда леса были убраны и для приёмки работы  собралась комиссия, открылся такой вид росписей, что  всем стало ясно: в соборе явился образец совершенной  живописи. Особенно потрясала икона Богоматери. Вот она легко и неторопливо идёт навстречу зрителям. Царица  Небесная несёт грешному миру своего Сына... Её  большие, полные печали и любви карие глаза ласково  смотрят на зрителя. Необыкновенно прекрасно её  бледное, озарённое внутренним светом лицо.  Традиционный образ Богоматери получил под кистью  Васнецова оригинальную и своеобразную трактовку.Этот образ с тех пор называют «Васнецовской  Богоматерью». В прежние времена роль православной веры в России  была исключительно велика. Один из крупнейших  исследователей русского церковного пения, А. В.  Преображенский, писал об этом так: «Народная жизнь  Древней Руси была так тесно связана с культом, так  глубоко пропитана его воздействием, что искусство в  своих высших формах у русского народа могло быть  только искусством, вытекавшим из потребностей  культа… Церковное искусство старой Руси, было её  народным искусством». Действительно, многовековая тесная связь  повседневной жизни и культа породила немало  народных обычаев, народных праздников,  сопровождающихся пением. Этот старинный уклад  отражён во многих произведениях русского искусства,по которым и сейчас можно судить о той роли, какую в  жизни людей играла православная вера. Вопросы и задания: 1. В чём заключаются главные качества духовной  музыки? 2. Послушайте хоровое произведение М. Глинки  «Херувимская песнь». Каков его характер? Благодаря  каким средствам музыкальной выразительности  создаётся особое ощущение гармонии? 3. 4. 5. За счёт чего в музыке хора достигается постоянная  устремлённость ввысь, к свету? Рассмотрите нотный пример на с. 82. Какие голоса  особенно подчёркивают в звучании хора глубину и  пространственность? Почему? В «Дневнике музыкальных размышлений» запишите  названия произведений зарубежных и русскихкомпозиторов, которые можно отнести к области  духовно­музыкальных.  Мотивы пути и дороги в русском искусстве Содержание: 1. Понятия путь и дорога, как символы жизни и  судьбы. 2. Переплетение мотивов вьюги, метели, дороги как  характерная примета русского искусства. 3. Множественность смыслов музыкального образа в  пьесе «Тройка» из оркестровой сюиты Г. Свиридова  «Метель». Музыкальный материал: