Становление и расцвет хореографического искусств

Содержание

1     Древний мир. 3

1.1     Танцы древнего Египта, Индии, Китая. 3

1.2     Танцевальная культура древней Греции и Рима. 5

2 Формирование ведущих школ классического танца. Западноевропейский балетный театр. 6

2.1 Танцевальная культура западноевропейских стран эпохи Средневековья. 6

2.2 Хореографическое искусство западноевропейских стран эпохи Возрождения. Рождение балета. 7

2.3 Формирование Европейской школы классического танца. 8

Ведущими школами классического балета в начале XIX столетия становятся итальянская и французская, которые совершенствуют, развивают на новом уровне основные принципы балета XVII-XVIII ст., ведут поиски новых средств и приемов, значительно усложняют технику прыжка, вращения, и тому подобное. 8

2.4 Предромантизм. Балетный романтизм. Выдающиеся хореографы и исполнители эпохи романтизма. 9

2.5 Западноевропейский балетный театр второй половины XIX столетия. 11

3 Русский балетный театр. 12

3.1 Народные истоки русской хореографии. 12

3.2 Становление в России школы классического танца. 12

3.3 Русский балетный театр XIX – XX вв. Советский балетный театр. 13

4 Современный этап развития отечественной хореографии. 15

4.1 Балетный театр России конца XX столетия. 15

4.2Современные авторские коллективы. Роль балетных фестивалей и конкурсов в развитии хореографического искусства. 15

5 Зарубежное хореографическое искусство. 18

5.1 Возникновение и развитие танца модерн. 18

5.2 Формирование джазового танца как особого вида сценической хореографии  18

5.3 Современный этап развития Американского балетного театра. 19

Заключение. 21

Список литературы. 22

 

1           Древний мир

 

 

1.1    Танцы древнего Египта, Индии, Китая

 

 

Древний Египет. Египет – страна, которая более 5000 лет назад уже имела определенную культуру. Найденные на стенах гробниц изображений многочисленных звероподобных богов, игр, обрядов женитьбы, похорон и прочее представляют наглядную картину повседневной жизни Древнего Египта. Фигура человека с поднятой ногой или просто одна нога составляли «иероглиф танца» в египетской письменности. Такими знаками переполнены надписи на дошедших до нас памятниках истории.

В повседневной жизни древнеегипетского общества огромную роль играла религия, и именно она во многом определяла развитие культуры Древнего Египта. Изобретение танца и музыки древние египтяне приписывали главному богу Гермесу. Гермес преподавал людям правила «эвритмин», то есть ритм пения – музыку и ритм движения – танец.

Танцевальное искусство в древнем Египте было строго регламентировано и подчинялось определенным правилам. Свои пляски были у египетских крестьян – феллахов и кочевавших со стадами верблюдов погонщиков – бедуинов. Известно, что существовал в древнем Египте даже танец фараона.

В Египте были такие танцы как обрядовый, военный, танец музыкантов. По количеству исполнителей танцы древних египтян делились на: Сольные, Парные, Групповые.

По иероглифам видно, что древние египетские танцы были подчинены правилам и законам. При храмах существовали школы, в которых готовили жриц-танцовщиц, пользующихся большим почетом у народа. Техника исполнения танцев достигла у египтян значительного совершенства и имела некоторое сходство с современной балетной школой.

Древняя Индия. Индийский танец делится на: ритуальный (священный), военный, бытовой и театральный.

К ритуальным индийским танцам относятся – танец бога огня, танец призыва дождя, который исполняли девушки, держащие на головах кувшины с водой, похоронный танец. При каждом храме обязательно существовали храмовые танцовщицы – баядерки. Каждая танцовщица имела превосходное музыкальное и хореографическое образование, которое она получала в специальных школах при храмах.

Практически все классические танцы Индии сформировались в рамках религиозного ритуала и принадлежали к храмовому искусству. Танцевальные подношения были частью каждодневного ритуала и самой важной составной частью молитвы.

Военный танец. Арийские цари и воинские предводители, облачившись в доспехи и взяв оружие, исполняли особые воинские танцы.

Бытовой танец. Индия – страна вечных религиозных празднеств и процессий во славу божеств. Уличные шествия сопровождались прыгающей и скачущей толпою, однако собственно бытовых публичных танцев с названиями в Индии не существовало.

Театральный танец. О чрезвычайной древности развитого театрального и танцевального искусства у народов Индостана свидетельствуют наскальные росписи, обнаруженные в пещерах и гротах. В них можно обнаружить рисунки музыкантов, танцоров, актеров в костюмах животных и в масках.

Древний Китай. Танцевальное искусство в Китае находилось в периоде полного расцвета за много веков до христианской эры. Изучение археологических артефактов показывает, что люди примерно в четвертом тысячелетии до нашей эры уже танцевали хореографические групповые танцы, участники которых, взявшись за руки и топая ногами, пели под инструментальный аккомпанемент.

Древние китайские танцы – это диалоги между человеком и Небом, Землей, Божествами. Китайский танец строился из жестов, приседаний и разных поклонов и представлял собой способ выражения разнообразных чувств, волнующих сердце человеческое. В первом тысячелетии нашей эры китайский танец разделился на два вида: гражданский и военный.

В гражданском танце танцоры держали в руках перья, символизирующие распределение пищи, добытой на рыбалке или охоте. Постепенно гражданский танец превратился в религиозный. Для всей китайской знати и императорской семьи танцы были предметом обязательного обучения. Для правильного познания танцевального искусства, в стенах императорского дворца была учреждена Академия.

Военные танцы были массовые. Танцоры держали в руках оружие и в едином совместном движении делали шаги вперед и назад. Позже схему этого танца взяли за основу военных тренировок.

Некоторые танцы, созданные китайскими древними хореографами для развлечения императоров, полюбились китайскому народу и стали исполняться во время обрядов в честь нового года, посева или сбора урожая.

 

1.2    Танцевальная культура древней Греции и Рима

Древняя Греция. Философ Платон стал влиятельным теоретиком танца. Согласно его учения, танцы отличались от неловких движений, подобных конвульсиям, тем, что они подчеркивали красоту тела.

Многочисленные вазы, картины и скульптурные рельефы помогли современным ученым доказать, что в Греции существовал экстатический танец, связанный с культом Диониса. Он исполнялся на празднике «священного безумия» во время осеннего сбора винограда. В своей драме «Вакханки» Еврипид описал неистовство греческих женщин, называемых вакханки или менады. В этом танце они неистово кружились и ритмично чеканили шаги, впадая в транс. Такие танцы были проявлением одержимости, что являлось характеристикой многих примитивных танцев.

Объем танца медленно расширялся, включая в себя предметы и героев, взятых из гомеровских легенд. В лирических интермедиях между играми, танцоры воссоздавали драматические темы посредством движений, перенятых от более раннего ритуала и Вакхических танцев. В комедиях исполнялся очень популярный «кордакс» – танец в масках, который славился своим распутством. В трагедиях же хор исполнил «еммелейя» – степенный танец, сопровождающийся игрой на флейте.

Древний Рим. У римлян было такое отношение к танцу, которое отражало их трезвый рационализм и реализм. До 200 г. до н.э. танцы в Древнем Риме исполнялись только в виде хоровых шествий. В них участвовали целые процессии во главе с первосвященниками салиев, жреческой коллегией жрецов Марса и Квирина. Танец был важной частью римских фестивалей – во время празднований Луперкалий и Сатурналий исполнялись дикие групповые танцы, которые были предшественниками позднего европейского карнавала.

Самой популярной формой танца во время правления императора Августа была бессловесная эффектная пантомима, которая передавала драматические сюжеты с помощью стилизованных жестов. Два танцора-мима Батилл и Пилад стали настоящими звездными исполнителями во время Августова Рима. Стилизованное выступление танцоров, которые носили маски, соответствующие теме их танца, сопровождалось игрой музыкантов, играющих на флейтах, рожках и ударных инструментах, а также пением хора, который пел о происходящем на сцене между танцевальных эпизодов.

 

2 Формирование ведущих школ классического танца. Западноевропейский балетный театр

 

 

2.1 Танцевальная культура западноевропейских стран эпохи Средневековья

 

 

Средневековые танец и музыка во время так называемого средневекового периода можно проследить до самого его начала, а некоторые даже датируются времена англосаксонских менестрелей. Средневековые танцы можно разделить на две основные большие категории: придворные и народные.

Решающую роль в развитии средневековых танцев сыграла церковь, которая в основном не одобряла народные пляски. Однако, в конце концов, танцы приняли все слои общества, и более того, они стали частью некоторых религиозных проповедей или церемоний.

Крестьянам были не чужды танцы, которые встречались фактически на каждом празднике и общественном мероприятии. Однако, танцы проходили строго в пределах одного социального класса. Крестьяне никогда не присоединялись к развлечениям состоятельных людей и аристократов.

Молодые дворяне и члены королевских семей обычно исполняли медленные танцы по кругу. Также во время подобных событий часто выступали странствующие менестрели.

В ранних средневековых танцах в качестве аккомпанемента использовались как музыкальные инструменты, так и пение. Позже, в некоторых танцах начала использоваться инструментальная музыка в различных вариациях.

В большинстве танцев в те времена использовались общие движения. К основным шагам можно отнести следующее: где танцор делал шаг вперед левой ногой, затем правая нога пристыковывалась носком к пятке левой. Шаг назад делался наоборот, начинаясь с правой ноги. Другими популярными движениями в средневековых танцах были бранли – двойные шаги с маленькими прыжками между ними, а также скользящие шаги в сторону. Кроме того, буквально повсеместно использовались реверансы.

 

 

2.2 Хореографическое искусство западноевропейских стран эпохи Возрождения. Рождение балета

 

 

Эпоха Возрождения стала благодатным временем для расцвета танцевального искусства. В первую очередь потому, что при переходе от средневековья к Возрождению кардинально меняется отношение к танцу, возрождаются идеалы античности. Умение хорошо танцевать играло немаловажную роль для приобретения положения в обществе. Начиная с этой эпохи, танец становится выражением прекрасного: человеческий корпус в бесчисленных танцевальных вариантах стал двигаться подобно звуку изящной мелодии. И наконец, в это время создается новый род искусства – балет.

Продолжается разделение крестьянского и придворного танца. Этот процесс шел постепенно и был связан с усиливающимся расслоением общества и вытекающими отсюда различиями между образом жизни простых людей и знати. Придворный и народный танец разделились раз и навсегда.

Если народные танцы сохраняли свой непринужденный, грубоватый характер, то стиль придворных танцев становился все более торжественным, размеренным, отчасти чопорным. Это обуславливалось несколькими факторами. Во-первых, пышный и тяжелый стиль одежды феодалов исключал энергичные, напряженные движения, резкие прыжки. Во-вторых, строгая регламентация манер, правил поведения и всего танцевального этикета приводит к исключению из танца пантомимного и импровизационного элементов. Отступления от установленного канона считаются предосудительными.

На смену танцам с хороводной и линейно-шеренговой композицией приходят парные танцы, которые строятся на сложных движениях и фигурах, имеющих характер откровенной любовной игры. Основой хореографического рисунка становится быстрая смена эпизодов, различных по характеру движений и по числу участников.

Балет зародился в Северной Италии в эпоху Возрождения. Итальянские князья любили пышные дворцовые празднества, в которых танец занимал важное место. Специальные учителя – танцмейстеры – старались навести порядок в придворных танцах. Они заранее репетировали с дворянами отдельные фигуры и движения танца и руководили группами танцующих.

Термин «балет» появился в конце XVI века. Означал он лишь танцевальный эпизод, передающий определенное настроение. Такие «балеты» состояли обычно из мало связанных между собой «выходов» персонажей. После таких «выходов» начинался общий танец – «большой балет».

Первым балетным спектаклем-представлением стал «Комедийный балет Королевы», поставленный в 1581 году во Франции итальянским балетмейстером Бальтазарини ди Бельджойозо. Именно во Франции происходило дальнейшее развитие балета. К середине XVIII века балет завоевывал большую популярность в Европе. Все аристократические дворы Европы стремились подражать роскоши французского королевского двора.

 

 

2.3 Формирование Европейской школы классического танца

 

 

Важным событием, повлиявшим на развитие балетного искусства, стало открытие в 1661 году Королевской Академии танца в Париже. Именно тогда балет вышел из дворцовых зал на профессиональную сцену и там, наконец, отделился от оперы, став самостоятельным жанром. Именно тогда во Франции получила дальнейшее развитие система классического танца, в трудах Академии танца (П. Бошан, Р. Фейе).

Ведущими школами классического балета в начале XIX столетия становятся итальянская и французская, которые совершенствуют, развивают на новом уровне основные принципы балета XVII-XVIII ст., ведут поиски новых средств и приемов, значительно усложняют технику прыжка, вращения, и тому подобное.

Джон Уивер (1673–1760) первый поставил на английской сцене сюжетно-действенный балет без слов и пения. Он долго изучал историю и теорию балетного искусства и на основании всего изученного написал трактат, где изложил свою классификацию танцев, свою систему сценических жестов, свое понимание гармонии сюжета и пластики. Джон Уивер поставил много балетов. Из них наиболее известны два: «Трактирные завсегдатаи» и «Любовь Марса и Венеры».

Франс Хильфердинг (1710–1768) выдвинул свою творческую программу. Главное – превратить балет в самостоятельный театральный жанр, основное внимание – драматургии балетного спектакля и, наконец, приближение балета к правде жизни. Под влиянием просветителей балетмейстер начал создавать балеты на сюжеты пьес известных драматургов. Хильфердинг поднял актерское исполнительское искусство на новую высоту, заставил танцовщиков и танцовщиц свободнее держаться на сцене и тем открыл перспективы создания настоящих человеческих характеров.

Гаспаро Анджолини (1731 –1803), итальянец по происхождению, – лучший ученик и последователь Франца Хиль-фердинга. Италия, Австрия, Россия – страны, где он работал и совершенствовал хореографическое искусство. В своем творчестве он, опираясь на творческую концепцию композитора Глюка, выдвинул в качестве своей эстетической программы три требования: простота, естественность, правда. Лаконичность балетного спектакля Анджолини видел в том, чтобы, не отвлекаясь на развитие второстепенных тем и эпизодов, вести главную сюжетную линию строго и последовательно. Танец он делил на гротесковый, комический, полухарактерный и серьезный. Эстетическая программа Анджолини получила отражение в его балетах, лучшими из которых были «Дон Жуан» и «Семирамида».

Жан Жорж Новер (1727–1810), как и Хильфердинг, стремился воскресить искусство пантомимы, наполнить балетный спектакль глубоким содержанием.

Новер утверждал, что танец должен стать действенным, осмысленным и эмоционально-выразительным. Балетмейстер-новатор снимает маски, требует серьезных драматических сюжетов, сценической правды. Развлекательным постановкам он противопоставляет балет с острым драматическим сюжетом, с непрерывно развивающимся действием

 Темы для своих балетов Новер брал из античной литературы, истории, мифологии. В центре его спектаклей были герои, подчиняющие личные стремления и чувства интересам общества. Репертуар Новера состоял из одноактных и многоактных балетов, пасторалей, дивертисментов. Это были постановки трагедийные, героические, комедийные, героико-трагические, лирические, лирико-драматические.

 

 

2.4 Предромантизм. Балетный романтизм. Выдающиеся хореографы и исполнители эпохи романтизма

 

 

В 30-е годы 19 столетия достигло своего расцвета новое художественное направление в искусстве – романтизм. Для романтизма было характерно противопоставление мира мечты окружающей действительности, устремленность к свободе, к идеальным отношениям, особое внимание к внутренней жизни человека, к его переживаниям, страданиям.

Первые шаги романтического балета были сделаны в Англии, Италии. Однако более полно и последовательно романтизм оформился во французском балетном театре. Одной из предпосылок к тому стало высокое развитие во Франции техники классического танца, в особенности женского.

В романтических балетах действительность противопоставлялась миру мечты. На балетной сцене появляются духи воздуха, русалки, виллисы – невесты умершие на кануне свадьбы, гномы, духи гор, фурии. Это повлияло и на оформление спектакля, на всю его атмосферу.

Фантастика освободила танец, открыла простор для использования накопившейся танцевальной техники и ее дальнейшего развития. Происходит возрождение старинных фигурных танцев, причем движения кордебалета теперь согласуются с танцем солистки. Используются различные поддержки балерин в дуэтных танцах. Появляется понятие романтический танец.

Выдающиеся хореографы и исполнители эпохи романтизма:

Филипп Тальони. Свою танцевальную карьеру он начал в Неаполе, в 1795–1798 годы стал первым танцовщиком в театрах Ливорно, Флоренции, Венеции, Турина и Милана. Его пригласили в Стокгольм – танцевать в Королевской опере, и там он провел три года.

12 марта 1832 года состоялась премьера «Сильфиды». Успех был невероятный. Удачным было все – музыка, хореография, костюм Сильфиды, который по указаниям Тальони создал художник Эжен Лами. И впервые парижская публика увидела настоящий танец на пуантах.

Жюль Перро выступал в 1820-х годах в парижских театрах «Гетё» и «Порт Сен-Мартен», потом в 1830 году дебютировал в парижской Опере в балете «Пастораль Портичи». Это была сенсация. Критики назвали его «величайшим танцовщиком нашего времени», так велика была сила его таланта.

Кроме лондонской постановки «Жизели» Перро создал балеты «Альма, или Мертвая девушка» в 1843 году (балет, поставленный для Фанни Черрито), «Ундина» в 1843 году, «Эсмеральда» в 1844 году, «Суд Париса» в 1846 году. Кроме того, он много работал над тем, чтобы в эпоху женского танца мужской перешел из разряда «вспомогательного» в разряд самоценного, и в балете появились сложные по рисунку самостоятельные партии танцоров.

 

2.5 Западноевропейский балетный театр второй половины XIX столетия

 

 

Во второй половине 19 века для западноевропейского балетного театра настал кризис. После элегантности и чистоты линий романтизма появились жеманство, слащавость и  изощренность в танце. Появлялись новые музыкально-сценические жанры: балет-феерия, балет-обозрение, дивертисменты, главная цель которых – зрелищность. Разрушалась связь балета с большой литературой, серьезной музыкой. Стали забываться принципы Новера, Тальони, Перро. Постепенно разрушается эстетика академического балетного жанра, представления превращаются в развлекательныеппзрелища.

 

 

3 Русский балетный театр

 

 

3.1 Народные истоки русской хореографии

 

 

К 500-м годам нашей эры народы, населявшие современную территорию России, уже обладали своим танцевальным искусством.

Древнейшим видом русских народных плясок являются пляски-игры, отображающие трудовые процессы. Параллельно с темой труда в них раскрывалась и любовная тема.

К древнейшим пляскам относятся также охотничьи. Пляски, копирующие движения и повадки зверей и птиц, обычно исполняются до и после охоты.

В древние времена появился и религиозный культовый танец. В связи с тем, что на заре цивилизации отдельные периоды солнцеоборота имели первостепенное значение в жизни народа, все посвященные солнцу торжества отличались особой пышностью и сопровождались многочисленными танцами.

Древнейшим русским народным танцем культового происхождения является хоровод. Хоровод – массовый танец, исполнение которого сопровождается хоровой песней. Хоровод обычно движется по кругу слева направо. Как правило, он водится девушками и парнями, держащими друг друга за руки, и имеет форму кольца.

 

 

3.2 Становление в России школы классического танца

 

 

Формирование русской школы началось значительно позднее итальянской и французской. Она впитала в себя особенности обеих, так как первоначально в Россию приглашали на работу педагогов и хореографов именно этих стран.

8 февраля 1673 года в подмосковном селе Преображенском был поставлен «Балет об Орфее и Евридике». Этот первый русский балет был подготовлен по приказу царя Алексея Михайловича.

В 1738 году по просьбе французского танцмейстера Жана-Батиста Ланде в Санкт-Петербурге была открыта первая в России школа балетного танца, ныне Академия Русского балета им. А. Я. Вагановой. Позднее по специальному указу императора Петра I танцы стали составной частью придворного этикета.

В истории нашего балетного театра часто встречаются фамилии иностранных мастеров, сыгравших немалую роль в развитии русского балета. В первую очередь, это Шарль Дидло, Артур Сен-Леон и Мариус Петипа. Они помогли создать русскую школу балета. «Но и талантливые русские артисты давали возможность раскрыться дарованиям своих учителей. Это неизменно привлекало в Москву и Петербург крупнейших хореографов Европы. Нигде в мире они не могли встретить такой большой, талантливой и хорошо обученной труппы, как в России».

Движение русского балета к романтизму, в отличие от западноевропейского, было приостановлено и задержалось на несколько лет.

В России после подавления восстания декабристов наступило время жестокой реакции, которая охватила все области общественной жизни, в том числе и культуру.

В январе 1825 года в Москве открылся Большой Петровский театр. Балетная труппа получила сценическую площадку, позволявшую ставить большие и сложные спектакли. Для открытия театра был дан специально написанный М. А. Дмитриевым пролог «Торжество муз», в котором Гюллен изображала Терпсихору. Вслед за прологом последовала новая роскошная постановка балета «Сандрильона», осуществленная Гюллен. До закрытия сезона Глушковский успел также показать московскому зрителю балет Дидло «Рауль де Креки», имевший здесь такой же большой успех, как и в Петербурге.

 

 

3.3 Русский балетный театр XIX – XX вв. Советский балетный театр

 

 

На рубеже 19–20 вв. в хореографию проникли течения импрессионизма и свободного танца (модерн, дунканизм, ритмопластический танец). В истории русского балета много славных страниц. В 19-м - начале 20-го веков русский балет занял ведущее место в мировом балетном искусстве. Его школа обладала стойкими традициями. Чтобы соответствовать эстетической концепции Серебряного века, балету были необходимы реформы, начало им положил хореограф Большого театра А.А. Горский, работавший в театре в 1902–1924. В противовес устаревшему академизму он выдвинул хореографическую драму, в которой сценическое действие выражал танец.

Еще большее значение имели эксперименты М.М. Фокина. Он боролся с отжившим академизмом с помощью введения в классический танец элементов свободной и фольклорной лексики. Сочинил новый тип спектакля – одноактный балет со сквозным действием, стилевым единством музыки, хореографии и сценографии и сосредоточился на фиксации мгновения хореографическими методами. На смену монументальному спектаклю пришел одноактный балет-миниатюра.

Советский балет прошёл несколько этапов развития. 1920-е гг. были отмечены напряжёнными поисками нового, революционного и современного содержания и соответствующих ему новых форм.

В середине 50-х гг. советский классический балет вступил в новый этап развития. Спектакли, созданные в 50–60-е гг., свидетельствуют об усилившемся интересе их создателей к внутреннему миру человека во всей его сложности, в его связях со временем. Современные балетмейстеры возродили традиции симфонизированного танца 19 в., обратились к опыту М.М. Фокина, развили достижения советских хореографов-экспериментаторов 20-х гг. и своих непосредственных предшественников, постановщиков хореография, драм. Продолжается естественный процесс дальнейшего роста и развития советского Б., сопровождающийся активными творческими поисками.

 

4 Современный этап развития отечественной хореографии

 

 

4.1 Балетный театр России конца XX столетия

 

 

Хореодрама (драматический балет, нередко сокращённо – драмбалет) являлась основным жанром балетного театра СССР в сталинский период. Первым балетно-драматическим спектаклем этого рода стал балет Ростислава Захарова по сценарию Николая Волкова на музыку Бориса Асафьева по мотивам одноимённой поэмы Александра Пушкина «Бахчисарайский фонтан», премьера которого состоялась 28 сентября 1934 года на сцене Ленинградского академического театра оперы и балета.

Балетмейстер Ростислав Захаров стал настоящим идеологом этого жанра, принципы драматического балета он описал в своей книге «Искусство балетмейстера».

Своего наивысшего расцвета жанр советского драматического балета достиг в спектакле Леонида Лавровского «Ромео и Джульетта».

Артистами, в творчестве которых особенно ярко проявились принципы сценического существования танцовщика-актёра, были: Галина Уланова, Ольга Иордан, Алексей Ермолаев, Майя Плисецкая.

На Западе жанр драматического балета получил наибольшее воплощение в творчестве британских хореографов Кеннета МакМиллана и Джона Кранко. Принципы психологической достоверности, чёткого драматического развития спектакля использует в работе балетмейстер Джон Ноймайер.

Хореодрама создаётся на основе литературного источника, в постановке значительную роль играет режиссёр: чётко просматривается действие, которое развивается понятным для зрителя образом, понятен мотив поступков героев, детально разрабатываются все массовые сцены.

 

 

4.2Современные авторские коллективы. Роль балетных фестивалей и конкурсов в развитии хореографического искусства

 

 

Созданный Б. Эйфманом театр способствует разрешению одной из основополагающих проблем балетного искусства – степени взаимопроникновении традиций и новаторства. Несмотря на то, что петербургский балет издавна является цитаделью хореографического академизма, носителем самых строгих классических канонов, знаменитые новаторы и реформаторы балета рождались в недрах именно этой школы. Можно отметить определенную преемственность в творчестве знаменитых балетмейстеров: Федор Лопухов отмечал, что Юрий Григорович, Игорь Бельский, Леонид Якобсон унаследовали от него самое главное, что он, в свою очередь, старался унаследовать от своих предшественников - от Льва Иванова, Михаила Фокина и, конечно, от Мариуса Петипа. А Л. Якобсон считал, что Борис Эйфман стал наследником его метода. Символично, что на вечере, когда Якобсон представил свой последний номер, он поздравил с удачей и благословил на творческие дерзания молодого Бориса Эйфмана, поставившего тогда свой первый большой балет. Иначе говоря, творчество Б. Эйфмана продолжает преемственность традиций в развитии хореографического искусства.

Хореографические миниатюры – балетная труппа, организована в 1969 Л. В. Якобсоном. С 1976 художественным руководителем А. А. Макаровым. Творческие устремления труппы – обогащение пластики танца. В репертуаре: одноактные балеты «Экзерсис XX века» на музыку И. С. Баха (1971), «Блестящий дивертисмент» на музыку М. И. Глинки (1973), «Клоп» на музыку Д. Д. Шостаковича (1974), циклы: «Классицизм – романтизм», «Роден», «Русские миниатюры», «Моцартиана», «Хореографические зарисовки», а также: «Время, вперёд!» на музыку Г. И. Свиридова (1976), «Казнь Степана Разина» на музыку Шостаковича (1977), «Последнее свидание» Ф. Хидаша (1980), «Па-де-труа» на музыку Б. Бриттена (1981), «В честь танца» (1984), «Шехеразада» на музыку Н. А. Римского-Корсакова (1983), «Прометей» на музыку А. Н. Скрябина (1986). В труппе (1990): А. Г. Волкова, Ю. В. Демаков, Т. А. Павлова, Е. Е. Прижимова, А. Ф. Семёнов, А. В. Семенчуков, А. И. Шанин, Т. Л. Шанина.

Театр «Кремлёвский балет» создан в 1990 году как «Театр балета Кремлёвского дворца съездов», в 1992 был переименован в «Кремлёвский балет». Основатель и художественный руководитель театра – балетмейстер, народный артист России Андрей Борисович Петров.

В современных условиях очень большое значение для коллективов художественного творчества имеет проведение конкурсных и фестивальных мероприятий.

Специальные условия фестивалей-конкурсов направляют хореографов и деятелей других видов искусства по пути изучения новых исторических источников, фольклорного наследия, а также обращения к «золотому фонду хореографии».

Участие в фестивалях, смотрах, конкурсах, выставках – это один из самых эффективных способов демонстрации своих достижений, получение профессиональной оценки мастерства: соревновательный характер мероприятий добавляет им значимости. Так же есть возможность выявить проблемы и ошибки ЛХК и принять меры по их решению и развить творческий потенциал детей, индивидуальность и уверенность в себе.

 

 

5 Зарубежное хореографическое искусство

 

 

5.1 Возникновение и развитие танца модерн

 

 

Это направление – целиком детище ХХ века. В дословном переводе модерн танец – современный танец. В дальнейшем этот термин стал собственным именем для направления в хореографии. Эта система танца связана с именами великих исполнителей и хореографов. В отличие от джазового или классического танца это направление создавалось на основе творчества того или иного конкретного лица.

В танце – модерн существенным является попытка исполнителя выстроить связь между формой танца и своим внутренним состоянием. Большинство стилей танца – модерн сформировалось под влиянием какой-либо четкой изложенной философии или определенного видения мира. Эксперименты в области движения и в частности танца начались еще в середине ХIХ века. Можно упомянуть теорию «телесного выражения» Франсуа Дельсарта и эксперименты Жака Далькроза в области создания движенческого алфавита для зрительного воплощения музыки.

Однако «пионерами» в области сценического танца были яркие и талантливые исполнители Лои Фуллер, Рут Сен-Дени, Тэд Шоун, Айседора Дункан. Дебют нового направления был крайне удачным, поскольку оно глубоко трогало зрителя.

 

 

5.2 Формирование джазового танца как особого вида сценической хореографии

 

 

Джаз – это танец, не скованный жесткими рамками. Фантазия танцора и хореографа находится в свободном полете, а музыка и движение, душа и эмоции органично соединены воедино, способствуя созданию настоящих шедевров.

Джаз-танец – это направление в хореографии, имеющее одно название с музыкальным стилем, но сформированное отдельно от него. Нужно разграничивать джаз, как направление музыки и джаз, как танец. Объединяют музыкальное и танцевальное течения общие принципы создания: импровизация, полицентрия, полиритмия (аналог музыкальной полифонии). Из этих трех основных принципов вытекают менее значимые: изоляция, импульс, волна, коллапс (сброс) и другие.

Родиной джаз-танца является Африка, а его создатели – жители черного континента и афро-американцы. Негритянские мелодии и ритмы, вместе с рабами, проникли в Америку, впитали в себя фольклор многих национальностей, проживающих в США, и, в результате, сформировался уникальный музыкальный и танцевальный феномен.

Джаз-танец представляет собою оригинальное соединение самобытных афро-американских традиций, балета, современных хореографических течений и этнического танца. Техника джаза довольно сложная. Она сочетает замысловатые позы, оригинальные танцевальные фигуры, ассиметричные ломаные движения, сложные эффектные переводы рук, броски на пол. Своеобразная музыка требует от хореографа свежих решений, которые позволят передать причудливые музыкальные обороты языком тела. В джаз-танце органично соединены воедино и воплощены средствами хореографии и движения души и эмоциональные ощущения.

Танцоры джаза изучают и используют балетную технику. Выворотные позиции классического танца сосуществуют с параллельными. Округлость рук, характерная для классики, сочетается с прямыми позициями.

 

 

5.3 Современный этап развития Американского балетного театра

 

 

Американские мастера танца модерн находили в фольклоре один из главных источников вдохновения. Народные танцы и музыка были перенесены непосредственно с плантаций в бары, танцевальные залы и мюзик-холлы, где к последней четверти 19 века развились разнообразные формы профессиональной хореографии. Американский танец модерн стал этапом в становлении американского хореографического театра. Связь с фольклором народов, населяющих США (особенно негритянским и индейским), определила основные стилистические отличия его лексики.

В основном они проявляются в движениях корпуса. Кроме наклонов и перегибов, подвижности плеч, приёмов пластики гимнастических упражнений, игр и не балетной пантомимы, в американском танце модерн используются разного рода пульсации торса, выталкивающие и вращательные движения бёдер. Американскому танцу модерн свойственна более многомерная структура и сложная криволинейность рисунка. Существуют различия и в подходе к музыке. Определяющим фактором стала образная и ритмическая партитура созданного хореографом танца.

Это направление современной сценической хореографии появилось в 70-е годы прошлого века в Америке, а потом уже «захватило» Европу. Два танцевальных стиля – джаз и модерн объединились в новое направление. Джек Коул – педагог, первый грамотно соединивший техники этих стилей, а уже в 1966 выпустили учебник с описанием особенностей нового направления. После этого джаз-модерн начал развиваться самостоятельно.

Джордж Баланчин (англ. George Balanchine; при рождении Георгий Мелитонович Баланчивадзе, 10 (22) января 1904, Санкт-Петербург – 30 апреля 1983, Нью-Йорк) – хореограф, положивший начало американскому балету и современному неоклассическому балетному искусству в целом.

 

Заключение

 

 

Танец всегда занимал огромное пространство в жизни и повседневной культуре человечества. Ведь предпосылками его возникновения были элементарные потребности человека в труде, игре, охоте.

Прежде всего, особенности танца зависят от религиозных верований, присущих определённому народу. Так как в основном танцы были составной частью обрядовой деятельности. Поэтому политические и социальные изменения также отражались на развитии этого вида искусства.

Стиль танцев в определённые культурные эпохи зависел не только от развития человечества, но и от развития других видов искусства.

Возникновение новых видов танцев не зависит лишь от развития культуры в целом. Многие танцевальные направления появлялись вследствие синтеза уже известных танцев, или вследствие преемственности некоторых черт этого искусства у других культур.

Современными учёными уже доказано, что движения танцующего человека могут рассказать о нём многое. В танце неосознанно отражается личность человека и если внимательно приглядеться, то можно очень много рассказать о характере танцующего, его привычках, страхах, особенностях взаимодействия с разными людьми и с самим собой, его фантазии, отношение к себе и к миру, и многое другое.

В последнее время стало модно танцевать. Современная индустрия развлечений, в частности, танцевальная индустрия, стали мощным оружием психологического воздействия. Большое количество взрослых людей пошли в клубы, школы танцев, танцевальные коллективы и др., чтобы научиться танцевать. Все чаще танец используют в рекламных роликах, где с помощью движения, экспрессии, музыки передается настроение, эмоции, и даже прививается стиль и вкус современной жизни.

Танец может стать смыслом жизни, ведь он помогает раскрепоститься и приобрести гармонию с самим собой. Это помогает человеку приобщиться не только к определённому виду искусства, но и к определённой культуре в целом. А значит танец – это средство понимания культуры и приобщения к ней.

 

Список литературы

 

1.   Бахрушин Ю. А. История русского балета / Ю. А. Бахрушин. - СПб.: Лань, 2009. - 336 с.

2.   Блок Л.Д. Классический танец. История и современность /Л.Д. Блок. - М.: Искусство, 1987. - 556с.

3.   Васильева Е. Танец /Е. Васильева. - М.: Искусство, 1968. - 412с.

4.   Вашкевич Н.П. История хореографии всех веков и народов /Н.П. Вашкевич. - СПб.: Лань, Планета Музыки, 2009. - 192с.

5.   /А.Л. Волынский. - Спб.: Планета музыки, 2008. - 244с.

6.   Гавликовский Н. Руководство для изучения танцев /Н. Гавликовский.-СПб.: Лань, 2010. - 359с.

7.   Голейзовский К.Я. Образы русской народной хореографии /К.Я. Голейзовский. - М.: Искусство, 1964. - 217с.

8.   Догорова Н. А. История и теория хореографического искусства: учебник/ Н. А. Догорова. - Саранск: Изд-во Мордов. ун-та, 2010. - 376 с.

9.   Костровицкая В. Школа классического танца: учебник / В. Костровицкая, А. Писарев. - Л.: Искусство, 1986. - 267с.

10.   Красовская В. М. История русского балета / В. М. Красовская. - СПб.: Лань, 2009. - 145 с.

11.   Королёва Э.А. Ранние формы танца /Э.А. Королева. - Кишинёв: Штиинца, 1977. - 187с.

12.   Лопухов Ф.В. Вглубь хореографии / Ф.В. Лопухов. - М.: Фолиум, 2003. - 181с.

13.   Осинцева Н.В. Причина происхождения танца[Электроннный ресурс]. - Режим доступа: http://cyberleninka.ru/article/n/prichina-proishozhdeniya-tantsa

14.   Пасютинская В.М. Волшебный мир танца: Кн. для учащихся /В.М. Пасютинская. - М.: Просвещение, 1985.- 223с.

15.   Ранние формы искусств: cборник статей / Сост. С. Ю. Неклюдов, Отв. ред. Е. М. Мелетинский. - М.: Искусство, 1972. - 479 с.

16.   Регаццони Г. Бальные танцы /Г. Регаццони. - М.: БММ АО, 2001. 192 с.

17.   Современный танец [Электроннный ресурс]. - Режим доступа: http://hnb.com.ua/articles/s-sport entsiklopediya_tantsa_sovremennye_tantsy-2561

18.   Торгашов В.Н. Теория и история хореогафического искусства: учеб. пособ. /В.Н. Торгашов. - Орел: Орлов. Гос. Ин-т искусства и культуры, 2004. - 368с.

19.   Уральская В.И. Рождение танца /В.И. Уральская. - М.: Советская Россия, 1982. - 244с.

20.   Худеков С.Н. Всемирная история танца /С.Н. Худяков. - М.: Эксмо, 2009. - 609с.

21.   Энциклопедия искусства XXвека / Сост. О.Б. Краснова. - М.:ОЛМА - ПРЕСС, 2003. - 352с.

 

Скачано с www.znanio.ru