Урок: Сергей Прокофьев. Симфония № 1 «Классическая»

Сергей Прокофьев. Симфония № 1  «Классическая» Музыка Сергея Прокофьева, крупнейшего  композитора ХХ века разнообразна по содержанию.  Светлая лирика и мудрое эпическое повествование,  драматизм и юмор, острая шутка, яркие и  психологически точные характеры ­ всё это разные  стороны прокофьевской музыки. Композитору  удалось передать в звуковых образах радостное  ощущение жизни, дух эпохи, бодрость,  мужественность, силу. Искусство Прокофьева глубоко связано с  классическими традициями. Это ярко национальный  композитор, развивавший принципыМусоргского, Римского­Корсакова, Глинки, Бородин а. В то же время в музыке Прокофьева нашла  выражение классическая линия, идущая от его  увлечения жизнерадостным искусством Гайдна,  Моцарта, раннего Бетховена. Д. Б. Кабалевский так сказал о музыке Прокофьева:  «Восторженный певец жизни, солнца и молодости,  она дала людям растревоженного, сурового и  жестокого ХХ века ту радость и свет, которых им  так часто недостаёт». Неслучайно Прокофьева часто  сравнивают с В. Маяковским в поэзии и М. Сарьяном в живописи ­ так много в его музыке солнца, света,  ярких красок: «Светить всегда, светить везде, до  дней последних донца, светить – и никаких гвоздей!  Вот лозунг мой и Солнца». Вы уже знаете монументальную кантату «Александр  Невский», созданную С. Прокофьевым на основемузыки к одноименному фильму С. Эйзенштейна,  балеты «Ромео и Джульетта» и «Золушка», в которых радостная энергия сочетается с «застенчивой»  лирикой. Продолжая традиции балетов Чайковского,  Прокофьев создал современные классические  образцы жанра. Велики достижения композитора и в  симфоническом творчестве, начиная от  симфонической сказки «Петя и Волк» и кончая  семью симфониями. Иногда композиторы изменяют собственному стилю,  имитируя музыкальные формы прошлого времени.  Прокофьеву это отлично удалось в его ранней  Первой симфонии, известной как «Классическая».  Он написал её в духе классицизма: в музыке  слышатся отголоски изящности Гайдна и  жизнерадостности Моцарта. Эта оживлённая первая  часть, как и симфония в целом, отмечена лёгкостьюоркестровки и вызывает в памяти очарование более  раннего музыкального стиля. К примеру, изысканная  мелодия скрипок, звучащая под ритмичный  аккомпанемент фагота, напоминает музыку Гайдна.  Однако не стоит забывать, что это произведение –  искусная стилизация с множеством гармоний и  мелодических оборотов, принадлежавших скорее  Прокофьеву и его времени, нежели XVIII веку. Когда Прокофьев создавал свою «Классическую»  симфонию, он писал: «Мне казалось, что если бы  Гайдн дожил до наших дней, он сохранил бы свою  манеру письма и в то же время воспринял бы кое­что  от нового. Такую симфонию мне и хотелось  написать». Вот и в его симфонии скромная фактура и прозрачная оркестровка в стиле Гайдна и Моцарта  сочетались с «налётом новых гармоний». Это тоже  было в стиле Гайдна. Вы ведь помните, что «отцасимфонии» в своё время обвиняли в «скандальной  весёлости и нарушении правил строгого  голосоведения». Композитор закончил симфонию летом 1917 года, в  период политических потрясений. Он удалился от  невзгод на свою загородную дачу под Петроградом  (так стал называться Петербург в 1914 году), где в  первый раз сочинял без фортепиано и обнаружил, что «тематический материал, сочинённый без рояля,  часто выходит лучшего качества». Из­за событий, связанных с революцией, премьера  произведения была отложена. Она состоялась в мае  1918 года. Прокофьев дирижировал сам, а среди  зрителей на премьере присутствовал новый нарком  просвещения Анатолий Луначарский. Музыка полна острых, «колючих» тем,  стремительных пассажей, ярких акцентов.Использование особенностей танцевальных жанров  (полонеза, менуэта, гавота, галопа), игра тембрами и  регистрами (скрипки, флейты), новизна гармоний,  внезапные гармонические «дерзости» ­ всё это с  головой выдаёт Прокофьева, особенности его  музыкального почерка. Внезапные динамические акценты и сопоставления,  лёгкая и прозрачная оркестровка определяют  характер финала этой симфонии: ослепительная  радость звучит в нем (композитор хотел, чтобы здесь  отсутствовали какие­либо минорные аккорды). Не  случайно на музыку Симфонии № 1 создавались  хореографические композиции. Популярнейший Гавот, ставший 3­й частью  симфонии, был сочинён раньше других частей. Тогда  же были сделаны наброски 1­й и 2­й частей. «Автор  задался целью воскресить «старые добрые времена»,времена фижм, пудреных париков и косичек», ­  говорится в авторизованном пояснении к первому  исполнению симфонии. Но в музыке нет черт  музейного реставраторства: она полна детской  беззаботности, жизнерадостности. Её слегка  ироничный тон подчёркивается пикантными  гармоническими сопоставлениями и забавными  скачками в мелодии. Композитор сохранил парный состав гайдновского  оркестра ­ без тромбонов, солирующие инструменты  – весёлые трели флейты, ворчание фагота,  порхающее звучание скрипок. Воспользовался  традиционным «венским» приёмом резких смен  прозрачного piano громогласными tutti. Звуки музыки I. AllegroСимфония начинается громким аккордом всего  оркестра, после которого взбегают вверх пассажи  флейт, кларнетов и струнных ­ как будто взвивается  занавес и начинается представление... Главная тема сонатного аллегро ­ лёгкая, подвижная,  в прозрачной оркестровке. Побочная носит комический характер благодаря  сочетанию широких и лёгких скачков мелодии  скрипок (авторская ремарка ­ с элегантностью!), с  неуклюжим аккомпанементом фаготов и внезапно  врывающимися валторнами. В разработке несколько сгущается фактура, озорная  побочная партия, порученная басовым инструментам, становится более тяжеловесной (по определению  Асафьева, «элегантно шутливая тема»  превращается в «грузно шагающего великана»), на  миг оборачивается грозной... но это не настоящее ­всё проносится в неудержимом вихре, как  карнавальное шествие. И два заключительных такта,  почти точно повторяющих начало, опускают занавес. II. Larghetto 2­я часть выдержана в ритме полонеза, но его  характер скорее напоминает изящный старинный  менуэт, которому, собственно, и место во второй  части гайдновской симфонии. Мелодия украшена  трелями ­ так и видятся кавалеры в напудренных  париках, дамы в фижмах с мушками, жеманно  приседающие в такт музыке. Средний раздел части  более взволнован, музыкальное развитие приводит к  яркой кульминации, но в репризе трёхчастной формы возвращается движение чуть чопорного танца. III. Gavotta. Non troppo allegroТретья часть имеет название ­ гавот. Это танец с  размашистыми движениями, широкими  мелодическими ходами, яркий и жизнерадостный. В  среднем эпизоде ­ традиционном мюзетте (мюзетт  (фр. musette) ­ старинный французский танец  быстрого темпа), на фоне гудящего  аккомпанемента, имитирующего звуки волынки,  звучит незатейливый плясовой мотив, слышатся  отзвуки русского наигрыша. (Много лет спустя  композитор использовал эту музыку в балете «Ромео  и Джульетта».) IV. Finale. Molto vivace Весёлый и подвижный финал завершает симфонию. В главной партии ­ снова простенькие  арпеджированные и гаммообразные взлёты и падения, забавные повторяющиеся короткие фразы скрипок.Побочная партия и здесь звучит юмористически, с  характерным стучащим, как дробь, мотивом у  деревянных духовых инструментов. А в  заключительной теме возникает светлая, характерно  русская мелодия, очень близкая одной из тем оперы  «Снегурочка» Римского­Корсакова. Классические образы музыки XVIII в. оказываются  как бы преломлёнными сквозь призму русской  песенности. Так композитор средствами гайдновской техники спел о неприхотливых радостях жизни. В связи с этим интересно вспомнить отзывы  Маяковского о музыке Прокофьева: «Воспринимаю  сейчас только музыку Прокофьева ­ вот раздались  первые звуки и ­ ворвалась жизнь, нет формы  искусства, а жизнь ­ стремительный поток с гор или  такой ливень, что выскочишь из под него и закричишь ­ ах, как хорошо! Ещё, ещё!»Вопросы и задания: 1. Слушая Симфонию № 1 («Классическую») С.  Прокофьева, запишите в «Творческой тетради» свои впечатления от каждой из её частей. Как вы  думаете, герой Симфонии живёт в эпоху венских  классиков, или он наш современник? 2. Какие из частей Симфонии построены в сонатной форме? Как сопоставление контрастных тем  раскрывает замысел композитора? 3. Какие особенности музыки выдают музыкальный  стиль композитора?4. Продирижируйте одной из частей Симфонии № 1 или придумайте композицию, в которой передадите  особенности её развития. Йозеф Гайдн. Симфония № 103 «С тремоло  литавр» Йозеф Гайдн ­ великий австрийский композитор. Он  оставил множество произведений почти во всех  музыкальных жанрах и формах, существовавших в  его время. Моцарт, его друг и младший современник, писал: «Никто не в состоянии делать всё: и  балагурить, и потрясать, вызывать смех и глубоко  трогать, и всё одинаково хорошо, как это умеет  Гайдн».Музыкальные образы его сочинений навеяны жизнью  и бытом австрийского крестьянства. Картины мирной счастливой жизни, танцы и хороводы, природа,  радости крестьянского труда составляют содержание его произведений. Многие мелодии, сочинённые  Гайдном, становились народными и распевались  теми, кто даже не знал имени их создателя.  Оптимистическое отношение к жизни отразилось в  его музыке жизнерадостной, пронизанной сияющей  улыбкой и народным юмором. Основное историческое и художественное значение  приобрела инструментальная музыка Гайдна  симфоническая и камерная, а также оратории  «Сотворение мира» и «Времена года». С творчеством композитора связан расцвет таких жанров, как  симфония, струнный квартет, клавирная соната.Одной из главных исторических заслуг Гайдна  является то, что именно в его творчестве приобрела  окончательный вид симфония. Над этим жанром он  работал в течение тридцати пяти лет, отбирая самое  необходимое, совершенствуя найденное. Его  творчество предстаёт как сама история  формирования этого жанра. Прежде всего, давайте разберёмся, что же это такое? Симфонии принадлежит одно из самых почётных  мест среди самых различных жанров. Всю историю  своего существования она чутко отражала своё  время: симфонии Гайдна,  Моцарта, Бетховена, Берлиоза, Прокофьева,  Шостаковича ­ размышления об эпохе, человеке,  истории мира и жизни на земле. Любая симфония ­  целый мир. Мир художника, мир его времени.Симфония ­ один из самых сложных жанров музыки,  не связанных с другими искусствами. Она требует от  нас вдумчивости, обобщения. Германия той эпохи  была центром философской мысли, отразившей  социальные сдвиги в Европе. Кроме того, в Германии  и Австрии сложились богатые традиции  инструментальной музыки. Здесь и появилась  симфония. Она возникла в творчестве композиторов  чехов и австрийцев и окончательно сложилась в  творчестве Гайдна. Классическая симфония сформировалась как цикл из четырёх частей, которые воплощали в себе разные  стороны человеческой жизни. Первая часть симфонии быстрая, активная, иногда  предваряемая медленным вступлением. Она пишется  в сонатной форме в быстром темпе.Вторая часть ­ медленная ­ обычно задумчивая,  элегическая или пасторальная, то есть посвящённая  мирным картинам природы, спокойному  отдохновению или мечтам. Бывают вторые части и  скорбные, сосредоточенные, глубокие. Третья часть ­ менуэт, а позднее и скерцо. Это игра,  веселье, живые картинки народного быта. Четвертая часть ­ финал ­ итог всего цикла, вывод из  всего, что было показано, продумано,  прочувствовано в предыдущих частях. Часто финал  отличается патетикой жизнеутверждения,  торжественным, победным или праздничным  характером. В такой форме писались симфонии Гайдна. В  творчестве Гайдна утвердилось особое отношение к  симфонии. Она была рассчитана на массовую  аудиторию, имела больший масштаб и силу звучания.Исполнял симфонии симфонический оркестр, состав  которого также утвердился в творчестве Гайдна.  Хотя в то время в состав оркестра входили ещё  немногие инструменты: скрипки, альты, виолончели и контрабасы ­ в струнно­смычковую группу;  деревянную группу составляли флейты, гобои,  фаготы (в некоторых симфониях Гайдн использовал  и кларнет). Из медных инструментов были представлены  валторны и трубы. Из ударных инструментов Гайдн использовал в своих  симфониях только литавры. Исключение составляет  соль мажорная «Лондонская симфония» («Военная»), в которую композитор ввёл ещё треугольник,  тарелки, большой барабан. Ярким примером симфонического цикла в  творчестве Гайдна является одна из «Лондонскихсимфоний» ­ Симфония № 103 ми бемоль мажор.  Композитор открывает её ярким приёмом –  тремоло (от итал. tremolo ­ дрожащий) литавр,  отсюда и название «Симфония с тремоло литавр».  Как и положено, в этом произведении четыре части.  Причём в творчестве Гайдна сложилась не только  характерная последовательность частей, но и их  характер и строение. Первая часть симфонии открывается медленным  вступлением, оттеняющим весёлое и стремительное  allegro. Композитор начинает симфонию дробью  литавр, напоминающей раскаты грома. Allegro очень напоминает картину народного  праздника. В его основе лежат две темы  танцевального характера. Тема главной партии  сначала проводится в основной тональности у  струнных инструментов.В симфониях Бетховена мы можем обнаружить  резкое различие в характере главной и побочной  партий. Для творчества Гайдна это не характерно.  Вот и в этой симфонии побочная партия близка по  характеру главной. Она тоже танцевальна, написана в ритме изящного, лёгкого вальса и очень похожа на  венскую уличную песенку. Вы, наверное, помните, что первый раздел сонатного  аллегро, в котором происходит изложение основного  материала, называется экспозицией. Второй раздел не случайно получил название  разработки. В нём развиваются обе темы экспозиции  и тема вступления. В своём симфоническом  творчестве Гайдн большое внимание уделял  способам развития темы. Одним из главных для него  приёмов стала мотивная разработка тем. Он умел  выделить из темы короткие мотивы, делая ихнезависимыми от самой темы, проводить их в разных  тональностях, в разных голосах, так что они могли  соединяться в самых неожиданных сочетаниях. Вот и в этой разработке тему главной партии он делит  надвое, причём каждая из частей развивается  самостоятельно. Он в корне меняет характер темы  вступления. Если в начале симфонии она звучит  медленно и таинственно, в разработке Гайдн как бы  включает её в общее движение, ускоряя её темп.  Важным способом развития является и смена  тональностей. Побочная партия здесь проводится в  ре бемоль мажоре (вместо си бемоль мажора в  экспозиции). Не менее важно в разработке и  тембровое, оркестровое развитие, когда темы  проводятся у различных инструментов. Третий раздел сонатного аллегро ­ реприза. Здесь как бы подводится итог всему развитию, темы проходятв том же порядке в главной тональности, различия  между ними сглаживаются. Вторая часть симфонии, Andante, вносит контраст к  весёлой, быстрой первой части. Это медленные и  спокойные вариации на две темы. Первая тема (до минор) ­ мелодия народной  хорватской песни. Неторопливо и спокойно она  излагается струнными инструментами. Вторая тема (до мажор) похожа на волевой, бодрый  марш. Её исполняют не только струнные, но и  деревянные духовые и валторна. После изложения тем следуют вариации ­ поочерёдно на каждую тему, в которых обе мелодии сближаются. Первая тема звучит взволнованно и напряжённо, а  маршевая становится более плавной и мягкой.Третья часть симфонии ­ традиционный менуэт. Но  это скорее не бальный придворный менуэт, изящный  и чопорный, а менуэт народный, с характерным  чётким ритмом. Средний раздел менуэта называется трио. Когда­то  давно так называли середину оркестровых  произведений, которую исполняли только три  инструмента. В XVIII веке, хотя трио играли не  только три инструмента, звучность в них несколько  облегчалась. Вот и в этой симфонии Гайдна полного  звучания оркестра в трио струнные инструменты  ведут мягкую, плавную мелодию. В четвёртой части симфонии вновь возвращается  праздничное настроение. Здесь нет контрастов и  напряжённости. Написан финал в форме рондо, где  главная тема ­ народного происхождения. Фоном ейслужит характерный ход валторн, похожий на звуки  лесного рога. Все части Симфонии № 103, при всём различии,  объединены единым танцевальным ритмом и бодрым  праздничным настроением. Вопросы: 1. Расскажите, как строилась классическая  симфония? 2. В какой форме пишется первая часть симфонии  Гайдна? 3. Сколько симфоний написал Гайдн? 4. Каково строение Симфонии ми бемоль мажор  Гайдна? 5. Почему её называют «С тремоло литавр»?6. Послушайте 1­ю часть Симфонии. Как  соотносятся между собой темы вступления, главной  и побочной партий? Какие чувства вызывает у вас  контрастное сопоставление вступления и двух тем  сонатного аллегро? 7. В каких частях сонатной формы вы услышали  отдельные интонации темы вступления или всю тему целиком ­ в экспозиции, разработке, репризе, коде?  Какую роль играет контраст в драматургическом  развитии 1­й части? 8. Послушайте финал Симфонии. Каким предстаёт  перед нами композитор? Можно ли предположить,  что музыку, полную такой жизненной энергии и  радости, Гайдн сочинил в 62 года?Импрессионизм в музыке В конце XIX века во Франции появилось новое  направление, получившее название «импрессионизм». Слово это в переводе с французского языка означает  «впечатление». Импрессионизм возник в среде  художников. В 70­е годы на различных парижских выставках  появились оригинальные картины К. Моне, К.  Писсаро, Э. Дега, О. Ренуара, А. Сислея. Их  искусство резко отличалось от приглаженных и  безликих работ живописцев­академистов. Импрессионисты вышли из своих мастерских на  вольный воздух, научились воспроизводить игру  живых красок природы, сверкание солнечных лучей,  разноцветные блики на водной глади, пестротупраздничной толпы. Они применяли особую технику  пятен­мазков, которые вблизи казались  беспорядочными, а на расстоянии рождали реальное  ощущение живой игры красок. Свежесть мгновенного впечатления в их полотнах сочеталась с тонкостью  психологических настроений. Позднее, в 80­90­е годы, идеи импрессионизма нашли выражение и во французской музыке. Два  композитора ­ К. Дебюсси и М. Равель ­ наиболее  ярко представляют импрессионизм в музыке. В их  фортепианных и оркестровых пьесах­эскизах с  особой новизной выражены ощущения, вызванные  созерцанием природы. Шум морского прибоя, плеск  ручья, шелест леса, утренний щебет птиц сливаются в их произведениях с личными переживаниями  музыканта­поэта, влюблённого в красоту  окружающего мира.Основоположником музыкального импрессионизма  считается Ашиль­Клод Дебюсси, который обогатил  все стороны композиторского мастерства ­  гармонию, мелодику, оркестровку, форму. В то же  время он воспринял идеи новой французской  живописи и поэзии. Клод Дебюсси Клод Дебюсси – один из самых значительных  французских композиторов, повлиявших на развитие  музыки ХХ века, как классической, так и джазовой. Дебюсси жил и работал в Париже, когда этот город  был Меккой интеллектуального и артистического  мира. Пленительная и красочная музыка композитора в немалой степени способствовала развитию  французского искусства. БиографияАшиль­Клод Дебюсси родился в 1862 году в городе  Сен­Жермен­ан­Ле, немного западнее Парижа. Его  отец Мануэль был мирным владельцем магазина, но,  перебравшись в большой город, окунулся в  драматические события 1870 – 1871 годов, когда  вследствие Франко­прусской войны произошло  восстание против правительства. Мануэль  присоединился к мятежникам и был заключён в  тюрьму. Тем временем юный Клод начал брать уроки  у мадам Моте де Флёрвиль и получил место в  Парижской консерватории. Новое течение в музыке Пережив столь горький опыт, Дебюсси проявил себя  одним из самых талантливых студентов Парижской  консерватории. Дебюсси тоже был так называемым  «революционером», часто шокируя учителей своими  новыми идеями о гармонии и форме. По этим жепричинам он был большим поклонником творчества  великого русского композитора Модеста Петровича  Мусоргского – ненавистника рутины, для которого в  музыке не существовало авторитетов, а на правила  музыкальной грамматики он обращал мало внимания  и искал свой новый музыкальный стиль. В годы обучения в Парижской консерватории  Дебюсси знакомится с Надеждой фон Мекк,  известной русской миллионершей и меценаткой,  близкой подругой Петра Ильича Чайковского, по  приглашению которой в 1879 году совершает своё  первое заграничное путешествие по Западной Европе. Вместе с фон Мекк они посетили Флоренцию,  Венецию, Рим и Вену. После путешествия по Европе  Дебюсси предпринял свою первую поездку по  России, где выступал на «домашних концертах» фон  Мекк. Здесь он впервые узнал творчество такихвеликих композиторов как Чайковский, Бородин,  Римский­Корсаков, Мусоргский. Вернувшись в  Париж, Дебюсси продолжил обучение в  консерватории. Вскоре он получил долгожданную Римскую премию  за кантату «Блудный сын» и проучился в столице  Италии два года. Там же он повстречался с Листом и  впервые услышал оперу Вагнера. На Всемирной  парижской выставке 1889 года звуки яванского  гамелана пробудили его интерес к экзотической  музыке. Эта музыка была безумно далека от западной традиции. Восточная пентатоника, или гамма из пяти  ступеней, отличающаяся от гаммы, принятой в  западной музыке, ­ всё это привлекало Дебюсси. Из  этого необычного источника он почерпнул многое,  создавая свой поразительный и замечательный новый  музыкальный язык.Эти и другие впечатления сформировали  собственный стиль Дебюсси. Два ключевых  произведения: «Послеполуденный отдых Фавна»,  написанный в 1894 году, и опера «Пеллеас и  Мелизанда» (1902), явились доказательством его  полной зрелости как композитора и открыли новое  течение в музыке. Созвездие талантов Париж в первые годы ХХ века был пристанищем для  художников­кубистов и поэтов­символистов, а  Русский балет Дягилева притягивал целое созвездие  блестящих композиторов, художников по костюмам,  декораторов, танцоров и хореографов. Это  танцовщик­хореограф Вацлав Нижинский,  знаменитейший русский бас Фёдор Шаляпин,  композитор Игорь Стравинский.В этом мире нашлось место и Дебюсси. Его  изумительные симфонические эскизы «Море», его  чудеснейшие тетради прелюдий и тетради «Образов»  для фортепиано, его песни и романсы – всё это  говорит о необычайной оригинальности, отличающей  его творчество от других композиторов. После бурной молодости и первого брака, в 1904  году он женился на певице Эмме Бардак и стал  отцом дочери Клод­Эммы (Шушу), которую обожал. Поворот судьбы Бесконечно нежный и утончённый музыкальный  стиль Дебюсси формировался долгое время. Ему  было уже за тридцать, когда он завершил своё первое  значительное произведение – прелюд  «Послеполуденный отдых фавна», вдохновлённый  поэмой своего друга, писателя­символиста СтефанаМалларме. Произведение впервые было исполнено в  Париже в 1894 году. Во время репетиций Дебюсси  постоянно вносил изменения в партитуру, и после  первого представления ему, вероятно, оставалось  много чего доработать. Приобретая известность Несмотря на все сложности и то, что прелюд был  исполнен в конце долгой и утомительной программы, публика почувствовала, что она слышит нечто  поразительно новое в отношении формы, гармонии и  инструментальной краски, и немедленно вызвала  исполнить произведение на бис. С того момента имя  композитора Дебюсси стало известно каждому. Непристойный сатир В 1912 году великий русский импресарио Сергей  Дягилев решил показать балет на музыку«Послеполуденного отдыха фавна», хореографом­ постановщиком и исполнителем которого стал  прославленный Вацлав Нижинский. Эротическое  изображение образа фавна, или сатира, вызвало  некоторый скандал в обществе. Дебюсси, по природе  своей закрытый и скромный человек, был разгневан и  смущён происшедшим. Но всё это только добавило  славы произведению, поставившему его в авангард  композиторов современной музыки, а балет завоевал  прочное место в мировом классическом репертуаре. С началом войны Интеллектуальная жизнь Парижа пошатнулась с  началом Первой мировой войны в 1914 году. К тому  времени Дебюсси был уже серьёзно болен раком. Но  он всё ещё создавал новую выдающуюся музыку,  например фортепианные этюды. Начало войны  вызвало у Дебюсси подъём патриотических чувств, впечати он подчёркнуто называл себя «французский  музыкант». Он умер в Париже в 1918 году во время  обстрела города немцами, всего за несколько месяцев до окончательной победы союзников. Звуки музыки Ноктюрн (nocturne), в переводе с французского –  ночной. В XVIII в. – цикл небольших пьес (род сюиты) для  ансамбля духовых инструментов или в сочетании их  со струнными. Исполнялись вечером, ночью на  открытом воздухе (подобно серенаде). Таковы  ноктюрны у В. Моцарта, Михаэля Гайдна. С ХIХ в. – музыкальная пьеса певучего, большей  частью, лирического, мечтательного характера, как  бы навеянная ночной тишиной, ночными образами.  Ноктюрн пишется в медленном или умеренномтемпе. Средняя часть иногда контрастирует своим  более оживлённым темпом и взволнованным  характером. Жанр ноктюрна как пьесы для  фортепиано создан Филдом (первые его ноктюрны  изданы в 1814 году).  Широкое развитие этот жанр  получил у Ф. Шопена. Ноктюрн пишут и для других  инструментов, а также для ансамбля, оркестра.  Ноктюрн встречается и в вокальной музыке. «Ноктюрны» Дебюсси закончил три симфонических произведения, в совокупности называемые «Ноктюрны», в самом  начале ХХ века. Он заимствовал название у  художника Джеймса Макнейла Уистлера, чьим  поклонником являлся. Некоторые гравюры и  картины художника как раз и назывались  «ноктюрнами».В этой музыке композитор выступил как подлинный  импрессионист, который искал особые звуковые  средства, приёмы развития, оркестровку для  передачи непосредственных ощущений, вызванных  созерцанием природы, эмоциональных состояний  людей. Сам композитор в пояснении к сюите «Ноктюрны»  писал, что это название имеет чисто «декоративный»  смысл: «Речь идёт не о привычной форме ноктюрна,  но обо всём том, что это слово содержит, от  впечатлений до особых световых ощущений».  Дебюсси однажды признал, что естественным  толчком к созданию «Ноктюрнов» послужили его  собственные впечатления от современного Парижа. Сюита имеет три части ­ «Облака», «Празднества»,  «Сирены». Каждая из частей сюиты имеет свою  программу, написанную композитором.«Облака» Триптих «Ноктюрны» открывается оркестровой  пьесой «Облака». На мысль назвать так своё  сочинение композитора навели не только реальные  тучи, которые он наблюдал, стоя на одном из  парижских мостов, но и альбом Тёрнера, состоящий  из семидесяти девяти этюдов облаков. В них  художник передал самые разнообразные оттенки  облачного неба. Наброски звучали как музыка,  переливаясь самыми неожиданными, едва уловимыми сочетаниями красок. Всё это ожило в музыке Клода  Дебюсси. «Облака», ­ пояснял композитор, ­ это картина  неподвижного неба с медленно и меланхолически  проходящими облаками, уплывающими в серой  агонии, нежно оттенённой белым светом».Слушая «Облака» Дебюсси, мы как бы сами  оказываемся вознесёнными над рекой и  рассматриваем однообразно­унылое пасмурное небо.  Но в этом однообразии – масса красок, оттенков,  переливов, мгновенных изменений. Дебюсси хотел отразить в музыке «медленный и  торжественный марш облаков по небу». Извилистая  тема у деревянных духовых рисует нам прекрасную,  но меланхоличную картину, изображающую небо.  Альт, флейта, арфа и английский рожок – более  глубокий и тёмный по тембру родственник гобоя –  все инструменты добавляют свою тембральную  окраску к общей картине. Музыка по динамике лишь  едва превышает пиано и, в конце концов, полностью  растворяется, словно облака исчезают на небосклоне. «Празднества»Спокойные звучания первой части сменяются  пиршеством красок следующей пьесы «Празднества». Пьеса строится композитором как сцена, в которой  сопоставляются два музыкальных жанра ­ танец и  марш. В предисловии к ней композитор пишет:  «Празднества» ­ это движение, пляшущий ритм  атмосферы с взрывами внезапного света, это также  эпизод шествия ... проходящего сквозь праздник и  сливающегося с ним, но фон остаётся все время ­ это  праздник ... это смешение музыки со светящейся  пылью, составляющее часть общего ритма». Связь  живописи и музыки была очевидной. Яркая картинность литературной программы находит своё отражение в живописности музыки  «Празднеств». Слушатели погружаются в мир,  полный звуковых контрастов, затейливых гармоний,  игры инструментальных тембров оркестра.Мастерство композитора проявляется в его  удивительном даре симфонического развития. Празднества» наполнены ослепительными  оркестровыми красками. Яркое ритмическое  вступление струнных рисует нам оживлённую  картину праздника. В средней части будто слышится  приближение парада, сопровождаемое медными и  деревянными духовыми, затем звучание уже всего  оркестра постепенно нарастает и выливается в  кульминацию. Но вот это мгновение исчезает,  волнение проходит, и мы слышим только лёгкий  шёпот последних звуков мелодии. В «Празднествах» он изобразил картины народных  увеселений в Булонском лесу. «Сирены»Третья пьеса триптиха «Ноктюрны» ­ «Сирены», для  оркестра с женским хором. «Это море и его бесчисленные ритмы, ­ раскрывал  программу сам композитор, ­ затем посреди волн,  посеребрённых луной, возникает, рассыпается  смехом и затихает таинственное пение Сирен». Немало поэтических строк посвящено этим  мифическим существам – птицам с головами  прекрасных девушек. Ещё Гомер описал их в своей  бессмертной «Одиссее». Чарующими голосами сирены заманивали к острову  путешественников, и корабли их гибли на  прибрежных рифах, и вот мы можем услышать их  пение. Поёт женский хор – поёт с закрытыми ртами.  Слов нет – одни звуки, будто рождённые игрой волн,  парящие в воздухе, исчезающие, едва возникнув, и  снова возрождающиеся. Даже не мелодии, а лишьнамёк на них, как мазки на полотнах художников­ импрессионистов. И в результате эти звуковые  блёстки сливаются в красочную гармонию, где нет  ничего лишнего, случайного. Хачатурян. Концерт для скрипки с оркестром При первых звуках поэтичного вальса к драме М. Ю.  Лермонтова «Маскарад» или «Танца с саблями» избалета «Гаянэ» слушатель сразу догадывается, что  это музыка Хачатуряна, в которой чувствуется  сочный колорит восточных мелодий, стремительный  танцевальный ритм и особая красочность звучания  оркестра. Биография Музыкальный путь композитора начался необычно. В детстве Хачатурян не учился музыке, только слушал  народные песни и пел сам. Его отец, известный в  Тбилиси мастер переплётного дела, был  самодеятельным музыкантом. Он пел под  аккомпанемент народных инструментов ­ саза,  кеманчи или тара. Настоящие занятия музыкой начались, когда Араму  исполнилось 19 лет. Он приехал в Москву и поступил в техникум при Институте имени Гнесиных по классувиолончели. Талант юноши сразу же привлёк  внимание выдающихся педагогов. В классе  композитора Гнесина Хачатурян изучал музыкальных классиков и впервые попробовал сочинять музыку.  Он блестяще оканчивает музыкальный техникум и  поступает в Московскую консерваторию в класс к  известному композитору Н. Мясковскому. В  консерватории Хачатурян пишет свою первую  симфонию, а также камерные и инструментальные  произведения. Любопытно, что созданные им в то  время марши были включены в обязательный  репертуар военных оркестров. В 1934 году Хачатурян закончил Московскую  консерваторию, и его имя, как лучшего выпускника,  было высечено на «золотой доске». Первая симфония сразу была признана выдающимся  произведением. В ней уже тогда проявилась такаячерта творчества Хачатуряна, как  импровизационность. Импровизировать ­ это значит  сочинять внезапно, без предварительной подготовки.  Здесь же это означало лёгкость и вместе с тем  чёткость мелодии. Недаром композитор использовал  много фольклорного материала ­ танцевальные  мелодии Грузии и Армении. Вслед за Первой симфонией появляется Концерт для  фортепиано с оркестром. В нём также соединяются  яркие национальные ритмы с чёткостью,  свойственной классическим концертам Чайковского.  Композитор пробует свои силы в самых разных  жанрах ­ пишет балет «Счастье», поставленный  впервые Ереванским театром балета, а также музыку  к кинофильмам и ко многим драматическим пьесам. По заказу театра им. Вахтангова Хачатурян создаёт  знаменитый «Вальс» к драме М. Лермонтова«Маскарад», а для спектакля МХАТа «Кремлёвские  куранты» пишет песню «Море Балтийское». Наиболее крупным произведением стал Концерт для  скрипки с оркестром, посвящённый Давиду  Ойстраху, с которым композитора связывала не  только дружба, но и длительное творческое  сотрудничество. В годы войны Хачатурян пишет свой второй балет –  «Гаянэ», в котором рассказывает о борьбе советских  людей с врагами. С 1950 года он преподавал в Московской  консерватории и впервые начал выступать как  дирижёр. Любопытно, что исполнял он только  произведения собственного сочинения, считая, что  композитор не может воплотить музыку, сочинённую  другим.Центральное произведение послевоенного времени ­  балет «Спартак», ставший своеобразной визитной  карточкой Большого театра. Появлению этого балета на сцене Большого театра предшествовала долгая  история. Премьера «Спартака» состоялась в 1956  году в Ленинграде. Несмотря на то, что балет был  восторженно принят публикой и критикой,  композитор счёл необходимым доработать его  музыку, и на сцене Большого театра была поставлена  практически новая версия балета. В нём музыкальными средствами рассказана история  восстания древнеримских рабов и воссоздана  история любви Спартака и Фригии. Новизна балета в  том, что Хачатурян строит его драматургию на  соединении динамичных массовых сцен и  своеобразных танцевальных монологов героев. Это  отражено и в характере музыки.В последние годы жизни композитор работал над  монументальным сочинением совершенно нового  типа. Это был концерт­рондо, каждая из частей  которого должна была исполняться оркестром с  одним из солистов ­ на скрипке, виолончели и на  фортепиано. Однако Хачатурян так и не успел  закончить работу над этим новаторским сочинением. Значение его творчества заключается в создании им  практически новой музыки, музыки ХХ века,  отличающейся особым динамизмом, драматичностью  конфликта, мелодической выразительностью,  специальной тональностью сольных партий. Вот почему произведения Хачатуряна входят в  программу произведений, обязательных для  исполнения участниками Московского  международного конкурса имени П. Чайковского.Концерт для скрипки с оркестром Концерт для скрипки с оркестром написан  Хачатуряном в пору творческой молодости. Его  музыка передаёт характерное для композитора  страстное упоение земной красотой, поющей,  животворящей, лучезарной. Это произведение принадлежит к числу  популярнейших творений советской музыки. Эта  популярность во многом связана с достоинствами  сочинения. С особой силой здесь проявился дар  композитора создавать музыку, опирающуюся на  народное творчество. В концерте не использованы  подлинные народные мелодии, но весь он является  выражением армянской народной песенности. Композитор, следуя традициям, варьирует мелодии,  оплетая их кружевом, орнаментом, «играет»ритмами, оркестровыми красками, перекличками  оркестра с солирующей скрипкой. Праздничный,  приподнято­восторженный тон Концерта вызывает  ассоциации с цветущей природой Армении, рождает  в сердцах слушателей ответный восторг: «Да будет  свет! И да будет радость!» (Б. Асафьев.) Произведение это очень сложно для исполнения и  требует от скрипача огромного мастерства. Но это не просто виртуозность ради виртуозности. Она  является средством выражения содержания музыки,  её жизнерадостности, праздничности. Концерт  посвящён известному скрипачу Давиду Ойстраху,  который и был первым исполнителем этого  сочинения. В концерте три части, которые рисуют три разные  картины из жизни народа, поэтические зарисовкиприроды Армении. В центре их ­ лирическая «песня», которую обрамляют две танцевальные части. Первая часть открывается энергичным и напористым  оркестровым вступлением, которое сразу же вводит  нас в сферу активного действия. Чёткий, упругий ритм и танцевальный характер  отличают главную партию сонатного аллегро. Эта  тема, исполняемая солирующей скрипкой, близка  народной музыке Закавказья. Побочная партия своей импровизационностью  напоминает пение народных певцов­ашугов. В разработке, состоящей из трёх разделов,  подвергаются развитию все три темы. Результатом  этого развития становится сближение этих тем, когда плавная мелодия побочной партии наполняется  энергичными ритмами, а танцевальная главнаяпартия становится более лиричной. Как и положено,  разработка завершается блестящей виртуозной  каденцией скрипки. (В концерте есть так  называемая каденция ­ большой эпизод, который  солист исполняет без оркестра). В репризе все темы первой части Allegro con  fermezzo варьируются, обрастают подголосками,  движение становится все более динамичным. Такая  реприза называется динамической. Завершает первую часть кода, утверждающая волевой мужественный  образ первой части. Вторая часть Andante sostenuto ­ самый лиричный  образ концерта. Это своеобразная «песня без слов»,  которая «поётся» на фоне прекрасного кавказского  пейзажа. Вы никогда не были на Кавказе?  Представьте величественные горы, освещённые  лучами солнца, какая­то первозданность горногопейзажа. Потому и музыка, его рисующая, звучит как  гимн солнцу, красоте, природе. Финал, 3 часть Allegro vivace ­ грандиозная картина  народного праздника. Всё в нём полно движения,  огня, энергии. Это как бы общий танец, из которого  время от времени выделяются солисты. Движение  танца постепенно становится всё более  стремительным, как будто в танцевальный круг  вливается всё больше людей. Оркестр подражает  народным инструментам. Большое значение в драматургии концерта играет  кода финала. В ней в стремительном вихревом  движении проносятся темы первой части, что  объединяет произведение в единое целое. Для творчества Хачатуряна характерны оптимизм,  жизнеутверждение. Вот и здесь драматические илирические образы первой части превращаются в  образы народного праздника, веселья, буйной пляски. Вопросы и задания: 1. Послушайте Концерт для скрипки с оркестром А. Хачатуряна и запишите свои впечатления от каждой  из его частей в «Творческую тетрадь». 2. Какие принципы развития ­ контраст, повтор,  вариационность ­ использует композитор в каждой  части Концерта? В каком соотношении находятся в  Концерте солирующая скрипка и оркестр? 3. Если представить себе героя этой непрограммной музыки, то какими чертами его наделил  композитор? 4. Какие черты музыки Концерта Хачатуряна  созвучны вашим мыслям и чувствам, восприятию  современных слушателей?Шуберт. Симфония №8 си минор,  «Неоконченная» Музыку Бетховена, в которой слышались ещё  отголоски Великой французской революции,  вытесняли произведения развлекательных жанров.  Внешним фоном жизни Франца Шуберта, который  был современником Бетховена, была весёлая,  «танцующая» Вена. Интерес к судьбам человечества,  гармония разума и действительности отодвигались на задний план. Творческие планы Шуберта,  потребность в духовном общении находили  сочувствие и поддержку лишь в небольшом кругу  друзей, людей, преданных искусству. В музыке  Шуберта впервые раскрылись черты характера,эмоционального строя человека нового тогда XIX в.  Своё отношение к жизни, окружающему миру  художник выражает через лирику чувств и  переживаний реального, обычного человека. А для  этого нужны иные формы и иные средства  выражения, передающие непосредственность  высказывания. Живое чувство ритма музыки, непрерывно длящуюся мелодию можно сравнить с речью человека,  ощущением его дыхания. Мы всегда слышим,  спокоен он или взволнован, радуется или печалится,  как меняется его состояние. Вслушиваясь в  музыкальную интонацию, всегда можно понять смысл музыки, почувствовать её выразительность, силу  воздействия. Франц Шуберт ­ непревзойдённый автор сонат,  симфоний, струнных квартетов и более шестисотпесен. Шуберт был одним из основоположников  немецкой романтической музыки. Жизнь Шуберта  была короткой и полной разочарований. Но он  оставил после себя музыкальное наследие,  беспрецедентное по выразительности и богатству  мелодий. Биография Франц Петер Шуберт родился в предместье Вены,  местечке Лихтенталь. Семья была многодетной –  четырнадцать детей, из которых выжили только  пятеро. Его отец Франц Теодор Шуберт, был  школьным учителем, и в юности будущий композитор пробовал свои силы в педагогике. Но вскоре стало  ясно, в чём его истинное призвание. Шуберт пел в  хоре Венской императорской капеллы, где егопедагогом был капельмейстер Антонио Сальери, в  прошлом соперник Моцарта. Годы юности были полны обещаний и надежд.  Коренастый и некрасивый, Шуберт всё же не  испытывал недостатка в друзьях и почитателях –  людях, которые распахивали двери своих домов,  оказывали протекцию в музыкальных кругах и  исполняли его музыку. Затем начались знаменитые «Шубертиады» в венских салонах или при поездках за город, на которых  впервые прозвучали многие сочинения композитора.  Это помогало его имени приобретать известность в  венском обществе, в том числе и в артистических  кругах. Однако во всём остальном Шуберта  преследовали неудачи. Он упорно работал над  несколькими операми и другими сценическими  произведениями, в частности над музыкой к«Розамунде», но мало какие получили широкое  признание. Его здоровье быстро ухудшалось. В  состоянии глубочайшего отчаяния он писал о себе  как о «проклятом, несчастнейшем в мире создании». Повороты судьбы Через общих знакомых в венском обществе Шуберт  был представлен баритону Иоганну Михаэлю Фоглю.  Благодаря прекрасному голосу и импозантной  внешности тот уже был звездой Венской Оперы, и на  него не сразу произвёл впечатление неопытный и  неуклюжий молодой композитор. «Вы  разбрасываетесь мыслями», ­ ворчал он на Шуберта.  Но вскоре распознал гений юноши и стал его самым  пылким сторонником. Фогль способствовал постановке нескольких опер  Шуберта и в некоторых из них пел. Ещё большеезначение имела его поддержка Шуберта как  первопроходца и первого мастера немецкой  художественной песни. Фогль пел многие песни композитора из  «Шубертиад», а также брал друга на гастроли. Гастрольная поездка 1819 годы была для  композитора особенно счастливой. Они с Фоглем  поселились в сельской местности вместе со своим  другом Альбертом Штадлером. В это время Шуберт  сочинил прелестный фортепианный квинтет, в  который включил мелодию своей песни «Форель»,  вероятно, часто и с удовольствием исполнявшуюся  Фоглем. После смерти композитора Фогль ещё много  лет продолжал исполнять его песни. Известность в узких кругахВена славилась традициями домашнего  музицирования, распространёнными среди людей  всех сословий. Однако, несмотря на успех его  музыки среди любителей и на продолжение  «Шубертиад», в остальном удача всё реже ему  улыбалась. Несколько опер подряд – «Альфонсо и  Эстрелла», «Заговорщики, или домашняя война»,  «Феррабрас» ­ не были поставлены (в первую  очередь, в их прискорбной судьбе повинны  либреттисты). Успешное исполнение музыки к  «Розамунде» несколько вознаградило композитора.  Произведения печатались, но чаще – небольшие, не  приносившие существенных гонораров. Лето 1824  года он провёл в качестве учителя в семействе  Эстерхазе, в 1825 году вместе с Фоглем вновь  отправился в Верхнюю Австрию.1826 год принёс ещё одно разочарование: не было  удовлетворено ходатайство Шуберта о  предоставлении ему места капельмейстера  Придворной капеллы, где он когда­то пел ребёнком  и, выступив в последний раз, оставил запись в  альтовой партии мессы Петера Винтера: «Шуберт,  Франц, прокукарекал в последний раз 26 июля 1812  года». Безвременная смерть Концертные поездки вскоре тоже стали для него  невозможны из­за ухудшения здоровья. Образ жизни  композитора, от природы очень общительного,  поневоле становился всё более и более замкнутым,  часто он был вынужден проводить время взаперти. Шуберт испытывал благоговение перед Бетховеном,  который также жил и работал в Вене. Он был напремьере Девятой симфонии великого композитора.  Казалось, что Шуберт предчувствовал собственную  кончину и лихорадочно работал, чтобы завершить  свои последние и лучшие сочинения – вокальный  цикл «Зимний путь», Девятую симфонию и Струнный квинтет До мажор. Окрыляющей была дошедшая до Шуберта весть об  одобрении его таланта самим Бетховеном. По словам Шиндлера, друга Бетховена, познакомившего его с  шубертовскими песнями, Бетховен долго не  расставался с ними и многократно восклицал:  «Воистину, в Шуберте живёт божественная искра». Сковывающая Шуберта робость, из­за которой он  лишь издали осмеливался взирать на своё божество,  полная глухота Бетховена, его замкнутость  помешали их сближению.1828, последний, год жизни композитора принёс ему,  наконец, признание венской публики.  Организованный в Вене авторский концерт вызвал  долгожданный крупный успех. Но частичные удачи  последнего времени уже не могли восстановить  подорванный внутренней напряжённостью и  длительными лишениями организм. С осени 1828  года здоровье Шуберта ухудшилось. Франц Шуберт умер 19 ноября 1828 года и был  похоронен рядом с Бетховеном. Друг композитора,  драматург Франц Грильпарцер написал на его  могиле: «Музыка похоронила здесь богатое  сокровище и ещё более прекрасные надежды». Шуберт. Симфония № 8 си минор,  «Неоконченная»Благодаря Шуберту появился новый тип лирико­ драматической симфонии. Одним из первых  шедевров мировой музыкальной культуры стала его  симфония №8. «Я пел песни и пел их много лет.  Когда я пел о любви, она приносила мне  страдания, когда я пел о страдании, оно  превращалось в любовь. Так любовь и страдания  раздирали мне душу», ­ писал Ф. Шуберт. Эта идея и определила содержание симфонии №8. Она явилась  обобщением образов вокальных сочинений  композитора, разросшимся до значения жизненно  важных проблем: человек и судьба, любовь и смерть,  идеал и действительность. В 1865 году один из венских капельмейстеров  составлял программу концерта старой венской  музыки. Для этого он перебирал кипы старинных  рукописей. В одном неразобранном архиве онобнаружил неизвестную ранее партитуру Шуберта.  Это была си­минорная симфония. Она была  исполнена впервые в декабре 1865 года ­ через 43  года после создания. В то время, когда Шуберт писал эту симфонию, он  уже был известен как автор прекрасных песен и  фортепианных пьес. Но ни одна из написанных им  симфоний не была публично исполнена. Новая си­ минорная симфония создавалась сначала в виде  переложения для двух фортепиано, а затем уже ­ в  партитуре. В фортепианном варианте сохранились  наброски трёх частей, но в партитуре композитор  записал только две. Поэтому впоследствии она  получила название «Неоконченной». До сих пор во всём мире ведутся споры, является ли  она незавершённой, или Шуберт полностью воплотил