Урок: Сказочный мир Анатолия Лядова

Сказочный мир Анатолия Лядова Музыкальная судьба А. К. Лядова поначалу  складывалась очень счастливо: он родился 29  апреля 1855 г. в семье потомственных музыкантов.  Отец и дед его были дирижёрами, отец ещё и  композитором. Авторитет папы как оперного  дирижёра (он был капельмейстером Русской оперы в Петербурге, дирижёром симфонических  концертов) был очень велик. Даже М. И. Глинка в  некоторых вопросах советовался с ним. Избрание  профессии музыканта для Анатолия и его семьи  было делом решённым. Отец ещё в раннем детстве  заметил большое дарование сына. В 15 лет Анатолий Лядов поступил в  консерваторию. Он был зачислен на стипендиюимени Константина Лядова (своего отца),  учреждённую артистами Русской оперы. Анатолий начал заниматься по классам  фортепиано, теории и композиции. В числе его  учителей ­ Н. А. Римский­Корсаков. Для формирования его таланта большую роль  сыграло общение с М. А. Балакиревым, А. П.  Бородиным, М. П. Мусоргским, высоко  оценившими его дарование. М. П. Мусоргский  писал: «Появился новый, несомненный и русский  талант». А молодому «таланту» в то время было  только восемнадцать лет. Первыми опусами  молодого композитора были четыре романса, а  также циклы фортепианных пьес «Бирюльки» и  «Арабески», которые сразу же стали известны в  кругу музыкантов. Но учение в консерватории не  было гладким.Дарование А. К. Лядова было велико. Его педагог  Н. А. Римский­Корсаков считал его «несказанно  талантливым», но нерадивым студентом. О А. К.  Лядове рассказывали, что, когда он жил в доме  своей сестры, он сам просил не кормить его  обедом, пока он не выполнит консерваторские  задания. Занятия он посещал плохо. И вот зимой  1876 г. «за непосещение занятий» его исключили из консерватории вместе с его другом ­ талантливым  пианистом Г. О. Дютшем. Когда молодые люди  пришли к Н. А. Римскому­Корсакову домой с  просьбой о восстановлении и обещанием  заниматься, профессор остался непреклонен: «Я  был непоколебим и отказался наотрез. Откуда,  спрашивается, напал на меня такой бесстрастный  формализм? Конечно, Лядова и Дютша следовало  принять как блудных сынов ... Но я этого несделал. Утешаться можно разве тем, что все к  лучшему на этом свете, ­ и Дютш, и Лядов стали  впоследствии моими друзьями». Исключение из консерватории было тяжёлым  ударом для А. К. Лядова. Но через два года его  восстановили. Представленная на экзамен кантата  поправилась Художественному совету. И ему  присудили малую золотую медаль и диплом  свободного художника. Сразу после этого  двадцати­трёхлетний композитор был зачислен в  состав преподавателей консерватории. Среди учеников А. К. Лядова были Н. Я.  Мясковский, С. С. Прокофьев, С. М. Майкапар и  др. Знаменитые педагогические афоризмы  передавались учениками «по наследству» от  старших к младшим. «Слух ведь мыслит,развивайте слуховое мышление», «Надо быть  аристократом чувств и вкусов», ­ так он говорил  ученикам. Вы тоже запомните эти слова и  постарайтесь им следовать. Конечно, не все его  ученики были так талантливы, как перечисленные. И работа в консерватории отнимала много сил и  энергии. Но он не мог оставить её и полностью  посвятить себя творчеству. В поэтическом  «Послании к другу» А. К. Лядов со свойственным  ему юмором, но и с некоторой грустью писал: Уж лето красное промчалось! Так дни за днями и бегут ... Недолго жить мне здесь осталось ­ Опять за ненавистный труд. Чтоб обучать девиц, мальчишек, Терпенья должен быть излишек, А я устал уже давноТвердить год целый все одно. Как жалок тот, кто поясняет Глухому звук, слепому цвет. Ей­богу, в этом проку нет! Лишь время попусту теряет. К такому делу еду я ­ Печальная судьба моя. В Санкт­Петербурге А. К. Лядов познакомился с  М. П. Беляевым и примкнул к новому  многочисленному художественному объединению ­ Беляевскому кружку. Значение композиторов  Беляевского содружества заключалось не только в  их новых творческих достижениях, но и в  огромной просветительской работе, укреплявшей в России высокий музыкальный профессионализм. Как говорил Н. А. Римский­Корсаков, «кружок  Балакирева соответствовал периоду «бури инатиска» в развитии русской музыки, кружок М. П. Беляева ­ периоду спокойного шествия вперёд». В эти годы А. К. Лядовым создано огромное  количество фортепианных миниатюр, программные пьесы «Багатель», «Музыкальная табакерка», «Про старину» и др., «Детские песни», обработки  народных песен. Одна из лучших миниатюр А. К. Лядова  «Музыкальная табакерка». С каким остроумием  композитор подражает в ней звучанию  игрушечного заводного инструмента. Автор дал  миниатюре единственное обозначение:  «automaticamente», то есть «автоматично».  Ритмическое однообразие, повторность  незатейливого вальса, «стеклянная» звучность,  тонко подмеченные типичные для «музыкальногоящика» форшлаги и трели передают особый  механический характер музыки. «И как это у вас так мило в «Табакерке», когда  вдруг что­то крякнет или чихнёт вверху! Ах, как  мило, ах, как комично и грациозно!» ­ писал В. В.  Стасов Лядову после исполнения «Табакерки» в  авторской редакции для небольшого  инструментального состава. Очень характерна для А. К. Лядова пьеса «Про  старину». Уже при первых звуках возникает образ  древнерусского певца Баяна. В гусельном  перезвоне ­ немного изменённая подлинно  народная мелодия «Подуй, подуй, непогодушка».  Позднее А. К. Лядов переложил эту пьесу для  симфонического оркестра и предпослал эпиграф  из «Слова о полку Игореве»: «Поведём же, братия, сказанье от времён Владимировых древних».Революционные события 1905 г. всколыхнули и  его. В знак протеста против увольнения Н. А.  Римского­Корсакова А. К. Лядов и А. К. Глазунов  покинули консерваторию. На вынужденный уход из Московской консерватории С. И. Танеева А. К.  Лядов откликнулся «открытым письмом» в газете:  «Дорогой Сергей Иванович! С глубоким  сожалением я узнал из газет, что Вы вынуждены  оставить Московскую консерваторию. Но я не Вас  жалел, мне жаль консерваторию, которая в лице  Вас потеряла незаменимого профессора, чудного  музыканта и светлого, чистого человека, всегда  готового неослабно стоять за правду. Вы ­ золотая  страница Московской консерватории, и ничья рука не в состоянии её вырвать. Глубоко уважающий  Вас Ан. Лядов».В. В. Стасов, узнав об этом, в восхищении писал:  «Милый Лядушка, только вчера узнал я Ваше  письмо к С. И. Танееву в «Руси». Вы меня чёрт  знает, как восхитили. Вот это ­ люди, вот это ­  художники». Лишь после избрания директором А.  К. Глазунова и возвращения Н. А. Римского­ Корсакова вернулся в консерваторию и А. К.  Лядов. 1900­е гг. были периодом огромного творческого  расцвета композитора. В этот период он создал  симфонический цикл «Восемь русских народных  песен для оркестра» и замечательные программные миниатюры «Баба –Яга», «Волшебное озеро»,  «Кикимора». В них выразились поиски  композитора идеала в искусстве неземном. Сказка  ­ вот тот «просвет» в другую жизнь, манивший  художника, уводивший от обыденного в мечту.«Сказочные картинки», как композитор назвал эти  произведения, ­ одночастные симфонические  пьесы. Яркая живописность, «картинность»  замысла обусловили красочность всех  выразительных средств. «Кикимора» имеет программу: «Живёт, растёт  Кикимора у кудесника в каменных горах. От утра  до вечера тешит Кикимору Кот­баюн ­ говорит  сказки заморские. Со вечера до бела света качают  Кикимору во хрустальчатой колыбельке. Ровно через семь лет вырастает Кикимора.  Тонешенька, чернёшенька та Кикимора, а голова­ то у ней малым­малёшенька, со наперсточек, а  туловище не спознать с соломиной. Стучит, гремит Кикимора с утра до вечера; свистит, шипит  Кикимора со вечера до полуночи; со полуночи до  бела света прядёт кудель конопельную, сучитпряжу пеньковую, снуёт основу шёлковую. Зло на  уме держит Кикимора на весь люд честной». Очень образно музыка миниатюры рисует и  сумрачный край, где поначалу живёт Кикимора,  Кота­баюна с его колыбельной песней, и  призрачное звучание «хрустальчатой колыбельки». Но какой злобной рисует музыка саму Кикимору!  Она выражает не только её уродство, но и  внутреннюю суть Кикиморы, готовой уничтожить  всё живое. Завершается пьеса жалобным писком  флейты пикколо, как будто кто­то шутя  уничтожил, раздавил источник этого большого  шума. Эту пьесу надо обязательно послушать. Близка «Кикиморе» по сюжету и «Баба Яга». Из  сказки Афанасьева «Василиса Прекрасная»  композитор выбрал самый динамичный эпизод:  появление Яги, её полёт через дремучий лес наступе и исчезновение. Музыка точно изображает  детали этой программы: свист Яги, а потом  стремительное движение, как будто Баба­Яга  приближается к нам, а потом уносится прочь. Эту  миниатюру тоже послушайте. Стремительность,  полётность, юмористичность позволяют назвать её  русским симфоническим скерцо. Кстати, эта образная сфера ­ скерцозная,  юмористическая ­ была близка А. К. Лядову.  Огромный материал для характеристики его юмора дают альбомы его рисунков и три тетради стихов.  Он был хорошим поэтом и мог тут же, в разговоре,  сочинить небольшой каламбур, эпиграмму,  поздравление. Его письма к друзьям почти всегда  содержали стихотворения. Например, живя на  даче, в одном письме он жаловался на жару в  четверостишии:Ах, зачем я не скелет! Ветер в рёбрах бы играл, Я б жары совсем не знал И стыда, что не одет. Если «Баба –Яга» и «Кикимора» близки по  колориту, то «Волшебное озеро» имеет совсем  другой характер. Это было одно из немногих  произведений А. К. Лядова, которое он сам очень  любил: «Ах, как я его люблю! Как оно картинно,  чисто, со звёздами и таинственностью в глубине!» В этой пьесе композитор хотел подчеркнуть, что  это не столько зарисовка с натуры какого­то  конкретного озера (хотя оно и существовало, и А.  К. Лядов часто ходил к нему в своей Полыновке),  сколько таинственное озеро, в котором фантазия  художника могла увидеть самые необычные вещи.«Волшебное озеро» это не сама сказка, а  состояние, в котором может зародиться сказка. Конечно, по широте охвата действительности  творчество А. К. Лядова уступает великим его  современникам. Но композитор занял всё же  видное место в истории русской музыки. Он внёс  вклад во все затронутые им области музыки. Черты нового самобытного стиля проявились и в  его фортепианных пьесах, а особенно ­ в  симфонических миниатюрах, открывавших новую  самостоятельную линию в русском симфонизме. Вопросы: 1. Назовите годы жизни А. К. Лядова. 2. С каким городом связана деятельность  композитора?3. Как отреагировал А. К. Лядов на увольнение из Петербургской консерватории Н. А. Римского­ Корсакова? 4. Что являлось главной особенностью  творчества А. К. Лядова? 5. Перечислите известные вам произведения А. К. Лядова. Скрябин. Поэма огня «Прометей» Флейты звук зорево­голубой, Так по­детскому ласково­малый, Барабана глухой перебой, Звук литавр торжествующе­алый...(К. Бальмонт) Музыкант­философ Александр Николаевич  Скрябин, чьё творчество оказалось созвучным  бурной эпохе рубежа двух веков, отразило его  смелые поиски новых путей. Стремление к идеалам добра, справедливости и всеобщего братства  людей пронизывает всё его музыкальное искусство. Александр Скрябин родился в Москве 6 января  1872 года в семье дипломата, рано потерял мать, и  его взяла на воспитание родная тётушка Любовь  Александровна Скрябина, давшая ему первые  уроки музыки. Она вспоминала, что уже с грудного возраста он тянулся к звукам фортепиано. А в три  года уже часами просиживал за инструментом. К  роялю мальчик относился как к живому существу.Он и сам их мастерил в детстве ­ маленькие  игрушечные рояли... Музыку Скрябин стал сочинять рано ­ в семь лет  он написал свою первую оперу, назвав её именем  девочки, в которую был тогда влюблён. В 11­летнем возрасте, параллельно обучению в  московском кадетском корпусе в Лефортове,  начались и его регулярные музыкальные занятия в  классе известного преподавателя Московской  консерватории Н. С. Зверева, у которого в ту пору  уже учился Серёжа Рахманинов. В ранней юности его любимый композитор ­  Шопен, позднее ­ Бетховен. Искусство композиции он изучал у С. И. Танеева, а Московскую  консерваторию закончил в двадцать лет по классу  фортепиано, получив малую золотую медаль.В то же время он испытал большое чувство любви.  Его избранницей была пятнадцатилетняя Наташа  Секерина. На своё предложение он получил отказ,  но чувство, испытанное к ней, осталось с ним на  всю жизнь и больше не повторилось. Скрябин начинает рано и успешно гастролировать ­ Берлин, Дрезден, Люцерн, Генуя, Париж.  Рецензенты, как и публика, благосклонны к нему.  «Он ­ весь порыв и священное пламя», «он  раскрывает в своей игре неуловимое и  своеобразное очарование славян ­ первых  пианистов в мире», ­ писали о нём. Скрябин обретает славу и в отечестве, и за  рубежом. Композитор Анатолий Лядов  приветствовал его новые творения словами:  «Появилось новое и великое искусство». Николай  Римский­Корсаков о нём писал: «Звезда первойвеличины». Лев Толстой, услышав одну из  фортепианных миниатюр композитора,  откликнулся так: «Очень искренне, искренность  дорога. По одной этой вещи можно судить, что он  большой художник». Музыка его оказалась столь новой и непривычной,  столь дерзкой, что, например, исполнение его  Второй симфонии в Москве 21 марта 1903 года  превратилось в форменный скандал. Мнения  публики разделились: одна половина зала свистела, шикала и топала, а другая, встав возле эстрады,  бурно аплодировала. «Какофония» ­ таким страшным словом назвал  симфонию мэтр и учитель Н. А. Римский­ Корсаков, а вслед за ним и десятки других  музыкальных авторитетов. Но Скрябин ничуть не  был смущён. Он уже ощущал себя мессией,провозвестником новой религии. Такой религией  для него было искусство. Он верил в его  преобразующую силу, он верил в творческую  личность, способную создать новый, прекрасный  мир. Скрябин считал, что только искусство способно  очистить человека от злобы мира. Это  стихотворение ­ яркое подтверждение  поэтического дара композитора: О, дивный образ Божества, Гармоний чистое искусство! Тебе приносим дружно мы Хвалу восторженного чувства! Ты жизни светлая мечта, Ты праздник, ты отдохновенье, Как дар приносишь людям ты Свои волшебные виденья.В тот мрачный и холодный час, Когда душа полна смятенья, В тебе находит человек Живую радость утешенья. Ты силы, павшие в борьбе, Чудесно к жизни призываешь. В уме усталом и больном Ты мыслей новых строй рождаешь. Ты чувств безбрежный океан Рождаешь в сердце, восхищённом, И лучших песней песнь поёт Твой жрец, тобою вдохновлённый. Царит всевластно на Земле Твой дух свободный и могучий. Тобой поднятый человек Свершает славно подвиг лучший.Придите, все народы мира, Искусству славу воспоём! (А. Скрябин) Скрябин много сочиняет, его издают, исполняют,  но всё же он живёт на грани нужды, и желание  поправить свои материальные дела снова и снова  гонит его по городам и весям. Исполнение его  произведений в Европе и Америке, как правило,  вызывало восторженный приём слушателей. Издатель журнала «Новое звено» А. Брянчанинов,  в корреспонденции из Лондона писал, как  восторженно принимала аудитория концерт  Скрябина: «Меломаны, тридцать лет посещающие  лондонские концерты, не забудут тех оваций,  которыми отблагодарила зала Скрябина. В зале  стоял какой­то вопль, махали платками, чемпопало. Оркестр, заражённый общим настроением,  встал и поклонился новому светилу». Композитор всё больше чувствовал постоянное  переутомление. Это находило отражение в его  музыке. Например, в Девятой сонате появился  мотив, который произвёл впечатление на  внимательных слушателей. Когда у композитора  спросили, что он означает, Скрябин ответил: «Это  ­ тема подкрадывающейся смерти». Ответ сразу стал известен друзьям композитора. И  смерть не замедлила: прервав работу над всеми  грандиозными замыслами, она наступила через два  месяца после произнесённых слов. Он умер 27  апреля 1915 г. от внешне незначительной причины ­ карбункула на губе, вызвавшего общее заражение  крови.Весть о смерти композитора мгновенно облетела  всю Москву. На кладбище Новодевичьего  монастыря его провожала многотысячная толпа. 16 января далёкого 1896 года в Парижской газете  «Музыкальный гид» было напечатано: «Александр  Скрябин! Запомните это имя! Оно ещё прозвучит в веках!» Предсказание сбылось. Его имя, его  творения продолжают звучать в веках и радовать  человечество. Звуки музыки Каждый воистину великий поэт, художник,  композитор дарит потомкам частицу своей души,  величайшие творения мировой культуры. Их с  увлечением читают, ими любуются, их слушают.  Такова судьба каждого из гениальных творцов. Нотрём композиторам Вселенной подарено было  нечто большее. Можно ли себе представить, скольких младенцев  матери в разных странах мира уже в первые дни  жизни приветствуют колыбельной «Спи моя  радость, усни», написанной, как утверждает  легенда, великим Моцартом? А сколько миллионов молодожёнов вступают в брак под торжественную  и ликующую музыку «Свадебного марша»  Мендельсона­Бартольди! И уж совершенно  неожиданный масштаб оказался предуготован  наследию Скрябина. Не миллионы, а миллиарды  землян повседневно встречаются с его наследием.  Где бы они ни родились, где бы ни жили, чем бы ни  занимались ­ хоть раз в жизни им доводилось  общаться с его подарком человечеству.В далёком 1910 году (более ста лет назад!) он  завершил своё гениальное творение ­  симфоническую поэму «Прометей». Прометей – один из древнейших мифологических  героев. В мифах Древней Греции он предстаёт как  благодетель (человек, который оказывает  бескорыстную помощь) человечества, наделивший  разумом «слепых, жалких людей, живших как  муравьи в пещерах». Именно Прометей научил их  строить дома, заниматься ремёслами, писать и  считать, понимать искусство. Для блага людей, Прометей похитил у  всемогущего Зевса божественный огонь.  Рассерженный Зевс жестоко наказал дерзкого  героя. По его повелению Прометея цепями  приковали к скале, где огромный орёл клевал его  печень, за ночь, выраставшую вновь.Позже Зевс смиряет свой гнев: его сын Геракл  освобождает героя. И поскольку героем является в поэме легендарный похититель огня, подаривший человечеству этот  символ цивилизации, композитор впервые вводит в  партитуру музыкального произведения «голос»  огня. Впервые сочетает музыку со светом и цветом. Попробуйте представить себе сегодня землянина,  пусть и далёкого от музыки, пусть и не  слышавшего никогда даже имени Скрябина ­ но не  встречавшегося с его наследием в области  цветомузыки! Ведь наверняка каждый человек хоть раз в жизни побывал в дискотеке, на эстрадном  концерте, хоть когда­нибудь слушал концерт по  телевидению. И всё это происходило в  содружестве: музыки симфонической, эстрадной,  джазовой и празднества цвета и света!Александр Скрябин сразу же стал  родоначальником нового направления в  музыкальном искусстве ­ цветомузыки. «Прометей» должен был сопровождаться  светоэффектами с помощью световой клавиатуры.  Зал должен был погружаться в сияние красного,  синего и других цветов. В этом сочинении  воплощались мечты композитора о синтезе  искусств, о «световой симфонии». В партитуру  была введена особая нотная строка. Композитор  обозначил её итальянским словом «luce»,  означающим «свет». Она предназначалась для ещё  не существующего инструмента. В течение многих лет люди пытались осуществить  это световое сопровождение. К сожалению, мы так  и не узнаем, как представлял себе это световое  сопровождение сам композитор.Оркестровая ткань произведения то ювелирно  прозрачна (соло фортепиано, скрипки,  виолончели), то сгущается до мощных эпизодов  всего оркестра. В главной кульминации в конце  коды «громадный лучезарный подъем» (хор, орган,  колокол, весь состав медных и ударных  инструментов). Однако, при всей грандиозности  кульминации «Прометей» воспринимается скорее,  как самое утончённое, нежели как самое мощное  произведение Скрябина. Вопросы и задания: 1. Что олицетворяет образ Прометея в  одноимённом симфоническом произведении А.  Скрябина? 2. В чём состоит необычность партитуры этого  произведения?3. Послушайте заключительный фрагмент поэмы,  воплощающий «громадный лучезарный подъём.  Какие группы симфонического оркестра  усиливает главную кульминацию произведения? 4. Во время прослушивания обратите внимание на введение в состав оркестра редких партий –  фортепиано, хора, органа и колоколов.  Подумайте. С какой целью они использованы. Оливье Мессиан. Турангалила­ симфония. Вознесение к звёздам ...Таинство, Лучи света в ночи, Отражение радости, Птицы безмолвия...(О. Мессиан) Его называли: сын Франции и всего мира. Оливье  Мессиан ­ один из самых ярких, универсальных и  своеобразных музыкантов ХХ века.  Современникам казалось, что творческий путь  Мессиана был спокоен и тих, ведь всю жизнь он  был верен двум занятиям ­ музыке и орнитологии,  а историки музыки нередко сравнивают его с  Бахом. Будучи примерным католиком,  значительную часть своей жизни он проработал  церковным органистом, написавшим немало  произведений духовного содержания. Оливье Мессиан ­ композитор, который придумал  свою музыкальную и мировоззренческую  Вселенную, свой музыкальный и ритмическийпорядок, при этом сам уверял, что не придумал  ничего нового. Детские годы будущий композитор провёл в  Авиньоне и Гренобле, городах, где его отец ­  знаток английской литературы, переводчик  Шекспира ­ преподавал в лицее английский язык.  Сильное влияние на формирование  художественной натуры ребёнка оказала его мать,  довольно известная в своё время поэтесса Сесиль  Соваж. Сам Оливье с раннего детства проявил склонность  и талант к музыке и в 11 лет уже поступил в  Парижскую консерваторию, где занимался с  Жаном Галлоном гармонией, с Марселем Дюпре  игрой на органе и с Полем Дюка композицией. Блестящие способности мальчика обратили на себя внимание музыкантов и за пределамиконсерватории. Его сочинения для органа и для  фортепиано, написанные ещё в стенах  консерватории, были услышаны в концертах и  встретили благоприятный отклик критики. После окончания в 1930 году консерватории  Мессиан получает назначение органистом в один из крупнейших парижских соборов ­ Святой Троицы,  где проработал свыше шестидесяти лет. Уже в ту  эпоху молодой композитор проявляет себя как  пытливый искатель новых технических средств в  музыке. Он разрабатывает свою систему ладовых  формул и ритмических конструкций, основанных  отчасти на пристальном изучении древних  музыкальных источников ­ греческих, индийских,  григорианских. Особый интерес молодого  композитора вызывает «музыка птиц». Он  приступает к систематической записи звучанийголосов различных представителей царства  пернатых. Мессиан нотами записывал голоса птиц,  пренебрегая всеми правилами орнитологов­ традиционалистов. Специалист Московского  зоопарка Иннокентий Сметанин говорит, что  правильную картину голосов птиц дают только  графическая и фонозапись. «Были попытки  записывать голоса и нотной записью, но адекватно  записать не удалось», ­ утверждает он. Не удалось  никому, кроме Мессиана, который сам ходил по  лесам с нотной тетрадкой в руках, а потом  переносил пение птиц на бумагу. С началом в Европе Второй мировой войны Оливье пошёл на фронт, а через несколько месяцев, во  время отступления, он оказался в немецком плену.  Один из немецких офицеров из лагерной охраныоказался любителем музыки. Он подарил Мессиану нотную бумагу, карандаш и резинку. Среди  товарищей по заключению были скрипач,  кларнетист и виолончелист. «Квартет на конец мира» написан для скрипки,  кларнета, виолончели и фортепиано. Однако  поскольку в распоряжении композитора не было  фортепиано, его партия была сочинена позже,  когда в лагерь было доставлено старое разбитое  пианино и устроен концерт для заключённых. Конечно, самый факт создания музыкального  произведения в столь трагической обстановке, и  организация его исполнения перед пятитысячной  толпой заключённых, испытывавших тяжкие муки  голода, холода (исполнение состоялось 15 января  1941 года в лютый мороз), болезней, унижений,является актом высокого мужества и стойкости  перед лицом суровых испытаний. Освобождённый из концлагеря летом 1942 года,  Мессиан возвратился в Париж где продолжил  работать при церкви, а также преподавать в  Парижской консерватории по классу гармонии. У него учились Булез, Штокхаузен, Ксенакис. Есть последователи Мессиана и в России. Среди наград композитора ­ премия Эрнста  Сименса 1975 года, Премия Эразмус 1971­го,  награда от Королевского филармонического  общества и много прочих. Кроме того, Мессиан  был удостоен почётных степеней от нескольких  учебных заведений Франции. Оливье Мессиан много выступал как органист и  пианист, исполнитель собственных сочинений.Яркое отражение в творчестве Оливье Мессиана  нашла тема Востока. Увлечение этой  интереснейшей темой возникло у композитора  после того, как он ознакомился с трактатом  (трактат – научный труд), содержащим 120  индийских ритмов. Глубокие смыслы, заключённые в них, были связаны с древневосточными учениями  о божествах, о космосе, о Вселенной. После изучения культуры восточных народов  Мессиан создаёт одно из своих лучших творений –  «Турангалилу­симфонию», написанную по заказу  Бостонского симфонического оркестра. Название турангалила имеет древнеиндийское  происхождение. «Туранга» означает «бегущее  время», «движение и ритм», «гимн радости».  «Лила» ­ «божественная игра», «игра творения»,«любовь». Симфония «Турангалила» ­ это песнь  любви, гимн радости» ... Для воплощения грандиозных смыслов,  заключённых в названии, композитор обратился к  крупному музыкальному жанру симфонии. При  этом симфонический цикл он расширил до десяти  частей! Потрясает огромный состав оркестра, в котором  особенно выделяется группа ударных  инструментов. Помимо большого барабана мы  слышим мощные, «колокольные» удары тамтама,  сверкающие серебристые звоны турецких тарелок,  шумовой гул китайских тарелок. Ярчайший фрагмент симфонии – пятая часть  «Ликование звёзд». В огненном вихре звучаний  перед нами проносятся мириады (неисчислимое  множество) звёзд, освещаемых красочнымипотоками света. Не только звёзды, но и вся  природа – горы, моря, океаны – участвует в  грандиозном музыкальном действии. Мы  наблюдаем космическую игру, по словам  Мессиана, «ослепительную, безмерную,  сверхчеловеческую радость». В середине и в заключении солирует музыкальный  инструмент «Волны Мартено». Его необычное,  «космическое «звучание достигается за счёт  электрозвуковых вибраций. Во время Первой мировой войны, когда на долгое  время гул разрывающихся снарядов, свист пуль,  скрежет гусениц танков и т.п. наполняли  окружающий мир, французский радист Морис  Мартено, сидя в окопах, мечтал найти новое  звучание, которое бы заглушило ноты войны.   Экспериментируя с военной радиостанцией, онзаинтересовался необычным «поющим» звуком,  который издавали лампы оборудования. Будучи  музыкантом по призванию (он в совершенстве  играл на скрипке), ему не составило труда  превратить случайные электрические звуки  радиостанции в незатейливые мелодии. После окончания войны, увлечённый  электрическим звучанием, Морис Мартено  продолжил свои эксперименты. Почти десять  лет он работал над своим проектом и только  лишь в 1928 году достиг желаемого результата. В этом же году на Парижской выставке он  представил мировому сообществу своё  изобретение, назвав его «Волны Мартено.  Поскольку это был один из первых подобных  инструментов, изобретение Мартено вызвало  оживлённый интерес.Мартено действительно удалось найти новое  звучание. Люди, впервые услышавшие в 1928 году  его инструмент, окрестили его «космическим  пианино», поскольку он издавал необычные для  того времени неземные звуки, которые  одновременно кажутся и радостными, и  загадочными, и величественными! В настоящее время, когда современные  синтезаторы способны воспроизвести  множество сложнейших звуков, инструмент  Мориса Мартено потерял свою актуальность, но некоторые музыканты, отдавая дань истории,  всё же продолжают его использовать в своём  творчестве. Вопросы и задания:1. Какие смыслы заключает в себе  древнеиндийское слово «турангалила»? 2. Послушайте пятую часть «Турангалилы­ симфонии» О. Мессиана. За счёт каких средств  музыкальной выразительности достигается  эффект грандиозности звучания? Слова для  справок: ритм, мелодия, лад (мажор, минор),  динамика, тембр, оркестровка. Роберт Шуман. Карнавал. Арлекин и Пьеро Музыка ­ воспоминание о самом прекрасном, что когда­либо жило и умирало на земле. (Р. Шуман)Роберт Шуман родился 8 июня 1810 года в городе  Цвиккау, в музыкальной семье. Отец его был  известный торговец книгами, книгоиздатель, и  Роберт был младший из 5 детей. От отца Шуман  унаследовал страстную любовь к поэзии и  литературе. Учась в гимназии он организовал там  поэтический кружок, сам писал стихи и даже  драмы. Увлечение поэзией сыграло очень важную  роль в будущем музыкальном творчестве Шумана. С семи лет Роберт обучался музыке, брал уроки  фортепиано у местного органиста,  импровизировал, сочинял пьесы. Его  импровизации, его дирижирование маленьким  оркестром товарищей по гимназии, когда ему было 12 лет, указывали на то, что в нём наряду с  литературным таится музыкальное дарование.До 16 лет мальчик не знал, кем он будет, какую  дорогу в жизни ему избрать. Хотя, он по желанию  матери, и поступил в университет города  Лейпцига, чтобы стать юристом, но занятия  юридическими науками не особенно увлекали его. Юноша уже почувствовал вкус удачного старта в  мире музыкального искусства. Он достиг больших  успехов как виртуозный пианист и органист. Он  старательно изучал музыку великих композиторов  Моцарта и Вебера. Он сам создавал музыкальные  зарисовки, которые музыкальными звуками умело  передавали изображение человека. Он полюбил  творчество Шуберта, и сам написал несколько  песен. Добившись разрешения матери посвятить себя  музыке, Шуман начинает готовить себя к карьере  пианиста­виртуоза. Молодой музыкант понимал,что упустил много времени в совершенствовании  игры на фортепиано. Желая поскорее добиться  совершенства, он изобрёл аппарат, который, по его  мнению, должен был ускорить процесс развития  его рук. Он представлял собой гирю, которая  подвешивалась к потолку и прикреплялась к  пальцу пианиста. К сожалению, аппарат этот не  помог, а, наоборот, привёл к тому, что Шуман  повредил себе палец. Для пианиста это было  непоправимое горе! Шуман понял, что карьера великого пианиста для  него стала недосягаемой, и тогда он решил  заняться композиторством. Он стал ещё усерднее  изучать музыкальные труды других авторов, в  первую очередь И. С. Баха. Композиторская  деятельность Шумана продолжалась 24 года. В его  сочинениях присутствует удивительнаясамобытность – его мелодии узнаются с первых  звуков. Красивые напевы, полные необычайной  прелести и выразительности, широкий полёт  романтической фантазии придают фортепианным  пьесам Шумана особенное звучание. В 1844 году Шуман вместе со своей женой –  пианисткой Кларой Шуман – совершил  концертную поездку в Россию. В Петербурге и  Москве музыка Шумана имела большой успех.  Великие русские музыканты  – Чайковский, Рубинштейн, представители  «Могучей кучки» ­ были подлинными ценителями  его творчества. Во время поездки в Россию Клара Шуман вела  путевой дневник, и об этом она написала в своём  дневнике. Сейчас её дневник издан в виде книги, и  каждый может прочитать о том, как Шуманавстречали в России. Русским музыкантам  пришлись по душе новаторство Шумана,  оригинальность его музыки, свобода творческих  замыслов и поэтичность, всё это привлекло к нему  симпатии широких кругов слушателей и передовых музыкантов. Немецкий композитор Роберт Шуман хотел,  чтобы, по его словам, «музыка исходила из  глубины настоящего и была не только приятной  забавой, красивой по звучанию, но и стремилась к  чему­то ещё». В своей музыке – и для детей, и для  взрослых – Шуман дал именно такие  замечательные образцы, способные вызывать  восторг у слушателей до сих пор. Каждое из произведений Шумана ­ это прекрасная  музыка, полная соцветия образов, равнозначных пояркости и глубине мыслей. Шуман вкладывал в  каждое своё сочинение всего себя, всю свою жизнь. Жизнь композитора закончилась рано. Но,  несмотря на это, мы всё­таки можем считать его  счастливым. Он выполнил задачу своей жизни:  оставил нам на память образец настоящего  артиста, который был исполнен честного  прямодушия, благородства и духовности.  Поэтому, перечисляя имена великих  композиторов, люди будут вспоминать и имя  Роберта Шумана. Звуки музыки Карнавал – это народный танец­шествие,  первоначально возникший в Италии. Карнавал –  это веселье и радость, море красок, обилиезажигательных мелодий и ритмов. Его участники  одеты в яркие костюмы и маски. Привычными гостями итальянских карнавалов  являются любимые народно­комедийные  персонажи. Среди них задира и насмешник  Пульчинелла (итальянский «брат» русского  Петрушки. Нескладный и ребячливый Арлекин,  мечтательный Пьеро. Эти персонажи показывают  весёлые представления. Развлекая народ, они  много балагурят, танцуют и поют. Итак, поднимем крышку рояля, пригласим  пианиста и ­ на карнавал! Мы отправляемся на  «Карнавал» немецкого композитора Роберта  Шумана. ...Рояль зазвучал точно фанфары ­ весело и  торжественно. Фанфары возвещают нам, что  праздник уже начался. Вот он, непременныйучастник всех карнавалов ­ вальс. Танцуют пёстрые маски, кружится, кружится вальс. Потом музыка  изменилась, теперь рояль звучит взволнованно,  страстно... Мы, кажется, услышали чей­то  разговор? Нет­нет, не будем подслушивать чужие  секреты. Скорее дальше за пёстрым и ярким  хороводом. Звучит уже не вальс, а задорный галоп. Закончилось вступление к «Карнавалу». Теперь будем рассматривать маски. ...Нехорошо смеяться над грустным человеком. Но  удержаться от смеха трудно ­ уж очень он  неуклюж. Бродит среди толпы и каждую минуту на что­то натыкается. Чем­то он напоминает нам  гномика из «Картинок с выставки». Но гномик был деловитым, серьёзным и таинственным, а этот ­  унылый и меланхоличный. Таким нам рисует его  музыка ­ медленная, словно нехотя сыграннаяфраза, и сразу же её обрывает другая, коротенькая  ­ из трёх нот, громких и резких. Помните, в  «Гноме» тоже так чередовались музыкальные  фразы. Только там энергично, напористо, а здесь ­  вяло, медленно. Да, удивительно нелепая фигура встретилась нам  на карнавале. А ведь вы очень хорошо знаете эту  маску. Вы встречались с ней, когда читали  «Золотой ключик» Алексея Толстого. Это Пьеро.  Унылый Пьеро в белом балахоне с чёрными  помпонами, с рукавами, свисающими почти до  полу. Топчется среди весёлых гостей, скучает...  Казалось бы, ему здесь и быть не хочется. А вот  поди ж ты ­ ни один карнавал без него не  обходится. Ну, а там, где Пьеро, там ищи его всегдашних  спутников ­ Арлекина и Коломбину. Эта троицавсегда неразлучна. С самых давних времён, когда  только начинал создаваться народный итальянский  театр масок, или, как его называют в Италии,  «комедия дель арте». Мы сказали, что эта троица  неразлучна. Почему же тогда в «Золотом ключике» один только Пьеро? Где же остальные? А они там есть, только зовут их иначе. Ведь  озорной деревянный мальчишка, непоседа и хитрец Буратино, очень похож на Арлекина. А место  Коломбины заняла кокетливая, хорошенькая  Мальвина. Значит, и здесь, на карнавале, они тоже втроём.  Так и есть. Живая, лёгкая и чуть поддразнивающая музыка.  Вот он, насмешник и весельчак Арлекин! Так и  видишь перед собой его изящную фигурку в  пёстром трико. Сквозь прорези маски блестятлукавые живые глаза. Этот не станет спотыкаться  на каждом шагу. Слышите, как озорно взлетает  музыка... Несколько лёгких шагов ­ и взлёт,  прыжок. Ещё, ещё... Только что был здесь, и вот  его уже нет ­ стремительно пронеслась вихрем  музыка ­ и закончилась. Снова проходят перед нами маски... Наконец­то!..  Вот она, Коломбина. Музыка кокетливая,  дразнящая ­ Коломбина танцует... А кто её  партнёр? Смешной старик Панталоне ­ тоже один  из героев комедии дель арте. Он уморительно  ковыляет на своих худых, негнущихся ногах,  ухаживает за красоткой Коломбиной. Коломбина  подшучивает над стариком Панталоне,  кокетничает с ним и, конечно же, убегает ­ зачем  ей старый Панталоне, когда где­то здесь, на  карнавале, её Арлекин.Снова проходят перед нами маски... Эвзебий,  Флорестан, Киарина, Эстрелла… А теперь попрошу вас пройти вот сюда. Здесь  собралась группа людей без карнавальных  костюмов и масок. Это друзья Шумана. «Шляпы долой, господа! Перед вами ­ гений!» ­  сказал об этом человеке Шуман. Сказал тогда,  когда этот человек был ещё очень молод, когда его музыку знали ещё очень немногие. Музыку?  Значит, этот человек композитор? Совершенно  верно. Что напоминает нам музыка, изображающая этого  человека? Пожалуй, вот что ­ прелюдию Шопена.  Те же мелодические обороты, то же настроение ­  лирическое и грустное, та же поэзия звуков, а  главное ­ звучание рояля... Помните? «Он ­ душа  фортепиано». Сам Шуман тоже гениальночувствовал природу рояля, он очень много писал  для фортепиано. Так ему ли не понять душу юного  Шопена!.. Да, друзья мои, это Шопен. Ещё один человек без маски в пёстрой толпе.  Подойдём к нему. ...Как удивительно, непривычно звучит рояль!  Стремительные резкие скачки, неудержимое,  вихревое движение ­ всё это скорей подошло бы  скрипке в руках виртуоза. Маэстро Паганини! И вы пришли на карнавал?  Простите, пожалуйста, вы не встречали здесь  композитора Шумана? Нам непременно нужно его  найти. Должен же он быть на этом карнавале.Торжественно зазвучал марш. В нём чувствуется  какой­то воинственный задор. Началось финальное шествие. Но куда же делись маски? Панталоне, Пьеро,  Коломбина, Арлекин?.. Их больше нет. Карнавал  окончен. О! Здравствуйте, композитор Шуман. Наконец­то  мы встретились. Снята последняя маска ­ и под  ней то же, знакомое всему миру лицо гениального  немецкого композитора Роберта Шумана. Ярко, красиво нарисовал Роберт Шуман  музыкальные портреты­маски! В юности Шуман был очень весёлым человеком,  неистощимым выдумщиком. В музыке «Карнавала» это чувствуется особенно сильно. Вот что писал  русский композитор и критик Цезарь Кюи, когдауслышал «Карнавал»: «Нужно иметь  неисчерпаемый талант Шумана, чтобы так  беспечно и в таком количестве расточать его в  одном произведении». В России карнавальные шествия появились в XVIII  веке. Впервые они прошли в Петербурге 300 лет  назад в честь проводов зимы и встречи весны. Вопросы и задания: 1. Можно ли считать пьесы Р. Шумана  «Арлекино» и «Пьеро» музыкальными  портретами? Какими показаны персонажи этих  пьес? Что отличает их характеры, походку,  движения? 2. Послушайте романс К. Дебюсси «Пьеро».  Только ли потешным комедиантом предстаёт его  герой? В чём причина несчастья Пьеро?Франц Шуберт. Песни и танцы Австрийский композитор Франц Шуберт,  современник Моцарта и Бетховена, Шуберт  прожил очень мало – всего 31 год. Но зато его  наследие огромно. За свою короткую и притом  нелёгкую жизнь Шуберт успел создать более  тысячи произведений и в них одарил человечество  настоящими россыпями музыкальных  драгоценностей. Это прежде всего его песни для голоса с  фортепиано, которых он написал более шести  сотен, подняв жанр на небывалую художественнуювысоту. Много шедевров и среди других его  произведений ­ симфоний, фортепианных сонат и  пьес, камерных инструментальных ансамблей. Однако самыми популярными его сочинениями  остаются песни и фортепианные пьесы. Никто из  юных музыкантов не прошёл мимо вальсов или  других его танцев для фортепиано. Очень жаль, что композитор прожил такую  недолгую жизнь. Но и то, как он её прожил,  заставляет говорить о настоящем творческом  подвиге. Юный Франц Шуберт ещё в школьные годы начал  сочинять музыку, причём он делал это настолько  профессионально, что это вызывало у его отца  тревогу. Отец Шуберта хорошо знал, как труден  был путь музыкантов, даже всемирно признанных,  таких, как Моцарт и Бетховен. Отец хотел уберечьсвоего сына от подобной участи, и его усилия  вылились в серьёзную ссору с сыном, в результате  чего юный Шуберт был вынужден уйти из дома. В течении всей жизни композитор не имел своего  собственного угла. Он проживал то у одного из  своих приятелей, то у другого. Большей частью он  жил в столице Австрии – городе Вене. И венцы  узнали и полюбили его музыку. Главным образом  его песни. Секрет их выразительности заключался  в близости к народным – австрийским, венгерским, славянским. Песни занимали в творчестве Шуберта главное  место. Интересно отметить, что в своих  произведениях Шуберт выводит нового героя –  простого скромного человека, который  рассказывает с помощью музыки о своих  маленьких жизненных событиях, об эпизодахсчастья или страданий. Словом, песни Шуберта  повествуют о том, с чем в жизни обычно  сталкивается каждый человек. Часто единственным другом героя Шуберта  становится природа. Природе он поверяет свои  мысли, надежды и печали. Поэтому в песнях  присутствуют образы ручейка, леса, цветов, птиц,  ночного простора. Эти художественные образы  окружают героя песен, разделяют его странствия,  радости и горести. Одна из песен называется «В путь». Эта песня  открывает целый музыкальный цикл Шуберта под  названием «Прекрасная мельничиха». Юноша­ мельник отправляется в путь на поиски счастья.  Это рассказ о первой встрече на пути странника –  встрече радостной, созвучной его настроению.Музыкальное сопровождение песни «В путь»  рисует игру воды в ласковом и приветливом  ручейке. Водяная мельница с крутящимися  колёсами, бегущей водой создаёт образ весёлого  движения. Простая бесхитростная мелодия очень  хорошо передаёт радостное настроение мельника. Песня Шуберта «Форель» ­ одна из самых  популярных его произведений. В песне говорится о том, как поэт наблюдает за игрой весёлой  серебристой рыбки в горном ручье. Но рыбак,  ловящий рыбу, чтобы поймать её, замутил воду в  ручье, и бедняжка форель попалась на его удочку.  Поэт сострадает бедной рыбке, описывая  злорадство рыбака: «Он взял её с улыбкой, я волю  дал слезам». Мелодия песни звучит на фоне  быстрых скользящих вверх фраз, напоминающих  всплески воды.Вечная материальная необеспеченность и  беспрерывные жизненные неудачи тяжело  отразились на здоровье Шуберта. Однако никто из  его друзей не отмечал, чтобы Шуберт впадал в  мрачное настроение. Маленького роста, плотный,  коренастый и близорукий, Шуберт превращал  встречи с друзьями в настоящие музыкальные  праздники, которые даже прозвали  «шубертиадами». В такие вечера композитор не  отходил от фортепиано, на глазах у публики  сочиняя свои замечательные вальсы. Но вместе с тем композитор был большим  тружеником. Он много работал, систематически,  изо дня в день. Сам он так и говорил: «Я сочиняю  каждое утро. Когда кончаю одну пьесу, я начинаю  другую». Были дни, когда он сочинял до десяти  песен в день!Также Шуберт мог к одним и тем же словам  написать по нескольку различных мелодий. Так, к  одному варианту текста он однажды сочинил семь  различных мелодий. Музыкальные мысли посещали его даже во время сна. Тогда он просыпался и  стремился скорее их записать. Поэтому он даже  спал в очках! А друзья старались помогать ему в  покупке нотной бумаги. Настоящей жемчужиной вокальной лирики  является «Серенада» Ф. Шуберта. Песни под  названием серенада обычно исполнялись  влюблёнными юношами под окнами у  возлюбленных. Пелись они в вечернее или ночное  время. Исполнители серенад аккомпанировали  себе на гитаре или мандолине. Серенада Шуберта  полна светлых, мечтательных настроений. Её  мелодия льётся плавно и неторопливо, а написанаона в мягком ритме вальса. Фортепианное  сопровождение серенады напоминает нам звучание  гитары. «Ave, Maria» ­ одно из самых светлых и  лирических вокальных произведений Ф. Шуберта.  Неземная красота этой музыки сделала молитву  Деве Марии наиболее популярным религиозным  сочинением Шуберта. «Ave Maria» ­ начальные  слова католической молитвы, обращённой к  Святой Деве Марии, которую у нас называют  Богородицей. Текст для этой песни Шуберт взял из поэмы «Дева  озера» английского писателя Вальтера Скотта ­  автора «Айвенго» и многих других увлекательных  романов. В поэме, действие которой происходит в  XVI веке, это слова песни, которую поёт юная  девушка Эллен. Вместе с отцом, храбрым воином,оклеветанным перед королём Шотландии и  изгнанным им, и верным старым бардом она  скрывается в глухих дебрях ­ краю диких скал,  мрачных лесов и хрустальных озёр. (В  средневековой Шотландии бардами называли  странствующих поэтов­певцов.) В своей песне,  которой бард аккомпанирует на арфе, Эллен  обращается к Деве Марии, прося защиты от  жестоких преследователей. Песня Шуберта пленяет красотой своей плавной  мелодии, сочетающей лирическую  выразительность, женственность и возвышенность  настроения. Музыкальный момент ­ это небольшая  инструментальная пьеса, в которой могут быть  выражены разные переживания человека: лёгкая  грусть и грусть­скорбь, взволнованность и тревога.