Электронное учебно-методическое пособие по предмету "Слушае музыки и музыкальная грамота"для 8 класса по 8ДПОП на отделении "Искусство театра"

Муниципальное бюджетное образовательное учреждение

«Детская школа искусств»

Холмского муниципального образования Сахалинской области

Электронное учебное пособие

по предмету «Слушание музыки и Музыкальная грамота»

для 8 класса 8-летней ДПОП

отделения «Искусство театра»

 Разработчик:

преподаватель теоретических дисциплин

высшей квалификационной категории

Таран Мария Михайловна

Холмск, 2026

Для учащихся.

Данное учебно-методическое пособие предназначено для учащихся 8 класса 8ДПОП по предмету «Слушание музыки и Музыкальная грамота» отделения ДШИ «Искусство театра». Оно разработано мной на основе учебной программы, созданной Дедовой А. Г. и Таран М.М., преподавателями теоретических дисциплин ДШИ города Холмска Сахалинской области.

Данное учебно-методическое пособие содержит материал каждого урока программы, где размещены понятия, определения, которые необходимо закрепить дома и выполнить домашнее задание. К пособию прилагается музыкальный материал на флешке, который необходимо прослушать и запомнить. Правила урока  даны в цвете. Учащимся будет понятно, что надо проучить, что слушать (на флешке),  как выполнить домашнее задание. В пособии размещены  иллюстрации, которые помогут получить должные представления, о каком - то явлении или понятии.

Все материалы разбиты на 33 урока в соответствие с учебным планом.

Ваше терпение и труд – всё перетрут.                       

I четверть

Урок №1

Развитие музыки в эпоху Средневековья

  Музыка в эпоху Средневековья (примерно с V по XV век) прошла значительный путь развития, трансформировавшись от одноголосного церковного пения до сложной полифонии (многоголосия) и появления светских жанров. Ключевыми направлениями стали духовная музыка, связанная с церковью, и народная, развивавшаяся параллельно. 

Григорианское пение

В Западной Европе с VI–VII веков складывается система одноголосной (монодической) церковной музыки — григорианское пение (хоралы). Название связано с именем папы Григория I Великого, которому позднейшая традиция приписывала авторство многих песнопений римской литургии. На самом деле его роль, вероятно, ограничивалась канонизацией литургического обихода. 

Григорианское пение объединяло речитацию (псалмодию) и пение (гимны). Оно было строго одноголосным, исполнялось хором на латинском языке. Тексты брались из латинской Библии — Вульгаты и латинских переводов Священного Писания. 

Изначально григорианское пение передавалось устно, первые записи датируются IX веком. Использовалась невменная (крюковая) нотация — простейшие значки над текстом, указывавшие на восходящий и нисходящий характер тона, но не на длительность. 

Особенности григорианского пения:

·         строгость и сдержанность мелодики, подчинение её тексту;

·         преобладание плавных, поступенных ходов голоса;

·         постепенный подъём в начале (ввод), пребывание на достигнутом уровне  и спуск к исходному уровню в конце. 

Григорианское пение легло в основу многоголосной музыки последующих эпох — от органума до мессы высокого Возрождения.. Сакральная музыка:50Развитие многоголосия

На рубеже I и II тысячелетий зарождается многоголосие. Ранние формы многоголосия назывались органумами и кондуктами. Они исполнялись в церкви в особо торжественных случаях и считались украшением праздничной службы. 

Органум — жанр многоголосной музыки, в котором к основному напеву сверху присочинялся (импровизировался или записывался) второй, а позднее и третий голос.

В XII веке одним из ведущих жанров церковной и отчасти светской вокальной музыки стал мотет. В его основе лежал традиционный латинский григорианский хорал, а остальные голоса исполняли самостоятельные мелодические линии с разными текстами, иногда на разных языках. Мотет считался жанром для утончённых слушателей и интеллектуалов. 

Месса — основной жанр средневекового богослужения, ежедневная служба в обряде Римской католической церкви. Состояла из проприума (песнопения, которые менялись в зависимости от церковного календаря) и неизменной части — ординариума. 

Композиторские школы и деятели

Во XII веке при Соборе Парижской богоматери образуется первая композиторская школа. Её крупнейшие представители — Леонин и Перотин. С этой школой связан расцвет культового многоголосия в XII–XIII веках. 

Гвидо Аретинский (ок. 992–1050) изобрёл нотоносец — систему линий, на которых записываются ноты. Он добавил к прежним двум линиям ещё две и ввёл названия для музыкальных звуков — Ut, Re, Mi, Fa, Sol, La. В основу была положен гимн святого Иоанна, первые слоги которого и дали названия звукам. Эта практика получила название сольмизации. 

В XIV веке во Франции и Италии возникает стиль ars nova («новое искусство»). В профессиональной музыке одноголосие вытесняется многоголосием, усиливается значение светских жанров, в том числе песенных. Крупнейший представитель этого периода — Гийом де Машо, автор первой французской мессы с развитой циклической структурой. 

Светская музыка

Светская музыка несла на себе отпечаток национального характера культур, опиралась не на латынь, а на родные языки и диалекты. Среди представителей светской музыкальной традиции — трубадуры (Южная Франция), труверы (Франция, XII–XIII века), миннезингеры (Германия), мейстерзингеры, менестрели (Англия), барды. 

У славян средневековая музыка существовала как часть культуры скоморохов — восточнославянских средневековых актёров, певцов, танцоров, сказителей, дрессировщиков животных, музыкантов, жонглёров. 

Музыкальные инструменты

Хотя в средневековой Европе доминировала вокальная музыка, существовал богатый набор инструментов, игравших важную роль как в церковных, так и в светских традициях. Среди них:

·         Струнные: лютня, виола (предшественница скрипки), фидель, ребек (трёхструнная скрипка), колёсная лира (органиструм). 

·         Духовые: флейта, шалмей (с двойной тростью), волынка, труба. 

·         Ударные: барабаны, бубен, колокола. 

·         Клавишные: орган (в том числе переносные — портатив и позитив). 

Влияние на последующее развитие музыки

Григорианское пение и полифонические техники Средневековья заложили основы для музыки эпохи Возрождения и барокко. Развитие нотации, ладовых систем и принципов многоголосия определило вектор развития европейской музыкальной культуры на века. 

Итак, из выше сказанного, можно составить таблицу:

                   Домашнее задание:

 письменно или устно ответить на вопросы

1. На какие три группы можно разделить музыку в средневековье?

2. Что такое григорианский хорал и почему он так называется?

3. Объясните суть изобретения Гвидо из Ареццо?

4. Что такое полифония и гомофония?

5. Назови древние инструменты?                

Урок №2

Творчество трубадуров, скоморохов.

Творчество трубадуров

Трубадуры (от провансальского trobar — «находить», «изобретать») — поэты‑певцы Южной Франции (Окситании), расцвет их деятельности пришёлся на XI–XIII века.

Социальный состав:       среди трубадуров встречались и знатные рыцари (в т. ч. Ричард Львиное Сердце), и люди более скромного происхождения.

Основные черты творчества:

·         Язык: писали на провансальском (окситанском) языке, а не на латыни — это сделало поэзию доступной широкой аудитории.

·         Главная тема: куртуазная любовь — служение Прекрасной Даме, идеал возвышенного чувства. Любовь мыслилась как путь духовного совершенствования рыцаря.

·         Идеалы: воспевали благородство, верность, честь, утончённость чувств, рыцарские добродетели.

·         Жанры:

o    кансона — песня о любви;

o    сирвента — стихотворение на политические или моральные темы;

o    тенсона — поэтический спор двух трубадуров;

o    альба — «утренняя песня» о расставании влюблённых на рассвете;

o    пасторела — диалог рыцаря и пастушки.

·         Музыка: стихи исполнялись под аккомпанемент лютни, виелы и других инструментов. Мелодии часто сочиняли сами трубадуры.

·         Распространение: трубадуры путешествовали сами или нанимали жонглёров (исполнителей), которые разносили их песни по Европе.

Значение: трубадуры создали первую крупную традицию светской лирической поэзии в средневековой Европе, заложили основы куртуазной культуры и повлияли на развитие поэзии Италии (Данте, Петрарка), Германии (миннезингеры) и других стран.

Творчество скоморохов

Скоморохи — русские бродячие артисты, известные с XI века, особенно популярные в XV–XVII веках.

Кто они: музыканты, певцы, танцоры, актёры, акробаты, фокусники, кукольники, дрессировщики (в т. ч. медведей). Часто выступали в масках и особых костюмах («скоморошье платье»).

Где выступали: на ярмарках, народных гуляньях, свадьбах, похоронах, в домах знати и простых крестьян.

Особенности творчества:

·         Синтетичность: соединяли пение, музыку, танец, театр, акробатику, кукольные представления.

·         Репертуар:

o    шуточные и сатирические песни;

o    драматические сценки («игрища»);

o    социальная сатира («глумы») — высмеивали купцов, воевод, представителей церкви;

o    былины, сказки, пословицы, баллады (например, «Гость Терентище»);

o    участие в обрядах (свадебных, родильно‑крестильных, похоронных).

·         Инструменты: домра, гусли, жалейка, волынка, бубен, гудок, сопель и др.

·         Стиль: озорной, весёлый, нередко фривольный и «мирской», связанный с древними языческими традициями.

·         Взаимодействие с публикой: прямое общение со зрителями, вовлечение их в представление, импровизация.

·         Объединения: в XVI–XVII веках скоморохи начали объединяться в «ватаги».

Отношение общества и властей:

·         У народа пользовались большой любовью.

·         Церковь и государство  их  преследовали  за «бесовские игрища»,  пародию  на  обряды, вольнодумие. В XVII веке проводились обыски с изъятием и уничтожением музыкальных инструментов скоморохов.

·         К XVIII веку скоморошество постепенно сошло  на  нет, передав традиции  балаганам, райкам, кукольным театрам и другим формам народного искусства.

Домашнее задание:

выбери вопрос и ответь на него письменно

1. Кто такие трубадуры и скоморохи?

2. Каково значение творчества трубадуров?

3. Каково значение творчества скоморохов?

Урок №3

Искусство Древней Руси

Искусство Древней Руси — это система художественных средств осмысления действительности, которые были созданы в период с IX по XIII век и отразили те исторические процессы, которые протекали на территории этого государства.

Периодизация

 Периодизацию  культуры Древней Руси можно разделить прежде всего по векам: 

• IX век характеризуется существованием родоплеменных отношений, господством языческой культуры с идолопоклонством у восточных славян, господством волхвов и пр. Само по себе искусства Древней Руси еще не существовало.
• X век характеризуется началом активной христианизацией и распространением христианской культуры: книжного дела, начинают возводиться храмы (например Десятинная церковь (Успения Богородицы)).
• XI век характеризуется распространением самобытных культурных артефактов (височные кольца, например), каменного зодчества, начало иконописи, фрески, мозаики и пр. Также существуют и первые своды законов, например Русская правда, которая была создана в правление Ярослава Мудрого. 
• XII век — важная веха в развитии каменного зодчества и литературы. В частности в архитектуре распространяется крестово-купольная композиция храма. В литературе же возникает такие памятники, как Повесть Временных лет, “Поучение” Владимира Мономаха , “Слово о полку Игореве” и пр.
• XIII век знаменует собой начало монголо-татарского ига, которое стало следствием нашествия татаро-монголов, а вслед за тем упадок в искусстве, потому что монголы угоняли в плен ремесленников и художников. Однако в культуре этот период тоже отразился, в первую очередь в литературе.

Вообще в Киевской Руси были представлены практически все известные сегодня виды искусства.

Литература

Искусство — это прежде всего способ осмысления окружающей действительности. И литература — один из тех его видов, который непосредственно связан с этим. Так в литературе Древней Руси появляются следующие жанры: 

Повести — это своеобразные рассказы о минувших исторических событиях, с попыткой автора в них разобраться. Например, “Повесть о разорении Рязани Батыем”, повествует о том, как Батый, властитель Золотой орды,  разорил рязанскую землю.

Хождения — это путешествия в разные земли с описанием мест. Например, известно “Житие и хождение игумена Даниила из Русской земли”. Даниил в начале XII века совершил паломничество в Гробу Господню, что и описал в своем творении.

Летописи — это погодные записи событий с их характеристикой. Понятно, что автор излагал не только содержание источников, которые были в его распоряжении, но и свое авторское видение. Самый известный и основной летописный памятник — Повесть временных лет.

Слово — это попытка осмысления действительности, стремление дать ей объективную оценку, рассуждения автора на данную тему. Для подготовки к ЕГЭ по истории следует знать в первую очередь “Слово” первого митрополита Русской земли — Илариона, 

“Слово” или “Моление” Даниила Заточника и пр.

Житие — это биография или автобиография того или иного исторического или церковного деятеля. 

Живопись

Живопись — это стремление осмыслить окружающую реальность через художественные произведения, созданные с помощью красок. Сразу стоит отметить, что до XVII столетия живопись практически вся была посвящена религиозной тематике. В культуре Киевской Руси существовали следующие виды живописи: 

Иконопись — это основной жанр живописи, он пройдет красной нитью через всю историю России. Одним из первых иконописцев был Амвросий, живший в XI столетии. На иконах никогда поначалу не ставили знаки автора, поэтому не понятно, кто их создавал.

Фреска — это роспись водяными красками по сырой штукатурке. Обычно фрески помещались в храмах, которые на Руси неустанно возводили.

Мозаика — это складывание также преимущественно религиозных картин внутри убранства храмов из цветных стекол.

Мозаика «Богоматерь Оранта» — XI век

Ювелирное искусство

В Древней Руси было распространено: 

• Скань — представляло собой напаивание на металлическую основу ювелирных элементов из золота и серебра, с целью составления узора, украшения.
• Зернь — это напаивание золотых или серебряных шариков на творение из скани.
• Чернь — это чернение серебра и серебряных украшений.

Филигрань, зернь, филигрань соответственно. Примеры

Архитектура

Христианизация Руси способствовала распространению каменного зодчества. Из камня строили преимущественно здания религиозного назначения: храмы, монастыри.

В XI веке наиболее знаменитыми являются следующие храмы: Софийский собор в Киеве и Софийский собор в Новгороде. Надо знать, что первый был построен в честь того, что князь из династии Рюриковичей Ярослав Мудрый разбил печенегов под Киевом в 1036 году.

Софийский собор в Киеве XI век

В XII веке распространение получила крестово-купольная композиция храма. Она включает в себя один купол, который возводился в центре постройки и тремя нефами — пространствами между опорными столбами. Как правило это были небольшие храмы, которые возводились уже в период раздробленности Руси.

Храм Покрова на Нерли как пример крестово-купольной композиции храма. XII век

Историю древнерусского искусства подразделяют на два крупных этапа: искусство Киевской Руси (IX — первая треть XII века) и искусство во времена формирования Московского государства (первая четверть XVI—XVII века). В художественной культуре Киевской Руси различают периоды: дохристианский, связанный с формированием державы Рюриковичей (9 — кон. 10 в.); вхождение в сферу византийской христианской культуры — от Крещения Руси (988) до конца правления князя Владимира Мономаха (1125); развитие искусства в княжествах периода феодальной раздробленности, прерванное нашествием Батыя в 1237 г. (12 — нач. 13 в.).

Искусство Киевской Руси (IX — первая треть XII века)

Дохристианский период (IX — кон. X в.)

От этого периода сохранились, преимущественно, произведения декоративно-прикладного искусства, свидетельствующие о высоком уровне развития художественных ремёсел, например турьи рога с серебряными инкрустациями в зверином стиле из Чёрной могилы в Чернигове, X в. Под влиянием язычества, древние славяне воплощали в творчестве мифологические образы природных стихий. Данные мифологические образы — изображения солнца, коня, птицы, цветка и др., сохраняются в народном творчестве и по сей день. Одним из видов воплощения мифологических образов являлись капища (святилища), где воздвигали идолов (каменные или деревянные изваяния) почитаемых богов: Перуна, Хорса, Стрибога, Симаргла, Мокоши и др. Капища могли иметь овальную форму (Киев, ок. 980 г.) или многолепестковую, связанную с символикой солнца (Перынь, близ Новгорода).

Христианский период (XI в. — XII в.)

Крещение Руси укрепило связи Руси со странами христианского мира, как в политическом так и культурном аспектах. Византия, как государство с огромным культурным «багажом», оказала сильное влияние на многие аспекты русского искусства и обогатило его новыми образами и техническими приёмами. Византийские мастера, прибывшие на Русь, способствовали бурному развитию архитектуры (в том числе храмового зодчества), иконописи, книжной миниатюры. Деревянные христианские храмы были построены уже в 989 г.; первым крупным каменным храмом Киева стала придворная Десятинная церковь (990—996), возведённая уже зодчими из Византии (не сохранилась).

Выдающийся архитектурный памятник этого периода — собор Св. Софии (Премудрости Божией) в Киеве, который был заложен в 1037 г. князем Ярославом Мудрым — огромный пятинефный крестово-купольный храм с двумя лестничными башнями, опоясанный с трёх сторон двухэтажными галереями и увенчанный 13 куполами. Собор подчёркивал преемственную связь с центром православного мира — храмом Св. Софии Константинопольской. В качестве строительного материала была использована плинфа, часто используемая и в византийских зданиях. Мозаики и фрески украшавшие храм (1040-е гг.), выполнены византийскими мастерами и их русскими учениками. Торжественный и величественный мозаический образ Богоматери Оранты (Молящейся) в центральной апсиде получил на Руси название «Нерушимая стена».

В начале XII века на смену строгой торжественности живописного убранства Софии Киевской приходят более утончённые и созерцательные образы (мозаики и фрески Михайловского Златоверхого монастыря в Киеве, ок. 1113 г.). Во времена правления Владимира Мономаха на Русь была привезена икона Владимирской Богоматери, считающийся выдающимся памятником византийской иконописи, ставшая образцом иконописи для русских мастеров.

Храмы построенные на рубеже 11-12 веков в Киеве, Чернигове, Переяславле и других городах уже меньше по размеру и их архитектурные формы более плавны, а внутреннее пространство более слитно и обозримо. Крупнейшим центром художественной жизни того времени был Новгород, где в 12 в. сложилось демократическое правление (власть народного вече). Новгородская культура, отличалась простотой, строгим лаконизмом форм, что отражалось и в архитектуре: собор Св. Софии, 1045—50; Никольский собор на Ярославовом Дворище, 1113; Георгиевский собор Юрьева монастыря, 1119, полнокровностью образов, контрастностью цветовой гаммы в монументальной живописи и иконописи.

Домашнее задание: ответь на вопросы

1. Какова периодизация искусства Древней Руси?

2. Какие жанры (виды) творчества появляются в литературе Древней Руси?

3. Какие виды живописи существовали  в культуре Киевской Руси?

Урок № 4

Духовная музыка и фольклор.

Музыка эпохи Средневековья связана с развитием трёх исторических периодов:

​

XI— XIII

До XVII века русская музыка была преимущественно безымянной и развивалась в русле двух основных направлений: духовная музыка и музыкальный фольклор. 

Развитие духовной музыки связано с христианской культурой на Руси, воспринятой из Византии (988г.). Но Византийское влияние не подавило самобытной русской музыкальной культуры, выраставшей из народных корней. Оно лишь привнесло новые черты, соприкоснувшись со сложившимися местными традициями.

Духовная музыка зарождается после Крещения Руси (988г.)

Церковное пение было:

одноголосным, без инструментального сопровождения и записывалось при помощи особых условных знаков, происходивших от системы невменного письма.

Существовало два наиболеедревних певческих стиля – кондакарный и знаменный. Они были во многом противоположны друг другу. Знаменный распев записывался знамёнами, а кондаки были основой кондакарного пения. Но основным распевом оставался знаменный.

·                     В отличие от Запада, где уже в XII веке музыкальная культура демократично развивалась вне церкви, в Киевской Руси профессиональное искусство всецело подчинялось церкви, оставаясь традиционным и замкнутым. 

·          А после окончательного установления татаро-монгольского ига в середине XIII века становится явным отставание Руси от передовых европейских стран.

Истоки русской народной музыки находятся в глубокой древности и тесно связаны с художественным творчеством восточных славян — песнями, сказками, легендами. Народное искусство всегда было неотделимо как от верований и обрядов, так и от земледельческого труда, который составлял основу жизни.​

Русский народ всегда славился своей музыкальностью, и песня сопровождала человека от рождения до смерти. Этим объясняется большое разнообразие ее жанров, среди которых есть былины, колыбельные, обрядовые, плясовые, трудовые, игровые и многие другие песни. Уже в древние времена была широко распространена и инструментальная музыка. 

Церковь стремилась монополизировать музыкальные средства воздействия на человеческую психику. Отсюда — противостояние и нетерпимое отношение к народному искусству, которое связано с языческими обрядами и верованиями, которые сопровождались «проклятыми Богом» песнями и плясками.

Несмотря на это, церковь многое заимствовала из области фольклора. Под влиянием народной песни сложился характерный интонационный строй русского церковного пения, которое с течением времени отдалялось от византийских образцов.

Музыкальные инструменты XI-XIII вв.

                                                                       XIV— XVI

Знаменный распев достиг своего расцвета. Появилось яркое национальное своеобразие.

Дальнейшее развитие церковно-певческого искусства. Создание придворного образцового хора государевых певчих дьяков. Создание рукописных певческих «азбук» для изучения знаменного письма – с ним связано  зарождение теоретического музыкознания.

Исполнителями и авторами обрядовой музыки были волхвы, а народной музыки – скоморохи. Скоморохи – это танцоры и певцы, фокусники и акробаты, дрессировщики и лицедеи.

Скоморохи – единственные представители светской музыкальной традиции Средневековья на Руси.

Скоморохи – странствующие актеры Древней Руси. Они выступали на улицах и площадях городов.​

Музыка была обязательной частью обрядовых праздников (Масленица, Иван Купала и др.). Они проходили при большом стечении народа и включали игры, пляски, борьбу и выступления скоморохов.

XVII век-век перелома.

Век перелома. Религия уже не властвует над душами и умами людей с прежней силой. Усиливаются связи с Западной Европой, что приводит к росту культуры и просвещения.

Утверждается эстетическая ценность творчества.

Переход от одноголосного знаменного к многоголосному церковному партесному пению.

Эпоха партесного пения связана с профессиональными музыкально-теоретическими памятниками отечественной культуры.

Авторы первых музыкально-теоретических трудов:

​Н. Дилецкий, А. Мезенец, Т. Макарьевский, В. Титов.

·         Наиболее развитая форма партесного многоголосия – партесный концерт. Исполнялись концерты во время праздничного богослужения (их партитура имела до 24 голосов).​

·         Начинает преобладать пятилинейная нотация.​

·         Становится популярной духовная псальма (кант).

Светские и духовные власти запрещают искусство скоморохов. Разрешается только проведение свадебного обряда.

Появляются песни с характером социального протеста.

Создаётся первый русский театр (существует с 1672 г. по 1676 г.).​

Музыка становится неотъемлемым элементом театральных представлений​

Заключительный хор становится обязательным в театральных пьесах.

Орган и клавесин занимают постоянное место в придворном обиходе.

Царские выходы и парады сопровождаются музыкой.

Домашнее задание:

1. Назови три исторических периода, связанные с развитием музыки эпохи Средневековья.

2. Когда зарождается духовная музыка на Руси?

3. Каковы истоки русской народной музыки? 

4. Назови время расцвета знаменного распева в духовной музыке и искусства скоморохов —  в народной?

5. Почему XVII век называют веком перелома?

Урок №5

Медвежий цирк. Кукольный театр Петрушки.

«Медвежий цирк» и театр Петрушки — это два разных явления в истории искусства, каждое из которых имеет свою уникальную историю и особенности.

Медвежий цирк

«Медвежий цирк» — это цирковое представление, в котором медведи выступают в качестве артистов. Всемирную известность получил аттракцион, созданный советским дрессировщиком Валентином Ивановичем Филатовым (1920–1979), народным артистом СССР. 

В 1949 году Филатов создал аттракцион «Медвежий цирк», который принёс ему большую известность. В представлении медведи демонстрировали разнообразные трюки: выступали как акробаты и жонглёры, эквилибристы и наездники, роликобежцы и канатоходцы, велосипедисты и мотоциклисты. Филатов научил своих питомцев таким трюкам, которые ранее нигде не показывались. Его труппа гастролировала за рубежом и снималась в кино («Арена смелых», «Мишель и Мишутка», «Не все медведи спят зимой»). 

В 2020 году, к 100-летию со дня рождения Валентина Филатова, была выпущена телеверсия его «Медвежьего цирка».  Валентина Филатова — Продолжателями традиций Валентина Филатова стали его дочери — Людмила и Татьяна, их мужья и внучка Юлия. 

Театр Петрушки

Театр Петрушки — это русский народный кукольный театр, главным героем которого был Петрушка (также его называли Пётр Иванович Уксусов, Ванька Рататуй). Этот театр был популярен в России с конца XVIII века. 

Особенности театра Петрушки:

·         Перчаточная кукла. Петрушка — перчаточная кукла, которую кукольник надевал на руку и управлял ею при помощи пальцев. Он был одет в красную рубаху, холщовые штаны и заостренный колпак с кисточкой на конце. 

• Ширма. С 1840-х годов в театре стала использоваться ширма, которая скрывала кукольника. Она состояла из рам, скреплённых специальными скобами и затянутых тканью, чаще всего ситцем. 
• Музыкант. В представлении участвовал музыкант (с шарманкой или скрипкой), который не только сопровождал действие музыкой, но и вступал в диалог с Петрушкой, а также выступал посредником между зрителями и куклами. 
• Импровизация и взаимодействие со зрителем. Кукольники импровизировали, исходя из того, перед какой аудиторией им приходилось выступать. Петрушка в начале и по ходу спектакля вступал в разговоры со зрителями, благодаря чему представление приобретало эмоциональный характер. 
• Сюжеты. Основные сюжеты включали покупку лошади и поездку на ней, обучение солдатскому делу, подготовку свадьбы, сценки с жандармом, квартальным, собакой или смертью. В каждой сцене показывалась схватка Петрушки с другим персонажем, в которой он неизменно одерживал победу. 

Театр Петрушки был популярен на ярмарках и народных гуляньях. Кукольники показывали комедию несколько раз в день, и вокруг них всегда собиралось много зрителей. 

Ирина Бегункер@user-te9sb9dc9t

тРусский театр зародился в глубокой древности. Большую роль в развитии театра сыграли многочисленные обряды, обрядовые действия и народные праздники. Со временем обряды потеряли своё магическое значение и превратились в игры-представления. Они создавались в процессе творчества и хранились в народной памяти, переходя из поколения в поколение. В них проявлялись элементы театра – драматическое действие, диалог, ряженье.

Старейшим театром были игрища народных лицедеев – скоморохов.

Актеры этих театров высмеивали власть, богачей, сочувственно показывали простых людей. Представления народного театра строились на импровизации, включали пантомиму, пение, музыку, танцы, цирковые номера. Церковь и власти преследовали скоморохов и ставили их в один ряд с колдунами. Но скоморошеские представления продолжали жить, народный театр развивался.

Представления устраивались, как правило, во время ярмарок, масленичных и пасхальных гуляний. Шутейные театры на ярмарках, рыночных и городских площадях получили название балаганов. Значение балаганных выступлений в развитии театрального искусства на Руси огромно. Исследователи считают, что в России существовало 3 вида кукольных театров: марионеточный (куклами управляли с помощью ниток), вертеп – (кукол неподвижно закрепляли на стержнях и передвигали по прорезям, сделанным в специальном ящике), театр Петрушки с фигурками персонажей, надевающимися на пальцы кукольника.

Театр Петрушки – это одно из старейших развлечений Руси, дожившее до наших дней и не потерявшее свою актуальность.

История появления театра Петрушки

Несмотря на то, что на Руси существовало несколько видов кукольных театров, представления Петрушки были самыми популярными. Первое появление театра Петрушки на Руси было зафиксировано еще в 17 веке, но основную популярность он получил лишь к 19 столетию.

В 17 веке представления разыгрывались без ширмы. Театр Петрушки предполагал участие только одного актера, который подвязывал к поясу юбку. К её подолу был пришит обруч, поднимая который, кукольник оказывался скрытым от посторонних глаз. Он мог свободно двигать руками и представлять сценки при участии двух персонажей.

С 1840-х годов в театре стала использоваться ширма. Ее ставили прямо на землю, и она скрывала кукольника. Обязательным атрибутом, без которого нельзя было представить театр Петрушки, являлась шарманка, которая зазывала зрителей.

Кукольником Петрушки на Руси мог быть только мужчина. Когда он «водил» куклу и озвучивал её, актер вставлял себе в гортань свисток (пищик). Это делало голос персонажа звонким и громким, что было необходимо на ярмарочных выступлениях, где присутствовало большое количество людей. Кроме того, кукловод старался говорить очень быстро и противно смеяться каждой своей шутке. Петрушка является главным персонажем кукольного театра, который и был назван в его честь.

История куклы

Петрушка представляет собой перчаточную куклу, которую кукольник надевает на руку и управляет ею при помощи пальцев. Как ни странно, Петрушка не исконно русский персонаж кукольного театра. Его первообразы можно найти в разных странах.

В Италии – это Пульчинелла, Германии – Каспер,  во Франции – Полишинель, в Англии – мистер Панч, Турции – Карагёз, Венгрии – витязь Ласло, Индии – Видушака. Поэтому и одежда у Петрушки иноземная: красный колпак с кисточкой, такая же красная рубаха, плащ и холщевые штаны. Да и внешность куклы нельзя назвать славянской. Считается, что именно от итальянского Пульчинеллы (в переводе означает «петушок») она получила такой необычный облик: большие миндалевидные глаза, огромный нос с горбинкой, преувеличенно большие руки и голова, горб на спине. Даже само лицо было темным, а глаза — черными. Широко раскрытый рот отнюдь не улыбка, это настоящий оскал, ведь Петрушка изначально не был положительным героем. Ко всему прочему на руках у него имелось всего по четыре пальца, что, возможно, намекало на темную сущность.

Происхождение имени

Как эта кукла получила имя Петрушка, доподлинно неизвестно. В словаре В. Даля это прозвище куклы балаганной, русского шута, потешника, остряка в красном кафтане и в красном колпаке. Зовут Петрушкой также весь шутовской, кукольный вертеп.

Существует версия, что знаменитый комедийный персонаж назван благодаря своему тезке, Пьетро Мирро. Это был придворный шут русской царицы Анны Иоанновны. Он был сыном итальянского скульптора, а в Россию, ко двору правительницы приехал в качестве музыканта. Остроумие помогло ему приблизиться к окружению императрицы, а затем стать придворным шутом. У него было много кличек: «Адамка», «Антонио», наконец, «Петрушка». Последнее имя и закрепилось во всех кукольных балаганах.

Есть мнение, что Петрушку назвали из-за схожести его профиля и звонкого, крикливого голоса с петухом. В поддержку этой версии говорит то, что в России петухов называют Петя, Петруша. Также существует гипотеза, что своё имя Петрушка получил от известных актёров-кукольников, живших в начале XVIII века, это Петр Иванов и Петр Якубовский. Вполне возможно, что куклу назвали в честь одного из этих потешников, представления которых были наиболее популярны в то время. Сам Петрушка представлялся как Петр Иванович Уксусов.

Сюжеты театра

Пьесы театра (Петрушка являлся их главным, но не единственным героем) были довольно однообразны. Основные сюжеты: лечение и обучение солдатской службе, свидание с невестой, покупка и испытание лошади. Сценки следовали одна за другой в определенном порядке. При этом длительность спектакля зависела от того, как долго зрители удостаивали своим вниманием это уличное представление. Практически в каждой сцене показывалась схватка Петрушки с другим персонажем, в которой он неизменно одерживал победу.

Среди персонажей театра Петрушки был и один самый зловещий, который побеждал главного героя. Это была Смерть, которая после словесной перепалки забирала Петрушку с собой. Однако вскоре герой воскресал в другом месте. Это обстоятельство стало поводом для того, что некоторые исследователи стали находить связь между Петрушкой и языческими божествами, которые бесконечно умирали и возрождались.

Популярность театра Петрушки в XIX и ХХ веках

Спустя время этот персонаж перестал существовать только как уличный артист. Кукольников и аккомпаниаторов начинают всё чаще приглашать в дома господ, где сценки, в которых участвует Петрушка, утрачивают свою остроту и злободневность. Он перестаёт убивать и колотить своих партнеров по сцене, а лишь ругает и прогоняет их. Речь Петрушки меняется с простонародной на более приемлемую для господских домов. «Петрушечник» оказывается уже не уличным, а салонным актером. Петрушка из злобного острослова со скабрезными шуточками превращается в по-доброму веселого персонажа детских праздников и утренников.

В советское время появляется новый персонаж – товарищ Петрушка, при этом он сходит со сцены и превращается в героя рассказов и литературных пьес. Теперь не существует того старого театра Петрушки, в котором многое было допустимо.

В 20 веке события, разворачивающиеся в пьесах и рассказах, направлены на агитацию за соблюдение гигиены, овладение грамотой. Петрушка указывает, выявляет и предаёт осуждению бездельников, растолковывает читателям элементарные нормы порядочности и приличного поведения в обществе. Внешний вид куклы также претерпевает изменение. Так, красная рубаха, в которую ранее был одет Петрушка, превращается в гимнастерку либо косоворотку, а вместо заостренного колпака на его голове появляется фуражка, буденовка или кепка. Даже его длинный нос с горбинкой укорачивается и становится изначально курносым, а в дальнейшем и вовсе самым обыкновенным. Комедия с его участием была очень популярна и широко распространена в России.

В 1876 году в журнале «Дневник писателя» Ф. М. Достоевский написал рассказ на тему кукольного театра Петрушки, где он описывает представление, которое происходило в петербургском доме художников. «Отцы и их дети стояли толпой и наблюдали за неизменно народной комедией, и в действительности это выступление было самым веселым на всем этом празднике» [6].

Образ Петрушки в русской музыке

История театра Петрушки в наше время изучается учёными и театроведами. Этот персонаж стал героем одноименного балета Игоря Фёдоровича Стравинского, творчество которого принадлежит к самым видным и одновременно самым сложным явлениям музыкального искусства 20 века.

Балет «Петрушка», в отличие от многих гениальных творений, родился случайно. Отдыхая в Швейцарии, Стравинский для собственного развлечения набросал пьесу для фортепиано с оркестром, причём выстроил музыкальные темы таким образом, что фортепианная партия и оркестровое сопровождение не гармонировали друг с другом, а звучали явным диссонансом, как будто вступая в постоянный и неразрешимый конфликт. Впоследствии композитор признавался, что во время творческого процесса ему виделся игрушечный плясун, который «своими каскадами дьявольских арпеджио выводит из терпения оркестр».

В итоге родилась музыка, характер которой даже её гениальному создателю казался странным, пока однажды Стравинского не осенила ассоциация – это Петрушка! Колкая, резкая музыка с неожиданными сменами ритма полностью соответствовала внутреннему содержанию задиристого персонажа русских ярмарочных гуляний. Возможно, «Петрушка» так и существовал бы в виде концертной пьесы для рояля с оркестром, если бы однажды Стравинский не сыграл её основателю «Русских сезонов» С. Дягилеву. Интуиция безошибочно подсказала опытному импресарио – это балет, о чём он сразу и заявил Стравинскому. 

Балет «Петрушка» стал в 1911 году гвоздём «Русских сезонов» в Париже. В то время никто и подумать не мог, что Петрушка с присущей ему неуклюжей пластикой и печальным лицом станет символом русского балетного авангарда.

В балете «Петрушка» трагический образ куклы раскрылся в полной мере. «Вечный неудачник Петрушка, как и всегда, отстаивает свои права и доказывает, что в груди куклы, невзрачного шута бьется человеческое сердце».

Если 100 лет назад «Петрушка» был воспринят как балет-сенсация, то для современного зрителя – это балет-легенда, ярчайший бриллиант в короне мирового балетного искусства. Спустя столетие «Петрушка» не потерял своей актуальности. Он с успехом продолжает идти на сценах многих театров, доказывая, что настоящее искусство неподвластно времени.

 Петрушка образно показан в картинах русских художников: Б.М. Кустодиев (1878-1927) «Балаган», Л. И. Соломаткин (1837–1883) «Петрушка», К. Маковский (1846–1920) «Кукольный театр».

Комедию с использованием этого известного каждому образа, играют очень многие театры. Представления с участием Петрушки не знает себе равных среди других кукольных театров.

Таким образом, театр Петрушки был и остается популярным, а сам Петрушка символом «русского характера».22

Таким образом, «Медвежий цирк» связан с дрессировкой животных, а театр Петрушки — с традиционным народным кукольным искусством.

Домашнее задание: ответь на вопросы

 1. «Медвежий цирк» и театр Петрушки — это одинаковые  явления в истории искусства или разные? В чем отличия?

2. В настоящее время эти два явления присутствуют в театрах или нет?

Урок №6

Искусство эпохи Возрождения.

Эпоху Средневековья сменило Возрождение,     можно запомнить и французское название  Ренессанс. Расцвет эпохи Возрождения приходится на ХV и  ХVI века.    Возрождение –  это эпоха гениев. Стоит только посмотреть на живопись Леонардо да Винчи и Микеланджело. До сих пор  художники Возрождения остаются самыми почитаемыми и известными во всем мировом искусстве.  Микеланджело. Сотворение Адама в Сикстинской капелле

Гийом де Машо – франзузский поэт, композитор, поэт и трувер, живший в ХIV веке. Он – автор первой дошедшей до нас мессы, созданной одним композитором.

Месса – это произведение культовое (т.е. исполняющееся при богослужении). Оно написано для хора с инструментальным сопровождением. Откуда это слово произошло? Ранние христиане, гонимые за свою веру, свое собрание заканчивали словами «Идите, собрание распущено». В это момент из церкви              удалялись те, кто проходил испытание, а оставались только принятые в христианскую общину.  Месса стала главным богослужением католической церкви, чем и остается в наши дни.

Свою мессу Гийом де Машо назвал «Месса Нотр-Дам», название можно перевести как «Месса собора Богоматери». Вторая часть мессы называется Gloria (Глория), что означает в переводе с латинского «Слава».

Послушаем мадригал и поймем, что нового появилось в музыке. Именно жанр мадригала считают музыкальной эмблемой Возрождения.

 Мадригал – слово итальянское и означает «песня на родном языке» (вспомним, что духовные песни пелись на латинском языке). Пели мадригалы дома, в кругу друзей – поэтов, художников, музыкантов. Поэтому мадригалы иногда сравнивают с романсами. Только в мадригальном пении несколько голосов, а в ХVI веке к певческим голосам стали присоединяться разные инструменты. В мадригалах раскрывались размышления и переживания человека, многие из них были посвящены любви. Лучшие мадригалы написали итальянцы. Среди них – Лука Маренцио.

В одном из его мадригалов передано настроение одиночества:

Задумчиво один брожу я по полям пустынным,
Медленно и грустно
Дорогу озираю, чтоб сразу убежать,
Едва замечу на песке следы людские.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем

ИскусствоВозрождения перенимает от Средневековья тему Господа Бога, но трактует её по-новому. Не бояться кары Божьей даже за небольшие прегрешения, а любить и разумом понять Бога и воспеть гимн Творцу.

         Джованни Палестрина

 Так в своих мессах воспевал Бога Джованни Палестрина. Он жил в ХVI веке в Италии. Еще совсем молодым человеком он приехал работать в Рим и свою дальнейшую жизнь связал с работой в главном католическом соборе Ватикана – соборе Святого Петра. Композитор написал более ста месс. На его надгробии высечены слова – «Князь музыки», так современники оценили его творчество. Папа римский Марцелл II покровительствовал Палестрине, c именем этого папы связано одно из самых знаменитых сочинений Палестрины – «Месса папы Марчелло». Послушайте 1 часть этой мессы – Kyrie eleson.

Лоренцо Коста. «Концерт»

·         В эпоху Возрождения (XV–XVI века) инструментальная музыка вышла из-под запрета и начала интенсивно развиваться как часть светской (не церковной) музыки. Основные инструменты — лютня, орган, клавесин, различные духовые инструменты, входящие в состав разнообразных инструментальных ансамблей. Первоначально на инструментах исполняли переложения и обработки ранее известных вокальных произведений, а также танцы.

·         В эпоху барокко инструментальная музыка стала самостоятельной областью композиторского творчества, расширялся круг её содержания. Возникали инструментальные жанры: сонаты, сюиты, ричеркары, преамбулы и прелюдии, токкаты, вариации.

o    Кончерто гроссо — масштабный инструментальный жанр, в котором оркестр, группы инструментов и солирующие инструменты соревнуются, а не дублируют друг друга, усиливая звук. 

o    Сольные концерты — в XVIII веке первенство заняли сольные концерты, где звучание одного инструмента контрастирует с остальным ансамблем.

Домашнее задание:

1. Как называется эпоха, которая следует за Средневековьем?

2.Назови представителей этой эпохи на художественном и музыкальном поприще?

3. Какие новые жанры появляются в этой эпохи развития искусства?

Урок №7

Создание музыкальных жанров оперы, оратории.

Возникновение разных музыкальных жанров оперы связано с разными этапами развития музыкального искусства. 

Опера

Возникла в Италии на рубеже XVI–XVII веков. Композиторы, поэты и учёные-гуманисты увлеклись античностью, особенно идеей того, как звучал древнегреческий театр (актёры не просто произносили тексты, а пели их). Эту идею попытались воплотить в новой музыкальной форме — так зародилась опера. 

Особенности:

·         Музыка в опере — основной носитель действия, в отличие от драматического театра, где музыка выполняет служебные функции.

·         Литературной основой оперы является либретто, оригинальное или основанное на литературном произведении.

·         Опера подразумевала полноценный театральный спектакль, где певцы являются одновременно и актёрами.

Нельзя однозначно сказать, какие композиторы внесли наибольший вклад в развитие оперы, но есть некоторые деятели, которые оказали значительное влияние на этот жанр:

·         К. Глюк. Реформатор оперы, в своих произведениях («Орфей и Эвридика», «Альцеста», «Ифигения в Тавриде») собрал достижения итальянской оперы и французской трагедии. 

·         В. Моцарт. Творчество композитора составило эпоху в развитии оперы. Моцарт освоил практически все современные ему оперные жанры. Для его зрелых опер характерны органичное единство драматической и музыкально-симфонической закономерностей, индивидуальность драматургических решений. 

·         Дж. Россини. Его «Севильский цирюльник» (1816) стал вершиной развития оперы-буффа. Комедия ситуаций превратилась у Россини в реалистическую комедию характеров, сочетающую живость, веселье и остроумие с меткой сатирой.

·         Джузеппе Верди. Реформировал оперное искусство, привнёс в него реализм, писал яркую, богатую, но в то же время понятную музыку. Благодаря музыке в его операх раскрывались человеческие характеры. Примеры важнейших произведений Верди — «Риголетто», «Травиата», «Трубадур», «Аида», «Фальстаф». 

·         Рихард Вагнер. Крупнейший реформатор оперного искусства. Разработал концепцию оперы как «единого произведения искусства», то есть синтеза музыки, поэзии и театральной игры. Композитор усилил роль оркестра, стремился к непрерывности музыкально-драматического действа, отказывался от законченных по форме номеров (арий, ансамблей). Главные оперы Вагнера — цикл «Кольцо Нибелунгов», «Лоэнгрин», «Тристан и Изольда», «Тангейзер», «Парсифаль». 

Оратория

Зародилась в конгрегации ораторианцев. Собрания ораторианцев, в которых пелись лауды, происходили в отдельном помещении при церкви, называвшемся ораторий. Это название перешло и на музыку, исполнявшуюся в этом помещении.

Особенности:

·         Оратория написана на драматический героико-эпический сюжет, предназначена для концертного исполнения.

·         Состоит из сольных арий, речитативов, ансамблей и хоров.

·         Отличается от оперы тем, что в основном не инсценирует события, а рассказывает о них.

·         В 1740-е годы стал основным в творчестве немецкого композитора Георга Генделя, который сделал из ораторий монументальные героико-эпические произведения.

 Оратория — крупное музыкальное произведение для хора, солистов и оркестра с драматическим сюжетом, созданное для концертного исполнения. 

Некоторые особенности оратории:

·         Преобладание повествования над драматическим действием. Оратория не столько показывает события, сколько рассказывает о них.

·         Крупные размеры и отчётливый сюжет. Оратория крупнее кантаты и обладает более развитым сюжетом. 

·         Отсутствие постановочной части. В оратории нет сценических действий и декораций.

Состав оратории часто включает в себя:

·         вступительную увертюру, исполняемую только инструментами;

·         разнообразные арии, исполняемые солистами-вокалистами;

·         речитатив, который обычно используется для развития сюжета;

·         завершающие припевы, часто величественные и призванные вызвать чувство величия.

Некоторые известные оратории: «Рождественская оратория» Иоганна Себастьяна Баха, «Израиль в Египте» Джорджа Фридриха Генделя, «Мессия» Генделя, «Сотворение» Йозефа Гайдна и другие. 

Домашнее задание:

1. Назови особенности музыкального жанра опера? Кто из композиторов занимался его развитием?

2. В чём особенности жанра оратории?  Кто из композиторов создавал оратории?

Урок №8

Создание музыкальных жанров: кантаты, сольной песни

Возникновение разных музыкальных жанров связано с разными этапами развития музыкального искусства. 

Кантата

Появилась в Италии. В начале XVII века итальянские кантаты представляли собой сольные вокальные пьесы в сопровождении баса. Постепенно кантата стала более сложным произведением: в ней появились дуэты, хоры, речитативы и оркестровое сопровождение. 

Кантата – вокально-инструментальный жанр для симфонического оркестра, хора и солистов. Содержание посвящено большому историческому событию страны, национальному герою или главной политической идеи страны.

Особенности:

·         В основе кантаты обычно лежит крупное стихотворное произведение, которое исполняется в виде арий, речитативов и хоров.

·         Кантаты бывают религиозными, светскими и историческими.

·         Вершины своего развития кантата достигла в XVIII веке в творчестве Иоганна Себастьяна Баха.

В основу кантаты обычно лежит крупное стихотворное произведение, которое исполняется в виде арий, речитативов и хоров. Кантаты бывают религиозными, светскими и историческими.

Некоторые композиторы, которые внесли вклад в развитие кантаты:

·         Иоганн Себастьян Бах. Немецкий композитор написал около 200 произведений в этом жанре, которые предназначались для церковных праздников и воскресных богослужений.

·         Вольфганг Амадей Моцарт. Особой художественной ценностью выделяются кантаты «К солнцу», «Litania» и «Маленькая масонская кантата».

·         Людвиг ван Бетховен. Из произведений данного жанра в концертных залах наиболее часто звучат «Морская тишь и счастливое плавание», «Славное мгновение», «На смерть Иосифа II» и «На воцарение императора Леопольда II».

·         Карл Орф. Сценическая кантата «Кармина Бурана» стала одним из самых цитируемых музыкальных произведений в мире.

·         Сергей Прокофьев. Например, кантату «Александр Невский» для хора, меццо-сопрано и оркестра Прокофьев написал для одноимённого фильма Сергея Эйзенштейна.

Сольная песня

Развивалась, например, в Англии XVII века. Основные этапы развития жанра связаны с музыкой Джона Дауленда, Генри Лоза и Генри Пёрселла. 

Особенности:

·         Композитор перекладывает на музыку уже существующий поэтический текст, пытаясь выразить своё отношение к содержанию в свободной экспрессивной манере.

·         Характерная особенность — традиция исполнения, когда музицирует не любой и каждый, а обязательно обученный певец.

·         Развитие жанра пошло по двум магистральным направлениям: танцевальная песня и декламационная.

Некоторые этапы развития жанров сольных песен в истории:

·         Античное искусство. В этот период поэзия и музыка не были разделены и существовали в виде единого искусства песни.

·         Эпоха средневековья. Появились одноголосные песни трубадуров, труверов, миннезингеров и мейстерзингеров, в которых было неразрывное единство слова и мелодии.

·         Эпоха ars nova в Италии и Франции. На смену одноголосным формам песни пришли произведения с сопровождением одного или нескольких инструментов.

·         XV–XVI века. К песенным жанрам этого периода относятся различные религиозные и военные песни: гуситские песни, гимны гугенотов, протестантские хоралы и другие.

·         Вторая половина XVIII века. Внутри песенных жанров кристаллизуется камерная песня-романс с сопровождением струнного клавишного инструмента.

·         Период Великой французской революции. Складывается жанр массовой революционной песни.

·         XIX век. В связи с общим расцветом лирических форм искусства, а также с ростом интереса к собиранию и изучению фольклора, песенные жанры интенсивно развиваются, разделившись на романс и собственно песню (часто в народном духе).

·         Начало XX века. В ряде стран переживает подъём рабочая революционная песня, лучшие образцы которой приобрели международное значение («Интернационал»).

·         XX век. Большого развития достигла эстрадная песня, исполняемая солистами или вокально-инструментальными ансамблями. В 60–70-х годах в ряде стран, в том числе в СССР, возрождается традиция шансонье.

На развитие сольных песен в разные эпохи влияли различные факторы, например:

·         В эпоху Средневековья музыкальная культура формировалась под мощным влиянием христианства. Григорианский хорал — одноголосное пение — стал основой богослужебной практики в Западной Европе. Параллельно развивалась светская музыка в исполнении трубадуров, труверов и миннезингеров — странствующих поэтов-музыкантов, воспевавших рыцарские идеалы и куртуазную любовь. Их творчество способствовало формированию национальных музыкальных традиций. 

·         В эпоху Возрождения получили самостоятельное развитие различные жанры светского музыкального искусства, наполненные гуманистическим содержанием. Возникновение самостоятельного стиля оркестрово-ансамблевой и органно-клавирной музыки привело к созданию новых музыкальных жанров, в том числе сольной песни. 

·         В эпоху романтизма композиторы обратились к внутреннему миру человека, национальной самобытности и индивидуализму. Интерес к народной жизни, национальной культуре, историческому прошлому, увлечение народными сказаниями и песнями вызвали расцвет народно-бытовой, фантастической, романтико-героической оперы, развитие жанров баллады, песни, танца, программной музыки. 

·         В XX веке на развитие музыки повлияли революционные изменения в технологиях записи и воспроизведения музыки. Введение граммофона, радио, а позднее — цифровых форматов — поставило музыку ближе к массам. Также в этот период получили развитие такие жанры, как джаз, рок и поп-музыка.

·         В современном мире музыка становится универсальным языком, преодолевая географические и культурные границы. Глобализация позволяет музыкантам из разных уголков мира объединяться, обмениваться влияниями и создавать уникальные звучания.

Некоторые жанры сольных песен:

Песня. Объединяет литературный текст с простой запоминающейся мелодией. Бывает народной (устное творчество, фольклор) и авторской (создаётся конкретным композитором или поэтом).

Романс. Лирическая сольная песня с аккомпанементом. Музыка романсов обычно тесно связана с текстом, форма любая, автор обычно известен.

Баллада. Музыкальное произведение, написанное на легендарный или исторический сюжет. Несёт в себе повествовательное, эпическое и в то же время лирическое начало.

Ария. Вокальное произведение для одного голоса с аккомпанементом, соответствующее драматическому монологу. Обычно входит в состав оперы, оперетты, оратории или кантаты.

Вокализ. Пьеса для голоса без слов, исполняется на одном или нескольких гласных звуках. Чаще всего исполняется в качестве отработки вокальной техники.

Домашнее задание:

1. Назови особенности музыкального жанра кантата? Кто из композиторов занимался его развитием? Какие сюжеты интересовали композиторов?

2. В чём особенности жанра сольной песни? Назови этапы развития жанра сольных песен в истории?

3. Обозначь жанры сольных песен?

II четверть

 Урок №9

Барокко в музыке.

Барокко — стиль, преобладавший в европейской профессиональной музыке в XVII — первой половине XVIII веков. Слово «барокко» предположительно происходит от португальского «perola barroca» — «жемчужина неправильной формы». С итальянского языка это слово переводится как «странный, причудливый». 

История

Стиль барокко зародился в Италии. Первая барочная музыка появилась в итальянских городах — Риме и его окрестностях, Флоренции, Венеции. Композиторы, с одной стороны, опирались на наследие ренессансной эры, но в то же время раздвигали её гармонические и орнаментальные границы.

Стиль барокко постепенно распространялся по Европе — в Англии, Франции, Германии. Многое привнесли английский композитор Генри Пёрселл и французские композиторы Жан-Батист Люлли и Жан-Филипп Рамо, однако наиболее влиятельной оказалась немецкая школа барокко. 

Границы эпохи барокко условны, так как одноимённый стиль утверждался в музыке разных стран неодновременно. 

Некоторые композиторы, которые считаются представителями эпохи барокко:

• Клаудио Монтеверди (1567–1643).
• Джироламо Фрескобальди (1583–1643).
• Арканджело Корелли (1653–1713).
• Томазо Альбинони (1671–1751).
• Антонио Вивальди (1678–1741).
• Жан Батист Люлли (1632–1687). Внёс вклад в развитие камерно-инструментальной и сценической музыки (оперы, музыкально-сценические постановки с балетом).
• Георг Фридрих Гендель (1685–1759). Сочинял произведения для каждого музыкального жанра своего времени, специализировался на операх и часто брал в работу кантаты в итальянском стиле.
• Иоганн Себастьян Бах (1685–1750). Написал более 1000 произведений практически в каждой музыкальной форме.
• Дитрих Букстехуде (1637–1707). Внёс вклад в развитие органной, клавирной, кантатно-ораториальной, инструментальной музыки.

Особенности

·         Напряжённый драматизм, патетика, экспрессивность, контрастность. 

·         Использование музыкальных украшений, часто исполнявшихся музыкантом в виде импровизации. 

·         Расцвет инструментальной музыки — хотя композиторы по-прежнему использовали пение в форме хоралов, кантат и опер, инструментальная музыка становилась всё более популярной. 

·         Развитие контрапункта — две и более музыкальные линии, звучащие одновременно. 

·         Становление темперированного строя и тональности. 

·         Чёткое определение двух главных ладов — мажора и минора. 

·         Контраст в масштабности жанров: наряду с объёмными композициями создавались и лаконичные сочинения. 

Жанры

В эпоху барокко появились, например:

·         Опера — важнейший музыкально-сценический жанр. 

·         Оратория — имеет религиозную тематику, но сближает эти жанры использование стиля речитатива и арии для декламации текста. 

·         Концерт — сначала концертом называли просто композицию, в которой объединялись разные инструменты или голоса или все вместе, позже жанр концерта начал принимать современные формы: работа для какого-либо инструмента-солиста (или группы солистов) и оркестра. 

·         Токката — характерная форма музыкальной композиции, в которой исполнитель развивал определённую мелодию.

·         Сюита — сборник различных танцевальных композиций, которые были составной частью придворных церемоний.

·         Соната — форма музыкальной композиции, в которой главную роль играла инструментальная партия какого-либо сольного инструмента.. 

·         Фуга — полифоническая музыкальная композиция, в которой несколько музыкальных линий переплетаются и интерпретируют одну основную тему. 

Если искусство Возрождения воспевало красоту человека и его гармонию с  миром, то в эпоху барокко человек понял, насколько сложен мир и человеческие отношения, насколько противоречив сам человек. Барокко, с одной стороны, показывает сложный мир человеческих страстей, отражает экспрессию – яркое проявление чувств. Но с другой стороны, стремится к пышности и нарядности.

Именно стиль барокко рождал и развивал многие жанры музыки.   Опера,   оратория и кантата «заиграли» новыми красками, а инструментальная музыка просто стала переживать настоящий расцвет: это развитие фуги, инструментальных концертов, сонат, сюит  и т.д.

Эпоха барокко дала миру выдающиеся имена композиторов, создавших великие творения. Среди них на «первых местах» стоят  Бах,  Гендель и Вивальди.

Домашнее задание:

1. Что означает слово барокко? Назовите известных вам композиторов эпохи барокко?

2.Какие новые музыкальные жанры появились в  эпоху барокко?

Урок №10

Жизнь и творческий путь И.С. Баха.   (1685-1750)

И. С. Бах великий немецкий композитор 18 века - вобрал в себя не только то, что было лучшего в немецкой музыке, он создал творения непреходящей ценности. Иоганн Себастьян Бах был не только композитором, но и органистом, клавесинистом, скрипачом и капельмейстером – руководителем хора и оркестра. За свою жизнь написал более 1000 произведений. В его творчестве представлены все значимые жанры того времени (кроме оперы).

Бах – музыкант-философ, размышляющий о самых глубоких, вечных вопросах человеческого бытия: о жизни и смерти, о долге и предназначении человека. Его творчество оказало сильное влияние на музыку последующих композиторов.

Всю жизнь композитора можно разделить на 4 части: детство и юность, Веймарский, Кётенский и Лейпцигский периоды творчества.

Детство. Юность

Иоганн Себастьян Бах  родился в 1685 году в Германии, в городе Эйзенахе,

Род Бахов известен своей музыкальностью с начала XVI века: многие предки Иоганна Себастьяна были профессиональными музыкантами: дед, прадед, отец, братья отца, их дети, а также родные братья Иоганна Себастьяна. Иоганн Себастьян Бах был шестым ребёнком в семье музыканта Иоганна Амброзиуса Баха  и Элизабет Леммерхирт. Когда Иоганну Себастьяну исполнилось пять, отец подарил ему скрипку и сам обучал игре на ней. Ребёнок быстро выучился на ней играть, и музыка заполнила всю его жизнь. Кроме того, он обучался ещё и в церковной школе и прекрасно пел в хоре. Его счастливое детство кончилось рано, когда будущему композитору исполнилось 9 лет. Сначала умерла его мать, а через год - отец. Под свою опеку двух мальчиков (Иоганна Себастьяна и Иоганна Якоба) взял к себе старший брат – 24-летний Иоганн Кристоф, служивший органистом в соседнем городке - Ордруфе.

Иоганн Себастьян поступил в Ордруфский лицей, брат обучал его игре на органе и клавире. Обучаясь под его руководством, Бах познакомился с творчеством современных ему южно-немецких композиторов Иоганна Пахельбеля, Иоганна Якоба Фробергера и Иоганна Каспара Керля. Именно благодаря Кристофу, Иоганн научился не только играть на клавире, но и познал основы музыки. Иоганн Себастьян очень любил музыку и не упускал случая заниматься ею или изучать новые произведения.

Музыкальной композицией Бах овладевал самостоятельно, переписывая сочинения разных авторов. В итоге пятилетнего пребывания в Ордруфе Бах создал первые свои музыкальные произведения, среди них хоральные обработки для органа.

В 15 лет Бах (слайд 13) переехал в Люнебург, где в 1700—1703 годах учился в певческой школе при монастырской церкви св. Михаила. У него был прекрасный голос, он играл на скрипке, органе, клавесине, поэтому его охотно приняли старшим хористом. Он даже получал небольшое жалование. При монастыре Бах обнаружил большую библиотеку, где имелось много интересных рукописей и собраний сочинений самых выдающихся немецких и итальянских композиторов той эпохи. Бах погрузился в их изучение. Здесь, в Люнебурге, он услышал игру знаменитого органиста Георга Бёма в церкви св. Иоанна.

Никто не руководил его музыкальным образованием. Сама музыка была учителем и воспитателем его таланта. Бах стремился, слушая, учиться у выдающихся исполнителей того времени . И для этого совершал путешествия в другие города, чтобы послушать игру прославленного мастера. Во время учёбы он побывал в Гамбурге — крупнейшем городе в Германии. Он получил первые знания по богословию, латыни, истории, географии и физике. Он прекрасно учился и получил диплом, дающий право на поступление в университет. Но воспользоваться этим правом ему не удалось. Поставленный перед необходимостью самому себе обеспечивать свою жизнь

Веймар, Арнштадт, Мюльхаузен (1703—1708)

В течение своей жизни Бах много раз переезжал из города в город, меняя место службы. Сначала его охотно брали на работу, ведь за ним шла слава блестящего органиста и скрипача. Но Бах не умел угождать церковному начальству, у него не было богатых покровителей. Поэтому композитор часто не уживался с церковниками. А тех, в свою очередь, не устраивал не только гордый нрав музыканта, но и его музыка. По мнению церковнослужителей, она должна была быть холодной, строгой, лишённой жизненных тревог. А произведения Баха воплощали в себе живые человеческие чувства.

В январе 1703 года), после окончания учёбы, он получил должность придворного музыканта у веймарского герцога Иоганна Эрнста III. За семь месяцев службы в Веймаре распространилась слава о нём как об исполнителе. В этом же году в Арнштадте (слайд 17) завершили постройку органа. Оценить его качество был приглашен Иоганн Себастьян. Наверно, таким увидел впервые Бах Арнштадт.. В этот период Бах создал много органных произведений, в том числе хоральные прелюдии.

В 1705—1706 годах Бах самовольно отлучился в Любек на несколько месяцев (слайд 19). Музыкант пешком пошёл в город Любек (не было денег на карету), где давал концерты на органе знаменитый немецкий композитор и органист Дитрих Букстехуде. Бах был так потрясён виртуозным мастерством органиста, так увлечён его творчеством, что совсем забыл о том, что церковное начальство предоставило ему отпуск только на четыре недели. Он же пробыл в Любеке около четырёх месяцев. Конечно, когда Бах вернулся на место службы, он был тут же уволен.

Веймар (1708—1717)

Проработав в Мюльхаузене около года, Бах вновь сменил место работы, на этот раз получил место музыканта оркестровой капеллы герцога Веймарского, в которой играл на скрипке и клавесине. Эти годы в биографии Баха стали временем интенсивного творчества, в котором основное место принадлежало сочинениям для органа, в их числе многочисленные хоральные прелюдии, органная Токката и фуга ре-минор, Пассакалья до минор.

Кётен (1717—1723)

В 1717 Бах принял приглашение на службу герцога Леопольда Анхальт-Кётенского (страстный меломан и музыкант, владевший игрой на клавесине, виоле да гамба, обладавший недурным голосом). Он руководил здесь небольшим оркестром (15-18 опытных оркестрантов), аккомпанировал пению принца и развлекал его игрой на клавесине. Это был, может быть, самый спокойный период в жизни Баха. Композитор стал относительно свободен и мог заняться творчеством. В Кётене возникло много произведений для различных инструментов. Сольные, в основном скрипичные и оркестровые концерты. В Кетене открывается еще одна линия в творчестве мастера: композиции педагогического назначения, выражаясь баховским языком, “для пользы и употребления стремящейся к учению музыкальной молодежи”. Первая в этом ряду — “Нотная тетрадь Вильгельма Фридемана Баха” (начата в 1720 г. для первенца и любимца отца, будущего известного композитора). Для занятий со старшим сыном были созданы двухголосные и трёхголосные инвенции. В Кётене начата “Нотная тетрадь Анны Магдалены Бах”.

В это же время им были написаны Хроматическая фантазия и фуга ре минор, и монументальнейший труд, состоящий из 24 прелюдий и фуг, - “Хорошо темперированный клавир” (I том). 24 прелюдии и фуги, написанные во всех тональностях и на практике доказывающие преимущества темперированного музыкального строя, вокруг утверждения которого шли горячие споры. В Кетене появились Английские и Французские сюиты для клавира. Но безоблачный период жизни Баха оборвался в 1720 году: умирает его жена, оставляя четырех малолетних детей. Двое из них – Вильгельм Фридеман и Филипп Эммануил – впоследствии известные, прославленные композиторы 18 века.

В 1721 Бах женится второй раз (слайд 24) на Анне Магдалене Вилькен, певице, дочери музыканта при кётенском дворе. Несмотря на разницу в возрасте — она была младше Иоганна Себастьяна на 17 лет, их брак, по всей видимости, был счастливым. С Анной Магдаленой Бах особенно охотно занимался музыкой, составлял специально для неё “Нотные книжечки”, постоянно доверял ей переписку своих сочинений. Она была ему верой помощницей, заменяла мать его детям и родила ещё 13 детей.

Со временем Бах мог музицировать в своём домашнем кругу (слайд 26) вместе с женой и детьми, как с хорошим концертным ансамблем. Забота о надлежащем образовании для подрастающих сыновей вновь побудила Баха стремиться из Кётена в более крупный культурный центр. В мае 1723 года он, после требуемого испытания, был единогласно избран лейпцигским магистратом на должность кантора при церкви св. Фомы.

Лейпциг (1723—1750)

Бах переехал в Лейпциг (слайд 27), где и провёл всю свою оставшуюся жизнь.

В 1724 году состоялось исполнение его “Страстей по Иоанну” в церкви св. Фомы в Лейпциге, и 1 июня Бах получил должность кантора этой церкви с одновременным исполнением обязанностей учителя школы при церкви. Последние 27 лет жизни Бах руководил хором мальчиков в церкви и в школе св. Фомы. Условия службы были тяжелые. Денег на школу выделялось мало, воспитателей не хватало, дети были голодны, плохо одеты и часто болели. К тому в школу порой принимали и тех детей, которые не обладали музыкальным слухом. А ведь из них должен был Бах создавать оркестры и хоры. Много сил требовала борьба с городскими властями за свои права музыканта. Беспокоило Баха и состояние церковной музыки. В обязанности Баха входило преподавание пения, игры на музыкальных инструментах и еженедельное проведение концертов в двух главных церквях Лейпцига, св. Фомы и св. Николая. А также подбор исполнителей, наблюдение за их обучением и выбор музыки для исполнения.

В марте 1729 года Иоганн Себастьян стал руководителем студенческого музыкального общества “Музыкальная коллегия” (Collegium Musicum), в Лейпцигском университете, где обучались его сыновья, дирижирует студенческим оркестром. Он сочиняет для него оркестровые сюиты, инструментальные концерты, кантаты. Этот светский ансамбль (слайд 30), существовавший ещё с 1701 года, был основан старым другом Баха Георгом Филиппом Телеманом

  Другой крупный цикл “Искусство фуги”, не был завершён Бахом. Он состоит из 18 сложных фуг и канонов, основанных на одной простой теме. В этом цикле Бах использовал все инструменты и техники написания полифонических произведений. B—A—C—H. Мотив из 4 нот, звуковой символ фамилии Бах (Bach). Композитор использовал его в качестве третьей темы фуги № 15 из “Искусства фуги” (которая осталась неоконченной)

Со временем зрение Баха становилось всё хуже. Тем не менее, он продолжал сочинять музыку, диктуя её своему зятю Альтникколю.

1750 году в Лейпциг приехал (слайд 36) английский офтальмолог Джон Тейлор, которого многие современные исследователи считают шарлатаном. Тейлор дважды прооперировал Баха, но обе операции оказались неудачными, Бах остался слепым. Вскоре он умер. Композитора похоронили вблизи церкви св. Фомы, в которой он прослужил 27 лет. Однако позже по территории кладбища проложили дорогу, могила затерялась. Лишь в 1894 останки Баха случайно были найдены во время строительных работ, тогда и состоялось перезахоронение у стен Собора Св.Иоанна. После 2-й Мировой войны (слайд 37) , при разборе разбомбленного собора, останки Баха были найдены и вторично перезахоронены в алтарной части Собора Св.Фомы.

Сложной оказалась и судьба его наследия. При жизни Бах пользовался известностью. Однако после смерти композитора имя и музыка его стали предаваться забвению. Возрождение музыки Баха было положено Феликсом Мендельсоном, исполнившим в 1829 году “Страсти по Матфею” и посвятившего значительную часть своей жизни популяризации музыки великого лейпцигского кантора. В 1850 году было создано "Баховское общество", стремившееся выявить и опубликовать все рукописи композитора.

В течение всего XVIII столетия Баха не считали крупным композитором. Его сочинения дошли до нас благодаря сыновьям (главным образом, Карлу Филиппу Эммануилу), частным коллекционерам, сохранившим многие рукописи отца, бережному хранению духовных сочинений в библиотеке школы Св.Фомы в Лейпциге.

Сыновья ещё при жизни отца сделались великими музыкантами и сумели занять почётное положение. Они так же как и другие воспитанные им музыканты, из числа которых вышло немало серьёзных профессионалов, свидетельствуют о его таланте педагога. Бах и в XXI веке продолжает быть учителем буквально всех, кто занимается музыкой.

В XXI веке Бах - самый исполняемый композитор планеты. Во всем мире проходят фестивали его музыки, а в Лейпциге каждые 4 года проводится один из крупнейших органных конкурсов мира, носящий имя И.С. Баха.

Домашнее задание: выбери вопрос и ответь на него письменно или устно

1. Твое мнение: как сложилось детство композитора?

2. В чем проявился многосторонний талант Баха?

3. В чем своеобразие деятельности композитора в Веймаре и Кётене? Какие произведения он написал в этот период жизни?

4. . В чем своеобразие деятельности композитора в Лейпциге? Какие произведения он написал в этот период жизни?

5. Твоё мнение: как сложилась судьба композитора при его жизни, когда началась известность Баха?

Урок №11

Иоганн Себастьян Бах

Тема 1. Тест по биографии

Отметь правильные ответы:

1. Бах – великий

§ немецкий композитор □

§ австрийский композитор □

§ французский композитор □

2. Бах родился

§ 31 марта 1685 года □

§ 31 марта 1686 года □

§ 31 марта 1687 года □

3. Бах родился в

§ Лейпциге □

§ Эйзенштадте □

§ Веймаре □

4. Отец Баха был

§ музыкант □

§ ремесленник □

§ учитель □

5. Бах играл на

§ скрипке □

§ флейте □

§ клавире □

§ кларнете □

§ органе □

6. В 1700 году Бах посетил г. Гамбург, чтобы послушать знаменитого органиста

§ Г. Бема □

§ Д. Букстехуде □

§ И. Рейнкена □

7. В 1708 году начинается период творчества

§ Кетенский □

§ Лейпцигский □

§ Веймарский □

8. В 1717 году начинается период творчества

§ Кетенский □

§ Лейпцигский □

§ Веймарский □

9. В 1723 году начинается период творчества

§ Кетенский □

§ Лейпцигский □

§ Веймарский □

10. В Веймаре Бах пишет, в основном,

§ органные произведения □

§ клавирные сочинения □

§ вокально-инструментальные духовные произведения □

§ светские сочинения для праздничных концертов □

11. В Кетене Бах пишет, в основном,

§ органные произведения □

§ клавирные сочинения □

§ вокально-инструментальные духовные произведения □

§ светские сочинения для праздничных концертов □

12. В Лейпциге Бах пишет

§ органные произведения □

§ клавирные сочинения □

§ вокально-инструментальные духовные произведения □

§ светские сочинения для праздничных концертов □

13. Бах умер

§ 28 июля 1749 г. в Кетене □

§ 28 июля 1751г. в Веймаре □

§ 28 июля 1750г. в Лейпциге □

19. Музыка Баха зазвучала по всему миру после того, как «Страсти по Матфею» в 1829 году

 в Берлине исполнил композитор

§ Г. Берлиоз □

§ Ф. Мендельсон □

Оценка:

Творчество И. С. Баха.

Клавирное творчество.

Инвенции. Бах –   великий педагог. Все, кто учится хорошо играть на фортепиано, осваивают клавирное наследие Баха. В младших классах начинают играть простые пьесы из «Нотной тетради Анны Магдалены Бах», потом осваиваются двухголосные и трехголосные инвенции. Наконец, в старших классах ученики и студенты-музыканты исполняют прелюдии и фуги «Хорошо темперированного клавира». Все эти произведения Бахом сочинялись в Кётене.

Что такое инвенция? В переводе с латинского – «выдумка». Целью Баха было научить придумывать и разрабатывать разными полифоническими приемами темы. 

В эпоху барокко многие темы несли определенный смысл, имели свои христианские символы. Так, тема инвенции До мажор связана с сюжетом о «благой вести», Благовещении.  Вот  что  об  этом  сказано  в  Библии:  «Послан был Ангел Гавриил к Деве Марии. Ангел, войдя к Ней, сказал: Радуйся, Благодатная! Родишь Сына, и наречешь Ему имя: Иисус». Попробуй при слушании инвенции пропевать такие слова:

Образ Благовещения лежит в основе и До-мажорной прелюдии из первого тома «Хорошо темперированного клавира».

«Хорошо темперированный клавир» (ХТК) — сборник клавирных пьес Иоганна Себастьяна Баха, включающий 48 прелюдий и фуг. Название предполагает использование клавишного инструмента, настройка которого позволяет музыке звучать одинаково хорошо в разных тональностях (например, 12-полутоновый равномерно темперированный строй.

 Бах написал 2 тома «Хорошо темперированного клавира». Первый том создан в Кётене в 1722 году. 2 том - в 1744г. в Лейпциге.

Это огромное произведение состоит из двадцати четырех маленьких циклов, каждый из которых содержит прелюдию и фугу, написанные в одной тональности. Вы уже знаете, что слово «прелюдия» означает «вступление». Прелюдия До мажор передает ангельский свет и чистоту образов Благовещения. Как будто ангелы играют на лютнях на небе. Это арпеджио верхнего голоса. Средний голос обозначает человека, а бас– землю.

Органные  сочинения Баха

 Токката и фуга ре-минор .

 Создана Токката и фуга была в 1709 в Веймаре. Вспомним, как он совершил дальнее путешествие и послушал знаменитого органиста Букстехуде. Именно после этого события и стали «рождаться» баховские шедевры для органа. Баху 24 года. Юношеский порыв и вдохновение переполняют музыку токкаты. Как будто Бах нашел свой могучий органный голос и со страстностью пытается нам его провозгласить.

Что такое «токката»? Это свободная композиция, родилась из импровизации. Итальянское слово «toccare» в переводе – «касаться», «играть на клавишах», что и означает, что писались они для клавира или органа. Именно Букстехуде считают создателем немецкой органной токкаты.

Хоральная прелюдия фа минор.

Хорал – переложение хора на инструмент, где главенствует 1 голос.

В основе лежит молитва «Взываю к тебе, Господь!»

Домашнее задание:

1. Как ты понимаешь слово клавир? Перечисли клавирные произведения Баха? 2. Как ты понимаешь слово орган? Перечисли органные произведения Баха?

Урок №12

Классицизм. Венская классическая школа.

Классицизм – это художественное течение в культуре  ХVII VIII веков. Это слово произошло от  латинского  classicus  -  бразцовый.   Для представителей классицизма самое важное  это идея разума. Все в жизни должно быть устроено по четкому и правильному порядку. Творцы опять  вспомнили  об  искусстве  античности, где они находили свои идеалы совершенного искусства. В ХVII веке классицизм         проявился  в  литературе  и театре, ярче всего во Франции. В  музыке  классицизм   наиболее  ярко  проявился в творчестве «венской классической школы».

Венская классическая школа

Лучшее достояние европейской музыкальной культуры второй половины      ХVIII века – произведения композиторов «венской классической школы».

Венская классическая школа

1 – «Венская». Творчество композиторов «венской классической школы» во       многом было связано с пребыванием их в столице Австрии Вене. Именно     Вена   по праву являлась в ту эпоху музыкальным центром европейской        музыки.

2 – «Классическая». Есть разные понятия слова «классический».  Наиболее        распространенное – это «созданный классиком»,  что- то совершенное и образцовое. Но нам гораздо важнее разобраться в слове      «классический», как «относящийся» к классицизму. 

3 – «Школа». Вот мы и дошли до такого знакомого слова «школа».                       В искусстве «школа» – это объединение, к примеру, художников, композиторов по близости          творческих идей, принципов, жанров и.т.д.

!!!   И так, Классический – «образцовый»: это произведения, в которых

1. Используется  народная музыка.

 2. Логичные и стройные по форме.             

  3. Оптимистичные по характеру и драматургии.

Гайдн. Моцарт. Бетховен

А теперь запомним 3-х композиторов «венской классической школы»

Самым старшим был Гайдн, он старше Моцарта на 24 года и Бетховена на 38 лет. Гайдну судьба уготовила 77 лет жизни, Бетховену – 57 лет, а голос Моцарта замолк в 35 лет. Все три гения музыки встречались в Вене.

Симфония. Соната. Квартет. Концерт.

Именно Гайдн, Моцарт и Бетховен создали классические симфонию, сонату и квартет. 

Классическая симфония – это многочастное произведение для симфонического оркестра, состоящее из контрастных частей, объединенных общим художественным замыслом.        Частей, как правило, 4.

Классическая соната – многочастное произведение для одного или двух инструментов, состоящее    из 3-х или 4-х частей.

Классический струнный квартет  (1-2 скрипка, альт и виолончель) – это произведение для четырех струнных инструментов, состоящее, как правило, из 4-х частей.

Сонатно-симфонический цикл

Это и есть основное строение симфонии и сонаты.

1 часть – сонатное аллегро. Именно в темпе allegro написаны первые части симфоний венских классиков.

2 часть – анданте. Это часть – лирическая, в темпе andante написаны все вторые части классических симфоний, которые мы изучим. Форма 2 частей – вариационная.

3 часть – менуэт в симфониях Гайдна и Моцарта, у Бетховена эта часть названа           скерцо. Форма сложная 3хчастная: АВА, где средняя часть В – трио.

4 часть – аллегро финал. Форма: сонатная или рондо.

Ну и последнее. Венские классики стали писать в новых формах и одно из     самых значительных их достижений – создание сонатной формы или формы сонатного аллегро.

 В этой форме 3 части: Экспозиция. Разработка. Реприза

Сонатная форма состоит из этих 3 основых частей. Перед экспозицией можетбыть вступление, а после репризы  кода, но это необязательно. 

!!! Венскими классиками являются: Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен. Эти композиторов жили в Вене (столице Австрии) или рядом с ней, поэтому «венские», Их творчество  - высшая точка развития классицизма. Они явились создателями классических сонат, концертов, симфоний, квартетов и оркестра.

Классические – образцовые – это циклические произведения (3х или 4хчастные), где части расположены по принципу контраста, финал этих произведений светлый и оптимистичный. В произведениях композиторы использовали народные мелодии. Все части произведений логичны и стройны по форме.

Домашнее задание:

1. Что такое классицизм, и как переводится это слово с латинского языка? 2. Что такое «Венская классическая школа»? Кто является представителями этой школы? 3. Назовите признаки классицизма в произведениях?

Урок №13

Жизнь и творчество Йозефа Гайдна.

Йозеф Гайдн (Франц Йозеф Гайдн, 31 марта 1732 — 31 мая 1809) — австрийский композитор, представитель венской классической школы. Он считается одним из основоположников таких музыкальных жанров, как симфония и струнный квартет, а также внёс значительный вклад в развитие сонат для клавира. Создатель мелодии, которая позже легла в основу гимнов Германии и Австро-Венгрии. 

Жизнь

Гайдн родился в деревне Рорау, недалеко от границы с Венгрией. Его родители, каретный мастер Матиас Гайдн и кухарка Анна Мария Коллер, увлекались вокалом и любительским музицированием. В 1737 году пятилетнего Йозефа забрал его дядя Иоганн Матиас Франк и увез в город Хайнбург-на-Дунае, где мальчик стал учиться хоровому пению и музыке. ru.ruwiki.ru +2

В 1740 году Гайдна заметил Георг фон Рейттер, директор капеллы венского собора Святого Стефана. Он взял талантливого мальчика в капеллу, и тот в течение девяти лет (с 1740 по 1749 годы) пел в хоре, а также обучался игре на инструментах. Когда у Гайдна начал ломаться голос, его уволили из капеллы. ru.ruwiki.ru +2

Последующий десятилетний период был для него весьма трудным. Йозеф брался за разную работу, в том числе был слугой у венского композитора и преподавателя пения Никола Порпоры. Желая учиться у него, Гайдн бесплатно прислуживал Порпоре, чистил его одежду и приводил в порядок парик. В виде награды изредка получал от него музыкальные советы. 

В 1759 году Гайдн получил должность капельмейстера (руководителя оркестра) при дворе графа Карла фон Морцина. В 1761 году его пригласили на должность второго капельмейстера при дворе князей Эстерхази — одной из самых влиятельных аристократических семей Австро-Венгрии. Через 5 лет он стал главным капельмейстером. В его обязанности входило сочинение музыки, руководство оркестром, камерное музицирование и постановка опер. 

В 1760 году Гайдн женился на Марии-Анне Келлер. Детей у них не было, о чём композитор весьма сожалел. 

В 1791 году умер старый князь Эстерхази. Наследник распустил оркестр, но назначил Гайдну пенсию, чтобы он числился капельмейстером. С 1791 года Гайдн по контракту уехал в Англию, где дважды выступал с концертами (в 1791–1792 и 1794–1795 годах). Возвращаясь из Англии во второй раз, Гайдн познакомился с молодым Бетховеном, способствовал его переезду в Вену и давал ему уроки композиции. 

Последние годы жизни Гайдна прошли на окраине Вены. Он умер 31 мая 1809 года, когда Вену осаждали французские войска. Похоронили композитора в городской церкви Айзенштадта — городка, в котором он прожил тридцать лет. 

Творчество

Гайдн создал огромное количество произведений — около 1000 работ во всех жанрах и формах, существовавших в музыке того времени. Среди них:

·         104 симфонии;

·         83 струнных квартета;

·         52 клавирные сонаты;

·         3 оратории («Сотворение мира», «Времена года» и «Семь слов Спасителя на кресте»);

·         14 месс;

·         24 оперы;

·         увертюры, марши, танцы, дивертисменты для оркестра и разных инструментов, концерты для клавира и других инструментов, пьесы для клавира, песни, каноны, обработки шотландских, ирландских, валлийских песен для голоса с фортепиано. 

Симфонии Гайдна прошли большой путь: от ранних образцов, близких жанрам бытовой и камерной музыки (серенада, дивертисмент, квартет), к «Парижским» и «Лондонским» симфониям, в которых утвердились классические закономерности жанра. Среди известных симфоний — № 45 «Прощальная» (1772) и № 94 «Сюрприз». 

Струнные квартеты Гайдна считаются образцом камерной музыки. В них композитор демонстрировал умение создавать полноценное звучание из четырёх инструментов. 

Оратории «Сотворение мира» (1798) и «Времена года» (1801) стали пиком величия Гайдна. Они стали образцом музыкального классицизма. В «Сотворении мира» Гайдн использовал библейский сюжет, а «Времена года» представляют собой пасторальное повествование о смене сезонов. 

Гайдн оказал значительное влияние на развитие инструментальной музыки. Его творчество стало мостом между музыкой барокко и классицизма. Многие критики считают, что именно Гайдн создал ряд инструментальных жанров, которыми композиторы пользуются по сей день, включая струнный квартет и симфонию в её классическом виде. 

Домашнее задание: прочитай материал и реши

Тест.

Выберите один ответ из предложенных вариантов

1. Какие произведения называются «классическими»?

o   светлые, оптимистические

o   логичные по строению

o   светлые, оптимистические, логичные по строению, основой их является народная музыка

o   основой их является народная музыка

2. Композиторы венской классической школы создали жанры:

o   Классической симфонии

o   Классической симфонии, сонаты и квартета

o   Классической симфонии и сонаты

3. Симфония – это

o   Оркестр

o   4хчастное произведение для симфонического оркестра

o   созвучие

4. Соната – это

o   3хчастное произведение для солирующего инструмента

o   Звучание одного инструмента

o   Пьеса для инструмента

5. Симфония № 103 Гайдна имеет название

o   Прощальная

o   С тремоло литавр

o   Сотворение мира

6. Что такое оратория

 произведение с оратором

 произведение для хора

 Многочастное произведение для оркестра, хора и солистов

7. Сколько лет служил Гайдн у князей Эстерхази?

 30

 40

 50

9. Гайдн написал ____________«Лондонских симфоний»:

 10

 6

 12                                 Оценка:

Урок №14

Жизнь и творчество В. А. Моцарта

Вольфганг Амадей Моцарт (27 января 1756 — 5 декабря 1791) — австрийский композитор, дирижёр и пианист, один из самых влиятельных представителей Венской классической школы. Его творчество оказало огромное влияние на мировую музыкальную культуру. 

Ранние годы и семья

Моцарт родился в Зальцбурге в семье композитора и скрипача Леопольда Моцарта и Анны Марии Моцарт (в девичестве Пертль). Из семи детей в семье выжили только двое: Вольфганг и его старшая сестра Мария Анна (Наннерль). 

Уже в три года Моцарт проявлял интерес к музыке: наблюдал, как отец обучает сестру игре на клавесине, а потом подходил сам и воспроизводил созвучные мелодии. В четыре года отец начал обучать его музыке, а к пяти годам Вольфганг знал наизусть большинство пьес и менуэтов тогдашних композиторов и начал сочинять собственные небольшие произведения. В шесть лет он виртуозно играл на скрипке, причём освоил инструмент самостоятельно. 

Гастрольные поездки

В шесть лет Моцарт уже мог выступать с концертами. В 1762 году семья отправилась в гастрольное турне по Европе. Они посетили Мюнхен, Вену, Брюссель, Кельн, Маннгейм, Париж, Лондон, Гаагу и несколько швейцарских городов. Во время этих поездок Моцарт познакомился с итальянской симфонией и оперой, а также создал первые сонаты для фортепиано и скрипки, а также первую симфонию. 

В Лондоне юному композитору дал несколько уроков Иоганн Кристиан Бах, младший сын Иоганна Себастьяна Баха. 

Творческое становление

В 1770 году, в возрасте 14 лет, Моцарт был награждён папским орденом Золотой шпоры и избран членом Болонской филармонической академии — самым молодым за всю её историю. В то же время он дирижировал в Милане премьерой своей оперы «Митридат, царь понтийский». 

После возвращения в Зальцбург в 1771 году Моцарт продолжал сочинять оперы, сонаты, симфонии, квартеты. С каждым годом его произведения становились всё более оригинальными и смелыми. 

Венский период

В 1781 году Моцарт переехал в Вену, решив стать свободным композитором. В Вене он создал многие из своих шедевров, включая оперы «Похищение из сераля» (1782), «Свадьба Фигаро» (1786), «Дон Жуан» (1787) и «Волшебная флейта» (1791). 

В Вене Моцарт познакомился с Йозефом Гайдном, с которым у него завязалась дружба. Он посвятил Гайдну сборник из шести квартетов, написанных в 1783–1785 годах. 

В 1784 году Моцарт вступил в масонскую ложу. 

Личная жизнь

Моцарт женился на Констанции Вебер в августе 1782 года. У пары родилось шестеро детей, но выжили только двое — сыновья Карл Томас и Франц Ксавер Вольфганг. 

Последние годы и смерть

В конце 1791 года здоровье Моцарта резко ухудшилось. Он страдал от слабости, распухших рук и ног, приступов рвоты. Композитор скончался 5 декабря 1791 года в возрасте 35 лет. Причина смерти до сих пор остаётся предметом дискуссий. Среди версий — прогрессирующая ревматическая воспалительная лихорадка, почечное заболевание, отравление. 

Моцарт был похоронен в Вене на кладбище Святого Марка по третьему разряду (одному из самых дешёвых). 

Творчество

Моцарт создал более 600 музыкальных произведений в разных жанрах: оперы, симфонии, концерты, камерная музыка, духовная музыка. Его сочинения признаны шедеврами симфонической, концертной, камерной, оперной и хоровой музыки. 

Некоторые известные произведения:

·         Симфония №40 — одна из самых лирических симфоний композитора. 

·         «Реквием» — посмертное произведение, которое Моцарт не успел завершить. Закончил его ученик композитора Франц Ксавер Зюсмайер. obrazovaka.ru +1

·         «Маленькая ночная серенада» — одно из самых узнаваемых произведений Моцарта, состоящее из четырёх частей. proza.ru +1

·         Оперы «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан», «Волшебная флейта» — шедевры оперного искусства. «Волшебная флейта» соединила народный театр и философскую символику, а либретто было написано на немецком языке — смелый шаг для эпохи, когда доминировал итальянский. 

Музыка Моцарта отличается красотой, изяществом формы и полнотой ощущения жизни. Его произведения продолжают звучать в концертных залах и филармониях по всему миру. 

Домашнее задание:

 Тест

Отметь правильные ответы:

1. В.А. Моцарт – великий

 немецкий композитор

 австрийский композитор

 английский композитор

2. Моцарт родился:

 в Вене

 в Зальцбурге

 в Эйзенштадте

3. Год рождения Моцарта:

 1756 год

 1758 год

 1760 год

4. Начало занятий музыкой под руководством:

 сестры

 отца

 матери

5. Отца Моцарта звали:

 Иоганн

 Леопольд

 Георг

6. Сколько лет было Моцарту во время триумфальных гастролей по Европе?

 6

 7

 8

7. Был ли Моцарт знаком с И.С. Бахом?

 да

 нет

8. Моцарт служил при дворе

 графа Колоредо

 графа Эстергази

 графа Д′Оньи

9. Был ли Моцарт знаком с Й. Гайдном?

 да

 нет

10. Жену Моцарта звали:

 Анна-Мария

 Констанца

 Агата

11. Последняя опера Моцарта:

 «Дон Жуан»

 «Волшебная флейта»

 «Похищение из сераля»

12. Реквием – это:

 заупокойная месса

 оратория

 кантата

13. Моцарт умер:

 3 декабря 1790 года

 4 декабря 1791 года

 5 декабря 1792 года

14. Моцарт похоронен в общей могиле:

 в Зальцурге

 в Вене

 в Берлине

Оценка:

Урок №15

Жизнь и творчество Л. В. Бетховена.

Людвиг ван Бетховен (16 декабря 1770 — 26 марта 1827) — немецкий композитор, пианист и дирижёр, ключевая фигура в переходном периоде между эпохами классицизма и романтизма, последний из «венских классиков».

Ранние годы

Бетховен родился в Бонне (Священная Римская империя) в музыкальной семье. Его отец, Иоганн ван Бетховен, был певцом-тенором в придворной капелле, а дед — капельмейстером. Отец хотел сделать из Людвига «второго Моцарта» и с ранних лет обучал его музыке, порой используя жёсткие методы.

В 12 лет Бетховен получил первую работу — помощника органиста при дворе. Его первым серьёзным учителем стал композитор Кристиан Готлоб Нефе. После смерти матери в 1787 году Бетховен взял на себя заботу о семье и начал играть в оркестре.

Переезд в Вену и начало карьеры

В конце 1790‑х годов Бетховен переехал в Вену, где брал уроки у Йозефа Гайдна, затем у Альбрехтсбергера и Антонио Сальери. В Вене он быстро завоевал славу виртуозного пианиста и импровизатора.

Моцарт, услышав игру молодого Бетховена, сказал: «Он заставит говорить о себе весь мир».

Развитие болезни и творческий расцвет

В конце 1790‑х годов композитор начал терять слух. К 1814 году он полностью оглох. Несмотря на это, Бетховен продолжил сочинять музыку, используя специальные приспособления (например, деревянную палочку, которую зажимал в зубах, чтобы чувствовать вибрации инструмента).

Период с 1800 по 1827 год стал временем создания самых известных произведений композитора. В 1802 году, находясь в Гейлигенштадте, он написал знаменитое «Гейлигенштадтское завещание» — письмо братьям, в котором описал свои страдания из‑за потери слуха и намерение продолжать творить.

Последние годы и смерть

Последние годы жизни Бетховена были омрачены тяжёлыми заботами о племяннике Карле, которого композитор взял под опеку. Здоровье композитора ухудшалось. Он умер 26 марта 1827 года в Вене в возрасте 56 лет от болезни печени. Первоначально Бетховен был похоронен на Верингском кладбище, а в 1888 году его прах перенесли на Центральное кладбище Вены.

Творчество

Бетховен писал во всех существовавших в его время жанрах, включая оперу, музыку к драматическим спектаклям и хоровые сочинения. Наиболее значимы его инструментальные произведения: симфонии, концерты, сонаты, квартеты.

Основные жанры и произведения:

·         Симфонии (всего 9):

o    Симфония № 3 («Героическая», 1804) — посвящена Наполеону, но позже Бетховен вычеркнул его имя из посвящения;

o    Симфония № 5 (1808) — известна своим четырёхзвучным мотивом, который Бетховен охарактеризовал как «так судьба стучится в дверь»;

o    Симфония № 9 (1824) — включает хор и солистов в финале, где звучит «Ода к радости» на стихи Шиллера .

·         Сонаты для фортепиано (всего 32):

o    Соната № 14 («Лунная», 1801) — название дано музыкальным критиком Людвигом Рельштабом уже после смерти;

o    Соната № 23 («Аппассионата», 1805);

o    Соната № 29 («Большая соната для Хаммерклавира», 1818) — одно из самых сложных произведений для фортепиано.

·         Концерты:

o    Концерт для фортепиано с оркестром № 5 («Император», 1811);

o    Концерт для скрипки с оркестром (1806).

·         Камерная музыка:

o    16 струнных квартетов, включая поздние, экспериментальные квартеты (ор. 131, 132, 135) 

o    10 сонат для скрипки и фортепиано, в т. ч. «Крейцерова соната» (1803).

·         Опера: «Фиделио» (1805, вторая редакция — 1814) — единственная опера Бетховена, героическая опера спасения.

·         Другие произведения:

o    Балет «Творение Прометея» (1801);

o    «Торжественная месса» (1823);

o    Вокальный цикл «К далёкой возлюбленной» (1816) — первый классический образец жанра.

Значение творчества

Бетховен оказал огромное влияние на развитие музыки XIX и XX веков. Его творчество сочетает:

·         Классическую стройность форм;

·         Романтическую экспрессию и глубину содержания;

·         Новаторские решения в гармонии, форме и оркестровке [2].

Его Девятая симфония стала символом гуманизма и единства человечества — с 1972 года «Ода к радости» является гимном Европы

Домашнее задание:

Выберите один ответ из предложенных вариантов

1. Симфония – это:

o   4хчастное произведение для симфонического оркестра

o   3хчастное произведение для симфонического оркестра

o   Произведение для солирующего инструмента

2. Эгмонт Гёте – это:

Драма

 Трагедия

Роман

3. Соната – это:

4хчастное произведение для симфонического оркестра

3хчастное произведение для симфонического оркестра

 3хчастное произведение для солирующего инструмента

4. Финал 9 симфонии Бетховена написан на стихи

 Гёте

Шиллера

Гейне

5. Это симфоническое произведение Бетховена начинается с «мотива судьбы»:

Увертюра «Эгмонт»

5 симфония

9 симфония

6. Название сонаты № 14 «Лунная»

дано самим композитором

читателями новеллы Рельштаба

дали название в издательстве

Оценка:

Урок №16

Контрольный урок.

Музыкальная викторина по теме

«Произведения Баха, Гайдна, Моцарта, Бетховена»

Послушай музыку и расставь цифры порядка  её звучания:

Оценка:

III четверть

 Урок № 17

Романтизм.

Наступал XIX век – век романтизма. Образ «голубого цветка» ворвался в души поэтов и музыкантов, стал двойственным символом – бегства в мечту, поиском счастья, но и грусти, недостижимости.

Романтизм – это целая эпоха в музыкальном искусстве, которая показала новое «измерение человека». Если для классицизма главной идеей был разум, то романтики пытались постичь истину чувствами, глубинами своего внутреннего мира. Р. Вагнер написал: «Художник обращается к чувству, а не к разуму», ему как бы вторит Р. Шуман: «Разум заблуждается, чувства – никогда». Эта движущая сила заставляла романтиков интересоваться собственной душой и это подталкивало их открывать новые измерения в музыке.

1814 год. 10 тысяч дипломатов съехались на Венский конгресс под руководством министра иностранных дел Австрии, чтобы перекроить карту Европы после войны с Наполеоном. Австрия превратилась в полицейское государство, колесо истории закрутилось в обратную сторону, больше не стало слышно призывов к свободе, исчезла надежда на торжество разума и справедливости. Вена утонула в развлекательности. Именно в этом городе творит Франц Шуберт, в музыке которого столкнулись обыденность и мечта, повседневный и идеальный мир.

Романтики отвергли повседневную жизнь современного общества, они стремились ко всему необычному. Их привлекали фантастика, народные предания и народное творчество, минувшие исторические эпохи. Художники находят настоящее отдохновение в единении с природой. Одной из главных тем романтиков стала любовь и любовные разочарования.

Романтизм «представил» в новом свете жанры музыки. Песня возвысилась до уровня самых «серьезных», «высоких» жанров европейской музыки. Возник необыкновенный спрос на инструментальные миниатюры, которые стали настоящей поп-музыкой салонов XIX века. И в наши дни наибольшей популярностью на радиостанциях классической музыки пользуются именно миниатюры романтиков, потому что они продолжают вызывать сильные чувства, легко слушаются и насыщены эмоциями.

В симфонической музыке, отвергая строгие правила классицизма, композиторы создали жанр одночастной симфонической поэмы, творили песенные и программные симфонии, количество частей могло быть от двух до пяти.

Опера заиграла яркими красками эмоций и страстей, сюжетные коллизии от мифов до современности захватывали посетителей театров не меньше, чем просмотр популярных сериалов в наши дни.

Романтизм в музыке сложился в 1820-е годы, его идеи развивались весь XIX век во всех странах Европы. Среди лучших представителей этого направления в музыке назовем 

австрийского композитора Ф. Шуберта,

 немецких композиторов К.М. Вебера, Ф. Мендельсона, Р. Шумана, Р. Вагнера, Й Брамса. 

В Италии самые знаменитые композиторы – Дж. Россини, Н. Паганини и Дж, Верди,

 во Франции – Г. Берлиоз и Ж. Бизе. Невозможно представить картину музыкального романтизма без имен поляка Ф. Шопена, венгра Ф. Листа и норвежца Э. Грига.

Романтизм – новое направление в европейском искусстве, которое в начале XIX века пришло на смену классицизму. Эпоха Просвещения (XVIII век), провозглашавшая могущество Разума как ведущей силы на пути к благоденствию человечества в мире Свободы, Равенства и Братства, идейно подготовила французскую буржуазную революцию 1789 года. Однако реальные результаты переворота не только не совпадали с его благородными целями, но оказались жестокими и безжалостно антигуманными. Воцарилась циничная власть денег, стремление к наживе любым, самым неприглядным путем, презрение к тем, кто живет духовными интересами. Мечты прогрессивных людей на справедливое переустройство общества не осуществились, надежды на торжество Разума рухнули. Особенно остро и болезненно переживала эту ситуацию молодежь, у которой преобладали настроения разочарования и тоски.

Художественное течение, которое вскоре получило название романтизм, возникло как отражение сложной, противоречивой атмосферы того времени. Утратив веру в безупречность Разума, романтики предпочитают ему Чувство как наиболее ценное качество человеческой личности. Крылатую фразу Шумана можно считать полемически заостренным девизом романтизма: “Разум может ошибаться, чувство - никогда!”

Для романтического искусства характерно:

 1. отражение внутренней жизни человека,

2. воплощение лирико-психологических образов,

3. повышенная эмоциональная выразительность; 

его герой - человек чуткий и тонкий. Он чувствует себя чужим в грубом мире прагматичных интересов, поэтому для романтиков так характерны темы:

 4. духовного одиночества, непонятости, замкнутости,

а отсюда - мотивы странствий, скитаний, постоянного стремления к недостижимому идеалу. От обыденности романтический герой бежит и в весьма далекую историческую эпоху - Средневековье с его иллюзорно возвышенными идеалами.

5. Красота природы, тонкие поэтические зарисовки горных пейзажей, многообразие водной стихии, живой, манящий мир также захватывает воображение тонкой поэтической души.

6. Конфликт между богатым, утонченным внутренним миром героя и окружающей его серой бездуховной действительностью порождает страстный протест, а порой горькую иронию и даже сарказм.

Романтическое искусство отличает повышенный интерес к национальной культуре, причем не только к отечественной. Особенно любимы романтиками сюжеты:

 в основе которых лежат народные предания, легенды, саги, сказки,

7. т.к. яркий многоцветный фантастический мир был для них отдушиной в скучной обыденности.

Сами романтики считали, что, в силу своей открытой эмоциональности, среди всех видов искусств именно музыка в наибольшей степени выражает эстетические устремления эпохи. Любовная лирика, душевные страдания, возвышенные порывы получили особенно яркое воплощение в творчестве композиторов-романтиков.

 Ведущими жанрами стали песня (Lied) и танец (лендлер, вальс, мазурка, полонез), выросшие из бытового музицирования и опоэтизировавшего его. Эти жанры принесли с собой и соответствующий интонационный мир, ладогармонические, метро-ритмические и фактурные особенности.

 Кроме танцевальных, появляются и другие инструментальные миниатюры - ноктюрны, экспромты, музыкальные моменты, песни без слов, баллады. 

При этом, вокальные и фортепианные произведения часто объединяются в циклы, в которых либо есть сюжетная линия, либо показаны различные оттенки одного настроения, либо выразительные возможности одного жанра.

Развитие романтизма охватило почти весь XIX век и привело к возникновению принципиально новых жанров и форм. Последующие этапы эволюции будут во многом отличаться от раннего романтизма начала века, но основные черты - яркая эмоциональность, искренность художника, живописная красочность и смелость творческих решений неотразимо привлекают в этом искусстве всегда.

Домашнее задание:

1. Что такое романтизм?

2.Что стало ведущими принципами романтизма в музыке?

3.К каким жанрам тяготели композиторы романтики?

Урок №18

Жизнь и творчество Франца Шуберта.

Франц Петер Шуберт (31 января 1797 — 19 ноября 1828) — австрийский композитор, один из основоположников романтизма в музыке. Его творчество оказало значительное влияние на развитие музыкального искусства, а произведения стали классикой романтической эпохи. 

Биография

Шуберт родился в пригороде Вены в семье школьного учителя Франца Теодора Шуберта и Элизабет Шуберт. Из их четырнадцати детей девять умерли в раннем возрасте; двое выживших — Франц и Фердинанд — стали музыкантами. 

Музыкальные способности Шуберта проявились рано. Первые уроки ему дали родители: отец учил играть на альте, старший брат Игнац — на фортепиано. В шесть лет Шуберт поступил в приходскую школу Лихтенталя, а с семи лет брал уроки игры на органе и пения. В 11 лет благодаря красивому голосу его приняли в качестве певчего в венскую придворную капеллу и в Конвикт — школу с пансионом. Там он познакомился с произведениями Гайдна и Моцарта, играл в оркестре вторую скрипку и иногда дирижировал.

До 1816 года Шуберт бесплатно учился у Антонио Сальери — изучал контрапункт и композицию. В период с 1810 по 1813 год он создал несколько песен, пьес для фортепиано, симфонию и оперу. В 1813 году из-за ломки голоса Шуберт был отчислен из хора, после чего поступил в учительскую семинарию. В 1814 году он окончил её и устроился преподавателем в школу, где работал его отец. Шуберт проработал там до 1818 года, продолжая сочинять музыку в свободное время. 

Работа учителем не соответствовала призванию Шуберта, и он пытался утвердиться как композитор, но издатели отказывались публиковать его работы. В 1816 году ему отказали в должности капельмейстера в Лайбахе (ныне Любляна). 

В 1818 году Шуберт уехал в Желиз, где устроился учителем музыки к графу И. Эстерхази. Во второй половине ноября он вернулся в Вену. 

В 1823 году Шуберта избрали почётным членом музыкальных союзов в Линце и Штирии. В 1826 году он претендовал на должность придворного вице-капельмейстера, но её получил Йозеф Вайгль. 

26 марта 1828 года Шуберт дал свой единственный публичный концерт, который имел большой успех и принёс ему 800 гульденов. Между тем были напечатаны его многочисленные песни и фортепианные произведения. 

Композитор умер от брюшного тифа 19 ноября 1828 года в возрасте неполных 32 лет после двухнедельной лихорадки. Согласно его последнему желанию, Шуберта похоронили на Верингском кладбище рядом с Бетховеном. В 1888 году их прах перезахоронили на Центральном кладбище Вены. 

Творчество

Шуберт — автор 9 симфоний, более 600 вокальных композиций, множества камерных и сольных фортепианных произведений. Его творчество тесно связано с народным искусством Австрии, бытовой музыкой Вены, фольклором венгров и славянских народов. В сочинениях композитора на первом месте — мелодия, большое значение имеют колорит и красочность, что обогатило гармонию, оркестровку. 

Вокальное творчество

Песня (Lied) стала стихией Шуберта. Он реформировал этот жанр, наделив его глубоким содержанием. Композитор создал новый тип песни сквозного развития, а также первые высокохудожественные образцы вокального цикла. 

Среди поэтов, на чьи стихи Шуберт писал музыку, — Гёте, Шиллер, Мюллер, Майрхофер, Гейне. На стихи Гёте он создал около 70 песен, среди них «Лесной царь» и «Гретхен за прялкой». На стихи Шиллера — более 40 композиций, включая «Группу из Тартара» и «Жалобу девушки». На стихи Мюллера Шуберт написал вокальные циклы «Прекрасная мельничиха» (1823) и «Зимний путь» (1827). На стихи Гейне создал сборник «Лебединая песня». 

Инструментальное творчество

Шуберт написал сонаты для фортепиано, квартеты, квинтеты, трио, мессы. Его инструментальная музыка связана с традициями венской классической школы, но в ней большое значение приобрёл тематизм песенного типа. 

Среди фортепианных произведений — 23 сонаты (17 завершённых, 6 незавершённых), фантазия «Скиталец», 8 «Экспромтов» и 6 «Музыкальных моментов», сборники пьес и танцев (вальсы, лендлеры, немецкие танцы, менуэты, экосезы, галопы и др.). 

Наиболее известная симфония Шуберта — № 8 в си миноре, известная как «Неоконченная» (написана в 1822 году). Это первая лирическая симфония с выраженными романтическими средствами. В ней интимная поэтическая атмосфера и грустная задумчивость сочетаются с драматическим характером, связанным с вечным конфликтом между действительностью и мечтой. 

Другие произведения

Шуберт оставил немало церковных сочинений. Наибольшую популярность обрела Месса № 6 ми-бемоль мажор. Из музыки для музыкального театра известность приобрели увертюра и танцы к пьесе «Розамунда, княгиня Кипрская» Вильгельма Шези (1823). 

Многие крупные инструментальные сочинения Шуберта были исполнены лишь через десятилетия после его смерти. 

Талант Шуберта оказал огромное влияние на творчество Шумана, Брамса, Чайковского, Рахманинова и Малера.

Домашнее задание:

1.Что такое «шубертиады»? Кто принимал в них участие?

2. К каким жанрам музыки тяготел Ф. Шуберт?

Урок №19

Жизнь и творчество Фредерика Шопена.

Фредерик Франсуа Шопен (22 февраля 1810 — 17 октября 1849) — польский композитор и пианист-виртуоз, один из крупнейших представителей романтизма в музыке, основоположник польской национальной композиторской школы. Его творчество оказало значительное влияние на развитие музыкальной культуры Европы. 

Биография

Шопен родился в деревне Желязова-Воля недалеко от Варшавы. Его отец — Николя Шопен, учитель французского языка, участник Польского восстания 1794 года; мать — Текла Юстина Кржижановская, происходившая из польского дворянского рода. Вскоре после рождения Фредерика семья переехала в Варшаву. 

С семи лет Шопен начал учиться игре на фортепиано у чешского пианиста Войцеха Живного. К двенадцати годам он достиг уровня лучших пианистов Польши. В 1823 году поступил в Варшавский лицей, а с 1826 по 1829 год учился у композитора Юзефа Эльснера в Главной школе музыки при Варшавском университете. 

В 1829 году Шопен начал концертную деятельность, выступая в Вене и Кракове. В 1830 году он навсегда покинул Варшаву, а с сентября 1831 года жил в Париже. В Париже Шопен быстро завоевал популярность благодаря своим романтическим композициям и виртуозному исполнению. В круг его общения входили Ференц Лист, Гектор Берлиоз, Роберт Шуман, Эжен Делакруа, Жорж Санд и другие выдающиеся деятели искусства. 

В 1837 году у Шопена начались проблемы со здоровьем — первый приступ заболевания лёгких (по мнению биографов, это был туберкулёз). С 1838 по 1839 год он жил на острове Мальорка с Жорж Санд, но их отношения были непростыми, что негативно сказывалось на состоянии композитора. В 1847 году они расстались. 

В 1848 году Шопен поселился в Лондоне, где продолжал давать концерты и вести преподавательскую деятельность. Последний публичный концерт состоялся 16 ноября 1848 года в Лондоне. Вскоре он вернулся в Париж, где скончался 17 октября 1849 года. Похоронили Шопена на кладбище Пер-Лашез в Париже, а его сердце, согласно последней воле композитора, перевезли в Варшаву и замуровали в колонну церкви Святого Креста. 

Творчество

Шопен почти полностью посвятил себя фортепианной музыке. Он возродил на романтической основе такие музыкальные формы, как прелюдия, этюд и экспромт, создал фортепианную балладу, поэтизировал и драматизировал танцы (мазурку, полонез, вальс), превратил скерцо в самостоятельное произведение. 

Среди его сочинений:

·         два фортепианных концерта (e-moll op. 11, 1830; f-moll op. 21, 1829);

·         три сонаты (b-moll op. 35, 1839; h-moll op. 58, 1844 и др.);

·         фантазия f-moll op. 49;

·         четыре баллады (1835–1842);

·         четыре скерцо (1832–1842);

·         экспромты, ноктюрны, этюды, вальсы, мазурки, полонезы, прелюдии и другие произведения для фортепиано. 

Некоторые известные произведения Шопена:

·         Ноктюрн до-диез минор (посмертный) — написан в 20 лет, впервые издан после смерти композитора. 

·         Революционный этюд до минор (op. 10 №12) — отражает чувства Шопена, вызванные крахом восстания против русского самодержавия в Польше. dzen.ru +1

·         Полонез ля мажор — торжественное произведение, затрагивающее весь диапазон фортепианной клавиатуры. 

·         Прелюдия ми-минор (op. 28 №4) — одна из 24 прелюдий, которые Шопен превратил в самостоятельные законченные пьесы. 

·         Вальс до-диез минор (op. 64 №2) — отличается меланхолией и завораживающим кружением мелодии в рефрене. 

Музыка Шопена отличается богатством и разнообразием фактуры, изысканностью гармонии, мелодичностью. Он мастерски использовал динамику, темп, выразительность и педаль, что делало каждое исполнение неповторимым. В своих балладах и полонезах Шопен рассказывал о любви к родине, красоте её природы и трагическом прошлом, используя черты народного мелоса. 

Исполнительский стиль Шопена отличался лиризмом, лёгкостью звучания, «бисерной» техникой, тончайшими градациями динамики, гибкой агогикой и искусством педализации. 

Творчество Шопена оказало влияние на многих композиторов и музыкантов, включая Франца Листа, Клода Дебюсси, Сергея Рахманинова и других. С 1927 года в Варшаве проводится Международный конкурс пианистов имени Шопена — один из самых престижных музыкальных конкурсов.

Домашнее задание:

1. Перечисли имена людей, окружавших Шопена в Париже?

2. Какая область музыкального искусства была особенно близка Шопену?

Урок №20.

Жизнь и творчество М. И. Глинки. (1804–1857)

Михаил Иванович Глинка — русский композитор, основоположник русской классической музыки. По выражению критика В. В. Стасова, «Пушкин создал новый русский язык в поэзии, а Глинка — в музыке».

Биография

Ранние годы:

• Родился 20 мая 1804 года в селе Новоспасском Смоленской губернии, в имении отца, отставного капитана Ивана Николаевича Глинки.
• До шести лет воспитывался бабушкой, после её смерти вернулся к родителям.
• С десяти лет обучался игре на фортепиано (у гувернантки Барбары-Теодоры Кламмер) и скрипке (у крепостного музыканта).

Образование и первые успехи:

• В 1817 году отправлен в Царскосельский лицей, затем переведён в Благородный пансион при Императорском университете в Санкт‑Петербурге. Учился в одном классе с Львом Пушкиным.
• В пансионе серьёзно увлёкся музыкой, писал первые произведения, брал частные уроки, посещал концерты и оперу.
• Окончил обучение в 1822 году вторым учеником.

Начало творческого пути:

• В 1824–1828 годах служил помощником секретаря в Главном управлении путей сообщения
• В 1825 году написал первый романс «Не искушай меня без нужды» на стихи Е. А. Баратынского.
• Путешествие на Кавказ (1822) повлияло на его творчество: впечатления от музыки народов Кавказа позже отразились в произведениях на восточную тематику.

Заграничные поездки и профессиональное становление:

• Жил за границей: Италия (1830–1833), Германия (1833–1834, 1856–1857), Франция (1844–1845, 1852–1854), Испания (1845–1847).
• Изучал европейское музыкальное искусство, познакомился с Берлиозом, Беллини, Доницетти.
• В Берлине учился у теоретика Зигфрида Дена (полифония, инструментовка).

Зрелые годы и признание:

• 1836 год — премьера оперы «Жизнь за царя» («Иван Сусанин»), имевшей огромный успех.
• 1837–1839 годы — капельмейстер Придворной певческой капеллы.
• Знакомство с Екатериной Керн (дочерью Анны Керн) вдохновило на создание ряда романсов.
• 1842 год — премьера оперы «Руслан и Людмила», вызвавшей неоднозначную реакцию критики.

Последние годы:

• Много времени проводил за границей, давал концерты.
• Начал писать автобиографические «Записки» (опубликованы в 1870 году).
• Умер 3 февраля 1857 года в Берлине. Первоначально похоронен на лютеранском кладбище, затем перезахоронен на Тихвинском кладбище Александро‑Невской лавры в Санкт‑Петербурге по настоянию сестры.

Домашнее задание:

1. Сформулируй, в каких музыкальных жанрах сочинял композитор?

2. Какое музыкальное образование получил композитор?

3. Почему глинку называют первым русским классиком?

Урок №21.

Жизнь и творчество П. И. Чайковского.

Пётр Ильич Чайковский (1840 — 1893) — один из величайших композиторов в истории музыки, яркий представитель музыкального романтизма. Его творчество оказало огромное влияние на развитие мировой музыкальной культуры и стало символом русской жизни и культуры XIX века. 

Биография

Чайковский родился в Воткинске (Вятская губерния) в семье горного инженера Ильи Петровича Чайковского и пианистки Александры Андреевны Ассиер. В доме часто звучала музыка, и уже в пять лет Пётр научился играть на фортепиано. 

В 1859 году он окончил Императорское училище правоведения в Петербурге и начал службу в Министерстве юстиции. Однако страсть к музыке взяла верх: в 1861 году Чайковский начал заниматься у Антона Рубинштейна, а в 1862 году стал одним из первых студентов только что открывшейся Санкт-Петербургской консерватории. В 1865 году он окончил обучение с высшей наградой — большой серебряной медалью и званием «свободного художника». 

В 1866 году по приглашению Николая Рубинштейна Чайковский переехал в Москву, где начал преподавать в Московской консерватории. В 1885 году он вошёл в совет Русского музыкального общества и возглавил его московское отделение. 

В 1877 году Чайковский женился на студентке консерватории Антонине Милюковой, но брак был неудачным, и вскоре композитор уехал от жены. С тех пор супруги жили раздельно. 

Судьбоносным событием в жизни композитора стала дружба по переписке с меценаткой Надеждой фон Мекк. Она стала выплачивать Чайковскому ежегодное содержание, что позволило ему в 1878 году оставить преподавательскую деятельность и полностью посвятить себя творчеству. 

Последние годы Чайковский провёл в Майданово, Фроловском и Клину. В Клину он много занимался благотворительностью. 

Чайковский скончался в Санкт-Петербурге от холеры. Его похоронили в Александро-Невской лавре. 

Творчество

Чайковский работал во всех известных музыкальных жанрах своего времени, но отдавал предпочтение масштабным формам — операм и симфониям. Его музыка отличается эмоциональной выразительностью, лиричностью и драматизмом. Одна из главных тем творчества — сострадание и любовь к людям. 

Некоторые произведения:

·         Симфонии. Чайковский создал 6 пронумерованных симфоний и программную симфонию «Манфред». В них глубина идейного замысла и эмоциональное богатство соединяются с простотой и доступностью музыкального языка. 

·         Оперы. Среди них «Евгений Онегин», «Орлеанская дева», «Мазепа», «Чародейка», «Пиковая дама», «Иоланта». 

·         Балеты. «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик». 

·         Программные симфонические произведения. Увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта» (по Шекспиру), фантазия «Буря» (по Шекспиру), фантазия «Франческа да Римини» (по Данте). 

·         Концерты. Три фортепианных концерта, концерт для скрипки с оркестром. 

·         Камерно-инструментальные произведения. Три струнных квартета, фортепианное трио «Памяти великого художника», струнный секстет «Воспоминание о Флоренции». 

·         Фортепианные циклы. «Времена года», «Детский альбом». 

·         Романсы. Более 100 романсов, отличающихся сердечностью тона и искренностью выражения человеческих чувств. 

Чайковский также работал в области хоровой духовной музыки. 

Особенности стиля:

·         В своих симфониях композитор нередко вводил народно-песенные темы, интонации и ритмы бытовой танцевальной музыки. 

·         Для произведений Чайковского характерны яркие контрасты, напряжённое развитие музыки, в процессе которого обозначается исход конфликта. Они имеют много общего со сценической драмой, где есть «завязка», развитие действия, кульминация и «развязка». 

·         Музыка композитора отличается тонкой лирикой, певучестью и способностью вызывать сильный эмоциональный отклик у слушателя. 

Чайковский получил международное признание. В 1892 году его избрали членом-корреспондентом Академии изящных искусств в Париже, а в 1893 году — почётным доктором университета в Кембридже. 

Его музыка стала символом русской жизни и культуры XIX века, а наследие продолжает вдохновлять композиторов и слушателей по всему миру.

Домашнее задание:

1. Как вы думаете, к какому стилю относится творчество П. И. Чайковского? Аргументируйте.

2. Подготовиться к музыкальной викторине по теме «Творчество композиторов - романтиков»

Урок №22.

Музыкальная викторина

По теме: «Творчество композиторов романтиков»

Послушай музыку, определи произведение и поставь цифру порядка звучания:

Оценка:

Тест

На тему «Творчество композиторов-романтиков»

1. Для романтизма характерно:

 Идея разума

 Показ внутреннего мира человека

Стремление к пышности и нарядности

2. Композиторы  - романтики

• И. С. Бах
• Ф. Шопен
• П.И. Чайковский

3. «Лесной царь» – это

 Песня

Баллада

 Серенада

4. Шуберт написал

Более 100 песен

 Более 600 песен

Более 1000 песен

5. Аве Мария – в переводе

 Святая Мария

Радуйся, Мария

Хвала Марии

6. Обозначь произведения М. И. Глинки

• опера «Иван Сусанин»
• опера «Евгений Онегин»
• оперетта «Сильва»

7. Обозначь произведения П.И. Чайковского

• симфония «Зимние грёзы»
• фортепианный цикл «Времена года»
• симфония «Неоконченная»

Оценка:

Урок №23

Импрессионизм.

Музыкальный импрессионизм — направление, сложившееся во Франции в последнюю четверть XIX — начале XX века под влиянием живописного импрессионизма и символизма в литературе. Его суть — в передаче настроений, психологических состояний и мимолетных впечатлений от окружающего мира через музыку. 

Ключевые фигуры — Клод Дебюсси, Морис Равель, Эрик Сати. Также к импрессионистам относят П. Дюка, Ф. Шмита, Ж. Роже-Дюкаса и других французских композиторов. 

Точкой отсчёта музыкального импрессионизма считаются 1886–1887 годы, когда в Париже были опубликованы первые импрессионистические опусы Эрика Сати («Сильвия», «Ангелы» и «Три сарабанды»). Пять лет спустя получили резонанс первые произведения Клода Дебюсси в новом стиле, в частности «Послеполуденный отдых фавна». 

Некоторые особенности импрессионизма в музыке:

·         Тематика. Ведущая тема — пейзаж. Композиторы стремились передать впечатления от природы (море, небо, лес), городских сцен, а также рафинированную фантастику, порождённую античной мифологией или средневековыми легендами, экзотику народов Востока. Примеры: «Послеполуденный отдых фавна», «Ноктюрны», «Море» Дебюсси, «Игра воды», «Отражения», «Дафнис и Хлоя» Равеля. 

·         Миниатюрность форм. В отличие от крупных симфоний, композиторы тяготели к коротким произведениям — программным миниатюрам, сюитным циклам, зарисовкам. Это позволяло легче передать мимолётные впечатления и смену настроений.

·         Роль мелодии и гармонии. Значение мелодии как основного выразительного элемента ослаблялось, она растворялась в гармоническом фоне. На первый план выходила красочная роль гармонии. Характерны сложные, неустойчивые гармонии: увеличенные трезвучия, уменьшенные септаккорды, нонаккорды, альтерированные и квартовые созвучия. Дебюсси и Равель часто обращались к старинным народным ладам (дорийскому, фригийскому, миксолидийскому), пентатонике. 

·         Инструментовка. В оркестровке преобладали чистые краски и капризные блики. Часто применялись соло деревянных духовых, пассажи арф, сложные divisi струнных, эффекты con sordino. Типичны декоративные, равномерно текучие остинатные фоны. Струнная группа теряла господствующее значение, на первый план выходили деревянные духовые инструменты. Любимое тембровое сочетание Сати и Дебюсси — арфа и флейта. 

·         Ритмика и мелодика. Ритмика подчас была зыбкой и неуловимой. Для мелодики характерны не закруглённые построения, а короткие выразительные фразы-символы, напластования мотивов. 

·         Программность. Произведения часто имели названия, а иногда и литературные пояснения. Например, в сюите «Ноктюрны» Дебюсси перед каждой из трёх пьес было небольшое литературное предисловие. 

Музыкальный импрессионизм унаследовал некоторые черты позднего романтизма и национальных школ XIX века: интерес к поэтизации старины и далёких стран, тембровой и гармонической красочности, воскрешению архаических ладовых систем. На него также повлияли французский музыкальный фольклор, русская музыка, григорианский хорал, церковная полифония раннего Возрождения, музыка стран Востока, негритянские спиричуэлс и другие источники. 

Влияние импрессионизма распространилось за пределы Франции. Его черты можно найти в творчестве Мануэля де Фальи («Ночи в садах Испании»), Отторино Респиги («Фонтаны Рима»), Кароля Шимановского, Белы Бартока и других композиторов. Гармонические находки эпохи импрессионизма позже получили название модальной гармонии, которая распространилась в джазе и рок-музыке. 

Термин «импрессионизм» по отношению к музыке носит условный характер, так как средства живописи и музыки связаны лишь через ассоциативные параллели в сознании композитора. Сам Дебюсси не раз выражал несогласие с этим термином, хотя и не предлагал альтернативы. 

Домашнее задание:

Урок №24

Урок №24

Музыка XX века. Современная классика.

Музыка XX века стала эпохой стилевого плюрализма, где сосуществовали и развивались разнообразные направления, от радикальных авангардных экспериментов до более традиционных форм. Понятие «современная классика» часто применяют к академической музыке, созданной во второй половине XX века и позже, которая продолжает традиции классической музыки, но с новыми художественными подходами. 

Основные тенденции и направления

1.     Сериализм (тотальный сериализм). После Второй мировой войны композиторы, такие как Пьер Булез, Карлхайнц Штокхаузен и Луиджи Ноно, стремились достичь нового уровня в композиторском процессе, используя техники сериализма — тотального упорядочения тонов. Эта методика развивала идеи Арнольда Шенберга и Антона Веберна. 

2.     Электронная и электроакустическая музыка. Технологические достижения привели к появлению электронной музыки. Композиторы начали экспериментировать с синтезаторами и компьютерными технологиями, что расширило возможности работы со звуком. 

3.     Минимализм. Направление возникло благодаря экспериментам с повторяющимися текстурами. Среди представителей — Филип Гласс и Стив Райх. Минимализм акцентировал внимание на простых музыкальных паттернах и длительных звуковых структурах. 

4.     Неоклассицизм. В 1920-х годах возникло направление, стремившееся к возрождению стилистических черт раннеклассического и доклассического периода. И. Ф. Стравинский выдвинул лозунг «Назад к Баху», призывая соединить баховскую логику с новейшими средствами музыкального языка. 

5.     Постмодернизм. Во второй половине XX века постмодернизм выступил с радикальной переоценкой лозунгов авангардизма. «Война с традицией» сменилась стилистическим плюрализмом, свободным взаимодействием «старых» и «новых» стилей. Появились неостилии: «неоклассицизм второй волны», «новая фольклорная волна», «неоромантизм». 

6.     Спектральная музыка и пост-минимализм. В период после 1975 года распространились эти и другие направления, связанные с углублённым изучением звуковых спектров и развитием минималистских идей. 

7.     Звуковое искусство и перформанс. Некоторые композиторы исследовали театральный потенциал музыкального перформанса, включая смешанные техники и флуксус. 

Влияние технологий

Развитие цифровых технологий в конце XX — начале XXI века значительно повлияло на музыкальное творчество. Композиторы получили возможность работать с компьютерным программным обеспечением, что расширило возможности в аранжировке, записи и редактировании музыкальных сочинений. Цифровые технологии позволили более точно редактировать электронный звук, работать с его оттенками, динамикой и высотой. 

Значимые композиторы

·         Пьер Булез, Карлхайнц Штокхаузен, Луиджи Ноно — представители европейского модернистского направления, работавшие с сериализмом. 

·         Милтон Бэббитт, Джон Кейдж, Эллиот Картер, Генри Коуэлл, Филип Гласс, Стив Райх — американские композиторы, развивавшие различные направления, от расширенного сериализма до экспериментальной музыки и минимализма. 

·         София Губайдулина, Альфред Шнитке, Родион Щедрин — выдающиеся российские композиторы XX века, чьи работы сочетали новаторство с глубокими традициями. 

·         Дьёрдь Лигети, Кшиштоф Пендерецкий, Хельмут Лахенман — композиторы, чьи работы часто ассоциируются с авангардными и экспериментальными течениями. 

Особенности современной классики

Термин «современная классика» может использоваться в разных смыслах. В узком понимании это музыка, написанная с середины 1970-х годов, включающая модернистскую, постмодернистскую, неоромантическую и плюралистическую музыку. В более широком смысле — все музыкальные формы, созданные после 1945 года, включая академическую музыку XX века. 

Современная классика может исполняться на различных инструментах, иметь разную аранжировку — от сольного исполнения до симфонического оркестра. Помимо акустических, могут использоваться электронные инструменты. 

Таким образом, современная классика XX века — это многогранное явление, отражающее как радикальные эксперименты с музыкальным языком, так и стремление к синтезу традиций с новыми технологиями и эстетическими идеями.

Урок №25

Урок №25

Жизнь и творчество С.С. Прокофьева.

Сергей Сергеевич Прокофьев — русский и советский композитор, пианист, дирижёр, музыкальный писатель. Считается одним из самых значительных и исполняемых композиторов XX века. 

Биография

·         Родился 23 апреля 1891 года в селе Сонцовка Екатеринославской губернии (ныне в Покровском районе Донецкой области Украины). С детства проявлял музыкальные способности, его первым учителем была мать — хорошая пианистка. 

·         В 1904 году поступил в Петербургскую консерваторию. В 1909 году закончил её как композитор, через пять лет — как пианист, до 1917 года продолжая заниматься в консерватории по классу органа. 

·         После революции 1917 года композитор уехал из России и провёл более 15 лет за границей, живя в США, Европе. В 1936 году Прокофьев вернулся в СССР. 

·         Умер 5 марта 1953 года в Москве (61 год). Похоронен на Новодевичьем кладбище.

Творчество

Прокофьев писал во всех современных ему жанрах: оперы, балеты, симфонии, концерты для сольного инструмента с оркестром, сонаты, оратории, кантаты, камерные и инструментальные сочинения, музыку для кино и театра.

Некоторые произведения Прокофьева:

·         балеты «Ромео и Джульетта» (1935), «Золушка» (1945), «Каменный цветок» (1950);

·         оперы «Любовь к трём апельсинам» (1919), «Война и мир» (1942);

·         кантаты «К 20-летию Октября» (1937), «Александр Невский» (1939) и «Здравица» (1939);

·         симфоническая сказка «Петя и волк» (1936);

·         музыка к кинофильмам «Поручик Киже» (1934), «Александр Невский» (1938), «Иван Грозный» (1945).

Прокофьев сочетал традиции и новаторство: использовал неожиданные гармонии, ритмическую сложность и острые диссонансы. Его произведения часто отличались яркой мелодичностью и стремительной динамикой.

Урок №26

Урок №26

Жизнь и творчество Д.Д. Шостаковича

Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906–1975) — один из крупнейших композиторов XX века, чьё творчество стало отражением эпохи и оказало глубокое влияние на мировую музыкальную культуру. Его музыка сочетает глубокий трагизм, сарказм, лиризм и эмоциональную силу. 

Биография

Родился 25 сентября 1906 года в Санкт-Петербурге в интеллигентной семье: отец был инженером, мать — талантливой пианисткой. Первые уроки музыки получил от матери. 

В 1915 году поступил в коммерческую гимназию и одновременно начал заниматься в частной музыкальной школе И. А. Гляссера. В 1919 году в 13 лет поступил в Петроградскую консерваторию, где обучался по двум специальностям: фортепиано (у Леонида Николаева) и композиции (у Максимилиана Штейнберга). Годы учёбы пришлись на период Гражданской войны — студенты занимались в неотапливаемых классах, многие болели и умирали от голода.

После смерти отца в 1922 году Шостакович работал тапёром в кинотеатре «Светлая лента», чтобы поддержать семью. Дипломной работой стала Первая симфония, премьера которой состоялась 12 мая 1926 года и принесла 20-летнему автору мировую известность

В 1937 году начал педагогическую деятельность — вёл класс сочинения в Ленинградской консерватории, с 1939 года был профессором. После переезда в Москву преподавал в Московской консерватории (в 1943–1948 годах). Среди его учеников — Георгий Свиридов, Кара Караев, Борис Тищенко, Мстислав Ростропович. 

В 1948 году музыка Шостаковича, наряду с произведениями других крупных советских композиторов, была объявлена «формалистической» и «чуждой советскому народу» в связи с Постановлением ЦК ВКП(б) об опере «Великая дружба». В эти годы композитор создал кантату «Песнь о лесах» (1949), за которую получил Сталинскую премию.

После смерти Сталина в 1953 году Шостакович создал Десятую симфонию, которая ознаменовала новый этап в его творчестве.

В последние годы жизни композитор страдал от тяжёлой болезни — амиотрофического склероза, вызывающего паралич конечностей. В 60 лет перенёс инфаркт, а ближе к смерти боролся с раком лёгких. Умер 9 августа 1975 года в Москве. Похоронен на Новодевичьем кладбище.

Творчество

За свою жизнь Шостакович создал:

·         15 симфоний;

·         15 струнных квартетов;

·         6 концертов;

·         оперы («Нос», «Леди Макбет Мценского уезда», «Игроки»);

·         балеты («Золотой век», «Болт», «Светлый ручей»);

·         многочисленные произведения камерной и вокальной музыки.

Некоторые значимые произведения:

·         Седьмая («Ленинградская») симфония — одно из самых известных и значительных произведений Шостаковича, написанное в годы Великой Отечественной войны. Композитор начал работу над ней в осаждённом Ленинграде, а закончил в эвакуации в Куйбышеве. Премьера состоялась в марте 1942 года, а 9 августа 1942 года симфония прозвучала в блокадном Ленинграде. 

·         Цикл «24 прелюдии и фуги» для фортепиано (1951) — полифонические эксперименты, вдохновлённые творчеством Иоганна Баха

·         Симфония №14 на стихи Гийома Аполлинера, Райнера Марии Рильке, Вильгельма Кюхельбекера. 

·         Музыка к кинофильмам («Простые люди», «Молодая гвардия», «Гамлет», «Король Лир»). 

В творчестве Шостаковича заметно влияние:

·         И. С. Баха (в его фугах и пассакалиях);

·         Л. Бетховена (в его поздних квартетах);

·         П. И. Чайковского, Г. Малера, С. В. Рахманинова, А. Берга.

Музыка Шостаковича продолжает исполняться во всём мире, а его симфонии, концерты и оперы входят в золотой фонд классической музыки XX века.

IV  четверть   

  Урок №27

Творчество Софии Губайдулиной

София Асгатовна Губайдулина (1931–2025) — выдающийся композитор, заслуженный деятель искусств РСФСР, чьё творчество сочетает авангардные эксперименты и глубокую духовную традицию.

Этапы биографии и становления

·         Рождение и образование: родилась 24 октября 1931 года в Чистополе (Татарская АССР).

·         Обучение:

o    1949 — Казанское музыкальное училище (класс фортепиано);

o    1954 — Казанская государственная консерватория (класс фортепиано у Григория Когана);

o    1959 — Московская консерватория им. П. И. Чайковского (класс композиции у Николая Пейко);

o    1963 — аспирантура Московской консерватории (руководитель — Виссарион Шебалин).

·         Напутствие Шостаковича: Дмитрий Шостакович сказал ей: «Идите вашим „неправильным“ путём», — что стало творческим девизом Губайдулиной.

Ключевые этапы творческой деятельности

1.      1960‑е годы:

o    Балеты «Волшебная свирель» (1960) и «Бегущая по волнам» (1963).

o    Вступление в Союз композиторов СССР (1963) и начало работы над киномузыкой.

o    Кантаты «Ночь в Мемфисе» (1968, на древнеегипетские тексты) и «Рубайат» (1969, на стихи восточных поэтов).

2.      1970‑е годы:

o    Работа в Московской экспериментальной студии электронной музыки (1969–1970), пьеса для электронного синтезатора «Живое — неживое» (1970).

o    Симфоническое произведение «Ступени» (1972), отмеченное первой премией на Международном конкурсе композиторов в Риме (1974).

o    Участие в ансамбле «Астрея» (с 1975, совместно с Вячеславом Артёмовым и Виктором Суслиным) — импровизации на народных инструментах.

o    Критика на VI съезде Союза композиторов СССР (1979), включение в «хренниковскую семёрку» — чёрный список запрещённых композиторов.

3.      1980‑е годы:

o    Трио для флейты, альта, арфы и чтеца «Сад радости и печали» (1980).

o    Скрипичный концерт Offertorium (редакции 1980, 1982, 1986), посвящённый Гидону Кремеру — принёс международную известность.

o    «Посвящение Марине Цветаевой» для хора а cappella (1984).

o    Симфония «Слышу… Умолкло…» (1986).

4.      1990‑е и последующие годы (в т. ч. период жизни в Германии):

o    Симфония‑кантата «Аллилуия» (1990, с использованием цветовых проекторов).

o    Кантата «Теперь всегда снега» на стихи Геннадия Айги (1993).

o    «Кватернион» для четырёх виолончелей (1996).

o    «В тени под деревом» для симфонического оркестра и кото (1998).

o    Концерт для баяна, ударных и струнных «Фахверк» (2009).

o    Тройной концерт для скрипки, виолончели, баяна и оркестра (2016).

o    «Гнев Божий» (Der Zorn Gottes, 2020) — последнее опубликованное произведение, номинированное на «Грэмми» (2022).

Характерные черты творчества

·         Духовность: произведения пронизаны религиозной тематикой («Семь слов Христа», «Страсти по Иоанну», «Аллилуйя»), что было вызовом в советский период.

·         Эксперименты: сочетание акустических и электронных инструментов, нестандартные составы (например, виолончель, баян и струнные в «Семи словах Христа»).

·         Синтез культур: использование элементов татарского фольклора (например, «Пять пьес для домры и фортепиано», 1977), восточных мотивов, а также взаимодействие с традициями Баха.

·         Философия: музыка как связь между материальным и духовным, что отражено в высказываниях самой Губайдулиной: «Музыка — самый непосредственный способ связи между материальным и духовным».

Музыка для кино

Губайдулина написала музыку к более чем 25 фильмам, включая:

·         «Вертикаль» (1967, реж. Станислав Говорухин);

·         «Маугли» (мультфильм, 1971);

·         «Чучело» (1983, реж. Ролан Быков);

·         «Мария — королева Шотландии» (2013).

Её саундтреки сочетали авангардные решения с яркой образностью, особенно в мультфильмах.

Признание и награды

·         Заслуженный деятель искусств РСФСР (1989).

·         Государственная премия России (1992).

·         Орден Дружбы (2010) и орден «За заслуги в культуре и искусстве» (2022).

·         «Золотой лев» Венецианской биеннале (2013) за достижения в современной музыке.

·         Почётный гражданин Казани (2011).

·         Почётные звания профессоров и докторов в консерваториях и университетах России, Китая и США.

Наследие

·         Центр современной музыки Софии Губайдулиной в Казани (с 2001).

·         Международный фестиваль Concordia в Казани (ежегодно с 2011).

·         Документальные фильмы о её творчестве, в т. ч. «Сад радости и печали. София Губайдулина» (2001) и «Быть оракулом» (2017).

Творчество Губайдулиной оказало значительное влияние на развитие современной академической музыки, объединив новаторство, духовную глубину и межкультурный диалог.

Творчество Альфреда Шнитке

Альфред Гарриевич Шнитке (1934–1998) — один из наиболее значимых и влиятельных композиторов второй половины XX века, музыкальный педагог и музыковед, заслуженный деятель искусств РСФСР (1987), лауреат Государственной премии РСФСР имени Н. К. Крупской (1986) и Государственной премии Российской Федерации (1995).

Биография 

·         Дата и место рождения: 24 ноября 1934 года, Энгельс, АССР немцев Поволжья, СССР.

·         Обучение: музыкальное училище имени Октябрьской революции, Московская консерватория (классы Евгения Голубева и Юрия Шапорина), аспирантура.

·         Переезд в Вену: в 1946 году семья переехала в Вену, где юный Альфред начал заниматься музыкой; в 1948 году вернулись в Москву.

·         Дата смерти: 3 августа 1998 года, Гамбург, Германия.

Ключевые особенности творчества

1.      Полистилистика — сознательное объединение в одном произведении разнородных стилевых элементов из разных эпох и жанров. Это отражение философского взгляда композитора на музыку как на единое звуковое полотно, где стираются границы между жанрами и стилями.

2.      Музыкальные цитаты — использование узнаваемых фрагментов произведений других композиторов, которые переосмысливаются и перерабатываются.

3.      Эксперименты с формами и техниками — применение додекафонии, микрополифонии, алеаторики, сонорики и других радикальных приёмов XX века.

4.      Синтез элитарного и популярного — стремление создать универсальный творческий язык, объединяющий академическую и массовую музыку.

5.      Глубокая эмоциональность и философская наполненность — музыка Шнитке часто затрагивает темы жизни и смерти, добра и зла, духовного поиска.

Основные произведения

Симфонии:

·         Симфония «нулевая» (1957);

·         Симфония № 1 (1972) — содержит отсылки к Гайдну, Бетховену, Шопену, Григу;

·         Симфония № 2 St. Florian (1979);

·         Симфония № 3 (1981);

·         Симфония № 4 (1984);

·         Симфония № 5 = Concerto Grosso № 4 (1988);

·         Симфонии № 6 (1992), № 7 (1993), № 8 (1994), № 9 (1997–1998).

Concerti Grossi:

·         Concerto Grosso № 1 (1977) — смешение жанров «большого концерта» XVIII века и авангарда XX века;

·         Concerto Grosso № 2 (1982);

·         Concerto Grosso № 3 (1985);

·         Concerto Grosso № 4 = Симфония № 5 (1988).

Камерные произведения:

·         Соната для скрипки и фортепиано № 1 (1963);

·         Струнный квартет № 1 (1966);

·         Сюита в старинном стиле (Suite in the Old Style) для скрипки и фортепиано (1972);

·         Фортепианный квинтет памяти матери (1972);

·         Moz‑Art à la Haydn для 2 скрипок и камерного оркестра (1977);

·         Соната для виолончели и фортепиано № 1 (1978);

·         Струнные квартеты № 2 (1980), № 3 (1983), № 4 (1989);

·         Квартет для ударных инструментов (1994);

·         Сонаты для скрипки и фортепиано № 3 (1994) и виолончели и фортепиано № 2 (1994).

Вокальные и хоровые произведения:

·         Три стихотворения Марины Цветаевой для меццо‑сопрано и фортепиано (1965);

·         Голоса природы для 10 женских голосов и вибрафона (1972);

·         Восемь песен из спектакля «Дон Карлос» для баритона и фортепиано (1975);

·         Магдалина для голоса и фортепиано на стихи Б. Л. Пастернака (1977);

·         Три мадригала для сопрано, скрипки, альта, контрабаса, вибрафона, клавесина (1980);

·         Стихи покаянные (1987);

·         Пять фрагментов по картинам Иеронима Босха (1994).

Сочинения для клавишных инструментов:

·         Вариации на один аккорд для фортепиано (1965);

·         Восемь детских пьес для фортепиано (1971);

·         Посвящение Игорю Стравинскому, Сергею Прокофьеву, Дмитрию Шостаковичу для фортепиано в 6 рук (1979);

·         Сонаты для фортепиано № 1 (1987), № 2 (1990), № 3 (1992).

Балеты:

·         «Лабиринты» (1971);

·         «Эскизы» (1985);

·         «Пер Гюнт» (1986).

Оперы:

·         Автор четырёх опер (названия не уточняются в доступных источниках).

Музыка к кино

С 1962 по 1994 год Шнитке написал около 70 партитур для кино. Среди фильмов:

·         «Комиссар» (1967) — за саундтрек к картине, которая 20 лет пролежала «на полке», в 1988 году получил премию «Ника»;

·         «Горячий снег» (1972);

·         «Агония» (1975–1981–1985);

·         «Сказ о том, как царь Пётр арапа женил» (1976);

·         «Восхождение» (1976);

·         «Экипаж» (1979);

·         «Маленькие трагедии» (1979);

·         «Сказка странствий» (1983).

В киномузыке Шнитке сочетал авторский голос с экономным использованием стилевых аллюзий, иногда придавая им комический или пародийный оттенок.

Значимые произведения и их особенности

·         Оратория «Нагасаки» (дипломная работа) — передаёт ужасы атомного взрыва, олицетворяет смерть во всей её жестокости и бессмысленности.

·         Кантата «История доктора Фауста» (1983) — для смешанного хора и оркестра, включает немецкий текст народной книги 1587 года и русский перевод.

·         Concerto Grosso № 1 (1977) — яркий пример полистилистики: смешение аутентичной инструментовки XVIII века и экспериментальных техник XX века.

Признание и награды

·         Заслуженный деятель искусств РСФСР (1987).

·         Государственная премия РСФСР имени Н. К. Крупской (1986).

·         Премия «Ника» за лучшую музыку к фильму (1989).

·         Государственная премия Российской Федерации (1995).

Творчество Шнитке оказало значительное влияние на развитие современной академической музыки, предложив новые подходы к композиции, форме и взаимодействию стилей. Его наследие продолжает вдохновлять музыкантов и композиторов по всему миру.

Творчество Эдисона Васильевича Денисова

Эдисон Васильевич Денисов (1929–1996) — советский и российский композитор, народный артист РФ, один из лидеров отечественного музыкального авангарда. Его творчество отличают изысканность колорита, графичность мелодических линий и поиски «новой красоты» в музыке.

Биография (кратко)

·         Дата и место рождения: 6 апреля 1929 года, Томск.

·         Образование:

o    Томское музыкальное училище (окончил в 1950 году, класс фортепиано);

o    Физико‑математический факультет Томского университета (окончил в 1951 году);

o    Московская консерватория (окончил в 1956 году, класс композиции В. Я. Шебалина);

o    Аспирантура Московской консерватории (окончил в 1959 году).

·         Преподавательская деятельность: преподавал оркестровку и композицию в Московской консерватории.

·         Общественная деятельность: в 1990 году организовал Ассоциацию современной музыки (АСМ‑2) и стал её первым руководителем.

·         Последние годы: после тяжёлой автокатастрофы в 1994 году жил во Франции, где был удостоен звания «Почётный гражданин города Парижа».

·         Дата смерти: 24 ноября 1996 года.

Эволюция стиля

1.      Ранний период (1950‑е): влияние Шостаковича, неофольклорные тенденции (опера «Иван‑солдат», 1959).

2.      Поворот к авангарду (1960‑е): освоение серийной техники и додекафонии («Музыка для одиннадцати духовых и литавр», Вариации для фортепиано, оба — 1961).

3.      Зрелый стиль (1970–1980‑е):

o    развитие сонорного мышления;

o    индивидуальный «ультраорнаментальный» стиль;

o    сочетание серийности с мелодизмом;

o    интерес к красочности и графичности музыкальной ткани.

4.      Поздний период (1980–1990‑е): обращение к мелодизму и тональному письму, «музыкальное озвучивание русской поэзии».

Ключевые особенности творчества

·         Влияние живописи: увлечённость импрессионизмом отразилась в роли колорита и красочности, графичности мелодий и ритмов.

·         Серийная техника: неортодоксальное использование додекафонии с разделением серии на сегменты и «серийной модуляцией».

·         Сонорность: внимание к звуковым массам, фактуре, тембру.

·         Расширенные приёмы игры: активное использование нетрадиционных техник звукоизвлечения.

·         Лиризм: несмотря на авангардность, музыка Денисова сохраняет глубокую эмоциональность и мелодическую выразительность.

·         Формула‑монограмма EDS (E, D, Es — буквы имени и фамилии композитора), которая нередко лежит в основе тематизма.

Основные произведения

Вокально‑инструментальные:

·         «Солнце инков» (1964) — кантата для сопрано и 11 инструментов на тексты Г. Мистраль, первое зрелое сочинение в новом стиле;

·         «Итальянские песни» (1964) для сопрано и ансамбля на стихи А. А. Блока;

·         «Плачи» (1966) для сопрано, фортепиано и ударных на русские народные тексты;

·         «Голубая тетрадь» (1984) для сопрано, чтеца, скрипки, виолончели, двух фортепиано и трёх групп колоколов на стихи А. Введенского и Д. Хармса;

·         «Свете тихий» (1988) для хора a cappella (к 1000‑летию крещения Руси);

·         «Твой облик милый» (1980) для голоса и фортепиано на стихи А. С. Пушкина;

·         «На снежном костре» (1981) для голоса и фортепиано на стихи А. А. Блока.

Оркестровые:

·         «Живопись» (1970) — попытка «музыкальной реконструкции» живописной техники художника Б. Г. Биргера;

·         «Акварель» (1975);

·         Реквием (1980);

·         Симфония для большого оркестра (1987).

Концерты:

·         Виолончельный концерт (1972);

·         Флейтовый концерт (1975);

·         Скрипичный концерт (1977);

·         Concerto piccolo для саксофониста и огромного оркестра ударных (1977);

·         Концерт для флейты и гобоя (1978);

·         Альтовый концерт (1986);

·         Кларнетовый концерт (1989);

·         Концерт для флейты и кларнета (1996).

Камерные:

·         Второй струнный квартет (1961, посвящён памяти Б. Бартока);

·         Три пьесы для виолончели и фортепиано (1967);

·         Соната для альт‑саксофона и фортепиано (1970);

·         Второе фортепианное трио (1971);

·         Октет для духовых (1991);

·         Гитарный концерт (1991).

Балет и опера:

·         Балет «Исповедь» (1984, по роману А. Мюссе);

·         Опера «Пена дней» (1981, по роману Б. Виана, поставлена в Париже в 1986 году);

·         Опера «Четыре девушки» (1986, по пьесе П. Пикассо).

Электронная музыка:

·         «Пение птиц» (1969) — создано в Московской экспериментальной студии электронной музыки с использованием синтезатора АНС.

Музыка для театра и кино:

·         музыка к кинофильму «Безымянная звезда»;

·         музыка к спектаклю «Мастер и Маргарита».

Признание и влияние

·         Во Франции Денисова называли «Моцартом XX столетия» за тонкий лиризм и естественность музыкального языка.

·         В 1979 году на VI съезде Союза композиторов СССР сочинения Денисова подверглись резкой критике, и он попал в «чёрные списки» диссидентов; до середины 1980‑х годов исполнение его музыки в СССР было под запретом.

·         Его творчество оказало значительное влияние на развитие современной академической музыки в России и за рубежом.

·         У него обучались и с ним консультировались многие современные композиторы.

Творчество Денисова остаётся образцом смелого, чистого и искреннего искусства, объединившего авангардные поиски с глубокой духовностью и красотой музыкального высказывания.

Урок № 28 - 29     Джаз.

Джаз — это музыкальный жанр, зародившийся в США на рубеже XIX–XX веков. Он возник как синтез африканских ритмов, европейской гармонии и традиций афроамериканской музыки (блюза, госпела, регтайма). Джаз — не просто музыка, а способ самовыражения, основанный на свободе и взаимодействии музыкантов.

Ключевые особенности джаза

·         Импровизация. Главная черта джаза: музыканты создают музыку «здесь и сейчас», отталкиваясь от заданной темы. Каждое исполнение уникально.

·         Свинг (swing) — особый ритм, создающий эффект «покачивания». Акценты смещаются с сильных долей такта на слабые, что придаёт музыке драйв и динамику.

·         Синкопы. Ритмические акценты падают на слабые доли такта или между долями, создавая сложный, «ломаный» рисунок.

·         Сложные аккорды. Используются расширенные и альтерированные аккорды (септаккорды, нонаккорды и т. д.), нарушающие традиционные правила гармонии.

·         Блюзовые ноты (blue notes) — слегка пониженные III, V и VII ступени мажорной гаммы. Придают звучанию характерную «грусть» и экспрессию.

·         Модуляции. Частая смена тональностей для обогащения звучания и создания эмоциональной динамики.

·         Взаимодействие музыкантов. Джаз — это диалог: солисты и ритм‑группа реагируют друг на друга, создавая коллективное творчество.

История возникновения

Джаз зародился в Новом Орлеане (США) — многонациональном портовом городе, где переплелись культуры:

·         африканские ритмы и традиции импровизации;

·         европейские мелодии и гармония;

·         блюз и госпел афроамериканских общин;

·         регтайм и маршевая музыка духовых оркестров.

Ключевые этапы развития:

1.      Ранний джаз / диксиленд (1910–1920‑е): уличные ансамбли Нового Орлеана. Яркие представители — Луи Армстронг.

2.      Свинг (1930–1940‑е): эпоха биг‑бэндов (больших оркестров). Дюк Эллингтон, Каунт Бэйси.

3.      Бибоп (1940‑е): сложный, интеллектуальный джаз с быстрыми темпами. Чарли Паркер, Диззи Гиллеспи.

4.      Кул‑джаз (1950‑е): сдержанный, «прохладный» стиль. Дэйв Брубек, Чет Бейкер.

5.      Хард‑боп, модальный джаз (1950–1960‑е): синтез блюза и госпела. Майлз Дэвис, Джон Колтрейн.

6.      Фри‑джаз (1960‑е): полная свобода от гармонии и формы. Орнетт Коулман.

7.      Фьюжн (1970‑е): смешение с роком, фанком, электроникой. Херби Хэнкок, Чик Кориа.

8.      Современный джаз (XXI век): эксперименты с этническими мотивами, электроникой, кроссовер.

Основные инструменты

Традиционный джазовый ансамбль включает:

·         Духовые: труба, саксофон, тромбон.

·         Ритм‑секция: контрабас (задает основу), ударные (создают грув), фортепиано или гитара (гармония и аккомпанемент).

Могут добавляться: флейта, вибрафон, банджо, кларнет и другие инструменты.

Известные исполнители

·         Луи Армстронг — основоположник джаза, виртуоз трубы и харизматичный вокалист («What a Wonderful World»).

·         Дюк Эллингтон — композитор и лидер оркестра, превративший джаз в серьёзное искусство («Take the ’A’ Train»).

·         Майлз Дэвис — новатор, стоявший у истоков кул‑джаза, модального джаза и фьюжна («Kind of Blue»).

·         Джон Колтрейн — саксофонист, символ духовного поиска в джазе («A Love Supreme»).

·         Элла Фицджеральд — «Первая леди песни», мастер скэта (вокальной импровизации) («Summertime»).

·         Билли Холидей — певица с глубоким эмоциональным исполнением («Strange Fruit»).

Поджанры джаза (кратко)

·         Диксиленд — ранний, энергичный джаз Нового Орлеана.

·         Свинг — танцевальная музыка 1930‑х с большими оркестрами.

·         Бибоп — быстрый, сложный стиль для знатоков.

·         Кул‑джаз — спокойный, интеллектуальный вариант.

·         Фри‑джаз — радикальная свобода от правил.

·         Фьюжн — джаз + рок, фанк, электроника.

·         Латинский джаз — смешение с ритмами Кубы, Бразилии.

·         Соул‑джаз — влияние госпела и ритм‑энд‑блюза.

Влияние джаза

Джаз оказал огромное влияние на мировую культуру:

·         стал основой для многих современных жанров (рок, R&B, хип‑хоп);

·         изменил подход к импровизации в академической музыке;

·         сформировал особую эстетику свободы и диалога в искусстве;

·         остаётся живым, постоянно эволюционирующим жанром.

Краткий итог

Джаз — это:

·         свобода и импровизация;

·         уникальный ритм (свинг и синкопы);

·         сложные гармонии и блюзовые ноты;

·         диалог музыкантов;

·         богатая история и множество стилей.

Урок №30-31

Рок‑музыка — это жанр популярной музыки с энергичным ритмом и яркой эмоциональной подачей. Он вырос из рок‑н‑ролла 1950‑х и превратился в обширное явление с десятками поджанров — от мягкого поп‑рока до агрессивного металла.

Ключевые характеристики

·         Инструменты. Основа — электрогитара (часто с эффектом перегруза — distortion), бас‑гитара и ударные. Дополнительно могут использоваться клавишные, синтезаторы и другие инструменты.

·         Ритм. Чёткий, энергичный, часто с акцентом на 2‑ю и 4‑ю доли такта (прямой бит). Создаёт ощущение постоянного движения.

·         Структура. Чаще всего — куплет‑припев, но возможны вариации и сложные формы (особенно в прог‑роке).

·         Динамика. Характерны контрасты: переходы от тихих, спокойных фрагментов к громким, мощным.

·         Вокал. Экспрессивный, иногда агрессивный или меланхоличный — в зависимости от поджанра.

·         Тексты. Темы разнообразны: от личных переживаний до социальных и политических проблем. Часто несут дух протеста, свободы, самовыражения.

·         Коллективность. Рок — это обычно музыка группы, а не сольного исполнителя. Взаимодействие музыкантов, импровизации (например, гитарные соло) играют важную роль.

Краткая история развития

1.      Конец 1940‑х — 1950‑е: зарождение рок‑н‑ролла на основе блюза, ритм‑энд‑блюза, кантри и госпела.

o    Ключевые фигуры: Элвис Пресли, Чак Берри, Литтл Ричард.

2.      1960‑е: выход рока на мировую сцену, эксперименты со звуком и формами. Появление психоделического рока, фолк‑рока.

o    Группы: The Beatles, The Rolling Stones, The Doors, The Kinks.

3.      1970‑е: бурное развитие поджанров:

o    хард‑рок: Led Zeppelin, Deep Purple, AC/DC;

классический состав группы Led Zeppelin (существовал в 1968–1980 годах) включал четырёх музыкантов:

·         Роберт Энтони Плант — вокалист, губная гармоника.

·         Джимми (Джеймс Патрик) Пейдж — гитарист, аранжировщик, композитор, музыкальный продюсер. 

·         Джон Пол Джонс (Джон Ричард Болдуин) — бас-гитарист, клавишник, мультиинструменталист. 

·         Джон Генри Бонем (прозвище — Бонзо) — барабанщик. 

o    прогрессивный рок: Pink Floyd, Genesis, Yes;

o    глэм‑рок: David Bowie, T.Rex, Queen;

o    панк‑рок: Sex Pistols, The Clash.

4.      1980‑е: арена‑рок, расцвет MTV, появление новых направлений.

o    Примеры: U2, Guns N’ Roses, Metallica (трэш‑метал), Depeche Mode (синти‑рок).

5.      1990‑е — 2000‑е: гранж и альтернативный рок (Nirvana, Pearl Jam, Radiohead), инди‑рок, пост‑рок, смешение с электроникой и хип‑хопом (Linkin Park).

6.      XXI век: продолжение эволюции — от возрождения гаражного рока до гибридов с электронной музыкой и новыми экспериментами.

Основные поджанры (примеры)

·         Рок‑н‑ролл — энергичные песни с простыми аккордами (Elvis Presley).

·         Блюз‑рок — блюзовые гармонии и длинные гитарные соло (The Rolling Stones, ZZ Top).

·         Психоделический рок — длинные композиции, звуковые эффекты, темы сознания (Pink Floyd, Jefferson Airplane).

·         Хард‑рок — громкое, тяжёлое звучание, мощные риффы (AC/DC, Led Zeppelin).

·         Панк‑рок — короткие, быстрые песни, протест, необработанный звук (The Ramones, Sex Pistols).

·         Альтернативный рок / гранж — мрачное звучание, эмоциональность (Nirvana, Smashing Pumpkins).

·         Инди‑рок — независимое звучание, эксперименты (Arctic Monkeys, The Killers).

·         Метал (поджанры: трэш, дэт, блэк и др.) — экстремальная громкость, скорость, сложные партии (Metallica, Iron Maiden).

·         Поп‑рок — мелодичность, простота, коммерческая направленность (The Beatles поздних лет, OneRepublic).

·         Фолк‑рок — акустические элементы и поэтичные тексты в рок‑обработке (Bob Dylan, The Byrds).

Почему рок до сих пор популярен?

·         Эмоциональная энергия. Рок вызывает сильные чувства — драйв, протест, радость, грусть.

·         Искренность. Часто звучит «по‑честному», без излишней гламурности.

·         Социальная функция. Отражает настроения поколений, становится голосом протеста или солидарности.

·         Гибкость. Легко смешивается с другими жанрами, адаптируется к новым технологиям и трендам.

·         Культурное наследие. Классические альбомы и песни стали частью мировой музыкальной культуры.

Краткий итог

Рок — это не просто музыка, а целая культура со своей эстетикой, ценностями и историей. Его главные черты:

·         энергичный ритм и драйв;

·         доминирование гитар;

·         дух свободы и самовыражения;

·         разнообразие стилей — от простых и мелодичных до сложных и экстремальных.

Урок №32

Авторская (бардовская) песня — это жанр российской (преимущественно советской) городской культуры, в котором автор текста и музыки одновременно выступает в роли исполнителя и аккомпаниатора (чаще всего — под гитару).

Ключевые особенности жанра

1. Приоритет текста. Главное в авторской песне — поэтическое содержание: стихи должны быть осмысленными, глубокими, нередко философскими или гражданскими по тематике.
2. Минимализм музыкального сопровождения. Музыка обычно простая, строится на нескольких аккордах — она лишь подчёркивает текст, а не доминирует над ним.
3. Камерность и доверительность. Исполнение создаёт атмосферу искреннего общения со слушателем, почти как разговор по душам.
4. Личное авторство. Автор сам пишет слова и музыку, сам поёт и аккомпанирует себе — отсюда и название жанра.
5. Демократичность. Песни легко воспроизвести в дружеской компании, у костра или дома — для этого не нужны профессиональные навыки или сложная аппаратура.

История возникновения и развития

·         Истоки. Жанр восходит к русскому городскому романсу конца XIX — начала XX века. Отдельные произведения появились ещё в 1930‑х годах (например, песня «Бригантина» П. Когана и Г. Лепского).

·         Формирование. Как самостоятельное явление авторская песня сложилась в  1950‑е годы на фоне «хрущёвской оттепели» — периода ослабления цензуры и роста интереса к личному самовыражению. Большую роль сыграли студенческая и туристическая культура: песни сочинялись и исполнялись на слётах, в походах, в кругу друзей.

·         Расцвет. В 1960–1980‑е годы жанр получил широкую популярность. Повсеместно распространились КСП (клубы самодеятельной песни), проводились фестивали, самый известный из которых — «Грушинский» (с 1968 года в Самарской области).

·         Современность. В 1990–2000‑х годах жанр продолжил развиваться: появились новые авторы, стали использоваться новые инструменты (синтезаторы, бит-группы), но классические песни родоначальников жанра остаются актуальными.

Основатели и яркие представители

Создателями и классиками авторской песни стали:

·         Булат Окуджава («Полночный троллейбус», «Песенка об Арбате», «Союз друзей»)

·         Владимир Высоцкий («Песня о друге», «Охота на волков», «Я не люблю фатального исхода»);

·         Александр Галич («Когда я вернусь»);

·         Юрий Визбор («Милая моя», «Домбайский вальс»);

·         Александр Городницкий («Атланты»);

·         Новелла Матвеева;

·         Евгений Клячкин;

·         Михаил Анчаров;

·         Олег Митяев и др.

Интересный факт: иногда термином «авторская песня» называют русские народные лирические песни конца XVIII–XX веков, слова которых имеют книжное («авторское») происхождение. Например, песни на стихи А. С. Пушкина («Чёрная шаль», «Узник»), М. Ю. Лермонтова («Выхожу один я на дорогу») или И. З. Сурикова («Тонкая рябина»).

            Урок №33

Разберу понятия «эстрадная музыка» и «популярная музыка»: что это, в чём сходства и различия, какие у них особенности.

Эстрадная музыка

Эстрадная музыка — жанр, изначально рассчитанный на сценическое исполнение (от франц. estrade — «подмостки, сцена»).

Ключевые черты:

·         Исполнение. Песни исполняются вживую на сцене, часто с элементами шоу: хореографией, световыми эффектами, костюмами.

·         Аудитория. Ориентирована на широкую публику, рассчитана на массовые мероприятия, концерты, телепередачи.

·         Стиль. Обычно лёгкая, мелодичная, легко запоминающаяся музыка. Преобладают вокальные композиции (сольные или ансамблевые).

·         Инструменты. Используются современные инструменты, в т. ч. электронные: синтезаторы, драм‑машины, электрогитары. Активно применяются студийные эффекты.

·         Цель. Развлечь слушателя, создать праздничное настроение, вызвать эмоциональный отклик.

·         Форматы. Включает разные стили: поп‑музыку, шансон, диско, элементы джаза и фолка.

Примеры исполнителей (советская и российская эстрада):

·         Алла Пугачёва;

·         Филипп Киркоров;

·         Иосиф Кобзон;

·         Лев Лещенко;

·         Эдита Пьеха;

·         Муслим Магомаев.

Популярная музыка (поп‑музыка)

Популярная музыка (англ. popular music, сокращённо pop) — широкий термин для музыки, которая пользуется массовой популярностью в определённый период времени.

Характерные черты:

·         Доступность. Простые мелодии, запоминающиеся припевы, несложные тексты о любви, дружбе, радости, грусти — темы, близкие большинству людей.

·         Структура. Чёткая форма: куплет‑припев‑куплет‑припев, часто с бриджем (переходным фрагментом).

·         Продюсирование. Большое значение имеет работа продюсеров, саунд‑продюсеров, аранжировщиков. Звучание тщательно «шлифуется» в студии.

·         Медиаподдержка. Успех во многом зависит от ротации на радио, ТВ, в стриминговых сервисах, активности в соцсетях.

·         Тренды. Быстро меняется, чутко реагирует на модные течения в музыке, танцах, моде.

·         Коммерция. Сильная коммерческая направленность: цель — получить прибыль через продажи треков, альбомов, билетов на концерты.

Примеры зарубежных исполнителей:

·         Michael Jackson;

·         Madonna;

·         Taylor Swift;

·         Ed Sheeran;

·         Dua Lipa.

Примеры российских исполнителей:

·         Zivert;

·         Егор Крид;

·         Полина Гагарина;

·         Дима Билан;

·         LOBODA.

Сходства и различия

Краткий итог

·         Эстрадная музыка — это традиция сценического исполнения, характерная для отечественной (особенно советской) культуры. Акцент на живом выступлении и шоу.

·         Популярная (поп) музыка — глобальный коммерческий жанр с чёткими музыкальными формулами, ориентированный на массовую аудиторию и медиа‑продвижение.

В современной практике границы размыты: эстрадные артисты используют поп‑звучание, а поп‑исполнители создают масштабные эстрадные шоу.

Контрольный урок

ТЕСТ 

на тему:  «Инструментальная  музыка»

Музыкальная викторина

На тему: «Инструментальная музыка»

Расставь цифры: в каком порядке звучат номера?

Поздравляю с окончанием 8 класса!

Скачано с www.znanio.ru