Учебно-методическое пособие по предмету "Слушание музыки и музыкальная грамота" дл 6 класса * ДПОП отделения "Искусство театра"

Муниципальное бюджетное образовательное учреждение

«Детская школа искусств»

Холмского муниципального образования Сахалинской области

Электронное

учебно - методическое пособие

по предмету «Слушание музыки и Музыкальная грамота»

для 6 класса 8-летней ДПОП

отделения «Искусство театра»

 Разработчик:

преподаватель теоретических дисциплин

высшей квалификационной категории

Таран Мария Михайловна

Холмск, 2024

Для учащихся.

Данное учебно-методическое пособие предназначено для учащихся 6 класса 8ДПОП по предмету «Слушание музыки и Музыкальная грамота» отделения ДШИ «Искусство театра». Оно разработано мной на основе учебной программы, созданной Дедовой А. Г. и Таран М.М., преподавателями теоретических дисциплин ДШИ города Холмска Сахалинской области.

Данное учебно-методическое пособие содержит материал каждого урока программы, где размещены понятия, определения, которые необходимо закрепить дома и выполнить домашнее задание. К пособию прилагается музыкальный материал на флешке, который необходимо прослушать и запомнить. Правила урока  даны в цвете. Учащимся будет понятно, что надо проучить, что слушать (на флешке),  как выполнить домашнее задание. В пособии размещены  иллюстрации, которые помогут получить должные представления, о каком - то явлении или понятии.

Все материалы разбиты на 33 урока в соответствие с учебным планом.

Ваше терпение и труд – всё перетрут. 

Урок №1  «Музыка и литература.  Главное свойство музыки.»          

Откуда музыка пошла?

За всю историю человечества не раз возникал вопрос: "Как музыка родилась?". Мы, конечно же, ответим: "В древние времена". И это правильно! Но как   мы можем представить древнюю музыку? Нотами музыку стали записывать  с 11 века, но до этого музыкальная   культура уже отметила свое не одно   тысячелетие. Древние инструменты изображены на наскальных рисунках, их находят при археологических раскопках поселений первобытного человека. Но еще встречаются на планете Земля такие племена "современных    дикарей" которые находятся на стадии развития древних людей. Так ученые собрали   все эти сведения и представили, как звучала музыка древнего человека.    Могут камни петь?  Шум ударов камня о камень издает совсем   не музыкальный        звук.   Но вот в пещерах  скопления  каменных  складок  издавали  почти  музыкальные звуки. И это были уже настоящие каменные "клавиши"!

 Каменный век. Ударяемый камень

Звуки природы: шелест листьев, журчание воды, рычание зверей, пение и щебет птиц - всему этому человек хотел подражать. С помощью свистулек  - древних флейт человек привлекал птиц. А может быть он пытался с ними "поговорить?" Учеными найдена флейта, которой 35 тысяч лет!

 Каменный век. Флейта

Вот человек для охоты натянул лук и заметил, что от натяжения тетивы зависит высота звука. До нашего времени дошли древние изображения первобытных лучников на камнях, скалах, в пещерах. Такие изображения называют петроглифами. Много петроглифов в Горном Алтае.     На одном из них и    изображен древний лучник.

Каменный век. Музыкальный лук

На петроглифах сохранились и рисунки с изображением древних инструмен- тов луров. Их делали из бивня мамонтов или других животных, а  в     бронзовый век стали выливать из бронзы. Звук бронзового лура -это подражание рёву раненого зверя или способ устрашения?

Бронзовый век. Бронзовые луры

А какой инструмент из "бронзового века" дошел до наших дней?                    Это коровий колокольчик.

 Железный век. Коровий колокольчик

А в железный век уже играли настоящими ансамблями. Один из таких – дуэт двух инструментов – флейты и варгана. Варган – это один из древних инструментов, название его  происходит от древнеславянского «варга» – рот. Жители Горного Алтая называют варганы комусами.

 Железный век. Варган и флейта

Ну а когда же человек понял, что он занимается музыкой?     Это во времена Древней Греции. Искусство Древней Греции охватывает около 20 столетий - от второго тысячелетия до новой эры до 5 века новой эры. Тогда и родилось слово "музыка", что означает «искусство муз» - богинь древнегреческих мифов, искусство пения и танца.

Только поющий человек по – настоящему стал осознавать музыку. Он выражал свое внутреннее состояние, раскрывал свою душу.  Но в искусстве Древней Греции большая роль принадлежала и танцам. Музой танцев и хорового пения была Терпсихора.      Греческими скульпторами она изображалась в виде молодой женщины, танцующей или чаще сидящей и играющей на лире или кифаре. Любили древние греки танцевать под звуки кифары.

Так что же такое музыка?   Музыка  - это искусство, передающее содержание  окружающего мира с помощью музыкальных (вокальных и инструментальных) звуков.

 Танец, сопровождаемый кифарой

Литература - это искусство слова, которое отражает окружающий нас мир в художественных образах с помощью слова.

Взаимосвязь музыки и литературы - одна из самых обширных, сложных и интересных тем в музыкальном искусстве. Границы этих видов искусства не являются замкнутыми. Литература находит своё продолжение и завершение в музыке и наоборот. Писатель-поэт помогает понять глубину и выразительность музыки, а музыкант-композитор способствует более яркому раскрытию образов поэзии и прозы.

 Анализируя произведения на уроках музыки, мы приходим к интересным выводам о взаимодействии поэтического слова и его воплощения в произведениях различных музыкальных жанров.

Главное свойство музыки – раскрыть внутренний мир человека, передавать чувства, мысли и переживания человека музыкальными звуками.

 Вопросы и задания

1. Какие древние инструменты вы можете назвать?
2. Какие инструменты изображены не алтайских петроглифах?
3. Известно ли вам, как возникло слово «музыка»?
4. Когда музыка стала записываться нотами?
5. Что такое литература?
6. Каково главное свойство музыки?

Урок №2  «Связь музыки со словом» 

Литературу и музыку объединяет общность жанров. Например, в поэзии есть песня, романс, запевка. Среди музыкальных произведений можно встретить сказку, поэму и балладу.

Литературные произведения (стихи, сказки, поэмы, баллады, драматические произведения) становятся основой музыкальных произведений,  например, стихи – для вокальных произведений; поэмы, сказки и драматические произведения – для симфоний, опер и балетов.

И литературу, и музыку объединяет общность жанров. Но в этих двух видах искусства есть схожие жанры: песня, былина, сказ, сказка, поэма, баллада, ода, гимн и т.д.

 Примеры музыки в литературе

Музыка нередко становится основой сюжета литературного произведения. Басни И. Крылова: «Квартет», «Музыканты», «Кукушка и соловей» и др., повести А. Куприна: «Тапёр», «Гранатовый браслет», рассказы К. Паустовского: «Корзина с еловыми шишками», «Струна», рассказ И. Тургенева «Певцы» и многие другие литературные произведения по-разному повествуют о волшебной силе музыки. Вспомни рассказ К. Паустовского (1892-1968) «Корзина с еловыми шишками».

Для чего нужна музыка в произведениях?

Музыка позволяет более полно и выразительно рассмотреть героев и сам смысл произведения, раскрыть основную идею. Музыка в литературном произведении помогает сделать образы более "живыми", "яркими".

П. И. Чайковский. Цикл Времена года «Подснежник» - №1

А. Вивальди. Концерт№2, часть 3 «Шторм» - №3

Жанры, которые встречаются и в музыке и в литературе - это:

Песня;

Поэма;

Баллада;

Что такое музыка для человека?

Музыка – это вид искусства, с помощью которого мы можем передавать свое настроения и чувства, побуждающий к сопереживанию, формирующий стремление к преобразованию окружающего мира.

Языком музыки можно создать неповторимый портрет:

 Даргомыжский – Дельвиг «Мне минуло 16 лет» - №4.

 Влияние музыки неповторимо, ничем не заменимо.

Музыка сопровождает человека всю его жизнь. Основными элементами и выразительными средствами музыки являются: мелодия, ритм, метр, темп, динамика, тембр, гармония и другие средства музыкальной выразительности.

ДЗ: 1. выбрать тему и написать эссе: 1.Для чего нужна музыка в жизни человека (кратко)? 2. Какое значение имеет музыка в моей жизни?  

3. Слушать №2, описать чувства, вызванные от прослушивания.

Урок №3  «Взаимовлияние и взаимообогащение музыки и поэзии»

1. История возникновения музыки и поэзии

Поэзия и музыка словно родились под знаком Близнецов. И хотя совершенно очевидно, что «рождение» этих искусств было вовсе не одновременным, оба означены постоянным тяготением друг к другу. Тайны тут нет: оба этих рода искусства взросли из одного зерна, вышли из одного лона – народного музыкально-поэтического искусства.

Наши далекие предки не знали поэзии отдельно от музыки. Искусство на первобытной стадии развития представляло собой триединстве музыка – слово – танец.

Археологи находят в раскопках времен палеолита (40 тыс. лет назад) примитивные музыкальные инструменты: кости птиц с пробитыми отверстиями, звучащие камни. Трудовые выкрики, охотничьи и боевые сигналы были первыми ростками будущей музыки, но как много столетий должно было еще пройти до ее истинного рождения.

Позже возникло хоровое пение и разделение на два полухория, своеобразный поединок-диалог между двумя группами племени, Вслед за военными песнями-плясками наши предки создавали трудовые, а затем и любовные песни, и песни-славления, и гимны-заклинания.

Поэтическое искусство Древней Греции было поистине уникальным явлением. Под аккомпанемент лиры, кифары, авлоса пели древние поэты свои песни, и пение это называлось лирикой, кифаристикой, авлетикой в зависимости от аккомпанирующего инструмента. Под аккомпанемент кифары чаще других исполнялись песни, связанные с общественными событиями, а в сопровождении лиры – любовного, элегического характера. Песни-стихотворения, исполняемые под музыку, назывались меликой, мелической поэзией.

В странах античной культуры, Греции и Риме, существовали развитые многообразные формы вокально-поэтического искусства – сольного и хорового. В Греции (в Спарте) создавались женские и детские хоры, союзы певцов и танцоров. Хоровому искусству придавалось столь важное значение, что даже Платон определял музыку как умение управлять хором.

Огромное значение придавали греки ритму, объединяющему слово, пение, инструментальную музыку и танец. Ритм, по понятиям греков, заключал в себе мужское начало, мелодия — женское.

Греки же ввели целый ряд музыкальных и поэтических терминов, которые живут по сей день. Употребляя их, мы даже порой не осознаем, что они пришли к нам из такого давнего далека, полагая их терминами русскими или, по крайней мере, русифицированными европейскими: музыка, мелодия, гамма, ритм, хор, строфа, стих, стопа и множество других.

Высокого расцвета достигла поэзия и в Древнем Риме, где I в. до нашей эры дал такие великие имена, как Катулл, Тибулл, Проперций и особенно Овидий и Гораций. Лирика этих поэтов соединяла в себе элегичность и музыкальность эллинической мелики, остроту восприятия мира, глубину человеческих переживаний. Оды Горация, элегии Овидия, мелические стихи и эпиграммы Катулла принадлежат к выдающимся произведениям мировой литературы.

Италия – родина прекрасного и нежного вокального жанра– мадригала, состоящего из коротких куплетов (2—3 строки) с припевом – ритурнелем. Если мотет мы назвали романсом средневековья, то мадригал – подлинный хозяин и глава камерно-вокальных жанров эпохи Возрождения. Это уже новая и гораздо более высокая ступень развития камерно-вокальной музыки, отличающейся многоголосием, и по своему значению и сложности она приближается к поэтическому тексту, а в чем-то и превосходит его.

В XV—XVI вв. вокальная музыка движется по пути все большего усложнения.

2. Средства выразительности в музыке и поэзии

Каждое искусство имеет свои приемы и механизмы передачи эмоций, вот и музыка обладает собственным языком. Средства музыкальной выразительности представлены тембром, темпом, ладом, ритмом, размером, регистром, динамикой и мелодией. Кроме того, при анализе музыкального произведения учитывается акцент и пауза, интонация или гармония.

Мелодией называется одноголосная последовательность звуков, организованная в ладовом и метро – ритмическом отношениях. Музыкальное содержание может быть передано одной мелодией без сопровождения. Одноголосные музыкальные произведения бывают с текстом (песни) и без него (инструментальные мелодии). При наличии текста содержание мелодий раскрывается значительно ярче.

Скорость движения музыки называется темпом. В музыке темп, как одно из средств выразительности, зависит от содержания музыкального произведения. Темпы подразделяются на три основные группы: медленные, умеренные, быстрые. Для определения темпов применяются главным образом итальянские обозначения. За последнее время в советских изданиях и в музыке советских композиторов стали применяться обозначения темпов на русском языке.

Ритмом называется соотношение длительностей звуков в их последовательности. В музыке происходит чередование длительностей звуков, вследствие которого между ними создаются различные временные соотношения. Объединяясь в определенных последовательностях, длительности звуков образуют ритмические группы (фигуры), из которых, в свою очередь, складывается общий ритмический рисунок музыкального произведения.

Система взаимоотношений между устойчивыми и неустойчивыми звуками называется ладом. В основе отдельной мелодии и музыкального произведения в целом всегда лежит определенный лад. Лад является организующим началом высотного соотношения звуков в музыке. Придает музыке, совместно с другими выразительными средствами, определенный характер, соответствующий ее содержанию.

 Тембром называется качественная сторона звука, его окраска. Для определения особенностей тембра применяются слова из различных областей ощущений: звук мягкий, резкий, густой, звенящий, певучий и т.д. Известно, что каждый инструмент или человеческий голос обладает характерным для него тембром. Звук определенной высоты, воспроизведенный различными музыкальными инструментами, отличается у каждого инструмента своей окраской.

Музыкальная интонация опирается на специфические средства гармонии, лада, метра, которые музыкально ее организуют. Другая опора музыкальной интонации — жесты, движения. Отличается от речевой, фиксированностью звуков по высоте и подчинением их системе лада. Под интонацией понимают, также, манеру («склад», «строй») музыкального высказывания. В производстве и настройке музыкальных инструментов с фиксированной высотой звуков (фортепиано, органа и др.) — ровность и точность звучания каждого тона звукоряда инструмента по высоте, громкости и тембру.

Любое слово в произведении является изобразительным средством, так как оно обязательно участвует в раскрытии содержания произведения. Способствуют художественной выразительности литературного изображения и такие специальные изобразительно – выразительные средства языка, как эпитеты, сравнения, метафоры, олицетворения и др. При помощи этих средств писатели имеют возможность ясно и кратко охарактеризовать те или иные признаки или стороны изображаемых предметов.

Эпитет – художественное определение, отмечающее существенную, с точки зрения автора, черту в изображаемом явлении. В отличие от логического определения эпитет не содержит в себе разделительного значения. В то время как логическое определение отделяет признак одного предмета от признаков других, эпитет, как и другие изобразительно – выразительные средства языка, вызывает в нашем сознании целостное представление об изображаемом предмете, рассматриваемом писателем в том или ином аспекте.

Другим важным изобразительно – выразительным средством является сравнение. Сравнения поясняют малознакомый или неясно представляемый предмет путем сопоставления его с другим более знакомым, но похожим на поясняемый. Это свойство сравнений используется и в поэтической речи. Писатели прибегают к сравнениям тогда, когда выделение существенных признаков изображаемых явлений может быть произведено наиболее точно при помощи сопоставления этих явлений с другими, похожими на них.

Огромные богатства словарного запаса языка, являющиеся результатом длительной познавательной работы человеческой мысли, непрерывно возрастают. Увеличение этих богатств, происходит не только за счет образования новых и видоизменения старых слов, но и за счет употребления уже имеющихся слов в различных возможных значениях. В частности большое место занимают в нашей речи тропы, то есть слова и выражения, употребляемые в переносном значении.

Метафора – троп, основанный на сходстве двух явлений. Она представляет собой скрытое сравнение. В отличие от простого сравнения, имеющего два члена: то, что сравнивается, и то, с чем сравнивается, - метафора располагает только вторым. Тем самым явление, о котором идет речь, в метафоре лишь подразумевается.

Особым видом метафоры является олицетворение. Олицетворение основано на перенесении признаков живого существа на явления природы, предметы и понятия. В глубокой древности одухотворение природы, наделение ее свойствами одушевленных существ было присуще не развитому еще человеческому сознанию и нашло широкое отражение в памятниках древнего творчества. Затем стало одним из поэтических средств, помогающих, подобно другим художественным средствам, выделять в изображаемом существенные черты. Кроме того, оно расширило сферу своего применения, вводя в нее не только явления природы, но и предметы и понятия.

Применяется в литературных произведениях и прием ирония. Иронией называется такое выражение насмешки, при котором внешняя форма ее противоположна внутреннему значению.

Таковы важнейшие специальные изобразительно – выразительные средства языка и такова их функция в литературных произведениях. Во взаимодействии с другими словами и словосочетаниями они помогают писателям ярко и выразительно рисовать существенные черты изображаемых явлений, передавать различные оттенки мыслей, выражать нужное, с точки зрения авторов, отношение к изображаемому.

Музыка, как искусство, тесно связана с литературой, живописью и другими видами художественного творчества. Воспринимать, а значит, постигать музыку поможет «создание художественного контекста» (Л. Горюнова) - литературного и изобразительного, а также выявление содержательной общности искусств.

3. Музыкально-поэтические жанры

Музыка и поэзия – два искусства, которые давно существуют рядом друг с другом, взаимно вдохновляя и дополняя друг друга. Музыкально-поэтические жанры – это особая категория произведений, где музыка и поэзия сочетаются в единое целое, создавая удивительную эмоциональную глубину и красоту.

В эпоху раннего и позднего Возрождения мы наблюдаем активное наступление жанров светской музыки, подкрепленных новыми возможностями развитого многоголосия. Светские песенные и танцевальные жанры – французские шансоны, итальянские фраттолы, виланеллы, каччии, баллады, испанские вильянсико и романсы, английские кэчи и раунды, немецкие, чешские, польские песни – отражали все многообразие гуманистических идей эпохи. Именно в это время начинается формирование типа, музыканта-профессионала, получающего специальное музыкальное образование в школах и академиях.

Один из самых известных музыкально-поэтических жанров – это романс. Романс – это лирическая песня, исполненная с аккомпаниментом музыкального инструмента. Он отличается своей глубокой эмоциональностью и интимностью, зачастую являясь выражением самых тонких чувств и переживаний человека.

Тоже один из самых известных музыкально-поэтических жанров – оперный жанр. Опера сочетает в себе вокальные партии, оркестровую музыку и драматическую поэзию. Оперы могут быть написаны на различные темы, от исторических событий до фантастических историй. Оперный жанр требует от исполнителей не только великолепного вокала, но и актерского мастерства, чтобы передать эмоции и драматические ситуации.

Другим популярным музыкально-поэтическим жанром является баллада. Баллада – это поэтическое произведение, рассказывающее о героических подвигах, трагических событиях или романтических историях. Музыка к балладе подчеркивает ее драматический характер и помогает передать слушателю глубину истории.

Элегия – грустно – лирическая песня (но иногда и боевая, нравоучительная, философская), исполнявшаяся обычно под жалобный аккомпанемент флейты. Стала популярнейшим поэтическим жанром и дошла до XIX столетия: ей отдали дань и русские поэты Жуковский, Пушкин, Лермонтов, Языков, Некрасов, Фет, а в XX в. – Блок.

Мотет – вокальное многоголосное произведение полифонического склада, один из центральных жанров в музыке западноевропейского Средневековья и Возрождения. Универсальный жанр профессионального музыкального искусства. Его культурно-социальное функционирование зависело от содержания распетого в нём текста. Мотеты со стихами духовной тематики звучали как в церкви, так и в светской обстановке (например, при аристократических дворах); мотеты с текстами светской тематики (особенно на «вульгарных» наречиях) в церкви не распевались.

Музыкально-поэтические жанры играют важную роль в искусстве, помогая людям выразить свои чувства и мысли, поднимая настроение и вдохновляя. Они находятся на стыке двух миров - мира музыки и мира поэзии, их взаимодействие порождает удивительные творения, способные тронуть сердце слушателя.

Выводы:

Поэзия и музыка словно родились под знаком Близнецов. И хотя совершенно очевидно, что «рождение» этих искусств было вовсе не одновременным, оба означены постоянным тяготением друг к другу. Для поэзии первобытное слияние с музыкой было единственной формой ее существования в доисторические времена.

Позже возникло хоровое пение. Во времена Древнего Египта появилось триединое (музыка – слово – танец). Недаром Маркс писал, что «греческое искусство и эпос продолжают служить нормой и недосягаемым образцом». Таким образом, хоровому искусству придавалось важное, значение.

Также огромное значение придавали греки ритму, объединяющему слово, пение, инструментальную музыку и танец. «Музыка» («искусство муз») означало всю совокупность временных искусств (музыку, поэзию и танец). В Западной Европе формируется музыкальная поэзия устного типа. А в 18 в. возникло новое представление о музыкальности в поэзии, которое можно назвать музыкальностью содержания, в отличие от музыкальности чувств.

Каждое искусство имеет свои приемы и механизмы передачи эмоций, которые являются средствами выразительности в музыке и поэзии. Музыкально-поэтические жанры античного искусства совершенствовались, передаваясь из поколения в поколение.

ДЗ: 1. Перечислить средства музыкальной выразительности        2. выучить определения этих средств        3. знать какие определения соответствуют этим понятиям. Подготовиться к тестированию. Решить тест.

Тест№1

На тему «Средства музыкальной выразительности»

Задание.  Подумай и напиши, к каким средствам музыкальной выразительности относятся следующие термины:

динамика, регистр, мелодия, штрихи, темп, лад, метр, ритм, фактура, тембр, интонация

Оценка:

Урок №4  «Романсы русских композиторов на стихи А. Пушкина»

 При жизни Пушкина было создано около восьмидесяти романсов. Музыку на его стихи писали М. И. Глинка, С. В. Рахманинов, А. А. Алябьев, А. С. Даргомыжский, П. П. Булахов, А. Е. Варламов, А. Л. Гурилёв и другие. Слава Пушкина захватила и западную музыку. Английский композитор Бриттен овладел русскими текстами шести стихотворений Пушкина и написал на них романсы.

Самый известный и поистине правдивый романс М.И. Глинки на слова А.С. Пушкина является романс «Я помню чудное мгновенье…». Стихотворение было посвящено Анне Петровне Керн, девушке, с которой Пушкин не соединил жизнь: жена так и не дала развода, а разлука остудила чувства. Он является образцом вокальной лирики. В нем идеально сливаются стихи и вдохновенная мелодия.  Е. Е. Керн Глинка посвятил еще одно гениальное творение – Вальс-фантазию. С прекрасной поэзией Пушкина гармонично слились музыкальные образы созданные Глинкой.

Слушать: романс М.И. Глинки "Я помню чудное мгновенье..." - №5

На  стихи Пушкина Сергеем  Рахманиновым написано одиннадцать романсов. Самыми популярными из них являются: «Редеет облаков летучая гряда», «На холмах Грузии», «Не пой, красавица, при мне», «Что в имени тебе моём», «Анчар — древо смерти», «Пророк», «Поэт», «Эхо».

Слушать: романс С. Рахманинов «Не пой красавица при мне» - № 6

Стихотворение «Я вас любил…» было написано в 1829 году. Оно посвящено Анне Алексеевне Олениной, дочери президента Академии Художеств А.Н. Оленина. Многие композиторы написали музыку на эти стихи.

Слушать: романс А. С. Даргомыжского «Я вас любил» - №8

ДЗ: 1. послушать романс Даргомыжского «Юноша и дева» - №7 2. Ответить на вопрос: как музыка помогает раскрыть содержание текста?   (пользоваться таблицей «Средства музыкальной выразительности»  с. 98)

Урок №5  «Романсы на стихи М. Ю. Лермонтова»

Одним из самых «музыкальных» поэтов можно считать Михаила Юрьевича Лермонтова. За свою недолгую, но насыщенную жизнь он создал стихотворения, которые позже превратились в прекрасные романсы.   Поэт не раз отмечал, что сам наполнен музыкой, тому подтверждения записи в его дневнике.
1. «Выхожу один я на дорогу» М. Ю. Лермонтов Е. С. Шашин - №21
В своих воспоминаниях поэт выделяет песню, которую пела его мать, ушедшая в совсем молодом возрасте, мелодия этой песни заставила ещё маленького Михаила расплакаться. Он не помнил её мотива, но думал, что если услышит эту мелодию вновь, то эмоции будут прежние.

   Выхожу один я на дорогу;
Сквозь туман кремнистый путь блестит;
Ночь тиха. Пустыня внемлет богу,
И звезда с звездою говорит.

В небесах торжественно и чудно!
Спит земля в сиянье голубом…
Что же мне так больно и так трудно?
Жду ль чего? жалею ли о чём?

03

Олег Погудин

2. «Белеет парус одинокий» Гурилёв - №9

Лермонтов также питал чувства и к народным песням, тяга к которым у него ещё проявилась в детстве, когда он жил в деревни Тарханы, недалеко от Пензы.6

Белеет парус одинокой
В тумане моря голубом!..
Что ищет он в стране далекой?
Что кинул он в краю родном?..

Играют волны — ветер свищет,
И мачта гнется и скрыпит…
Увы! он счастия не ищет
И не от счастия бежит!

3. «Горные вершины» Варламов - №15
Отношение поэта к музыке можно отследить в письмах, к своей возлюбленной Варваре Лопухиной, в которых он писал о том, что её слова звучат как мелодия и если была бы возможность, то он расставил бы ноты над ними.                              

Горные вершины
Спят во тьме ночной;
Тихие долины
Полны свежей мглой;
Не пылит дорога,
Не дрожат листы...
Подожди немного,
Отдохнёшь и ты.

4. «И скучно, и грустно» Гурилев А.Л. - №13
Творчеством юного поэта композиторы интересовались ещё при жизни Лермонтова, среди них выделялся Варламов. Он создал чудесную музыку на такие произведения как «Молитва», «Ангел», «Парус», «Горные вершины» и т. д.

02:32

И скучно и грустно, и некому руку подать
В минуту душевной невзгоды…
Желанья!.. что пользы напрасно и вечно желать?..
А годы проходят — все лучшие годы!

Любить… но кого же?.. на время — не стоит труда,
А вечно любить невозможно.
В себя ли заглянешь? — там прошлого нет и следа:
И радость, и муки, и всё там ничтожно…

Что страсти? — ведь рано иль поздно их сладкий недуг
Исчезнет при слове рассудка;
И жизнь, как посмотришь с холодным вниманьем вокруг —
Такая пустая и глупая шутка…

5. «Нет, не тебя, так пылко я люблю» - №12
Несомненно, поэзия и музыка всегда шли рука об руку с давних времен, кто-то из поэтов оказал на песенное творчество большее влияние, кто-то меньшее, но вклад Михаила Лермонтова нельзя не оценить.

56

Нет, не тебя так пылко я люблю,
Не для меня красы твоей блистанье:
Люблю в тебе я прошлое страданье
И молодость погибшую мою.

6. «Мне грустно» Даргомыжский  - №19
Стихотворение впервые опубликовано в журнале «Отечественные записки» (1840). Обращено к М. А. Щербатовой. Мария Алексеевна Щербатова — княгиня; в первом браке за князем М. А. Щербатовым, во втором — за И. С. Лутковским. Лермонтов был увлечен ею в 1839—40. Молодая вдова, красивая и образованная, Щербатова вела в Петербурге светский образ жизни, но предпочитала балам салон Карамзиных, где, видимо, и познакомилась с Лермонтовым.

1:4

Мне грустно, потому что я тебя люблю,
И знаю: молодость цветущую твою
Не пощадит молвы коварное гоненье.
За каждый светлый день иль сладкое мгновенье
Слезами и тоской заплатишь ты судьбе.
Мне грустно… потому что весело тебе.

ДЗ: 1. Слушать романсы урока №9-16  2. выбрать один понравившийся и описать по таблице «Средства музыкальной выразительности»

Урок №6  «А. С. Даргомыжский. Романсы и песни»

Александр Даргомыжский вместе с Глинкой является основоположником русского классического романса. Камерная вокальная музыка была для композитора одним из главных жанров творчества.

Он сочинял романсы и песни в течение нескольких десятилетий, и если в ранних произведениях было много общего с сочинениями Алябьева, Варламова, Гурилева, Верстовского, Глинки, то поздние некоторыми чертами предвосхищают вокальное творчество Балакирева, Кюи и особенно Мусоргского. Именно Мусоргский называл Даргомыжского «великим учителем музыкальной правды».

Даргомыжский создал более 100 романсов и песен. Среди них — все популярные вокальные жанры того времени — русская песни, элегия, баллады. Вместе с тем Даргомыжский стал первым русским композитором, который воплотил в своем творчестве темы и образы, взятые из окружающей действительности, и создал новые жанры — лирико-психологические монологи («И скучно, и грустно», «Мне грустно» на слова Лермонтова), народно-бытовые сценки («Мельник» на слова Пушкина), сатирические песни («Червяк» на слова Пьера Беранже в переводе В. Курочкина, «Титулярный советник» на слова П. Вейнберга), монолог-портрет («16 лет»).

Несмотря на особую любовь Даргомыжского к творчеству Пушкина и Лермонтова, круг поэтов, к стихам которых обращался композитор, весьма разнообразен: это Жуковский, Дельвиг, Кольцов, Языков, Кукольник, поэты-искровцы Курочкин и Вейнберг и другие.

Вместе с тем композитор неизменно проявлял особую требовательность к поэтическому тексту будущего романса, тщательно отбирая лучшие стихотворения. При воплощении поэтического образа в музыке он по сравнению с Глинкой использовал иной творческий метод. Если для Глинки важным было передать общее настроение стихотворения, воссоздать в музыке основной поэтический образ, и для этого он использовал широкую песенную мелодию, то Даргомыжский следовал за каждым словом текста, воплощая свой ведущий творческий принцип: «Хочу, чтобы звук прямо выражал слово. Хочу правды». Поэтому наряду с песенно-ариозными чертами в его вокальных мелодиях так велика роль речевых интонаций, которые часто становятся декламационными. Множество ремарок превращают песню в театральную сценку.

Фортепианная партия в романсах Даргомыжского всегда подчинена общей задаче — последовательному воплощению слова в музыке; поэтому в ней часто присутствуют элементы изобразительности и живописности, она подчеркивает психологическую выразительность текста и отличается яркими гармоническими средствами.

«Шестнадцать  лет» (слова А. Дельвига) - №4.

В этом раннем лирическом романсе сильно проявилось влияние Глинки. Даргомыжский создает музыкальный портрет прелестной, грациозной девушки, используя изящный и гибкий ритм вальса. Краткое фортепианное вступление и заключение обрамляют романс и строятся на начальном мотиве вокальной мелодии с его выразительной восходящей секстой. В вокальной партии преобладает кантилена, хотя в некоторых фразах ясно слышны речитативные интонации. Романс построен в трехчастной форме. Со светлыми и радостными крайними разделами (до мажор) отчетливо контрастирует средний со сменой лада (ля минор), с более динамичной вокальной мелодией и взволнованной кульминацией в конце раздела. Роль фортепианной партии состоит в гармонической поддержке мелодии, а по фактуре она представляет собой традиционный романсовый аккомпанемент.

Романс «Мне грустно» (слова М. Лермонтова) - №19

 принадлежит к новому типу романса-монолога. В размышлении героя выражена тревога за судьбу любимой женщины, которой суждено испытать «молвы коварное гоненье» лицемерного и бессердечного общества, заплатить «слезами и тоской» за недолгое счастье. Романс строится на развитии одного образа, одного чувства. Художественной задаче подчинены и одночастная форма произведения — период с репризным дополнением, и вокальная партия, основанная на выразительной напевной декламации. Экспрессивна уже интонация в начале романса: после восходящей секунды — нисходящий мотив с его напряженно и скорбно звучащей уменьшенной квинтой.
 Большое значение в мелодике романса, особенно его второго предложения, приобретают частые паузы, скачки на широкие интервалы, взволнованные интонации-возгласы. Фортепианная партия, основанная на мягкой аккордовой фигурации, объединяет насыщенную вокальную мелодию и создает сосредоточенный психологический фон, ощущение душевной самоуглубленности.  

ДЗ: 1 слушать №4, 19, знать 2. Выбрать один романс и описать его по таблице «Средства музыкальной выразительности».3. послушать №8 и определить жанр романса.

Урок №7  «Сатирические песни А. С.  Даргомыжского»

Даргомыжский стал первым русским композитором, который воплотил в своем творчестве темы и образы, взятые из окружающей действительности, и создал новые жанры — лирико-психологические монологи («И скучно, и грустно», «Мне грустно» на слова Лермонтова), народно-бытовые сценки («Мельник» на слова Пушкина), сатирические песни («Червяк» на слова Пьера Беранже в переводе В. Курочкина, «Титулярный советник» на слова П. Вейнберга), монолог-портрет («16 лет»).

Драматической песне «Старый капрал» (слова П. Беранже в переводе В. Курочкина) - №23 композитор развивает жанр монолога: это уже драматический монолог-сцена, своеобразная музыкальная драма, главный герой которой — старый наполеоновский солдат, осмелившийся ответить на оскорбление молодого офицера и осужденный за это на смерть.

Волновавшая Даргомыжского тема «маленького человека» раскрывается здесь с необыкновенной психологической достоверностью; музыка рисует живой правдивый образ, полный благородства и человеческого достоинства.
Песня написана в варьированной куплетной форме с неизменяющимся припевом; именно суровый припев с его четким маршевым ритмом и настойчивыми триолями в вокальной партии становится ведущей темой произведения, главной характеристикой героя, его душевной стойкости и мужества. Каждый из пяти куплетов по-разному раскрывает образ солдата, наполняя его все новыми чертами — то гневными и решительными (второй куплет), то нежными и сердечными (третий и четвертый куплеты).
Вокальная партия песни выдержана в речитативном стиле; ее гибкая декламация следует за каждой интонацией текста, достигая полного слияния со словом. Фортепианное сопровождение подчинено вокальной партии и своей строгой и скупой аккордовой фактурой подчеркивает ее выразительность при помощи пунктирного ритма, акцентов, динамики, ярких гармоний. Залп выстрела — обрывает жизнь старого капрала. Подобно траурному послесловию звучит в миноре тема припева, как бы прощаясь с героем.

 Сатирическая песня «Титулярный советник» - №18  написана на слова поэта П. Вейнберга, который активно работал в «Искре». В этой миниатюре Даргомыжский в музыкальном творчестве развивает гоголевскую линию. Рассказывая о неудачной любви скромного чиновника к генеральской дочери, композитор рисует музыкальный портрет, родственный литературным образам «униженных и оскорбленных».
Меткие и лаконичные характеристики персонажи получают уже в первой части произведения (песня написана в двухчастной форме): бедный робкий чиновник обрисован осторожными секундовыми интонациями piаnо, а надменная и властная генеральская дочка — решительными квартовыми ходами fortе. Аккордовое сопровождение подчеркивает эти «портреты».

Во второй части, описывая развитие событий после неудачного объяснения, Даргомыжский применяет простые, но очень точные выразительные средства: размер 2/4 (вместо 6/8) и стаккато фортепиано изображают неверную приплясывающую походку загулявшего героя, а восходящий, немного надрывный скачок на септиму в мелодии («и пьянствовал целую ночь») подчеркивает горькую кульминацию этой истории.

Сатирическая песня «Червяк»  - №17 написана на стихи французского поэта Беранже, творчество которого было  весьма созвучно с этическими и эстетическими устремлениями композитора. Пьер Жан де Беранже родился 19 августа 1780 г. в Париже, в буржуазной семье (несмотря на приставку де в фамилии он не был аристократом). Он известен, прежде всего, своими сатирическими произведениями. В детстве стал свидетелем революционных событий, в частности видит разрушение Бастилии. Учился в Перонне в школе, организованной по принципам Ж. Ж. Руссо. В первых поэтических опытах видно влияние классицизма, но вскоре Беранже осваивает более простой и демократичный песенный жанр. Многие произведения Беранже написаны в жанре куплетов. Куплеты состояли обыкновенно из нескольких строф и «рефрена» (припева), повторяемого после каждой строфы.

Опираясь на опыт Беранже и на технику водевильных песенок, В. Курочкин разработал жанр сатирического «куплета». Курочкин искал острых стихотворных сатирических формул, которые врезались бы в память читателя, вошли в обиходную речь, плотно прилепились бы к объекту нападения.

В «Червяке», пользуясь формой прямой речи-рассказа, Даргомыжский создал законченный портрет пресмыкающегося перед начальством чиновника. Его  образ  передан  через  верно схваченные интонации бытовой речи. Подчеркнуто  скромные, подобострастные, они благодаря интонационной и ритмической сглаженности  кажутся как бы нейтральными безликими (пафос самоунижения!). Зато,  появляющиеся при  упоминании о «высокой особе» широкие интервалы, акценты, замедления,  сообщают интонациям особую «весомость», «значительность», которые так приличествуют речи незначительного чиновника даже при простом упоминании имени «его  сиятельства».

Комическая песня «Мельник» - №22  написана на слова поэта А. С. Пушкина

Загулявший муж вернулся ночью домой. Комедийная сценка.
«Слушая ее, очень зримо представляешь себе незадачливого мельника, крайне удивленного наличием в доме чужих сапог. Его бойкую, сварливую жену, понимающую, что лучшая защита — нападение, и упрекающую своего загулявшего мужа.» Интересно, что мельник искренне так и не понял что к чему. А жена сама удивилась тому, что ответила «ведра».

ДЗ: 1 слушать и знать треки уроки №17-18-22-23. 2. Заполнить таблицу, понравившегося романса

Урок №8

Тест№2

На тему «Средства музыкальной выразительности»                                        

Задание.  Подумай и напиши, к каким средствам музыкальной выразительности относятся следующие термины:

динамика,  регистр,  мелодия,  штрихи,  темп, лад, метр, ритм, фактура, тембр, интонация

Урок №   9  «Песни и романсы М. Мусоргского»

Мусоргский сочинял камерную вокальную музыку на протяжении всей жизни. Им было создано около 70 произведений, разнообразных как по содержанию, так и по форме его воплощения. Это лирика — поэтически-светлая и драматически-исповедальная; яркие реалистические зарисовки народной жизни — «народные картинки»; музыкальные портреты, поражающие глубиной психологических характеристик.

Развивая традиции Даргомыжского, композитор использует жанры монолога-сцены, монолога-рассказа, баллады, драматической и сатирической песни.

Круг поэтов, к которым обращался Мусоргский, весьма широк: это стихи современных русских авторов — А. Кольцова, Н. Некрасова, А. Плещеева, Л. Мея, А. Толстого, В. Курочкина, А. Голенищева-Кутузова, а также поэзия И. В. Гёте и Г. Гейне; нередко композитор сам писал тексты для своих произведений. Песни и романсы Мусоргского поражают яркостью и новизной музыкального языка.

 В вокальных партиях певучие интонации крестьянских песен — лирических, колыбельных, плачей и причитаний — гармонично сочетаются с декламационностью, воспроизводящей, по словам автора, человеческую речь во всех ее «тончайших изгибах».

Фортепианная партия всегда подчинена общему художественному замыслу и многообразна по фактуре, тембровым и гармоническим краскам.

 Среди «народных картинок», созданных в 1860-е годы, своей пронзительной правдивостью выделяется песня «Светик Савишна», сочиненная под впечатлением деревенского происшествия. В. В. Стасов вспоминал о рассказе самого композитора: «Он стоял раз у окна и поражен был тою суетой, которая происходила у него перед глазами. Несчастный юродивый объяснялся в любви с молодой бабенкой, ему нравившейся... а сам себя стыдился, своего безобразия и несчастного положения; он сам понимал, как ничто на свете, особливо счастье любви, не существует для него. Мусоргский был глубоко поражен; тип и сцена сильно запали ему в душу; мгновенно явились своеобразные формы и звуки для воплощения потрясших его образов».

Мусоргский сам написал слова песни, родившиеся вместе с музыкой. Вся пьеса строится на повторении и развитии мотива-мольбы, который передает взволнованную речь юродивого, основан на интонации причитания и имеет характерный для народной поэзии и музыки пятидольный размер: Дополняет образ монотонный приплясывающий ритм сопровождения, рисующий неуклюжие движения персонажа. «Это Шекспир в музыке» — так выразился о «Савишне» композитор и музыкальный критик А. Н. Серов.

 Комическое дарование Мусоргского ярко проявилось в другой вокальной сценке, написанной на собственные слова, — «Семинарист» - №26. В этой, по определению автора, «картинке с натуры» здоровый деревенский парень тупо и бессмысленно зубрит непонятную и ненужную ему латынь, а в его мыслях все время возникает образ румяной Стеши — поповой дочки, на которую он загляделся во время службы, за что и был избит попом.

В монологе противопоставлены два музыкальных образа — монотонный речитатив «зубрежки», механически повторяющий на одном звуке латинские слова, и широкая размашистая мелодия, связанная с воспоминаниями о красавице Стеше.

Вокальный цикл «Детская» (слова Мусоргского) состоит из семи миниатюр — сценок, в которых композитор раскрывает мир детских чувств. «Все, что есть поэтического, наивного, милого, немножко лукавого, добродушного, прелестного, детски горячего, мечтательного и глубоко трогательного в мире ребенка, — являлось тут в формах небывалых, еще никем не троганных», — писал о «Детской» В. В. Стасов.

Первая сценка «С няней» - №30, посвященная Даргомыжскому, необычайно правдиво передает тончайшие оттенки детской речи. Гибкий речитатив вокальной партии, постоянная смена размера (7/4 — 3/4 — 3/2 — 5/4 — 6/4 и т. д.) воспроизводят разнообразные интонации малыша, а яркие контрасты динамики, регистров, смены гармоний в сопровождении помогают создать как чудесные образы няниных сказок («про буку» и «смешную»), так и впечатления и переживания ребенка. Вторая сценка «В углу» - №31.

Баллада «Забытый» - №27 (слова А. Голенищева-Кутузова) — одна из самых ярких «драматических песен» последнего периода творчества Мусоргского — посвящена теме смерти. Она была создана под впечатлением одноименной картины художника В. Верещагина, изображавшей погибшего русского солдата, покинутого на пустынном поле битвы (Эта картина входила в так называемую «туркестанскую серию» художника, которая рассказывала о военных действиях России в Средней Азии (1860-е годы), о судьбах простых людей, о героизме русских солдат. Война в изображении художника была всеобщей трагедией. Во время выставки Верещагина обвинили в клевете на русскую армию; под влиянием этих нападок художник в порыве отчаяния уничтожил три картины, в числе которых был и «Забытый»). Вот как описывал В. В. Стасов произведение Верещагина: «...Это бедный солдат, убитый в бою и забытый в поле.

Вдали, за речкой, уходят „свои", может быть для того, чтобы с ними скоро случилось, с каждым по очереди, то же самое, что с этим. А тут летят с неба тучей гости: орлы машут широкими крыльями, а вороны целой стаей спустились и собираются начинать богатый пир... Мне казалось, все сердце болезненно переворачивалось у того, кто задумал и написал эту картину. Какие там, должно быть, били ключом любовь, нежность и негодование!»

 Поэт и композитор расширили содержание картины, противопоставив образу убитого воина, образ его молодой жены, кормящей сына и ждущей возвращения мужа.

 Первый раздел баллады, описывающий смерть солдата, звучит в мрачном ми-бемоль миноре и имеет черты траурного марша. Его мерная сдержанная поступь завораживает своей обреченностью.Суровая вокальная партия, в которой сочетаются декламационность и песенная широта, пронизана решительным пунктирным ритмом. Постепенно поднимаясь вверх, она, достигнув кульминации, сразу же возвращается к исходной точке. Фортепианная партия, сначала дублирующая мелодию, затем обогащается острыми секундовыми созвучиями: в следующем эпизоде печальная и нежно-проникновенная музыка создает далекий мирный образ любви и ожидания. Вокальная мелодия становится светлой, задушевной и приобретает народно-песенный характер. В фортепианной партии, благодаря разрыву регистров, появляется двух плановость: верхние голоса сопровождения насыщаются плавными колыбельными интонациями и мягкими спокойными гармониями; но упорно повторяемая в басу квартовая попевка своим пунктирным ритмом Короткое тихое заключение — «А тот забыт — один лежит» — строится на «разорванном» начальном мотиве произведения, поражая трагичностью звучания.

 Новаторские идеи Мусоргского, его открытия в области музыкальной речи, глубокое постижение сложности человеческой природы и психики во многом опередили свою эпоху. Они получили дальнейшее развитие в творчестве русских и европейских композиторов XX века — Прокофьева, Шостаковича, Свиридова, Дебюсси, Равеля, Пуленка и многих других. По словам В. В. Стасова, «Мусоргский был один из тех немногих, которые ведут у нас свое дело к далеким и чудным, невиданным и несравненным „новым берегам"».

Домашнее задание

1. прочитать с.21-23 2. послушать № 29  3. заполнить таблицу: определить и написать жанр романса (детский бытовой мир, народная сценка, комическая песня, драматическая песня, сатирическая песня)

Урок №10  «Центральные образы в церковной музыке»

Музыкальная культура нашей родины – это народное пение и великое наследие музыки, которую называют классической, серьезной, академической. Но до 18 века такая музыка на Руси звучала преимущественно в храме. В храм приходили отмечать праздники. Один из   самых любимых   Рождество.  Представим храмовое рождественское пение в исполнении детского хора.

№36 Тропарь Рождества Христова (детско-юношеский хор «Благовест»)

Это  тропарь. Так называлось церковное песнопение в честь какого- то события, праздника. Духовное пение сопровождало человека.   Древние    церковные песнопения не записывались нотами. В европейской музыке нотами стали записывать с 11 века, а в русской музыкес 17 века. Записывали песнопения особыми знаками  крюками или знаменами.      Певчие запоминализнамя  короткую мелодическуюпопевку, а песнопение состояло из чередования этих попевок. Представим, что мелодия – это бусы, состоящая из бусинок-попевок.

Пели в соборе, желая человеку долгих лет жизни и благополучия. При этом исполнялись «многолетия». Исполнялись они при торжественных богослужениях и при венчаниях. Вот так пели при венчании на царство Петра Первого особым праздничным демественным церковным пением.

№35 «Многолетствование», демественный распев в исполнении ансамбля «Маркелловы голоса» (г. Новосибирск)

Один из самых известных молитвенных песнопений православной церкви – молитва «Со святыми упокой», который сочинил христианский монах, поэт и композитор 7 века Иоанн Дамаскин, который жил в византийском городе  Дамаске. Жил он в монастыре, провинился и ему запретили что-либо сочинять. В древней книге написана история Иоанна Дамаскина: «Однажды умер старец-монах. У него был родной брат, который сильно печалился вследствие разлуки с ним и не мог удержаться от печали и скорби. И попросил брат Иоанна составить ему благозвучный тропарь в виде утешения в его скорби. И сочинил ему Иоанн тропарь, который до сего дня читается при погребении…». И в наши дни в соборе поют напев Иоанна Дамаскина, когда все приходят в храм прощаться с человеком. Этот напев называется «Со святыми упокой».

№32  Иоанн Дамаскин «Со святыми упокой»

В Европе католическом храме песнопения стали исполнять в эпоху Средневековья. Одна из молитв  Ave Maria.Это песнопение поется на латинском языкеЭта христианская молитва прославляет Богоматерь Марию. В тексте этого песнопения описано, как Ангел Гавриил, посланный от Бога, известил Деву Марию: "Ты обрела благодать у Бога; И вот, зачнешь во чреве, и родишь сына, и наречешь ему имя: Иисус".

Перевод молитвенного песнопения означает «Радуйся, Мария!»  На текст молитвы «Ave Maria» написано огромное количество музыкальных сочинений: Шуберт, Каччинни, Прайзмен…  В шестидесятые годы прошлого столетия голос итальянского мальчика Робертино Лоретти знал весь мир. До сих пор люди помнят его исполнение «Ave Maria». Но эта «Ave Maria» австрийского композитора 19 века Франца Шуберта. Шуберт прожил всего 31 год, был мало известен при жизни, жил в нужде. В 29 лет он сочинил свою знаменитую «Ave Maria». Эта песня написана на слова шотландского поэта Вальтера Скотта. Вот текст этой песни в переводе русского поэта А.Плещеева:

№ 33-34 Ave Maria

Ave Maria! Пред тобой

Чело с молитвой преклоняю...

К тебе, заступнице святой,

С утеса мрачного взываю...

Людской гонимые враждою,

Мы здесь приют себе нашли...

О, тронься скорбною мольбою

И мирный сон нам ниспошли!

Ave Maria!

Ave Maria! Не страшна

Нигде с тобою злая сила...

Не ты ли, благости полна,

Гонимых, нас в горах укрыла!

И в этот поздний час мольбою

К тебе взываю я: внемли!

Будь нам охраною святою

И тихий сон нам ниспошли!

Ave Maria!

Любая служба в православных храмах открывается молитвой к Святому Духу. «Царю небесный, Утешителю душе истины, ты же везде сый и ублажай, сокровище благих и жизнеподателю. Прииди и вселися в ны и очисти от всякие скверны и спаи, блаже, души наши.» - №37

Вопросы и задания:

1. Как записывались древние русские церковные песнопения?

2. С какого века музыкальные звуки стали записывать нотами?

3. Как переводится с латинского «Ave Maria»?

4.Какие композиторы писали на текст «Ave Maria»?

5. Слушать № 32-34

Урок №11  «Основные церковные службы»

Церковь -

Великая вечерня,

 Литургия,

ектения,

 молебен,

панихида,

 соборование,

 исповедь,

миропомазание,

 акафист,

 крещение

Урок №12  «Главные христианские праздники»

Рождество́ Христово –

1) Важнейшее историческое событие, состоявшее в рождении от Пречистой Девы Марии Господа Иисуса Христа, Искупителя человека, Спасителя мира;

2) Один из двунадесятых Праздников, отмечаемый Церковью в честь рождения Господа Иисуса Христа.

В Православной Церкви Рождество Христово считается вторым праздником после Пасхи, отмечается 7 января (25 дек. ст. стиль).

Праздновать Рождество Христово христианами придумал Первый Никейский Собор в 325 году. И назначил его праздновать на 25 декабря - именно в этот день в 4 веке происходил Солнцеворот, после самой длинной ночи день начинал прибавляться, метафорически "Свет побеждал Ночь".

Он символизирует победу над смертью (Спаситель мира, посланный Богом Отцом исцелить от греха людей, победил смерть). Это праздник напоминает о вечной, бессмертной жизни, которая ждёт нас всех. Ведь Христос – первый, кто воскрес, и мы будем в таких же бессмертных, освящённых Богом телах, и больше не вкусим смерти при втором пришествии Христа, когда мы все воскреснем из мёртвых.

Сретение Господне 

— это встреча старца Симеона с Богом в лице принесённого в Иерусалимский храм младенца Иисуса Христа. Этот праздник празднуется 15 февраля.

Согласно Евангелию от Луки, на сороковой день после Рождества Христова Мария вместе с Иосифом пришла из Вифлеема в Иерусалим ко храму Божию, принеся сорокадневного младенца Иисуса.

Симеон был человеком праведным и благочестивым, которому «было предсказано Духом Святым, что он не увидит смерти, доколе не увидит Христа Господня».

Когда Мария с Иосифом принесли Младенца Иисуса, Симеон взял Его на руки и, славя Бога, сказал: «Ныне отпускаешь раба Твоего, Владыко, по слову Твоему, с миром, ибо видели очи мои спасение Твоё, которое Ты уготовал пред лицем всех народов, свет к просвещению язычников и славу народа Твоего Израиля».

Слова Симеона стали молитвой, получившей название «Песнь Симеона Богоприимца».

Вход Господень в Иерусалим (Вербное воскресенье)

— это праздник, в который Православная Церковь вспоминает одно из важнейших событий евангельской истории (Мф 21).

Весной 30 года от Р. Х. в Иерусалим со всех сторон стекались паломники, чтобы встретить главный религиозный праздник — Песах (ветхозаветная Пасха). Сюда же отправляется и Христос вместе с учениками.

Весть о воскрешении Лазаря уже распространилась по улицам Иерусалима. Первосвященники, обозленные возрастающей популярностью Христа, стали думать, как бы погубить Его и Лазаря. Но пока одни замышляли убийство, другие вышли встречать приближающегося к городу Спасителя.

Многие надеялись, что Христос вступает в Иерусалим, чтобы положить конец унизительной римской оккупации, что Он взойдет на царский престол и восстановит иудейское государство в его былой славе и могуществе. Каково же было всеобщее удивление, когда Христос въехал в городские ворота не на боевом коне, как подобало бы грозному освободителю, а на обычном ослике. Так Господь еще раз показал, что Царство, которое Он желает установить, «не от мира сего».

Улицы тонут во всеобщем ликовании: огромные толпы людей встречают Христа как царя и Мессию. Они постилают перед ним пальмовые ветви и свои одежды, выкрикивая: «Осанна! Благословен грядущий во Имя Господне, Царь Израилев!» («Осанна» значит «Спасай нас»). Кто бы мог подумать, что уже через несколько дней эти же люди будут кричать «Распни Его!» во дворе римского префекта Иудеи Понтия Пилата.

Икона праздника:

В центре иконы — Сам Христос. Он боком сидит на ослике и движением правой руки благословляет вышедших Ему навстречу людей.

Слева изображены апостолы, они смущенно переговариваются, не понимая, для чего их Учителю понадобилось так торжественно въезжать в столицу.

Справа на иконе — жители Иерусалима и гости, которые прибыли на праздник Пасхи. В руках они держат пальмовые ветви — символ торжества, которыми евреи встречали триумфаторов.

В нижней части иконы изображены дети, которые постилают под ноги ослика свои одежды — так евреи встречали помазанников на царство, а Богочеловек, согласно христианскому богословию, является Помазанником на Царство Божие.

Елеонская гора

Здесь Христос беседует с учениками за несколько дней до ареста (Мф 24), а позднее — вознесется на Небо (Деян 1). Гора на иконе символизирует духовное восхождение апостолов. Кроме того, по отношению к Самому Спасителю гора, как возвышенное место, указывает на Его Божественное схождение на землю ради принесения искупительной жертвы, то есть принятия крестной смерти.

Ослик

на котором Христос въехал в Иерусалим, несет в себе сразу несколько символических значений. Так, с одной стороны, он указывает на мирный характер наступающего Царства Божия и кротость Его Царя — Богочеловека. С другой стороны, блаженный Феофилакт Болгарский замечает: «Пророчество Он (то есть Христос. — Ред.) исполняет и в историческом, и в таинственном смысле: в историческом через то, что видимым образом воссел на ослицу, в иносказательном же — воссевши на осленка, то есть на новый, необузданный и непокорный народ, язычников». То есть святой подчеркивал, что образ оседланного Спасителем ослика указывал на будущее обращение ко Христу язычников.

Дети, постилающие одежду

в особенно торжественные моменты на пути, по которому идет царь, зафиксирован в Ветхом Завете. Так, например, когда пророк Елисей помазал Ииуя на царство, то его слуги взяли каждый одежду свою, и подостлали ему на самых ступенях, и затрубили трубою, и сказали: воцарился Ииуй! (4 Цар 9:13).

Пальмовая ветвь

для еврейского народа символизировала веселье и торжество. В первый день возьмите себе ветви красивых дерев, ветви пальмовые и ветви дерев широколиственных и верб речных, и веселитесь пред Господом Богом вашим семь дней (Лев 23:40). Когда первосвященник Симон освободил Иерусалим от язычников, то его, как победителя, встретили пальмовыми ветвями (1 Марк 13:51). Именно поэтому праздник Вход Господень в Иерусалим называется еще Пальмовым, или Вербным, воскресеньем (Неделя ваий).

ДЗ: 1 знать название праздника, дату, значение. 2. Слушать №42-43

Урок №13  «Главные христианские праздники»

ДЗ: 1 знать название праздника, дату, значение. 2. Слушать №44

Урок №14  «Главные христианские праздники»

Праздники Богородицы.

Пресвятая Богородица — великая и милосердная заступница за всех верующих, как мать за своих детей.

В каждом православном храме и в каждом доме, где живут верующие люди, обязательно есть образ Божьей Матери — Пресвятой Богородицы. Люди обращаются к иконам с её образом и возносят ей свои молитвы и просьбы. Это обращение дарит им покой и умиротворение, спасает их души и сердца от тревоги и суеты.

У верующих есть церковные праздники, установленные в честь и память Пресвятой Богородицы. К ним относятся:

— Рождество Пресвятой Богородицы — отмечается 21 сентября;
— Введение Пресвятой Богородицы во храм — отмечается 4 декабря;
— Благовещение Пресвятой Богородицы — отмечается 7 апреля;
— Успение Пресвятой Богородицы — отмечается 28 августа.

ДЗ: 1 знать название праздника, дату, значение. 2. Слушать № 45-46

Урок №15  «Значение колоколов в России»

Разновидности православного звона. Различают четыре вида канонических звонов, которые по отдельности или в комбинации составляют все разнообразие православного звона: благовест, трезвон перебор и перезвон.

 Благовест — одиночные мерные удары в один из больших колоколов.

Трезвон — собственно сам звон, все, или несколько одновременно звучащих колоколов.

Перебор — по одному удару в каждый колокол от малого к большому с последующим ударом «во вся», чаще это погребальный перебор.

Перезвон — поочередные удары в каждый колокол от большого к малому (без  удара «во вся»).

Перезвон в большие колокола совершался в дни больших крестных ходов из Московского Кремля к празднующим престольный день церквям, перед чином коронаций, перед посвящением в епископы.

ДЗ: 1. с. 40-41, 2. Слушать № 47-48  3.подготовиться к решению теста.

Урок №16  «Заключительный урок по теме «Музыка в церкви»»

Тест

Урок  №17  «Связь музыки и живописи»

Музыка и живопись

 - это два вида искусства, которые служат взаимопониманию людей, пробуждают и поддерживают в них чувства. Они родственны между собой.

 Музыканты и музицирование, музыкальные инструменты служили излюбленной моделью для изобразительного искусства разных эпох:

·         Античные барельефы и вазы с изображением музыкантов, играющих на авлосах и кифарах, сменяются средневековыми иконами с изображением музицирующих ангелов. В эпоху Возрождения художники пишут картины, персонажи которых - участники концертов, сольных выступлений. Это, например, «Сельский концерт» Джорджоне.

Слушать: Бетховен. Симфония №6. 2 часть «Сцена у ручья» - №51

·         В XIX веке в музыке появляется особый жанр - симфоническая картина. Вспомним, как замечательно изображает море Н. А. Римский - Корсаков (симфоническая картина «Садко»), сказочные персонажи А. К. Лядов («Баба-Яга», «Волшебное озеро», «Кикимора»).

Слушать: Римский-Корсаков Тема Морского царя из оперы «Садко» - №49

Слушать: Мусоргский Баба Яга - №48

Людей искусства всегда волновало проблема синтеза музыки и живописи. Наиболее органично синтез этот осуществился в операх и балетах. Мы знаем, как важны хорошие, соответствующие музыке костюмы и декорации в театре. Мировым успехом в начале XX века пользовались выступления артистов русского балета в Париже (так называемые «Русские сезоны» под руководством С.П. Дягилева). И этот успех с артистами разделили художники - А. Н. Бенуа, Л. С. Бакст, Н. К. Рерих, Н. С. Гончарова, создавшие декорации и костюмы к балетам И. Ф. Стравинского «Петрушка», «Жар - Птица», «Весна священная», к «Шехеразада» на музыку Н. А. Римского-Корсакова и др.

И так, музыка и живопись имеют общие корни, они взаимосвязаны.

Урок  №18 «Музыка П. Чайковского и живопись»

Первая симфония П. И. Чайковского «Зимние грезы».

Интересное сочетание разберем на примере первой симфонии нашего земляка, великого композитора П. И. Чайковского «Зимние грезы».

Симфония - это музыкальное произведение для оркестра в 4х частях.

Содержание произведения - это раздумья и лирические чувства человека, а также образы природы. Симфония состоит из четырех частей.     

Первая часть получила подзаголовок «Грезы зимнею дорогой». По форме она представляет собой сонатное аллегро. Главная партия соль минор основана на двух темах. Первая, песенная тема, звучит у флейты и фагота на фоне тихого тремоло струнных. К теме хорошо подходит картина Сергея Герасимова «Зима». В скромном мотиве - заснеженная деревенская околица, серенький денёк - царит тишина, нарушаемая скрипом полозьев и лаем собачонки. Но этот деревенский мир отнюдь не сонный. Силуэт человека на светлом снегу, голубые следы на переднем плане подсказывают, что этот мир вполне обустроен. Удивительные серебристые тона картины придают ей почти родниковую чистоту.

Вторая тема главной партии вызывает в воображении образы зимней стужи, морозной поземки, снежных вихрей. На картине Петра Грузинского «В снежной буре» это все изображено. В одну минуту дорогу занесло, окрестность исчезла в мутной и желтоватой мгле, сквозь которую летели белые хлопья снега, небо слилось с землёю. Запряженная тройка темных лошадей неслась по мутной дороге, оставляя за собой пелену снега.

Вторая, медленная часть симфонии, называется «Угрюмый край, туманный край». Музыка эта навеяна впечатлениями от путешествия П. И. Чайковского по Ладожскому озеру. Она обрамлена медленными певучим вступлением и заключением. Главная тема у гобоя глубоко народна. В ней слышатся выразительные интонации русской лирической песни, ее раздолье и широта. В процессе развития напряжение возрастает. Мелодия оплетается подголосками, наигрышами народного характера, в конце второй части тема, порученная валторне, звучит напряженно и драматично.

Архип Куинджи красиво подобрал краски и написал картину с названием «Ладожское озеро», которая прекрасно гармонирует с описанием 2-ой части симфонии. На картине изображен песчано-каменистый берег озера, прибрежные камни постепенно уходят под прозрачною воду и живописно просвечивают сквозь неё. На озере видна лодка с рыбаками, а вдали белеет парус другой лодки. Линия горизонта находится довольно низко, примерно две трети картины занимает место с облаками.

Третья и четвертая части - скерцо и финал - не имеют названий, но по своему образному содержанию не выпадают из общего поэтического замысла. Со стремительно быстрой, «вьюжной» музыкой первого раздела скерцо ярко контрастирует более спокойная мелодия среднего раздела. Первый из русских, П. И. Чайковский ввел вальс в симфонию. Спокойный и мягко лиричный вначале, вальс постепенно становится более напряженным. Обрамленной быстрой музыкой скерцо, он звучит как воспоминание о прекрасном и не возвратимом прошлом. Будто путник в зимнюю метельную ночь видит сквозь замерзшие окна, танцующие под звуки вальса пары, и в сердце его закрадывается неизъяснимая грусть. В коде тема вальса скорбно звучит в миноре.

Картина Настасьи Сафроновой «За окном метель, за метелью море» хорошо подходит под описание финальных частей. Спокойный тихий день сменяется вечерней метелью. Снежинки кружатся в бешеном вальсе. Виден горизонт моря. И очертания корабля. В картине преобладают синеватые и изумрудные оттенки. Главная партия финала - светлая, жизнерадостная, с чертами танцевальности. По характеру музыки она близка удалым плясовым напевам. Завершается финал кодой торжественного характера. 

Первая симфония Чайковского - замечательный образец его раннего оркестрового творчества. Впервые в ней проявляются характерные образы и приемы, глубоко развитые композитором в симфоническом творчестве зрелого периода. Полотна художников помогли более точно понять произведение.

ДЗ: слушать папку Чайковский симфония №1

Урок  №19  ««Богатырская симфония» А. Бородина

 и «Богатыри» В. Васнецова»

 «Богатырская» симфония – это вершина симфонического творчества Бородина. Симфония названа «Богатырской» неслучайно.

«Богатырская» симфония Бородина идеально соответствует своему названию. Эта симфония рождалась вместе с делом жизни Александра Бородина, вместе с оперой «Князь Игорь»: оба этих сочинения посвящены одной теме – благородству и величию русского богатыря, хозяина русской земли и ее защитника

История создания

Эпические образы всегда притягивали внимание композитора. В 1869 году Бородину в голову пришла замечательная идея о создании симфонии, олицетворяющей всю русскую мощь, изложенную в былинах. Работа продвигалась достаточно медленно. Основной причиной длительных перерывов в музыкальной деятельности являлось то, что Александр Бородин был выдающимся химиком, и часто профессиональная деятельность была для него в приоритете и одновременно шло сочинение оперы «Князь Игорь»

В итоге полностью вторая симфония была закончена лишь спустя семь лет, в 1876 г. Вторая симфония, безусловно, произвела фурор.

В настоящее время «Богатырская симфония» является одним из произведений, входящих в постоянный репертуар многих симфонических оркестров мира.

Содержание

Творчество Александра Бородина в основном строится на эпических русских образах, взывающих в слушателях гордость за Отчизну.

Жанр симфонии – эпический, что и определяет наличие соответствующих тематике образов, к которым относится могущественный богатырь, защищающий Родину и Баян-сказитель.

Каждая часть имеет условные названия:

I часть – «Собрание богатырей».

II часть – «Игра (состязания) богатырей».

III часть – «Песнь Баяна».

IV часть – Финал. «Богатырский пир». 

Начальная тема возникает сразу. Она звучит как могучий призыв, боевой клич. Из этой темы вырастает музыка всей первой части.

Вторая тема-это задушевная, светлая мелодия, близкая по интонациям к народным лирическим песням, выражающая любовь к Родине.

Первая часть симфонии заканчивается утверждением главной темы. Она звучит тяжело и грозно. 

2 часть отличается по характеру с предыдущей частью. Можно считать, что в драматургическом плане оно представляет собой эмоциональную разрядку. 

Третья и четвертая части должны быть осмыслены, как единое целое.

3 часть – это сказ Баяна, что определяет соответствующий набор образно-инструментальных приемов, таких, как имитация звучания гуслей по средствам использования арфы, наличие переменного размера, характерного для сказа. Для финала характерно использование ярких для русской культуры тембров – свирелей, гуслей, балалаек. Симфония завершается фантастическим буйством музыкальных красок, отражающих удаль и энергичность русского народа.

Васнецов «Богатыри»

На картине изображены три богатыря — Добрыня Никитич, Илья Муромец и Алёша Попович .

Посередине на вороном коне Илья Муромец, смотрит вдаль из-под ладони, в одной руке у богатыря копьё и щит, в другой булатная палица. Слева на белом коне Добрыня Никитич, вынимает меч-кладенец из ножен, готовый в любой момент ринуться в бой. Справа на коне бурой масти Алёша Попович, держит в руках лук со стрелами. В сравнении со своими товарищами он молод и строен. На боку у Алёши Поповича колчан. На другом боку у него гусли.

 Трое богатырей стоят на широкой равнине, переходящей в невысокие холмы, посреди пожухлой травы и изредка проглядывающих маленьких ёлочек. Небо пасмурное и тревожное, означает грозящую богатырям опасность.

Сам В. М. Васнецов (в письме к П. П. Чистякову) описывал картину так: «Богатыри Добрыня, Илья и Алёшка Попович на богатырском выезде — примечают в поле, нет ли где ворога, не обижают ли где кого?»

В. М. Васнецов описывал появление идеи картины так^[4]:

«Попался набросок трёх богатырей. Написал в мастерской Поленова.

Так и встало перед глазами: взгорья, простор, богатыри. Дивный сон детства.

Собственно итоговые «Богатыри» были закончены более чем 20 лет спустя, 27 апреля 1898 года.

Натурщики

Одним из прообразов для Ильи Муромца послужил крестьянин Владимирской губернии Иван Петров (позднее — извозчик села Большие Мытищи), которого Васнецов запечатлел на этюде в в1883 году.

В былинах Добрыня всегда молод, как и Алёша, но Васнецов изобразил его зрелым человеком с роскошной бородой. Некоторые исследователи^[9] полагают, что чертами лица Добрыня напоминает самого художника.  

Обитатели Абрамцева, где на одном из этапов шла работа над полотном, находили прототип и для Алёши Поповича. «Помню, — писал В. С. Мамонтов, сын Саввы Ивановича, — как мы завидовали моему брату Андрею, на которого походил лицом Алёша Попович в этой картине».

Урок  № 20 «Музыка А. С. Даргомыжского и

бытовые картины П. Федотова»

Павел Андреевич Федотов

(22 июня 1815 — 14 ноября 1852) — русский живописец и график, один из наиболее ярких художников натуральной школы середины XIX века.

Был жанристом, портретистом, карикатуристом и иллюстратором.

Академик Императорской Академии художеств (с 1848; ассоциированный член — «назначенный» с 1847).

                Бытовая живопись П.А. Федотова

Важнейшую роль в развитие бытовой живописи первой половины ХIХ в.

Новизна произведений П. А. Федотова в остром сюжетном решении, во взаимодействии изображенных лиц и в верном, подлинно народном взгляде художника на жизнь. Он придавал своим произведениям то едкую иронию, то добродушный юмор, то лирически скорбное настроение. Лучшей в серии сепий П. А. Федотова является работа «Следствие кончины Фидельки» (1844). В ней П. А. Федотов высмеивает капризы богатой барыни, перевернувшей весь дом вверх дном из-за смерти любимой собачки.

Умершая собачка возлежит на подушке в центре комнаты, возле нее полукругом расположена толпа вовлеченных в «событие» людей, в том числе целый консилиум врачей, горячо спорящих о причинах безвременной кончины Фидельки. На первом плане справа пишется портрет погибшей «героини»; при этом художник в порванном сюртуке чересчур приукрашает ее облик, стремясь угодить богатой заказчице. Тут же архитектор показывает живописцу проект масштабного «Монумента Фидельки». Слева две дамы, пришедшие выразить сочувствие барыне, но им трудно сохранить скорбно соболезнующий вид - от Фидельки уже дурно пахнет и приходится зажимать нос, что, конечно не очень учтиво. А заболевшая то огорчения хозяйка - виновница переполоха, лежит за ширмой. Ей прислуживает муж, а рядом став на задние лапки «служат» две собачки. В сущности, так же вот «на задних лапках» ходят перед барыней все собравшиеся. Даже муж лишь исподтишка осмеливается выразить свои истинные чувства к любимцам супруги, грозя им подсвечником. Из общей композиции П. А. Федотов выделяет живописца и архитектора - они единственные труженики среди собравшихся, нищенская жизнь заставляет их жертвовать своими принципами и достоинством человека ради куска хлеба, их доля хуже собачей. Федотов сперва насмешив зрителя нелепостью происходящей ситуации, подводит нас к грустному выводу о резком социальном неравенстве, о тунеядстве одних и нищете других. В этом произведении Федотова обнаруживаются черты гоголевского юмора - смех сквозь незримые миру слезы. Такова основная мысль рисунка - острой социальной сатиры на нравы богатого барства.

Накопив большой опыт, в работе над рисунками и овладев техникой масляной краски, П. А. Федотов создал первую жанровую картину - «Свежий кавалер» (1846).

Главное действующее лицо картины пошлый и смешной в своей нелепой горделивости чиновник, нацепивший прямо на затасканный халат полученный орден. Он хвастается им перед кухаркой. А она в ответ с насмешливым взглядом протягивает ему единственные рваные сапоги, которые несла чистить. Комментируя располневшую талию служанки, художник говорил в «объяснительных» стихах: «Где завилась дурная связь, там и в великий праздник грязь». Насмешка кухарки сводит чиновника с воображаемого пьедестала на реальную почву окружающего нашего «героя» убогого быта. Дополняют ничтожность духовного и нравственного мира чиновника такие детали как пьяный приятель под столом, сломанный стул, валяющиеся на полу пустые бутылки, гитара с лопнувшей струной. Федотов прибегает к пародированию стиля академических картин и тем самым наделяет чиновника псевдогероической позой, которая демонстрирует убожество его внутреннего мира. В данном контексте и заключается разоблачающая сила характеристики «Свежего кавалера» с грубым и несвежим после ночной попойки лицом и смешно оттопыренными губами. Рваный засаленный халат вместо античной тоги, папильотки в волосах вместо лаврового венка еще более усиливают комизм притязаний чиновника на значимость своей личности. «Свежий кавалер» не только смешон в своей комнате, выдающей убожество его запросов; смешон при сопоставлении с хорошо знающей его сожительницей - кухаркой, не потерявшей здравого смысла. Он еще и страшен сознанием своего «величия». Это не безобидный хвастунишка, а человек, почувствовавший себя вершителем судеб. Его не трудно представить в присутственном месте в роли хапуги и вымогателя, наводящего страх на просителей и подчиненных.

Каждая работа П. А. Федотова - это повесть или драма, превратившиеся в произведение живописи. В картине «Сватовство майора» художнику удалось рассказать целую историю.

В доме купца переполох, происходит сватовство. Все произошло внезапно, хотя конечно жениха ждали. Об этом говорит все и позы хозяев, и длинные бокалы на стуле, и приготовленное угощение на столе. Этому мотиву подчинены все действия и поступки героев. Вот жених - майор стоит подбоченившись и правой рукой покручивает ус. Можно понять сразу, что он сосчитал капитал купца до одной копейки. Так же его нагловатый жест и небрежная поза говорят о его уверенности в себе. А невеста, одетая в модное, непривычно декольтированное платье, специально сшитое для этого случая, вдруг оробела, застыдилась и, сплеснув руками, хочет убежать из комнаты. Но умная мать, сохраняющая полное спокойствие, задерживает ее. С губ купчихи срывается бранное слово в адрес дочери. Но невеста не так скромна и застенчива как хочет показаться, ее жеманные и кокетливые жесты выдают ее желание - она больше всего на свете хочет остаться в комнате. Сваха тоже не стоит молча. Бойкая, довольная и все же немного робеющая перед хозяином дома, который спешит застегнуть не привычный для него сюртук, так как на распашку принять не учтиво, красноречивым жестом представляет жениха. Сколько раз она на своем веку приводила женихов и уговаривала невест! Майор готов немедленно начать осаду сердца невесты, чтобы таким образом добраться до кошелька ее отца. В сущности в сцене сватовства майора происходит «брак без любви», «брак по расчету», по вынужденной необходимости.

Неприкрыто торжествует денежный расчет со стороны жениха и расчет со стороны купца желающего породниться с дворянином - царит атмосфера корыстолюбия. Горничной, судя по тому, с какой осторожностью она ставит на стол блюдо, тяжело живется в купеческой семье. Хозяйка придирчива и своенравна. Горничная единственная кто не беспокоится о судьбе невесты, ведь у нее хватает и своих забот. Так же на картине изображен сиделец, купеческий приказчик. Вместо того, чтобы отмеривать сукно где-нибудь в Гостином или Апраксином дворе, его позвали выполнить обязанности отсутствующего купеческого лакея. Вероятно, можно было обойтись и без него, но купеческой чете хочется показать, что у них, как и у дворян есть слуги. Сиделец суетится, словно он в лавке. Повернувшись к дверям, он что-то объясняет старухе, а может быть, и гонит ее - не вовремя пришла. В большой мрачной комнате с закопченной люстрой, куда ведет сваха жениха, ничто не радует глаз. Каждый предмет говорит о строгих нравах купеческой семьи. Федотов дает понять, что люди в этом доме живут очень скучно и однообразно: подолгу пьют чай, сплетничают, молятся, а после обеда спят. На первом плане изображена кошка, «намывающая гостей» - это свидетельство причудливого переплетения православной веры с «языческими суевериями», характерными для патриархального купечества.

Полотно с сюжетом из современного купеческого быта, имело большой и заслуженный успех. «Сватовство майора» - это жизнь ставшая картиной.

Есть у П. А. Федотова картина, похожая на глубокую и трагичную народную песню - это «Вдовушка» (1850-1852). Сюжетом для нее послужил факт, взятый из жизни. Зимой 1850 года, художник совершил поездку в Москву для улаживания дел своей овдовевшей сестры, оставшейся после смерти мужа-писаря, горького пьяницы, в бедственном положении: ее единственное имущество - маленький домик был продан за долги, к тому же она ожидала ребенка.

На картине, в полутемной спальне стоит, молодая женщина, печальная и одинокая. Она облокотилась одной рукой о комод, а другую, с зажатым в ней платком, бережно положила на располневшую талию, словно чувствуя едва ощутимые движения ребенка. Ее фигура в черном траурном платье освещена лучом солнца из окна, а бледно матовое лицо выражает глубокую грусть, голова с изящной прической склонилась в раздумье. В этой комнате грусть и тишина. У постели горит свеча. Печати на дверях, почти пустая связка ключей в руках вдовушки и стоящая на полу корзина с серебряной утварью, говорят о том, что вещи опечатаны за долги. На портрете мужа стоящем рядом с иконой на комоде, П. А. Федотов изобразил самого себя - это дает исследователям повод говорить о том, что художник «напророчил» себе раннюю смерть. Пяльцы, заботливо обернутые тряпицей, напоминают о мирных семейных досугах, когда-то неспешно протекавших в этой комнате. Здесь еще недавно было уютно, и женщина чувствовала себя хозяйкой этого мирка. Вероятно, известие о смерти мужа пришло на днях. Безысходность положения ощущается во всех деталях картины. Не тронутая постель в глубине комнаты, свидетельствует о длительности переживаний потрясенной всем случившемся женщины. Картина «Вдовушка» - это лирическое раздумье о тяжелой судьбе молодой женщины, выраженное в зрительных красочных образах.

Говоря совами В. В. Стасова, П. А. Федотов произвел на свет «едва лишь маленькую крупинку из того богатства, каким одарена была его натура. Но эта крупинка была чистое золото и принесла потом великие плоды». Подобно Гоголю, он стал «родоначальником нового русского искусства», основоположником критического реализма в демократической живописи. Продолжателями критического направления Федотова явились художники-шестидесятники во главе с Василием Григорьевичем Перовым.

Таким образом, завершая рассмотрение бытовой живописи первой половине ХIХ в. следует подчеркнуть, заметное влияние на ее развитие оказали с одной стороны, появление тенденции к созданию реалистических образов, с другой заметные изменения в общественной мысли России, на пробуждение которой оказали влияние и победа в Отечественной войне 1812 г. и восстание декабристов. Не следует упускать из вида и стремление передовых слоев русского общества избавить Россию от уз крепостничества.

Все чаще в литературе, музыке и живописи стали появляться произведения, обращающиеся к жизни простого люда.

ДЗ: вспомни темы творчества А.С. Даргомыжского и сравни темы творчества Федотова. Что объединяет ?

Урок  № 21  «Музыка А. Римского-Корсакова и сказочные образы М. А. Врубеля»

 Римского-Корсакова называют композитором-сказочником, потому что им написано много опер на сюжеты сказок.

Опера, с которой мы сегодня продолжаем знакомство, была написана в 1899 году. В год столетнего юбилея замечательного русского поэта А. С. Пушкина. Сказка о царе Салтане привлекла композитора изобилием чудес, и конечно же сам пушкинский стих удивительно напевный и сочный:

  Ветер по морю гуляет

  И кораблик подгоняет

     Он бежит себе в волнах

 На поднятых парусах

Мимо острова Буяна

          В царство славного Салтана…

Давайте отправимся  в путешествие на чудный остров.

Итак, мы попали на чудный остров, где происходят невиданные чудеса.

Для начала всех действий композитор использовал звуки фанфар

Фанфары - сигнал торжественного действия (духовые медные инструменты).

Фанфары приказывают : «Слушайте! Слушайте! Внимание! Внимание!»

Чудо первое. Отгадайте какое.

    Ель растет перед дворцом,

       А под ней хрустальный дом;

 Белка там живет ручная,

                                              Да затейница какая!

                                              Белка песенки поет

                                              Да орешки все грызет,

                                              А орешки не простые,

Все скорлупки золотые,

                                              Ядра- чистый изумруд

                                              Слуги белку стерегут.

Послушаем тему белочки и определим, какую русскую народную песню

- Какую мелодию русской народной песни мы слышим в этом музыкальном фрагменте? Правильно, «Во саду ли в огороде»

И опять звучат фанфары: «Слушайте! Слушайте!»  второе чудо?

В свете есть иное диво:

Море вздуется бурливо,

Закипит, поднимет вой,

Хлынет на берег пустой,

Разольется в шумном беге, и очутятся на бреге

В чешуе, как жар горя,

Тридцать три богатыря.

Ребята, послушайте как изобразил Римский-Корсаков образ богатырей в своей опере. Слушаем тему богатырей.

 Чудо третье. И опять слышится звук фанфар. О чем они возвещают на этот раз?

Говорят царевна есть,

        Что не можно глаз отвесть.

         Днем свет божий затмевает,

   Ночью землю освещает-

      Месяц под косой блестит,

А во лбу звезда горит.

А сама то величава

Выступает будто пава;

  Сладку речь то говорит,

  Будто реченька журчит.

Послушай тему царевны-лебеди.

Персонажи сказок на картинах Врубеля

Холодные январские дни — подходящее время, чтобы вернуться в пору, когда сказки казались реальностью. Рассмотрим мифические картины Михаила Врубеля и вспомним иногда мрачные, но добрые русские сказки.

Михаил Врубель. «Богатырь», 1899 год, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Интерес к народной былинной культуре пришел к Михаилу Врубелю в имении Абрамцево мецената Саввы Мамонтова. Богатырь один в таинственном темном лесу, освещенном багровым светом закатного солнца. Картина переносит нас не в светлый волшебный мир, а в мрачную русскую сказку: здесь опасности таятся на каждом шагу, но где-то рядом всегда силы добра, готовые к помощи и поддержке.

«Прощание царя морского с царевной Волховой»

Михаил Врубель. «Прощание царя морского с царевной Волховой», 1898 год, Государственная Третьяковская галерея, Москва

Сказки в жизни художника стало еще больше с появлением любимой жены и музы — певицы Надежды Забелы. Вдохновившись оперой Римского-Корсакова «Садко», к постановке которой он создавал костюмы, Врубель написал по ней поэтически-сказочную картину «Прощание царя морского с царевной Волховой». В центре сюжета прощание морского царя — отца Волховы — с дочерью, которая все чаще пропадала у берега, где ее ждал возлюбленный гусляр. Отец, подавленный расставанием, почти сливается с темной водой: он знает, что скоро его рыжеволосая красавица, пожертвовав собой, превратится в полноводную Волхову-реку. У Н. А. Римского – Корсакова есть замечательная опера «Садко».

Михаил Врубель. «Снегурочка», 1895 год, Рязанский государственный областной художественный музей им. И.П. Пожалостина

По-зимнему сказочна работа «Снегурочка» Михаила Врубеля. Она создана после заказа художнику костюмов к одноименной опере Римского-Корсакова, в которой играла Надежда Забела. Поэтому главным в рисунке является наряд Снегурочки: он будто соткан из хрустальных снежинок, почти стеклянный. Надежда говорила, что носить эти костюмы было неудобно, практически невозможно, но из уважения к мужу и его работам она относилась к ним с любовью и трепетом.

Врубель не остановился на эскизе костюма и дописал пейзаж и лицо Снегурочки. Широко распахнутые глаза выражают растерянность, а едва уловимая улыбка — жажду впечатлений. Единственный лесной провожатый девушки — белка, а все остальное пространство картины занято снегом, которого настолько много, что он буквально выходит за рамки полотна. У Н. А. Римского – Корсакова есть замечательная опера «Снегурочка».

ДЗ: Ответь на вопросы:

1.     Четырёхструнный смычковый музыкальный инструмент.

2.     Большой коллектив музыкантов для совместного исполнения музыкальных произведений, бывает симфонический, бывает народный.

3.     Один из «китов» музыки, с помощью которого Римский-Корсаков изобразил  «богатырей» в опере «Сказка о царе Салтане».

4.     Автор сказки «О царе Салтане… ».

5.     Сигнал торжественного действия, который приказывает: «Слушайте!

Урок  №22  «Портрет в музыке и изобразительном искусстве»

Портрет в музыке и изобразительном искусстве

Часто художники и скульпторы в своих произведениях изображают музыкантов и музыкальные инструменты, например скрипку. Известны портреты скрипачей, жанро­вые сценки с музыкантами-скрипачами, натюрморты со скрипкой.

Портрет – это произведение изобразительного искусства, содержащее изображение определённого человека или группы людей, а также художественное изображение, образ литературного героя.

Литературный портрет - одно из средств создания образа: изображение внешности героя литературного произведения. Может включать описание наружности (лица, глаз, фигуры человека), действий и состояний героя.

Музыкальный портрет – это отображение внутреннего мира человека языком звуков, выраженных в мелодии.

Исходя из этого определения, можно сказать, что термин «портрет» применим и к живописи, и к литературе. Данный жанр характерен и для музыкального искусства. Музыкальные портреты помогают нам представить героев песен, опер и балетов.

Урок  №23  «Отображение внутреннего мира человека языком звуков»

«Музыкальный портрет. Александр Невский»

Портреты можно встретить в живописи, литературе и музыке.

Портрет - изображение определенного человека или группы людей.

Продолжим знакомство с музыкальным портретом на примере кантаты  С. Прокофьева «Александр Невский».    Кем был Александр Невский?

Князь Александр Невский (1220-­1263) родился в городе Переяславле - Залесском. Отроческие и юношеские годы Александра прошли в Новгоро­де. В двадцатилетнем возрасте князь Александр одержал победу на Неве над сильным противником - шведами, за что народ прозвал его Александром Невским. В 1242 г. на льду Чудского озера произошло знаменитое Ледовое побоище, в котором войско Алексан­дра Невского разгромило немецких рыцарей-крестоносцев. В «Повести о житии и храбрости благоверного и великого князя Александра», которая была написана в 80-е годы XIII в., ког­да началось его почитание как свято­го, сказано: «Александр. вошел в церковь святой Софии, и начал молиться со слезами: "Боже славный, праведный, Боже великий, сильный, Боже превечный, сотворивший небо и зем­лю и установивший пределы народам, ты повелел жить, не преступая чужих границ. Суди, Господи, обидящих меня и огради от борющихся со мною, возьми оружие и щит и встань на помощь мне". Князь, выйдя из церкви, осушил слезы и начал ободрять дружину свою, говоря: "Не в силе Бог, но в правде". В течение 20 лет князь, стремясь возродить былую славу Руси, ездил на поклон к ханам Золотой Орды и пла­тил им ежегодную дань. После смерти отца Александр стал великим князем Владимирским. В 1263 г. после очеред­ной поездки в Орду, князь тяжело за­болел и вскоре умер. В народе говори­ли, что он был отравлен. Похоронили князя во Владимире. В 1710 г. по указу Петра I нетленные мощи Александра Невского были перевезены в Санкт- Петербург и захоронены в Александро - Невской Лавре. Тогда же был учрежден орден Александра Невского. Во время Великой Отечественной войны (1941­1945) этот орден вновь стал боевой наградой. День почитания Святого Благоверного князя Александра Невского - 6 декабря. Русский народ бережно хранит память об Александре Невском. Его образ запечатлен в раз­личных произведениях искусства - литературе, музыке, живописи, скуль­птуре, кино.

Рассмотрите картины, памятник, икону, изображение Александро-Невской лавры, посвященные Александру Невскому — святому земли русской. Что это за человек? Каким он предстает перед нами? Какими чертами характера наделен? Какой должна быть музыка, рисующая образ князя, чтобы представить себе именно такого человека?

 «Александр Невский».

Он молодым был и пригожим,

Всем сердцем Русь свою любил,

Молва носилась: "Богом рожен",

Великим, мудрым князем был!

Терзали Русь с востока орды,

Монголы - бешеные псы,

Всё под агонией позорной,

Сметали на своём пути.

Разграбив Русь до самой нитки,

Везли обозами добро,

Батыю - в стан свой ненасытный,

Меха и злато, серебро.

Русь от орды теряла силы,

Едва свободу пригубя,

Орда опять её косила,

Расправу гнусную чиня.

Разбив в Ижоре грозных шведов,

В свои неполных двадцать лет,

Где добыл мужеством победу,

Как снова Русь трясёт от бед!

Пусть с опытом ещё "не густо",

Минуло только двадцать два,

Он полководцем стал искусным,

В толк брал военные дела.

С отцом не раз в суровых битвах,

Стальную волю закалял,

Ему дано было родиться,

Украсить ратный пьедестал.

Музыкальный портрет – это отображение внутреннего мира человека языком звуков, выраженных в мелодии.

И это не что иное, как мелодия Вашего сердца, которую, быть может, даже Вы сами до конца не слышите. Это Ваша красота, уникальность, глубина, боль и радость, облечённая в ноты, доступная и приятная к восприятию. Если бы сердце запело или заговорило – оно сказало бы именно то, что прозвучало в музыкальном портрете.

Выдающийся итальянский живописец, скульптор, архитектор, ученый, инженер Леонардо да Винчи сказал, что «живопись и музыка как сестры, они желанны всем и понятны». Ведь можно не знать языка, на котором говорили Бетховен или Рафаэль, надо только смотреть, слушать и размышлять…

ДЗ; 1. Какими средствами режиссеру и композитору удалось вызвать у нас представление о характере, внешнем облике главного героя?

Урок  №24  «Мусоргский М. Песня Варлаама (из оперы «Борис Годунов») и Репин И. «Протодьякон»»

I. Рассказ о творческом содружестве композиторов «Могучая кучка».

Более ста лет назад, во второй половине 19 века, в русском искусстве появились 2 замечательных содружества передовых художников и музыкантов.

Пять талантливых молодых композиторов, которые горячо любили русскую музыку и русский народ, объединились в творческий союз, чтобы вместе бороться за сохранение народного творчества, за создание национально русской музыки в традиции, заложены М. И. Глинкой.

Это были: талантливый, двадцатилетний музыкант Милий Алексеевич Балакирев (02.01.1837 – 29.05.1910гг.), молодой военный инженер Цезарь Антонович Кюи (18.01.1835 – 26.03.1916гг.) и восемнадцатилетний гвардейский офицер Модест Петрович Мусоргский (21.03.1839 – 25.03.1881гг.). Потом к ним присоединились ученый – химик А. П. Бородин и совсем еще юный моряк Николай Андреевич Римский-Корсаков. Во главе кружка встал М. А. Балакирев. М. И. Глинка считал его своим приемником в русской музыки и говорил друзья: «В Балакиреве я нашел взгляды, так близко подходящие к моим во все, что касается музыки…».

В тоже время лучшие русские художники создали Товарищество передвижных художественных выставок. Они хотели писать картины о народе и для простого народа. Передвижные художественные выставки организовались во многих городах и селах России. Это были: И. Крамской, В. Петров, И. Левитан, В. Васнецов, И. Репин, А. Саврасов, В. Суриков, И. Шишкин, М. Нестеров и др.

«Кучкисты» и передвижники рассказывали в своих произведениях о простых людях, их страданиях, унижениях. Они не только правдиво показывали жизнь своего народа, но и выносили в искусстве общественное порицание отрицательным явлением жизни.

Передовые художники и композиторы воспевали неповторимую красоту родного края, создавали портреты лучших людей своего времени, которые боролись за справедливость и интересы угнетенного народа. Горячей любовью к Родине и мечтой о ее светлом будущем проникнуты многие картины и музыкальные произведения. Из всех «кучкистов» наиболее самобытным талантом обладал М. П. Мусоргский, который проявлял особенно большой интерес к народной жизни и русскому человеку. Он создал множество национально ярких музыкальных образов, в которых раскрывается неповторимость русского характера. Эти образы живут не только в его операх, но и небольших обычных выразительных песнях.

О таких образах – музыкальных портретах – мы и поговорим на наших уроках.

II. Знакомство с жанром музыкального портрета

Музыкальный портрет – это портрет характера героя. В нем неразрывно слиты выразительность и изобразительная сила интонаций музыкального языка.

Беглый монах Варлаам не про себя поет песню. Как же характер исполнения и характер музыкального языка выдают норов, характер и даже внешний вид этого человека? Какие краски симфонического оркестра использовал Мусоргский для зарисовки его портрета? Каким вы представляете себе Варлаама, поющего такую песню?

1. Слушание и просмотр песни Варлаама из оперы «Борис Годунов» М. П. Мусоргского.

Вопросы и задания:

1) найдите в словах и мелодии «Песни Варлаама» черты, которые сближают ее с народными песнями.

2) Какими словами можно охарактеризовать главную интонацию мелодии? (Молодецкая, мощная, могучая, добрая, нежная, светлая, залихватская, буйная, густая, яркая - выберите подходящую характеристику.)

3. Сравнение музыкального портрета Варлаама с картиной Репина «Протодьякон».

Сравните музыкальный портрет Варлаама с картиной Репина (Протодьякон - старший дьякон. Дьякон – помощник священника при совершении церковной службы). Репин и Мусоргский были единомышленниками в искусстве, цель у них была одна: правдивое изображение жизни во всем ее многообразии. Они стремились к постижению народного духа, отражению в искусстве народных типов.

Действительно, репинский «Протодьякон» очень похож на Варлаама из оперы Мусоргского «Борис Годунов». Это признавал и сам композитор. Можно ли Варлаама, Протодьякона назвать настоящими богатырями? Только ли богатырской силой отличается богатырь?

Вывод урока: «Песня Варлаама» не была написана Мусоргским к картине Репина. Протодьякон и Варлаам – самостоятельные образы, которые изображали подобные и характерные для Древней Руси типы монахов и попов. И в музыкальном, и в живописном портрете чувствуется образ властного, жестокого, с разбойничным норовом и богатырско – кабацским размахом человека.

ДЗ: 1. Ответьте на вопрос: «Можем ли мы назвать богатырем – героя  маленького трубача из песни С. Никитина? Почему?» трек №

Урок  №25  «Образ Кутузова в музыке С. Прокофьева и портрете  Волкова Р.М.»

 «В июне 1812 года император Франции Наполеон во главе отборных войск в количестве более 600 тысяч вторгся на территорию нашей страны с целью: окружить и уничтожить армию России вблизи границы, занять Москву и добиться капитуляции России за месяц. Русская армия во главе с М.И. Кутузовым встала на защиту своего Отечества. Мужество оборонявшихся русских солдат и офицеров, мастерство полководцев сорвали замыслы Наполеона. План «молниеносной войны» Бонапарта, похвалявшегося, что раздавит Россию за месяц, провалился (на экране демонстрируется картина Ф. Рубо «Бородинская битва»). 26 августа состоялось, вошедшее в историю, сражение у села Бородино. Силы были неравны, французы почти втрое превосходили по численности русскую армию. Не смотря на то, что русские солдаты и офицеры стояли насмерть, защищая каждую пядь родной земли, французской армии удалось подойти близко к Москве. Наступил решающий момент в ходе сражений. В Филях собрался военный совет, на котором присутствовали все военачальники и сам Кутузов. Нужно было решать: дать последнее сражение у стен Москвы или отступить.

картина А.Д. Кившенко «Совет в Филях»

Это портрет. Кутузов сидит поодаль от военного совета, но невольно силой своей личности уравновешивает многофигурную композицию. Не смотря не яркость красок и блеск мундиров, картина не вызывает впечатление парадности.

Кутузов показан усталым ,но внутренняя собранность в позе и во всем облике…

Картина безмолвна, и выражает мгновение, наступившей торжественной, и в то же время какой-то погребальной тишины: Кутузов объявляет свое решение отступить и сдать Москву Наполеону.

Какой должна быть музыка, рисующая портрет великого полководца?

На сюжет романа Толстого «Война и мир» русский композитор С. Прокофьев пишет оперу с тем же названием.

Арию Кутузова из оперы Прокофьева «Война и мир».

Кутузов обретает силы, обращаясь к молитвам. Он, веря в народ, утверждается в правоте своего решения. Русские сохранили свою армию и были готовы продолжать войну до изгнания интервентов. Моральный дух наполеоновской армии был подорван: она отступила с поля боя, видя перед собой, готовые отчаянно драться и дальше ,русские войска. Столь дорогой ценой она не оплачивала еще не одно сражение.

Наполеон сказал: «Французы показали себя достойными одержать победу, а русские получили право быть непобедимыми»!»

ДЗ: 1. Ответьте на вопрос: «Почему именно в годы войны С. Прокофьев обратился к великой эпопее Л. Толстого «Война и мир», чтобы создать не менее грандиозное произведение – оперный спектакль?»

2. Ответьте на вопрос: «Испокон веков на русскую землю нападали враги с целью: завладеть богатствами страны, поработить русский народ ; но никому, никакому врагу еще не удалось поставить Россию на колени. Назовите произведения, в которых воспевается эта же идея?».

Урок  №26-27  «Образ  князя Игоря  в творчестве Бородина и  Рериха»

Опера А. П. Бородина «Князь Игорь» написана в четырёх действиях с прологом. Впервые в полном объёме и в оформлении декораций по эскизам Н. К. Рериха шла в 1914 году в Лондоне.

Эскизы 1908 года, хоть и не получили сценического воплощения, также вошли в сокровищницу русского театрально-декорационного искусства.

Пролог
Эскиз «ПУТИВЛЬ»

На эскизе «Путивль» 1908 года мы видим огромный белый собор – незыблемый, простой и величественный. Воздвигнут он на небольшом зелёном холме, как бы инкрустированном камнями – валунами.
Ракурс зрения снизу и сбоку делает этот обобщённый образ древнерусского зодчества ещё более монументальным. Собор как будто не помещается в картину во всю высоту – не виден крест, завершающий горящий на солнце купол-шлем.
Тяжёлые и строгие деревянные стены крепости с двухъярусными сторожевыми башнями, пустынный пейзаж, чуть видный через раскрытые ворота, также подчёркивают торжественность, величие и простоту собора.
Первый план – подобие площади – совершенно свободен.
Сюда соберётся народ и станет величать Игоря, и отсюда дружина и рать выступят в поход.

Содержание пролога:

Князь Игорь вместе с сыном Владимиром и своей боевой дружиной собираются в поход против половцев-кочевников, хищными набегами опустошающих русские земли. Народ величает Игоря, других князей, ратников и желает им победы.

Внезапно темнеет – начинается солнечное затмение. Народ и бояре видят в этом недобрый знак, дурное предзнаменование и советуют Игорю отложить поход. Умоляет князя остаться дома и его жена Ярославна. Но Игорь непреклонен. Он уверен в правоте своего дела – он идёт защищать Русь:

«Нам божье знамение от Бога,

К добру иль нет – узнаем мы,

Судьбы своей никто не обойдёт, чего бояться нам.

Идём за правое мы дело, за веру, Родину, за Русь!

Ужели нам без боя воротиться и путь открыть врагу?»

Князь прощается с женой, утешает её, убеждая не беспокоиться о нём, и ждать с победой. Заботу о Ярославне он поручает её брату, князю Владимиру Галицкому, которого оставляет своим наместником в Путивле.

Незаметно покидают дружину Игоря два ратника – Скула и Ерошка: они намерены перейти на службу к Галицкому.

С благословением Игорь и его дружина выступают в поход.

Действие первое в двух картинах. Картина первая
Эскиз «Двор князя Галицкого»

Задача эскиза показать средствами живописи характер героя, его жизнь. Эскизы 1909 и 1914 годов свидетельствуют, что Рерих искал такое решение, которое соответствовало бы музыкальному и драматическому содержанию первого действия.
Николай Константинович нашёл его в повышенной декоративности и дробности композиции, тем самым подчёркивая отсутствие цельности в образе князя Галицкого.

Здесь всё напоминает некоторую рисованность и легкомысленность жизни, красивость и яркость внешнюю, загруженность эскиза свидетельствует о бездуховности хозяина, стремящегося к власти.

Содержание первой картины:

За бранными столами, окружённый разгулявшейся челядью во главе со Скулой и Ерошкой, пирует князь Галицкий. Ему мало власти – хотел бы сослать Ярославну в монастырь и, сместив Игоря, сесть князем в Путивле. Во двор вбегают взволнованные девушки. Они упрашивают Галицкого освободить их подружку, уведённую дружинниками князя на потеху в терем. Но Галицкий гонит девушек прочь под пьяный хохот толпы. Хмельной разгул достигает предела. Скула и Ерошка вместе с расхрабрившимися бражниками, славя князя Галицкого, замышляют мятеж: «Мы Игоря сместим, Владимира посадим! Чего бояться нам?»

Картина вторая
Эскиз «Терем Ярославны»

Н. К. Рерих выполнил несколько вариантов терема Ярославны.

Как отличаются эти эскизы от эскизов двора князя Галицкого! Здесь видна строгость и простота быта, и одновременно изящная красота убранства комнаты.

Нежные и тонкие цвета говорят о духовности хозяйки, её внутренней сдержанности.
Всё работает на раскрытие образа Ярославны. Через узкое продолговатое окно хорошо видны освещённые солнцем купола церквей и крыши домов. По замыслу режиссёра А. А. Санина через окно терема Ярославны должна быть видна и «вся картина пожарища».

Содержание второй картины:

Неспокойно на душе у княгини. Тревожные сны и мрачные предчувствия не оставляют её ни днём ни ночью. Давно нет вестей от князя. А вокруг неё княжеские раздоры, смута, и даже родной брат Владимир замыслил крамолу в надежде сместить Игоря и княжить в Путивле. Неожиданный приход девушек, которых Галицкий прогнал со двора, отвлекает Ярославну от горестных дум. Девушки ищут у княгини защиты от обидчика.Ярославна обвиняет брата в предательстве и измене, но не в силах справиться с ним. Призванный княгиней к ответу, Галицкий держится с сестрой вызывающе дерзко, угрожая ей и Игорю. Пришедшие бояре приносят недобрые вести: рать Игоря разбита, сам князь Игорь с сыном в плену, русские князья погрязли в раздорах, а половецкие орды, между тем, идут на Русь. Встревоженная услышанным, Ярославна сама желает обо всём подробно допросить гонцов.

Тем временем Галицкий с челядью, пользуясь моментом, поднимает мятеж. Тревожный гул набата возвещает об опасности – к Путивлю приближаются половцы. Бояре и народ полны решимости отстоять у врага свою землю. Из воспоминаний режиссёра постановки оперы Санина можно судить о впечатлении, произведённом на зрителей этой сценой в тереме Ярославны: «Несчастье, нагрянувшее на терем, я связал с громадным, неудержимым, поистине трагическим метанием и движением всех обитателей терема, обезумевших вконец перед близостью и угрозой смерти. Настоящая картина «светопредставления». Удалось в этой сцене родить то «таинство» истинного искусства, которое творит всегда в театре «чудо» и захватывает зал». Вот так проявляется синтез искусств, когда слились в творческом воплощении огненные энергии художника, композитора и режиссёра-постановщика.

Действие второе и третье
Эскиз «Половецкий стан»

Действие второе и третье переносят нас в половецкий стан – совершенно иной мир, иной уклад жизни. Музыка Бородина передаёт всё разнообразие характера половцев: созерцательность и страстный темперамент, мечтательность и томление, буйство фантазии, дерзкий порыв. Эта часть оперы под названием вокально-танцевальная сюита «Половецкие пляски» открывала первые «Русские сезоны» Дягилева в Париже в 1908-1909 годов. Н. К. Рерих очень тщательно готовился к первой постановке. Он исполнил множество вариантов декораций и костюмов к этому действию: тема кочевников, степи.

Тема Востока всегда волновала Николая Константиновича.

При незначительных различиях в композиции все варианты объединяет один и тот же мотив: вечерние сумерки, раскиданные на пологих холмах юрты с бунчуками, дым костров, поднимающийся к верху, и огромный небесный простор.

Небо в живописи Н. К. Рериха всегда активно и несёт смысловую нагрузку: красновато-коричневые переливы создают эффект раскалённого зноя и от солнечного заката, и от жара костров. Стан кочевников разместился среди долин и холмов вблизи неширокой петляющей реки.
На фоне рериховской декорации под аккомпанент полного оркестра один за другим следовали лирический хор, танец девушек-невольниц, воинственная пляска мальчиков. Завершалось всё общей исступлённо-ликующей пляской и хором, славящем хана.

«Впечатление от этой сцены и музыки было столь огромным, что на время даже забыли о Шаляпине, исполнявшего роль Кончака», – вспоминал участник «Русских сезонов» режиссёр С. Л. Григорьев.

В постановке танцев получила яркое воплощение стихия «скифства», неукротимого порыва, необузданности и стремительности ритмов. Хореография С.В.Фокина, музыка А. П. Бородина, эскизы декораций и костюмов Н. К. Рериха – всё в едином синтезе искусств отразилось в «Половецких плясках».

Эскиз костюма хана Кончака Николай Константинович подарил Шаляпину, а Фокину – эскиз костюма половчанина.

В эскизы 1914-1915 годов Рерих уже вносит некоторые изменения – меняется колорит. Это связано с новыми постановочными задачами режиссёра Санина, требовавшего усиления драматичности действия – ощущения томления в плену, жажды свободы, темы любви в плену. Рерих решает эту задачу, вводя новые краски в свои эскизы: появляются синевато-зелёные оттенки, усиливающие загадочность и таинственность южной ночной степи.

Теперь это не «вечерний», а «ночной» половецкий стан.

 Эскизы 1944 года создавались Рерихом уже в Индии, и это было новое толкование балета «Половецкие пляски».

Шла Вторая мировая война, и колорит эскизов в золотом сиянии неба предвещал торжество России. Вот такую красочную сюиту эскизов создал Н. К. Рерих на тему «Половецких плясок».

 Содержание второго действия:

В половецком стане идёт своя жизнь: пляшут половецкие девушки, пленники возвращаются с работы и девушки их угощают.

Кончаковна, дочь хана Кончака, страстно полюбила княжича Владимира Игоревича. У них любовь взаимная. Есть желание сыграть свадьбу, но Игорь не желает даже слышать о свадьбе в плену. Его ария «Ни сна, ни отдыха измученной душе» стала известна своей болью о Руси и её освобождении.
(Слушаем арию Князя Игоря «Ни сна, ни отдыха измученной душе»)

Неожиданно один из крещённых половчан предлагает Игорю бежать тайно: «Не для себя, а для Руси ты должен бежать».

Хан Кончак оказывает Игорю всяческие почести и даже предлагает ему уйти из плена с уговором, что тот не подымет меч на него.

Но Игорь не может это принять, честно признаётся, что снова соберёт полки и ударит на него.

Содержание третьего действия:

В ставке хана Кончака веселье. Все славят военачальника Гзака: «На свете нам подвластно всё, и на земле нет равных нам». Княжич и пленные советуют Игорю бежать и спасать Русь. Кончаковна хитростью удерживает своего возлюбленного, и бьёт в колокол, объявляя о побеге Игоря. Кончак, услышав о побеге, восклицает: «Вот молодец, я так же поступил бы, а княжича опутаем княжной», – и объявляет свадьбу.

Действие четвёртое
Эскиз «Плач Ярославны»

Мы снова переносимся в Путивль, к городской стене. Эскизы «Плач Ярославны» проникнуты настроением скорби, тяжёлые мысли Ярославны плывут по небу, как птицы. В них ощущение беды и безотрадности. А навстречу им плывут и облака-мысли бегущего из плена Игоря и стучатся прямо в башню. Цветовая гамма усиливает монументальную тяжеловесность эскиза.

Ярославна, потеряв всякую надежду на возвращение Игоря, поутру оплакивает его на городской стене. Обращаясь к ветру, солнцу, Днепру, она ждёт от них ответа, где Игорь, что с ним? Плачу Ярославны вторит горестная песня поселян, скорбящих о разорённой и выжженной земле.

Вдруг вдали княгиня замечает двух всадников. Это Игорь и Овлур. Наконец-то любимый, долгожданный муж. Хмельные Скула и Ерошка, не знающие о возвращении Игоря, глумятся над своим князем, попавшим в плен. Неожиданная встреча с ним ошеломляет их. Чтобы избежать заслуженного наказания, изворотливый Скула предлагает Ерошке первыми ударить в колокол и возвестить о прибытии князя. Народ, сбежавшийся на звон колокола, радостно приветствует князя Игоря и других князей, которые прибыли в Путивль, готовые к единению:

«Время красное настало,
Знать, недаром князь приехал!..
Знать, пришла пора безделью нам!»

ЗАКЛЮЧЕНИЕ
Картина Н. К. Рериха «Поход Игоря»

Н. К. Рерих считал А. П. Бородина выдающимся деятелем своей Родины, о котором очень скудно рассказано в прессе. За год до начала Великой Отечественной войны Н. К. Рерих писал: «Лежит передо мною «Слово о полку Игореве». Само «Слово» как бы горестное, но оно лишь напоминает, как из беды встанет народ и неустанно начнёт строение. Великому народу русскому ничто не страшно. Всё он победит – и лёд, и жару, и глад, и грозу, и будет строить на диво».

В 1942 году Рерих пишет станковую картину «Поход Игоря».

Мы видим необычное сочетание красок. Диск солнца закрыт луной, но потемнела лишь самая верхняя часть неба. Большая часть неба залита золотым солнечным светом и это - радостный аккорд. Всякому затмению бывает конец!

ДЗ: 1. Слушать папку Бородин Опера Князь Игорь 2. Дать характеристику образу Князя Игоря. 3. Какие черты характера хотел бы ты особо отметить в образе Князя игоря?

Урок  №28  «Музыка в кинематографе» 

Понятие кинематограф появилось впервые в его французском варианте - «синематограф», обозначавшем систему создания и показа фильма, разработанную братьями Луи Жаном и Огюстом Люмьер. Влияние кинематографа на культуру и искусство бесспорно, высказываются даже предположения о значимости влияния кинематографа на политику и экономику. Можно ли назвать кинематограф искусством? Как известно у термина «искусство» есть три основных значения:

1. Искусство – это художественное творчество в целом: литература, архитектура, скульптура, живопись, музыка и т.д.;
2. Искусство – это только изобразительное искусство;
3. Искусство – это высокая степень мастерства в любой области деятельности.

Музыка играет одну из важнейших ролей в кинематографе.

Эта тема особенно актуальна в наши дни, в эпоху развития кино и телевидения. Музыка - разновидность искусства, воплощающая идейно-эмоциональное содержание в звуковых художественных образах, она способна создать настроение, необходимое для просмотра того или иного фильма.  

НЕМОЕ  КИНО

«Немое кино» — общепринятое обозначение кинематографа в первые десятилетия его истории, когда фильмы выходили на экраны без синхронно записанного звука.

Немые фильмы обычно сопровождались музыкой. Она была необходима, и это ясно чувствовали и зрители, и администраторы первых кинотеатров. Почему же из всех искусств, воспринимаемых зрением, именно кино сразу же потребовало участие музыки?

Для того чтобы разобраться в этом вопросе, представим себя в положении первых кинозрителей. Перед их глазами совершалось чудо: на экране оживало фотографическое изображение, двигались, спешили, разговаривали люди, но все это происходило в полнейшем безмолвии. Этот удивительно реальный, достоверный, но немой мир казался зрителям странным и даже немного страшным. Поэтому музыка и оказалась необходимой в кино. Ее требовало, прежде всего, движение киноизображения, неразрывно связанное в нашем восприятии со звуком. В какой-то мере музыка заменяла и отсутствовавший в немых фильмах диалог.

В кинематографе, который был впервые выставлен в Нью-Йорке (1894), зрителю приходилось смотреть в небольшой окуляр. Годом позже два француза, братья Огюст и Луи Люмьер, представили публике свой синематограф, давший имя новому виду искусства. Сделанные братьями Люмьер "живые" фотоснимки будничных событий буквально потрясли первых зрителей. Еще несколько лет кино для многих оставалось диковинкой, которую показывали на ярмарках и в мюзик-холлах. 

Примерно с 1900 г. кинематографисты стали понимать, что кино не сводится к документальному фиксированию событий и открывает широкий простор для творчества, позволяя рассказывать зрителю целые истории. Первопроходцем в этом деле был француз Жорж Мельес, чей знаменитый фильм "Путешествие на Луну" (1902) раскрыл богатейший потенциал кинокамеры в создании всевозможных трюков и спецэффектов.

Несмотря на все богатство визуальных приемов, немое кино оставалось слишком неповоротливым в развитии сюжета и упрощенным в характеристике персонажей. Поэтому почти сразу после выхода фильма "Певец джаза" (1927) с синхронизированной музыкой и диалогами наступил конец эпохи "Великого немого". Начался век звукового кино.

Специфической особенностью немых фильмов является использование титров (интертитров) — текстовых вставок, которые давали пояснения по сюжету, воспроизводили реплики персонажей или даже комментировали происходящее для аудитории, но, безусловно, и музыка играла не последнюю роль. Именно она в условиях отсутствия звуковых реплик актёров подсказывала зрителю развитие событий или же усиливала впечатление, которое хотел произвести режиссер.

Первоначально, в немом кинематографе, музыка имела чисто прикладное значение. Тапёр - музыкант, преимущественно пианист, сопровождавший своим исполнением танцы на вечерах, балах, впоследствии - немые фильмы. В репертуаре тапёра, игравшего на танцах, были наиболее популярные танцы - польки, вальсы, кадрили и др. Обычная манера игры тапёра в кинотеатре - импровизация на несложные темы, «подгонявшиеся» по характеру к происходившему на экране. Некоторые известные музыканты, например, Джордж Баланчин и Дмитрий Шостакович, в молодости работали тапёрами. Для музыкантов-иллюстраторов выпускались специальные нотные альбомы. Многие мелодии из репертуара тапёров того времени дошли и до нас.

              Чарльз Спенсер Чаплин.

         С первого же появления на экране в 1915 г. он покорил сердца зрителей. Блистательный успех Чарли Чаплина был определен сочетанием трагического и комического, серьезного и смешного, реальности и фантастики. На экране он создал образ «маленького человека» с печальными глазами, в узком коротком пиджаке и широких штанах, потрепанной шляпе-котелке и с гибкой тросточкой в руках. С помощью великолепных мимики и жестов он мог передать широчайший спектр человеческих переживаний, сделать смешной любую, даже самую серьезную, ситуацию. Выдающийся мастер немого кино, Чарли Чаплин с болью переживал наступление эры звукового кино. Но остановить ход истории и развития техники уже было не в его силах.

Новые возможности открылись перед музыкой с изобретением звукового кино, и не случайно им заинтересовались композиторы. Музыка издавна тяготела к союзу с другими искусствами: с поэзией в песне и романсе, с драмой - в опере, с танцем - в балете. Музыка в кино явилось еще одним, новым типом синтетического искусства.

ЗВУКОВОЕ  КИНО

С изобретением звукозаписывающей аппаратуры (конец 1920-х-начало 1930-х гг.) каждый фильм получает свою собственную фонограмму. Музыка становится частью структуры кинопроизведения. Теперь музыка непросто сопровождение картинки, теперь это неотъемлемая её часть. Музыка способна погрузить зрителя в нужную атмосферу, создать необходимое настроение. Зачастую одна лишь мелодия в начале фильма может подсказать зрителю жанр произведения. Хорошая подборка мелодий, песен, различной музыки может обеспечить шестьдесят процентов успеха фильма. С началом «эпохи цифрового телевидения» звуковая партитура стала более визуальной: компьютерные аудио редакторы позволили придать звуковым пластам отчётливые, почти «нотные» очертания (кстати, нотопись слала отправной точкой и в развитии всей европейской профессиональной музыки). Поэтому работать с ней стало гораздо проще, так как она стала наглядной.

Кино открывало новые пути перед композиторами, заманчивые и интересные. Одна из особенностей киноискусства - необычайная сжатость действия во времени - требовала и от музыки сжатости и концентрированности гораздо большей, чем в других подобных жанрах. Когда в кино пытались использовать уже существующие музыкальные произведения, их неминуемо приходилось подгонять к быстро сменяющимся эпизодам кинофильма, а, следовательно, брать только фрагменты, а не целые произведения.

Самый простой способ для введения музыки в фильм - появление на экране музыканта или певца. Поэтому песня в кино сразу заняла важное место. Она оказалась замечательным средством характеристики героев фильма, времени, всей атмосферы действия. Песня в кинофильме, казалось бы, ничем не отличается от обычной массовой или лирической песни, тем не менее, ставит перед композитором нелегкие задачи. Ему нужно "услышать" своих героев, найти круг интонаций, соответствующий их облику и характеру. Давайте вспомним, какие песни из кинофильмов, вы знаете?

КЛАССИФИКАЦИЯ  МУЗЫКИ 

С момента рождения звукового кино произошло разделение музыки фильма на внутрикадровую, конкретную, мотивированную  и закадровую, "авторскую", "условную", наиболее ясно выражающую идею фильма, характеризующую события, выражающую скрытое течение сюжета.

Внутрикадровая музыка - это музыка, источник которой находится или подразумевается в кадре (звучащий оркестр, поющий вокалист, радиоприёмник, транслирующий песню и т. п.).

Закадровая музыка - музыка, введённая в передачу извне. Собственно, это оформительская музыка. Она не мотивирована действием в кадре, то есть условна.

Роль музыки в звуковой партитуре может колебаться от простой красочности до равноправного элемента экранной эмоции, от незатейливых ритмических акцентов до полноценной, практически речевой, семантической нагрузки. Он дополнит аристократический стиль события. К тому же старинный светский танцевальный жанр подчеркнёт темп изображаемого сюжета и покажет характер персонажей.

В 1930 - е годы одной из наиболее популярных форм музыкальной характеристики персонажа в фильме становится песня.

 Песня - жанр, возникший в середине XX века в СССР, выразительными средствами и отличительными чертами которого являются: смысловая и качественная нагрузка на поэтический текст; напевность, естественность, мелодичность и гармоническая функциональность музыкального материала; настроение доверительного общения; камерность исполнения; идеалистическая направленность. Она отличалась простотой, лаконизмом, завершённостью, доходчивостью. Классические образцы киномузыки этого вида создал И. О. Дунаевский. Его музыка, песни к фильмам "Весёлые ребята" (1934), "Волга-Волга" (1938) и другие, отличающиеся мелодичностью, лейтмотивностью характеристик, проникнутые жизнерадостным мироощущением, приобрели широкую популярность. Песенную традицию оформления фильма развивали и другие композиторы.

Конкретная музыка - стиль, в основе которого лежит не мелодическая мысль, а совокупность природных шумов и звуков, записанных заранее, и в ряде случаев подвергнутых различным преобразованиям (обработка фильтрами, искажение, изменение скорости).

Значительную эволюцию претерпел музыкальный лейтмотив, раскрывающий часто общую идею фильма.

 Важнейшее место музыка занимает в музыкальных фильмах, посвященных рассказу о композиторах, певцах, музыкантах. В этих фильмах она либо выполняет определённые драматургические функции (если это рассказ о создании того или иного музыкального произведения), либо включается в картину как вставной номер.

 ДЗ:

Урок  №29  «Отечественные композиторы в кино»

Большой вклад в развитие киномузыки внесли крупнейшие советские композиторы-симфонисты, пришедшие в кинематограф в 1930-е годы, - Д. Д. Шостакович, С. С. Прокофьев, Ю. А. Шапорин и другие. Подлинно творческое содружество связывало композитора С. С. Прокофьева и режиссёра С. М. Эйзенштейна, работавших над проблемой звукозрительной структуры фильма.

Музыка Сергея Прокофьева к фильмам Эйзенштейна "Александр Невский" (1938), "Иван Грозный" (1-я серия - 1945, 2-я - 1958) отличается скульптурной выпуклостью музыкальных образов, их точным совпадением с ритмикой и динамикой изобразительного решения (новаторски разработанный звукозрительный контрапункт достигает особого совершенства в сцене ледового побоища из фильма "Александр Невский").

Дмитрий Дмитриевич Шостакович 25 сентября 2016 года исполнилось 110 лет со дня рождения великого композитора и человека ХХ века Дмитрия Шостаковича. Почти полвека творчество Шостаковича было тесно связано с киностудией «Ленфильм». В титрах 26 картин студии стоит его имя. Какие разные это фильмы! И какая разная музыка!

Свою работу в кино Д. Шостакович считал важнейшим делом, как, впрочем, и всё, чем он занимался. Он всегда являлся в полной мере одним из авторов картины. Это хорошо понимали его друзья режиссёры Григорий Козинцев и Леонид Трауберг, Фридрих Эрмлер, Лео Арнштам, Сергей Юткевич, Михаил Шапиро, выросшие на «Ленфильме» и работавшие с ним уже в Москве Сергей Герасимов, Михаил Калатозов. Больше всего, пожалуй, Г. Козинцев, сделавший с ним 10 фильмов. В одном из своих последних выступлений Козинцев сказал:

Незабываемая музыка к таким кинофильмам, как «Простые люди» (1945), «Молодая гвардия» (1948), «Падение Берлина» (1949), «Овод» (1955), «Гамлет» (1964), «Черёмушки», «Король Лир» (1971) принадлежит перу Дмитрия Шостаковича.

Одну из главных ролей сыграла музыка таких композиторов, как И.О. Дунаевский, М. Таривердиев

Исаак Осипович Дунаевский является одним из самых знаменитых советских композиторов. Он родился в начале XX столетия. За его плечами Харьковская консерватория, где композитор обучался игре на скрипке. По окончанию консерватории он занялся музыкальным творчеством, и стал писать музыку для театральных спектаклей.

Мелодии Дунаевского ответили надеждам поколения, принявшего революцию, стремившегося, несмотря ни на что, к свету, любви, к вере в свою страну и ее будущее. Это объясняет феерический успех музыки Дунаевского. Есть и еще одна причина успеха: начинавшийся в 30-е годы расцвет звукового кино. Шостакович и Дунаевский первыми в России оценили музыкальные перспективы кино, самостоятельное значение киномузыки как важного, иногда даже ведущего элемента кинодраматургии. Как многосторонне талантливый музыкант Дунаевский владел разными жанрами, но лучшие песни Дунаевского пришли из кино, были рождены для кино, их автор создает жанр российской кинокомедии, лирической кинопоэмы.

Вскоре Дунаевский познакомился с Л.О. Утесовым, и они вместе занялись знаменитым советским кинофильмом «Веселые ребята», музыку к которому написал Дунаевский. Это стало его звездным часов. Фильм и музыку из него знал весь советский народ. После этого Дунаевский стал популярным советским композиторам. Он писал музыку к известным кинофильмам, самыми знаменитыми из которых были «Цирк» и «Дети капитана Гранта».

Дунаевский создавал песни, которые сегодня стали народными. Например, сегодня уже многие считают песню,  «Каким ты был, таким ты и остался» народным фольклором, однако музыку к ней писал именно Дунаевский. Также к его творчеству относится «Ой, цветет, калина», «Широка страна моя родная» и другие, ставшие народными, песни.

Эдуард Артемьев

Родился 30 ноября 1937 - русский советский композитор в жанре электронной музыки. Известен, в частности, как автор музыки к фильмам Андрея Тарковского, Никиты Михалкова и Андрея Кончаловского.

Это:  «Чисто английское убийство», «Зеркало», «Раба любви», «Неоконченная пьеса для механического пианино», «Сталкер», «Несколько дней из жизни И. И. Обломова», «Девочка и дельфин», «Родня», «Человек-невидимка» ,«ТАСС уполномочен заявить», «Курьер», «Без срока давности», «Визит к минотавру», «Город Зеро», «Утомлённые солнцем», «Сибирский цирюльник», «Доктор Живаго», «12»....     

Геннадий Гладков

Геннадий Игоревич Гладков (род. 18 февраля 1935, Москва, СССР) - советский и российский композитор, автор музыки к популярным кино- и телефильмам, мультфильмам и мюзиклам, Народный артист Российской Федерации (2002). Кавалер ордена «За заслуги перед Отечеством» IV степени. 

Обладатель двух призов академии «Ника» за лучшую музыку - к фильму «Убить дракона» (1987) и мюзиклу «На бойком месте» (1999). Академик Национальной академии кинематографических искусств и наук (2002), член Академии «Ника» (2001). Член Союза кинематографистов России и Союза композиторов России. Автор музыки к кинофильмам, Народный артист России(2002).

 Фильмы, запомнившиеся нам и благодаря музыке Гладкова: «Джентльмены удачи», «Люди и манекены», «Новогодние приключения Маши и Вити», «Ты - мне, я - тебе!», «12 стульев», «Собака на сене» «Обыкновенное чудо», «Сватовство гусара», «Благочестивая Марта», «Берегите мужчин!», «Формула любви», «После дождичка в четверг», «Человек с бульвара Капуцинов», «Дон Сезар де Базан» ...

Владимир Сергеевич Дашкевич - советский и российский композитор, теоретик музыки.

Заслуженный деятель искусств РФ (2002). Лауреат Государственной премии СССР (1991). Член Союза композиторов с 1965 года.

Один из крупнейших российских композиторов. Автор 9 симфоний, 3 опер, 5 мюзиклов, 5 инструментальных концертов, музыки к более чем 30 спектаклям и к около 90 фильмам, многочисленных произведений камерной, программной и вокальной музыки.

Музыку к его фильмам знают все. Это: «Бумбараш» и «Азазель»... «Собачье сердце» и  «Красавец-мужчина»… весь «Шерлок Холмс и Доктор Ватсон», «Зимняя вишня» и    «Ворошиловский стрелок», «Голубой карбункул», «Без семьи», «Пеппи Длинный чулок», «Возвращение в Зурбаган», «Человек из чёрной «Волги»», «Армавир», «Вор», «Цирк сгорел, и клоуны разбежались» и многое, многое другое.

Александр Зацепин

Александр Сергеевич Зацепин - советский и российский композитор. Получил известность как автор музыки ко многим популярным фильмам. Народный артист Российской Федерации (2003), Заслуженный деятель искусств Российской Федерации (1997).

 Александр Зацепин написал более 300 песен и сочинил музыку более чем к 120 фильмам и мультфильмам. Он Заслуженный деятель искусств России, член-корреспондент Национальной академии кинематографических искусств и наук (2002), член Союза композиторов СССР (1956) и Союза кинематографистов СССР (1957).

Наибольшей известностью пользуется музыка композитора, написанная к кинокомедиям Леонида Гайдая. «Операция «Ы» и другие приключения Шурика», «Кавказская пленница, или Новые приключения Шурика», «Белый рояль», «Бриллиантовая рука», «Двенадцать стульев», «Командир счастливой «Щуки»», «Иван Васильевич меняет профессию», «Земля Санникова», «Ни слова о футболе», «Не может быть!», «Капитан Немо», «Женщина, которая поёт», «За спичками», «Спортлото-82», «Где находится нофелет?», «На Дерибасовской хорошая погода, или на Брайтон-Бич опять идут дожди»...

Евгений Крылатов

.

 Евгений Павлович Крылатов советский и российский композитор. Народный артист Российской Федерации (1994). Лауреат Государственной премии СССР (1982). Лауреат премии Президента Российской Федерации в области литературы и искусства за произведения для детей и юношества (2014).

Написал музыку более чем к 120 фильмам и мультфильмам. Среди них: «Умка», «О любви», «Ох уж эта Настя!», «Достояние Республики», «Ищу человека», «Конец императора тайги», «Русалочка», «Риск - благородное дело», «Трое из Простоквашино», «Приключения Электроника», «С любимыми не расставайтесь», «Приключения Васи Куролесова», «Чародеи», «Гостья из будущего», «Лиловый шар», «Лягушка-путешественница»...

Евгений Павлович Крылатов член Союза композиторов, Союза кинематографистов и Союза театральных деятелей. Евгений Павлович Крылатов живёт и работает в Москве.

Александра Николаевна Пахмутова

 Александра Николаевна Пахмутова - советский и российский композитор, автор более 400 песен. Секретарь Правления Союза композиторов СССР в 1968 - 1991 гг. и Союза композиторов России в 1973 - 1995 гг.

Народная артистка СССР (1984). Герой Социалистического Труда (1990). Лауреат двух Государственных премий СССР (1975, 1982), Государственной премии РФ (2014) и премии Ленинского комсомола (1966).

Если бы она написала только музыку к фильму «Три тополя на Плющихе», ее уже запомнила бы вся наша страна. Александра Николаевна Пахмутова  написала музыку к целому ряду прелестных советских фильмов. Среди них: «Девчата», «Жили-были старик со старухой»,  «Закрытие сезона»,  «Моя любовь на третьем курсе», «О спорт, ты — мир!», «Полынь — трава горькая».

Андрей Петров

Андрей Павлович Петров -советский и российский композитор. Народный артист СССР (1980).

Всероссийский конкурс композиторов имени Андрея Петрова.  Конкурс композиторов проводится ежегодно в начале осени. Начало конкурса - в день рождения композитора, 2 сентября. Он работал много и плодотворно.

Не имеет смысла говорить об излюбленном жанре, им написано огромное количество интереснейших произведений для музыкального театра, оркестровые и вокально - оркестровые произведения, камерные вокальные и инструментальные произведения, музыка к драматическим спектаклям.

Андрей Петров написал музыку к более чем 80 кинофильмам: от «Человека-амфибии» и «Я шагаю по Москве» через «Тридцать три», «Берегись автомобиля», «Его звали Роберт», «Зигзаг удачи», «Старая, старая сказка», «Старики-разбойники», «Синяя птица», «Белый Бим Чёрное ухо». И, конечно же, практически все великолепные комедии последних лет Эльдара Рязанова: «Служебный роман», «Гараж», «Вокзал для двоих», «Осенний марафон», «Жестокий романс», «Небеса обетованные»....  и «О бедном гусаре замолвите слово», «Забытая мелодия для флейты».

Алексей Рыбников

Народный артист России (1999), Заслуженный деятель искусств Российской Федерации (1989), лауреат международных и общественных премий. В 1992 году был награждён орденом Орла I степени за деятельность общенародного значения. В 1993 году стал обладателем приза кинозрителей за лучшую музыку года к кинофильму «Звезда и смерть Хоакина Мурьеты».  Рыбников - автор музыки к 70 кинофильмам, 30 телефильмам и 20 мультипликационным фильмам. Не ограничиваясь этим, он свободно работает и в классических жанрах. На его чету 45 примеров симфонической, хоровой и камерной музыки разнообразных жанров: от прелюдий до симфоний.   Среди самых известных произведений стоит отметить: «Звезда и смерть Хоакина Мурьеты», «Юнона и Авось», «Остров сокровищ», «Приключения Буратино», «Про Красную Шапочку», « Шла собака по роялю», «Тот самый Мюнхгаузен», «Вам и не снилось», «Ералаш». С 1969 года - член Союза композиторов,  с 1979 - Союза кинематографистов. Член Совета при Президенте России по культуре и искусству и Комитета по премиям Правительства Москвы.

Микаэл ТаривердиевМикаэл Таривердиев - это имя хорошо известно каждому в России. Его больше знают по музыке к популярным фильмам, таким как "Семнадцать мгновений весны", "Ирония судьбы". Но помимо того, что он написал музыку к 132 кинофильмам, он еще и автор камерных окальных циклов,  четырех балетов, четырех опер, органной музыки. Ученик Арама Хачатуряна.

(закончил  класс  композиции Государственного педагогического  института имени  Гнесиных  в 1957 году),  он  дебютировал  как композитор  в  Большом зале Московской  консерватории - его  романсы  исполнила прославленная  камерная певица  Зара  Долуханова.  С  его  оперы  "Кто ты?"  начинался  Камерный театр  Бориса  Покровского.  А комическая  опера  "Граф Калиостро"  вот уже  пятнадцать  лет  остается  одной  из  самых  репертуарных  опер  этого знаменитого  театра  и  с  успехом  показывалась  им  на  гастролях  в  разных странах.

Их музыку можно узнать с первых тактов. Независимо, в каком жанре она написана - будь то музыка в кино, театре, опера или романс. Она всегда отмечена неповторимой интонацией, она имеет свое лицо. И в то же время они находились в постоянном движении, они придумывали для себя все время что-то новое, ставили какие-то новые задачи. Стремление к эксперименту, открытию новых возможностей сочетания музыки и изображения характерно для творчества советских композиторов.

Его музыка навсегда с нами в фильмах-шедеврах нашего кинематографа: «Семнадцать мгновений весны», «Ирония судьбы, или С лёгким паром!»,  «Мой младший брат», «Добро пожаловать, или Посторонним вход воспрещён», «До свидания, мальчики!», «Любить», «Король-олень», «Пассажир с „Экватора“», «Ошибка резидента», «Судьба резидента», «Ольга Сергеевна», «Мы, нижеподписавшиеся», «Ученик лекаря», «Загадка Эндхауза» ...

Урок  №30  «Исаак  Осипович Дунаевский»

Творчество Исаака Дунаевского (полное имя после рождения Исаак Беру Иосиф Бецалев Цалиевич) по праву считается музыкальной «визитной карточкой» социалистического периода истории СССР. Дунаевский был автором более 80 шлягеров песенного жанра и мастером оптимистической, радостной музыки.

Исаак Дунаевский родился 30 января 1900 года в городе Лохвице Полтавской губернии в семье банковского служащего Цали Симоновича Дунаевского. Семья, в которой он рос, была очень музыкальной, мать Исаака играла на рояле и скрипке, хорошо пела. Большое влияние на будущего композитора оказал дядя, чудаковатый гитарист, время от времени приезжавший в гости к Дунаевским с гитарными концертами для всей семьи. Начальное музыкальное образование мальчик получил там же в Лохвице, занимаясь у скрипача Г. Полянского.

В 1910 году Дунаевский поступил в Харьковское музыкальное училище, где обучался у И. Ахрона по классу скрипки и у Семена Богатырева - композиции. К тому периоду относятся и первые сочинения Дунаевского. Одновременно он учился в гимназии. Когда Исааку исполнилось 10 лет, он вместе с братом Борисом переехал в Харьков. Там Исаак поступил в классическую гимназию и одновременно в музыкальное училище. Уже в те годы он пробовал сочинять музыку, но из-под его пера в то время выходили лишь печальные произведения - «Одиночество», «Тоска» и «Слезы».

Окончив гимназию с золотой медалью, Дунаевский поступил на юридический факультет Харьковского университета. В то время многие юноши из еврейских семей и стремились стать юристами, чтобы получить право пересекать черту оседлости. Одновременно Исаак продолжал заниматься и в музыкальном училище по классу скрипки, которое окончил в 1919 году. В 20-летнем возрасте он порвал с юриспруденцией, и поступил в оркестр Харьковского русского драматического театра, в котором поначалу был скрипачом, а затем концертмейстером. Позже он стал дирижером этого оркестра и заведующим музыкальной частью театра. И хотя он никогда прежде систематически не занимался, Дунаевский постепенно стал превосходным пианистом. Но о карьере композитора он по-прежнему не задумывался.

Первое выступление Дунаевского как театрального композитора состоялось в 1920 году. Он написал музыку к спектаклю «Женитьба Фигаро», а в качестве дирижёра он выступил в 1921 году, поставив  совместно  с   Синельниковым «Периколу» Жака Оффенбаха.

В Харьковском драматическом театре Дунаевский проработал до 1924 года, и переехал в Москву, где два года руководил музыкальной частью Вольного театра и театра «Эрмитаж», а в 1926 году он возглавил музыкальную часть театра Сатиры, где работал над музыкальным оформлением многих спектаклей. Коллеги, работавшие с ним, вспоминали, что если композитору случалось слышать в свой адрес упреки, что он якобы срывал сроки, в нем рождался «яростный дух сочинительства».

Первая оперетта, музыку к которой написал Дунаевский, называлась «Женихи». Она была поставлена в декабре 1927 года в Москве. Затем из-под пера Дунаевского вышло еще пять оперетт - «И нашим, и вашим» в 1924 году, «Соломенная шляпка» в 1927 году, «Ножи» в 1928 году, «Полярные страсти» в 1929 году, «Миллион терзаний» в 1932 году. Кроме того, на провинциальной сцене шла его оперетта «Карьера премьера», написанная в 1929 году, что позволяло говорить о нем, как о плодовитом и стабильном композиторе.

В 1929 году Дунаевский переехал в Ленинград и начал работать дирижером в Мюзик - холле - в том самом, который позже прославился постановками Утесова. У Дунаевского с Утесовым возник творческий союз, и они вместе создали в 1932 году музыкально - эстрадное представление «Музыкальный магазин», ставшее настоящим шлягером жанра. К моменту создания «Музыкального магазина» Дунаевский искусно владел всеми приемами джазовой оркестровки. Его особенностью было то, что он намеренно избегал «грязных», «скрежещущих» аккордов и делал акцент на четких ритмах и старался вызвать музыкой хорошее настроение. Композитор уже тогда понял, что в любом сценическом жанре характер и стиль музыки определяются идеей произведения, для которого музыка создается. Создание музыки, помогающей действию и даже развивающей его, стало законом в творчестве Дунаевского. Этого принципа он придерживался и в театре «Эрмитаж», и в Московском театре сатиры, и в Московском театре оперетты.

Оперетта «Женихи» стала не просто «первой ласточкой», возвестившей о приходе весны в еще не освоенный советским театром жанр. По сути, произошло рождение советской оперетты, музыку которой Дунаевский видел через призму главной ее арии - песни. Не случайно, когда в 1927 году московский журнал «Рабис» попросил Дунаевского и некоторых режиссеров и артистов театра оперетты принять участие в дискуссионной анкете «Опереточный тупик. Как выйти из него», композитор высказался категорически - советская оперетта должна нести слушателям песни, «параллельно с созданием оперетты должна идти борьба за новую советскую песню!».

Однажды в 1932 году в Мюзик-холл к Дунаевскому пришел представитель кинофабрики «Советская Беларусь», и композитору предложили принять участие в создании звукового фильма «Первый взвод». Предложение кинофабрики живо заинтересовало Дунаевского, он его принял, и началась работа Исаака Дунаевского в кино. Впоследствии он написал музыку к 28 фильмам. Благодаря счастливому союзу с кинематографом музыка Дунаевского быстро завоевала большую популярность.

Ко времени приезда в Ленинград музыкальный багаж композитора был уже достаточно солидным. Дунаевским была написана музыка к 62 драматическим спектаклям («Взятие Бастилии» Р.Роллана, «Орленок» и «Романтики» Э.Ростана, «Женитьба Фигаро» П.Бомарше, «Слуга двух господ» и другим постановкам), к 23 эстрадным обозрениям, 6 водевилям, 2 балетам, музыка 8 оперетт («Женщины в аду», «Пассажир с Океаника»», «И нашим и вашим», «Соломенная шляпка» и другие произведения). Композитор много работал в области камерного творчества. Им было создано свыше 90 различных произведений - пьесы для фортепиано, квартеты, романсы.

В августе 1932 года создатель советских музыкальных кинокомедий Григорий Александров возвратился в Москву после работы в Европе, Америке и Мексике. Его не оставляла мысль о создании комедийного музыкального фильма, и Александрову порекомендовали обратиться к Дунаевскому. Их встреча состоялась на квартире Утесова. Тема разговора была одна - о музыкальной кинокомедии, о будущем фильме. Дунаевский подошел к роялю, и сказал: «Об этой работе, музыка которой, как мне кажется, уже приближается к нам, мне хочется сказать...». И в раздумье опустил руки на клавиши. Когда растаял последний звук его импровизации, Дунаевский повернулся к Александрову и Утесову и спросил: «Похоже немножко?» Пораженный Александров молча смотрел на композитора. Сейчас, в какое-то короткое мгновение, сквозь музыкальные картины, набросанные Дунаевским, он вдруг увидел кадры еще не созданного фильма. А музыка уже зримо вычертила контуры будущей работы, словно с улыбкой прошли у рояля герои фильма, сказав: «До скорой встречи!». Позже и Александров и Дунаевский, каждый по-своему вспоминали тот вечер, послуживший началом их долгого совместного творческого пути.

Для фильма Александрова Дунаевский написал около двадцати различных музыкальных номеров - песню Анюты, песню Кости, галоп, скрипичный урок, нашествие стада на виллу, танго, вальс, сцену «музыкальной драки», частушки, мультипликационные заставки и многое другое. Утесов вспоминал, что он никогда не упускал возможности послушать игру Дунаевского: «Музыку Дунаевского любят все, но тот, кто не сидел с ним у рояля, не может себе полностью представить всю степень дарования этого поистине замечательного музыканта».

Прежде, чем выйти на широкий экран, фильм в числе других работ известных советских киномастеров был представлен в Венецию на международной кинематографической выставке. Блистательным завершением выставки было присуждение произведениям советским кинематографистам первого приза - Золотого кубка, который был торжественно вручен делегации советских кинематографистов. Особенно популярной в Венеции стала музыка фильма. «Марш веселых ребят», переведенный на итальянский язык, распевался повсюду. Маленькие оркестрики и неаполитанские ансамбли с увлечением играли в своем музыкальном изложении и «Марш веселых ребят», и написанную в ритме танго, близком неаполитанским мелодиям, песню Кости.

В то время Дунаевского уже ожидало множество дел, в том числе снимающаяся на киностудии «Ленфильм» картина «Три товарища». Еще в самом начале 1934 года к Дунаевскому обратился режиссер С.А. Тимошенко с просьбой написать музыку к этой картине. В отличие от предыдущих работ Дунаевского, в фильме «Три товарища» музыка лишь сопровождала действие, и только «Песня о Каховке» на стихи Михаила Светлова обрела самостоятельную жизнь. Исаак Осипович вспоминал: «Музыку к песне «Каховка» мне удалось записать буквально за несколько минут. Помню, как я подошел к роялю. Тут же сидел автор стихов Светлов. Не отходя от рояля, я полностью сыграл песню от начала до конца».

В 1935 году Дунаевский получил приглашение от «Мосфильма» принять участие в создании приключенческого фильма «Дети капитана Гранта». Участники фильма «Дети капитана Гранта» не переставали удивляться титанической работоспособности Дунаевского, который приходил к ним в павильон после напряженной работы здесь же, на «Мосфильме», с Александровым и сразу активно включался в работу над другим фильмом, с ходу разрабатывая вдруг родившуюся мелодию, изображая чуть ли не весь оркестр. Ему всегда хотелось, чтобы музыка была «настоящей», а песня - искренней и заразительной. «Когда я вспоминаю музыку к фильму «Дети капитана Гранта», - писал Шостакович, - я не могу не испытывать сожаления по поводу того, что блестящая увертюра к картине, открывшая новую сторону таланта композитора, не повлекла за собой продолжения работы в этом плане. Эта увертюра - симфоническое произведение большого накала и темперамента».

Более двадцати музыкальных произведений были созданы Дунаевским к фильму «Цирк», снятому в том же 1936 году. Главной в фильме стала «Песня о Родине». Ее пели строители Магнитки и Комсомольска-на-Амуре, белорусские колхозники и металлурги Кузбасса. Этой песней, передававшейся по радио с января 1938 года каждое утро без 5 минут 6, начинался новый трудовой день СССР. «Песня о Родине» сражалась с фашизмом, она была паролем югославских партизан, ее пели в освобожденных городах Чехословакии, Венгрии, Польши, Болгарии. Музыка Дунаевского не только помогала отыскивать внутренний стиль и внутреннюю сущность будущего кинопроизведения, но и вела к разработке характеров будущих героев. Пожалуй, самым необычным примером активного воздействия музыки Дунаевского на литературное творчество является тот факт, что не роман Льва Кассиля «Вратарь республики» стал основой сценария, а сценарий фильма и музыка к нему повлекли за собой рождение книги.

В 1938 году Дунаевский занялся созданием музыки к фильму «Волга-Волга». Она была для Дунаевского настолько же интересной и увлекательной, насколько ответственной и сложной. Дунаевский стал не просто композитором, написавшим музыку к фильму, а одним из авторов кинокомедии. «Можно смело сказать, что без этой музыки не было бы фильма!» - утверждала газета «Кино». «Но, - заметил Исаак Осипович, прочитав этот лестный отзыв, - без этого фильма не было бы и музыки!»

«Волга-Волга», пожалуй, как ни один фильм Дунаевского, была пронизана песнями, симфоническими картинами, куплетами, музыкальными эпизодами и танцевальными ритмами.

4 ноября 1937 года Ленинградский театр музыкальной комедии показал премьеру оперетты Дунаевского «Золотая долина». Появление «Золотой долины» на сцене ознаменовало собой не только рождение, но и утверждение советской оперетты как формы музыкального жанра.

В 1940 году Александров снимал фильм «Светлый путь». Музыку для этого фильма писал Дунаевский. Музыка основной темы марша окончательно определилась, но припев к маршу долго не сочинялся. «Помнится, композитору сначала никак не удавался припев к «Маршу энтузиастов», - вспоминал Соловьев-Седой. - Был момент, когда он отчаялся его сочинить и предлагал товарищам по жанру, в том числе и автору этих строк, в порядке соавторства дописать припев к «Маршу». Но, в конце концов, конечно, нашел его сам!» Помог в этом композитору завод «Электросила». В один из своих приездов к рабочим Дунаевский выступил с концертом во время обеденного перерыва в крупнейшем турбогенераторном цехе. Вслушиваясь в ритмичный гул станков, композитор вдруг «услышал» четкий ритм музыки будущего припева. Возвращаясь после концерта, Исаак Осипович увидел на заводском дворе группу рабочих, бодро и дружно шедших заступать в рабочую смену. Ритм их шагов что-то подсказал Дунаевскому. «Друзья мои! - воскликнул композитор, обращаясь к провожавшим его рабкорам заводской газеты. - Так ведь это же и есть «Марш энтузиастов»! Сережа (это уже к шоферу), гони к роялю!»

За шесть лет Дунаевский написал музыку к шестнадцати кинофильмам. Песни Дунаевского быстро становились популярными. Этому немало способствовал комический талант композитора. Всем известны «Песня о Родине», «Песня о Каховке», «Песня о веселом ветре», «Песенка об отважном капитане», «Эх, хорошо в стране советской жить», «Если Волга разольется», «Марш энтузиастов», «Дорогой широкой», «Спортивный марш»

. Но при кажущейся легкости эти песни создавались не так просто. Дунаевский необычайно требовательно относился к текстам. В каждом кинофильме, где звучала его музыка, есть центральная песня, выражающая идею фильма. Например, в картине «Три товарища» - это знаменитая «Песня о Каховке». В картине «Цирк» - «Песня о Родине», в картине «Волга-Волга» Дунаевский блестяще использовал прием «музыкального парада», когда молодые музыканты целым каскадом веселых, задорных мелодий воздействуют на закоренелого бюрократа, душителя новых веяний. Можно сказать, что до него ни в советском, ни в зарубежном кино не было такого автора, которому  бы удалось подняться до высот композитора - режиссера.

В 1930-е годы Дунаевский пережил подлинный расцвет творчества. Начиная с 1937 года, он руководил ансамблем песни и пляски Ленинградского дворца пионеров. Наряду с плотным графиком музыкальной работы Дунаевский находил время и для общественной деятельности - он возглавлял Правление Ленинградского отделения Союза советских композиторов, в 1938 году был избран депутатом Верховного Совета РСФСР. В июне 1936 года Дунаевскому присвоили звание заслуженного деятеля искусств РСФСР, в декабре 1936 года наградили орденом Трудового Красного Знамени, позже - орденами Красной Звезды и «Знак Почета». За музыку к кинофильмам «Цирк» и «Волга-Волга» в 1941 году Дунаевскому присудили Сталинскую премию.

Композитору платили огромные гонорары, которые позволяли ему покупать машины, играть на скачках (впрочем, скачки он вскоре бросил). Он любил друзей и женщин, делал дорогие подарки, давал взаймы и никогда не напоминал о долгах.

Сталин, которому по-настоящему нравилась музыка Дунаевского (особенно мелодии из «лауреатского» фильма «Волга-Волга»), недолюбливал самого композитора. Как считает его биограф Н. Шафер, «отца всех народов» раздражала популярность Дунаевского, и он затаил обиду на композитора, чья маловыразительная «Песня о Сталине» («От края до края, по горным вершинам») носила вымученный характер и не могла сравниться с «Песней о Родине». Более того, среди музыкантов бытовала история о том, что вождь, впервые прослушав «Песню о Сталине», сказал: «Товарищ Дунаевский приложил весь свой замечательный талант, чтобы эту песню о товарище Сталине никто не пел».

В годы Великой Отечественной войны, работая художественным руководителем Ансамбля песни и пляски железнодорожников, композитор создал более семидесяти музыкальных произведений на военную тему.

В первые послевоенные годы Дунаевский написал музыку оперетты «Вольный ветер», посвятив ее борьбе народов за мир. Все музыкальное богатство своей оперетты Дунаевский сосредоточил в «Песне о вольном ветре».

А в 1947 году он написал прекрасный «Весенний марш» для кинокомедии «Весна». В 1949 году он написал песни к фильму «Кубанские казаки», среди них тут же ставшие популярными «Ой, цветет калина» и «Каким ты был».

Лирическим гимном мира стала его песня «Летите, голуби!», впервые прозвучавшая в 1950 году в документально-художественном фильме «Мы за мир!». «Отсчет этой музыки, - говорил Дунаевский, - идет от войны».

Кроме песенной музыки, композитор работал и в других жанрах. Среди них была танцевальная музыка, что, например, нашло отражение в фильме «Кубанские казаки»: он полон вальсов, полек и галопов. Сам Дунаевский считал, что легких жанров не бывает и даже самый, казалось бы, легкий жанр требует от композитора виртуозного владения всеми секретами музыкального мастерства и оркестровки.

Дунаевский - один из самых известных советских авторов оперетты. Работая в этом жанре, он, отталкиваясь от традиций Ж. Оффенбаха, И. Кальмана, Ф. Легара, включал черты оперного стиля (симфонические эпизоды), но использовал также приемы джаза и интонации массовой песни. Среди 12 оперетт Дунаевского лучшими возможно стоит считать - «Золотая долина» (1938), «Вольный ветер» (1947), «Белая акация» (1955). Кроме своих основных жанров - оперетты и киномузыки - Дунаевский написал также четыре балета, много инструментальной музыки для эстрадного и джазового оркестра, а также каденцию к концерту для скрипки с оркестром Бетховена (для фильма «Концерт Бетховена», 1937), записанную М. Полякиным. В своей музыке Дунаевский иногда обращался к фольклору, в том числе еврейскому, - в кинофильме «Искатели счастья» (1936). Блистательный образец обработки одной мелодии в нескольких фольклорных стилях (украинском, грузинском, таджикском, еврейском) - колыбельная из кинофильма «Цирк».

Всего Дунаевский написал музыку к 28 фильмам, более 80 песен, многие из которых стали поистине народными, музыку к спектаклям, балет и другие музыкальные произведения.

Исаак Осипович Дунаевский скончался от сердечного приступа 25 июля 1955 года во время работы над клавиром оперетты «Белая акация». Сердце композитора не выдержало напряженной работы.

О жизни композитора Исаака Дунаевского был снят документальный фильм, в котором о творческом пути композитора рассказал артист Московского театра оперетты Григорий  Ярон. В фильме были использованы отрывки из спектаклей Московского театра оперетты, Московского театра имени К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко, Большого театра. Так же в фильме зрители смогут увидеть сцены и арии из оперет композитора «Женихи», «Золотая долина», «Вольный ветер», «Белая акация», «Дороги к счастью», фантазия из оперетты «Соломенная шляпка», фрагменты из кинофильмов «Цирк», «Веселые ребята», «Дети капитана Гранта», «Богатая невеста», «Волга-Волга», «Белая акция», «Крылатая защита» и «Испытание верности».

ДЗ: слушать папку И. Дунаевский

Урок  №31 «Максим Дунаевский»

МАКСИМ  ДУНАЕВСКИЙ

Российский композитор, сын известного композитора Исаака Дунаевского, Максим Исаакович Дунаевский родился 15 января 1945 года в Москве. Мать Максима была известной балериной и выступала во многих театрах.

В 1970 году Максим Дунаевский окончил теоретико-композиторский факультет Московской консерватории по классу композиции. Помимо основной специальности он изучал дирижирование, теорию музыки и обучался игре на фортепиано. Его преподавателями были Тихон Хренников, Дмитрий Кабалевский, Альфред Шнитке и Андрей Эшпай. Все время, которое прошло в училище и консерватории, Дунаевский писал только симфоническую музыку, а песенный жанр считал несерьезным и никому не нужным.

Но его судьбу определила встреча со студенческим театром МГУ «Наш дом», которым руководили Марк Розовский, Илья Рутберг и Альберт Аксельрод. Наряду с симфоническими, камерными и вокальными произведениями он стал писать музыку для театра, а позднее и для кино.

В 1964-1969 годы Дунаевский – музыкальный руководитель эстрадной студии МГУ «Наш дом». В 1969-1974 годы - дирижер оркестра Театра им. Е. Вахтангова. В 1974-1975 годы - главный дирижер Московского мюзик-холла.

Музыка, написанная Максимом Дунаевским, звучит более чем в 60 фильмах и 20 мюзиклах.

Особую известность композитору принесли мюзиклы «Тили-тили-тесто...» (1968),  «Емелино счастье» (1975), «Три мушкетера» (1977),  «Дети капитана Гранта» (1987), «Мэри Поппинс, до свидания!» (2003),  «Веселые ребята» (2005), а также музыка к кинофильмам «Автомобиль, скрипка и собака Клякса» (1974), «Карнавал» (1981), «Ах, водевиль, водевиль» (1979), «Трест, который лопнул» (1982),  «Зеленый фургон» (1983),  «Мэри Поппинс, до свидания!»(1983),  «Подземелье ведьм»(1989),  «Ребенок к ноябрю» (1992), «Рыцарский роман» (2000) и другие.

Настоящими хитами стали его песни «Городские цветы», «Все пройдет - и печаль, и радость» (на стихи Леонила Дербенева), «Листья жгут» (на стихи Наума Олева) и многие другие.

Кроме того, композитор написал концерт для оркестра, кантату для хора а cappella «Старые корабли»; камерно-инструментальные ансамбли; сонаты, циклы романсов, хоры.

В начале 1990-х годов Максим Дунаевский уехал в США, работал в Голливуде, однако, по его собственному признанию, больших высот не достиг и, как только появилась возможность, вернулся в Россию. В 1996 и 1997 годах он выпустил два альбома «Лучшие песни» и «Лучшие песни-2».

На телеканале «Культура» Максим Дунаевский вел программу «С легким жанром!», посвященную оперетте. Состоял в жюри музыкального конкурса «Народный артист».

Кроме творчества, Максим Дунаевский занимается общественной деятельностью и благотворительностью. Он - президент Благотворительного культурного фонда имени Исаака Дунаевского, заместитель председателя Гильдии профессиональных композиторов, член экспертного совета Первого канала по отбору участников на конкурс «Евровидение» и ежегодной музыкальной программы «Новые песни о главном».

Академик Российской национальной киноакадемии «Ника».

В феврале 2005 года в Москве на «Площади звезд» рядом с Государственным центральным концертным залом «Россия» Максиму Дунаевскому был открыт памятный знак.

В 2006 году ему было присвоено звание Народного артиста России.

ДЗ: слушать папку М. Дунаевский

Урок  №32 «Заключительный урок по теме Кино и музыка»

Тест

Урок  №33 «Заключительный урок по теме Кино и музыка»

Музыкальная викторина

Скачано с www.znanio.ru