Музыка в произведениях изобразительного искусства. (5 класс)

Музыка в произведениях изобразительного искусства.   (5 класс) Цели урока: воспринимать и выявлять внешние и внутренние связи между музыкой и изобразительным искусством»;  исследовать значение изобразительного искусства для  воплощения музыкальных образов; анализировать и  обобщать многообразие связей музыки и изобразительного  искусства; различать характерные признаки музыки и  изобразительного искусства. Материалы к уроку: портреты композиторов, репродукции  картин, музыкальный материал. Ход урока: ­ Прочитайте эпиграф к уроку. Как вы его понимаете? Запись на доске: «Нет рубежей между искусствами, музыка объединяет в  себе поэзию и живопись и имеет свою архитектуру.Живопись тоже может иметь свою архитектуру, как музыка, и в красках выражать звуки...»                                                  (М.  Чюрлёнис) Сообщение темы урока: ­ Мы продолжаем с вами тему предыдущего урока «Музыка  в произведениях изобразительного искусства. Работа по теме урока: 1. «Звучащие» картины. Мелодии обычно вызывают у слушателя определённые  мысли и чувства, рождают воспоминания, смутные или  более или менее ясные картины когда­то увиденного  пейзажа или сцены из жизни. И эту картину, возникшую в  воображении, можно нарисовать. А у хорошего художника и сама картина приобретает музыкальность, с полотна,  написанного им, как бы звучат мелодии. «Хорошая живопись ­ это музыка, это мелодия», ­ говорил  великий итальянский художник Микеланджело Буонарроти. Илья Ефимович Репин отмечал, что красочный колориткартин Рембрандта звучит, как дивная музыка оркестра.  Аналогию между красками в живописи и тембрами в музыке Римский­Корсаков считал «несомненной». Много общего  между музыкой и живописью можно найти даже в терминах,  которые употребляют музыканты и художники. И те и  другие говорят о тональности, о колорите и красочности  полотен и музыкальных сочинений. Наивно было бы думать, что каждая картина, на которой  изображены люди, играющие на каких­либо инструментах  или поющие, «излучает» музыку. Многие художники вообще не думали об этом, хотя часто прибегали к «музыкальным»  сюжетам. Первые изображения музицирующих людей  пришли к нам из глубокой древности. В Египте на стенах храмов запечатлены целые музыкальные  ансамбли ­ юноши и девушки, играющие на кифарах,  лютнях, гобоях. В Древней Греции ни одно изображение певца Орфея не  обходилось без лиры, которую он непременно держал вруках. В средние века и в эпоху Возрождения появилось  немало полотен и скульптур с поющими ангелами. Святые  играли на органе. Или же странствующие музыканты перед восхищённой  толпой народа исполняли свои бесхитростные мелодии,  извлечённые из волынок, дудочек, виол. И хоть в старину, особенно в эпоху Ренессанса, живописцы  несколько свысока смотрели на музыкантов, так как тогда  царицей искусств была именно живопись, в некоторых  картинах, изображающих музицирование, они старались  подсказать зрителю, что же исполняется героями их  сюжетов. Так, на полотне неизвестного мастера XVI века  «Музыкантши», хранящемся в Эрмитаже, три молодые  женщины занимаются музицированием ­ две из них играют  на старинных инструментах, а третья поёт. Перед ними ­  нотные листы. Теперь эти ноты расшифрованы. Оказалось,что женщины исполняют арию «Я дам вам радость»  популярного в те времён композитора Клодена де Сермизи. Глубоко поэтичная, истинно русская картина И. Левитана  «Вечерний звон» наполнена звучанием колоколов, разлитом  в вечернем воздухе подобно краскам летнего заката. Так же наполнены звуками морские пейзажи И.  Айвазовского, в которых не только образ моря, но его  настроение, его мощный гул, его колорит образуют  своеобразную музыкальную стихию. «Колыбелью всех хоров» назвал море поэт Поль Верлен в  стихотворении, ставшем основой одного из лучших  романсов К. Дебюсси «Прекрасней соборов стихия  морская...» Слушание: К. Дебюсси. «Прекрасней соборов стихия  морская...». Слова П. Верлена. Прекрасней соборов стихия морская, Колыбель всех хоров, где, не умолкая, Возносит прибой гимн деве святой.Дарит море гром и чудный напев, И звучат в нем то кротость, то гнев. Беспредельность вод величьем влечёт. О, друг милосердный, даже став бурливым, Как целитель верный, чаруешь нас призывом: «В ком нет упованья ­ усни без страданья!» От ласки небес над простором твоим Бываешь стальным, алым, голубым... Стихия моя, нет краше тебя! Шум деревьев на полотнах И. Шишкина, А. Рылова, И.  Левитана, звуки дождя в живописи Н. Ромадина, И.  Левитана, Ю. Пименова, зловещее предгрозовое затишье на  картинах И. Шишкина, Ф. Васильева ­ всё это по­разному  звучит, всё входит в единую музыкально­драматургическую  концепцию изобразительного искусства, так же по­своему  обращённого к звукам мира, как и сама музыка. Но не только музыкой изображаемого «звучит» живопись;  музыкальность проникает в глубь изображения, охватывает  средства художественной выразительности. Многиехудожники, характеризуя своё ремесло, уподобляют линию  мелодии, цветовые сочетания ­ мажорному и минорному  ладам, композицию сравнивают с организацией  музыкального целого. И чем меньше присутствует в  живописи развитие сюжета, связанное с поэтическим  началом, тем более рельефно проступает начало  музыкальное, обнаруживающее себя в возрастании лирики, в ритмической композиции линий, цветов, штрихов. Таковы картины М. Врубеля ­ тонкого и своеобразного  художника, чьё творчество благодаря глубоко самобытной  манере ярко выделяется среди других художественных  стилей. Любая тема, к какой бы он ни обращался, любое  изображение ­ и сказочная Царевна­Лебедь, и древний  мифологический Пан, и лермонтовский Демон, и былинный  Богатырь ­ одухотворены особой красотой, рождаемой из  игры красок и бликов, особого ритма мазков, граней,  мозаичных элементов. Его композиции, подобно  композициям музыкальным, как будто приобретают своёволшебное единство из неповторимого сочетания этой  россыпи «первоэлементов». Даже его знаменитую «Сирень» можно уподобить  музыкальному произведению, где не содержание  изображения, не детали, не подробности, а вся полнота  эмоционального состояния, вся глубина переживаемого  образа сосредоточились в этом почти звучащем выражении  весеннего мироощущения. По­своему музыкальна живопись В. Борисова­Мусатова, И.  Грабаря, В. Бялыницкого­Бирули. Музыкальность  настроений, как будто берущая начало в «живописном»  цикле «Времена года» П. Чайковского, «переплавляется» в  яркие, зримые образы художников последующих поколений. Примечательно, что сами музыканты после Чайковского  мало обращались к тематике времён года, поэтике  настроений природы. В живописи же музыка увядания  природы, музыка нежного и прозрачного колорита, мягких и плавных линий, нежного сочетания цветовых гармоний как  будто обрела вторую жизнь.По отношению к творчеству этих художников уместны  такие чисто музыкальные метафоры, которые определяют  «звонкость» и «приглушённость» их красок, текучесть и  мелодичность линий, лиричность общего эмоционального  «звучания». 2. Мир Чюрлёниса. «Вселенная представляется мне большой симфонией…» Говоря о музыкальности произведений изобразительного  искусства, нельзя не сказать о творчестве выдающегося  музыканта и художника одновременно ­ М. Чюрлёниса. Зная музыкальное искусство «изнутри», будучи автором  значительных музыкальных произведений, Чюрлёнис  глубоко чувствовал природу обоих искусств, их возможные  «точки пересечения», из которых могли бы зародиться  новые художественные открытия. «Вселенная представляется мне большой симфонией; люди  – как ноты...»                                          (М. Чюрленис)Микалоюс Константинас Чюрлёнис был тихим,  мечтательным человеком. Когда он садился за рояль, то весь преображался. Его музыка мягка, лирична, красочна, сдержанно  драматична. Она рождена литовскими народными напевами,  родной природой ­ трепетная, как осенний воздух,  медлительная и плавная, словно течение рек по равнинам  Литвы, неброская, как холмы его родины, задумчивая, точно дымка литовских предутренних туманов. И главное ­ она живописна. Сочиняя музыку, Чюрлёнис сам  видел эти картины «очами своей души». Они жили в его  воображении настолько ярко, что композитору хотелось  перенести их на полотно. И Чюрлёнис становится живописцем. Не обычным  живописцем. А художником­музыкантом. Не оставляя музыки, он пишет одну картину за другой ­  около трёхсот живописных композиций. И каждая ­ этофилософская поэма в красках, симфония живописных  ритмов, музыкальных видений. Красота мира, увиденного М. Чюрлёнисом, оригинальность  его взгляда запечатлены в его картинах: «Сотворение мира», «Приветствие солнцу», «Сказка. Путешествие королевны»,  «Знаки Зодиака», «Короли. Сказка» ­ и музыкальных  произведениях: фортепианных прелюдиях, симфонических  поэмах «Море», «В лесу», сочинениях для хора. Его картины носят названия музыкальных жанров: соната,  фуга, прелюдия. Музыканты называют сонатой сложную инструментальную  пьесу, в которой сталкиваются, борясь друг с другом,  различные, часто противоположные темы, чтобы в финале  прийти к победе основной мелодии. Соната делится на  четыре (реже ­ на три) части. Первая ­ аллегро ­ самая  напряжённая, быстрая, наиболее активная. В ней конфликт  разноречивых чувств с наибольшей полнотой раскрываетдушевный мир человека. Эту борьбу трудно передать  словами, только музыка способна сделать это. Чюрлёнис решил призвать на помощь живопись. Она тоже  бессловесна и порою «звучит», как музыка. Художник  задумал создать живописные сонаты, построив их по  законам музыкальной формы. «Соната моря» ­ самая известная живописная сюита  Чюрлёниса. Три её части, составляющие триптих, имеют  музыкальные названия: «Аллегро», «Анданте» и «Финал». В то же время М. Чюрлёнис сочинил и музыкальное  произведение, рисующее картину моря, и назвал его поэмой  «Море». Описание моря есть у Чюрлёниса и в его литературных  зарисовках. Могучее море. Велико, беспредельно, безмерно. Целое небо обводит своею голубизной твои волны, А ты… дышишь тихо и спокойно, ибо знаешь, Что нет конца твоей мощи, нет пределов твоемувеличию, Твоё бытие бесконечно. Велико, могуче, прекрасно море! Так в творчестве М. Чюрлёниса тесно переплетаются жанры музыки и поэзии. Море властно влекло к себе музыканта и художника. Оно  поражало его воображение своей мощью, праздничным  изобилием красок. Жизнь волн сливалась для него с жизнью  человека. Широко и размашисто, ровной геометрической  грядой, одна за другой наступают на берег волны.  Пронизанные солнцем, они искрятся мириадами прозрачных  пузырьков, светящимися кусочками янтаря, радужными  ракушками, камешками. Холмистый берег, повторяющий  очертания волн, противостоит их напору. Белая тень чайки  ложится на воду. Настроение скорее радостное,  приподнятое. Будто сверкающие на солнце трубы играют  бодрый марш.В Анданте морская стихия утихомирилась. Глубоким сном  заснули волны. Спит и подводное царство с затонувшими  кораблями. Но бодрствуют светильники на горизонте,  широкими лучами освещая небесный свод. От них уходят  вниз два ряда светящихся пузырьков. Они ведут в морскую  бездну с таинственно мигающими огоньками. И чья­то  милосердная рука заботливо поднимает из глубины  парусник, возвращая его к жизни. Спокойная, величавая  мелодия в темпе анданте звучит с картины. И наконец, Финал. Стихия разыгралась во всю. Море кипит,  беснуется. Огромная волна готова поглотить, искромсать,  уничтожить судна. Ещё мгновение, и всё исчезнет.  Растворятся и буквы МКC, каким­то чудом появившееся на  волне, образованные клочками пены. МКC ­ это инициалы  художника, его подпись под живописными работами ­  Микалоюс Константинас Чюрлёнис. Автор как бы говорит,  что волею судеб он сам попал в этот грозный водоворот  жизни, где ему суждено погибнуть… но волна не сможет  поглотить эти корабли, кажущиеся такими беспомощнымиперед разбушевавшейся стихией, не уничтожит и его имя…  Его творения переживут века. Слушание: Чюрлёнис. Симфоническая поэма «Море». Ромен Роллан был буквально потрясён музыкальной магией  картин литовского кудесника. Французский писатель назвал  его первооткрывателем в живописи, нашедшим новый  «духовный континент», как Колумб ­ новые земли. «Окинем взглядом панораму его грандиозных построений, ­  говорит поэт Эдуардас Межелайтис. ­ Чюрлёнис ­ философ.  Прежде всего, философ, изложивший свои оригинальные  взгляды на Вселенную с помощью звуков, контуров, линий,  красок, поэтических образов. Трудно определить, где тут  кончается музыка и начинается живопись, где кончается  живопись и начинается поэзия». Музыкальность произведений искусства следует искать там, где в поисках единственно возможной художественной  целостности мастер отбрасывает всё лишнее, а каждая  краска «звучит» по­своему, образуя с другими краскаминеповторимую гармонию этой картины, только этого  эмоционального состояния. Итог урока: Итак, мы видим, что музыкальность почти всегда  присутствует в значительных произведениях  изобразительного искусства. Она может присутствовать за  пределами изображения ­ в том общем настроении картины,  которое иногда даже называют музыкальным словом  «тональность». Музыкальность живописи ­ это не только угадываемые,  предполагаемые звуки ­ звуки, зарождающиеся в душе  композитора, звуки музыкальных инструментов, звуки  природы, ­ но и такие чисто изобразительные свойства  картины, как её колорит, композиция линий и цветовых  сочетаний, расположение ритмических элементов, вся  организация художественного пространства. Музыкальность произведения искусства следует искать там, где оно стремится к преодолению первоначального хаосабытия, где в поисках единственно возможной  художественной целостности мастер отбрасывает все  лишнее, где каждая краска по­своему «звучит», образуя с  другими красками собственную неповторимую гармонию  только этой картины, только этого эмоционального  состояния. Такая связь живописи и музыки, конечно же, метафорична,  но то, что она существует, подтвердит каждый художник. Вопросы и задания: 1. В каких формах музыка может присутствовать в  произведениях изобразительного искусства? 2. Какие средства художественной выразительности в  изобразительном искусстве могут быть в наибольшей  степени уподоблены музыкальным? 3. Почему М. Чюрлёнис своей картине «Соната моря» дал  такое название?4. В «Дневнике музыкальных наблюдений» попробуйте  выразить какую­нибудь наиболее близкую тебе  музыкальную идею. Дай своему рисунку название. Что такое музыкальность в живописи? (5 класс) Цели урока: воспринимать и выявлять внешние и внутренние связи между музыкой и изобразительным искусством;анализировать и обобщать многообразие связей между  музыкой и изобразительным искусством; устанавливать  ассоциативные связи между художественными образами  музыки и искусства; самостоятельно подбирать сходные  произведения изобразительного искусства к изучаемой теме. Материалы к уроку: портреты композиторов, репродукции  картин, музыкальный материал. Ход урока: ­ Прочитайте эпиграф к уроку. Как вы его понимаете? Запись на доске: «Изобразительное искусство в его наивысшем совершенстве  должно стать музыкой...»                                          (К. Ф. Шинкель) Сообщение темы урока: Многие художники нередко признавались в стремлении к  музыкальности своих произведений.Что же такое – «музыкальность в живописи»? Изображения  музыкальных инструментов, музицирующих людей,  портреты композиторов или что­то более сложное,  глубинное? Вопрос достаточно сложный, поэтому в течение  урока мы с вами попытаемся на него ответить. Работа по теме урока: Что такое музыкальность в живописи О музыкальности живописи всерьёз стали задумываться  живописцы­романтики первой трети XIX века. Они  сознательно, используя особые живописные приёмы,  стремились, чтобы их картины были «напоены» музыкой.  Музыка жила в композициях полотен, в гармонии красок,  музыкальности ритмов, в игре света и тени, в колорите. У  романтиков звучал пейзаж, исторические картины и  особенно ­ портреты. На картине итальянского художника эпохи Возрождения  Микеланджело Караваджо «Лютнист», также из собрания  Эрмитажа, юноша исполняет мадригал композитораАркадельта «Вы знаете, что я вас люблю». Об этом говорят  ноты, помещённые перед музыкантом. Долгое время  считали, что в нотной тетради набросан случайный набор  знаков. Но художник, столь тщательно выписавший все  детали на холсте, даже крохотную трещинку на лютне, не  мог позволить себе такую вольность. Французский живописец­романтик Эжен Делакруа любил  писать портреты музыкантов. И даже не зная, кто изображён на холсте, можно, взглянув на него, сразу догадаться, что  это ­ музыкант. Вот, к примеру, живописное изображение великого  польского композитора Фридерика Шопена. На огненном  фоне ­ напряжённое лицо аскета, погружённого в  мучительную думу. Живописными мазками обозначены  контуры головы, выступающей словно из пламени. Невольно ощущается музыкальный напор, который вырывается с  полотна, слышатся звуки его романтически­мятежной и  проникновенной музыки.Тема «Портреты композиторов» достаточно популярна  среди живописцев. Ещё бы, ведь очень интересно писать  лица людей творческих, одухотворённых, где особенно  важны не подробности физического облика, а внутреннее  состояние души. Такими же предстают перед нами и изображения  композиторов на портретах И. Репина. В каждом сквозь  внешние черты проступает неповторимый духовный мир  создателей великой музыки. Вот портрет М. Глинки в период создания «Руслана и  Людмилы». Это о нём В. Стасов сказал, что это не просто  портрет, а «целая историческая картина». В этих словах  подчёркивается та огромная роль, какую сыграл великий  композитор – основоположник русской классической  музыки. Вот портрет М. Мусоргского, созданный незадолго до  смерти композитора. Как выразительно удалось художнику  запечатлеть колоссальную личность этого величайшего изрусских музыкантов, как всего за несколько сеансов он  постиг и воплотил в своём творении огненную, неизмеримо  глубокую душу великого человека. Известно, что И. Репин дружил со многими русскими  музыкантами. Может быть, с этим связано такое глубокое  проникновение в сущность характера каждого из них,  которое мы находим на его портретах. Когда в 1887 году внезапно скончался композитор А.  Бородин, И. Репин, потрясённый его смертью, приступил к  созданию посмертного портрета. Он написал композитора во весь рост, стоящим у белой колонны зала Дворянского  собрания. Вот как описывают этот портрет искусствоведы А. Лебедев  и А. Солодовников: «Композитор погружен в слушание  музыки. Серьёзное лицо сосредоточено. Опущенные уголки  губ и чуть прикрытые глаза, в которых, как кажется,  затаилась слеза, передают состояние внутренней,  драматически насыщенной напряжённости. Онаподчёркивается темным костюмом и двумя пятнами  красного цвета – на фоне и на уголке кресла. Контраст  спокойной фигуры и внутреннего волнения полон  ощущением трагизма, беды, тех чувств, которые переживали друзья Бородина после его внезапной и безвременной  смерти. Это своеобразный портрет­реквием». Музыкальны ли рассматриваемые портреты? Да, безусловно, но эта музыкальность связана вовсе не с тем, что на картинах изображены музыканты, а прежде всего с  сущностью изображений. Мир души, мир творческого  вдохновения, мир скорби ­ подлинные стихии музыки, в  которых она обретает свою силу и возвышенную красоту.  Ведь точно такой же музыкальностью полны и портреты  других мастеров –  А. Пушкина, М. Ермоловой, В. Мухиной. Перед нами погрудное статичное изображение поэта,  одетого в модный сюртук, изображение, приближенное к  зрителю и, казалось бы, камерное по своему характеру. Но  взгляд Пушкина, устремлённый вдаль, покоряющаядуховная сила, исходящая от него, подчёркивают  небудничный, вдохновенный облик поэта. Скрещённые на груди руки поэта, складки плаща,  наброшенного на плечи, — всё это характерные признаки  романтического героя, отрешённого от окружающего мира и погружённого в свои мысли. Живой взгляд пушкинских глаз  выражает вдохновение и сосредоточенность. Поэт как бы  прислушивается к внутреннему голосу: «...минута ­ и стихи  свободно потекут». Пушкин показан в самый счастливый, светлый момент ­  момент творчества. Таким себя Пушкин мог и не увидеть в  зеркале, это был тот ореол поэтического воодушевления  («лесть», по терминологии поэта), который открылся  проницательному художнику. Именно это особенно понравилось в портрете и самому  поэту. Он выразил своё восхищение мастерством живописца  в стихотворении, посвящённом Кипренскому:Любимец моды легкокрылой, Хоть не британец, не француз, Ты вновь создал, волшебник милый, Меня, питомца чистых муз, — И я смеюся над могилой, Ушед навек от смертных уз. Себя как в зеркале я вижу, Но это зеркало мне льстит. Так Риму, Дрездену, Парижу Известен впредь мой будет вид... Так писал поэт в послании О. А. Кипренскому. Мария Николаевна Ермолова являлась для современников  примером самоотверженного служения. Грабарь восклицал:  «Перед вами стоит не Ермолова, а сама Драма, даже  Трагедия». Такой мы её и запомнили по картине Валентина  Серова. Это полотно было заказано живописцу  Литературно­художественным кружком в связи с 35­летием  артистической деятельности Ермоловой. Зритель смотрит  на талантливую актрису снизу вверх, как на монумент,вознесённый над толпой. Просветлённые черты лица героини обрамлены деталями отражённого в зеркале интерьера. На картине изображена Вера Мухина ­ советский скульптор, автор многих известных произведений, в том числе  знаменитой группы «Рабочий и колхозница»,  представленной на всемирной выставке в Париже в 1937.  Вера Игнатьевна вносит последние дополнения в прообраз  будущей скульптуры. В одной руке она держит небольшой  кусочек глины, а другой наращивает объём одного из героев. Здесь запечатлён непосредственно акт творчества, момент,  когда из бесформенного куска глины рождается истинное  произведение искусства. Все эти портреты по­своему выразительны, жизненны, все  они направлены на раскрытие целостной сущности  изображаемых личностей. Нет сомнения в том, что портреты каждого из великих деятелей искусства подчёркивают их  творческий дух, напряжённую внутреннюю жизнь.При внешней сдержанности изображения эти портреты  полны огромной внутренней силы. Она угадывается в  выражении лиц, глаз, характерности поз ­ всего, что  образует своеобразную гармонию контрастов между  внешним и внутренним. Именно так строится музыкальное  произведение, которое при всей строгости своей формы  умеет высказать так много разнообразных чувств. И не  секрет, что музыка внешне сдержанная, лишённая каких­ либо украшений ­ как, например, духовная ­ порой  значительно превосходит музыку эмоционально­порывистую по глубине и драматизму. И если говорить о музыкальности  выдающихся портретов, то, наверное, следует ещё раз  сказать, что не изображения музыкантов роднят  изобразительное искусство и музыку. Они сходятся в  другом – в воплощении высокого и творческого начал  личности. ­ Ну, а сейчас посмотрите внимательно, узнаёте ли вы этого  человека, кто это? (Да, конечно, это замечательный  русский композитор П. И. Чайковский.)Да, вы правы. Послушайте, что сам Пётр Ильич сказал об  этом портрете: «Художник Кузнецов написал в Одессе  удивительнейший портрет мой. Портрет писался спешно, и  потому в нём, может быть, нет желательной законченности в деталях, но по экспрессии, жизненности, реальности он,  если не ошибаюсь, в самом деле, замечателен». Сегодня мы с вами послушаем фрагмент I части Концерта  № 1 для фортепиано с оркестром этого великого  композитора. Первый концерт стал одним из мировых шедевров  музыкального искусства, одним из тех произведений, о  которых Чайковский говорил как о редкостных образцах,  бывших для него самого идеалом. Ни одно другое  классическое произведение не играют так часто, в том числе и на всевозможных конкурсах. Для исполнения первого концерта Чайковского нужно быть  не только технически совершенным пианистом, но и  обладать соответствующим жизненным опытом, быть владах с замечательной русской культурой девятнадцатого  века. Это музыкальное сочинение, как бы сотканное из  мелодических модуляций человеческой души, эта поющая,  симфоническая философия жизни. В первую часть П. Чайковский вводит большое вступление  торжественного, триумфального характера. Подобно  радостному гимну, звучит у скрипок и виолончелей его  тема, сопровождаемая могучими «колокольными»  аккордами фортепиано, охватывающими всю клавиатуру – и глубокие басы, и светлый, звонкий высокий регистр.  Аккорды фортепиано придают музыке особую мощь и  величие. В основе главной темы первой части – напев слепцов­ лириков, услышанный Чайковским на Украине. Сам композитор писал об этом так: «Слушал лирное пение  слепых. Оно называется лирным по названию  аккомпанирующего инструмента ­ лира, которая, впрочем, с  античной лирой ничего общего не имеет. Замечательно, чтовсе слепые певцы в Малороссии поют один и тот же вечный  напев и с тем же наигрышем. Я отчасти воспользовался этим напевом в первой части моего фортепианного концерта». Грустная меланхолическая народная мелодия, несколько  преображена композитором, в ней взволнованное тревожное  чувство соединилось с тёплой задушевностью. Вторая тема  первой части, полная лирического порыва, воспринимается  как страстное признание, мольба. Третья тема близка жанру  колыбельной песни. Темы подвергаются интенсивному  развитию, которое приводит к грандиозной драматической  кульминации. Торжественность и мощь произведения великого  композитора звучат как гимн силе человеческого духа. Слушание:  П. Чайковский. Концерт № 1 для фортепиано с  оркестром. I часть. Изображения людей, играющих на различных музыкальных  инструментах, тоже могут быть рассмотрены с точки зрения  взаимодействия двух искусств.С самых древних времён до нас дошли изображения певцов  и музыкантов, играющих на лире, лютне, скрипке, клавесине, гитаре. С появлением новых музыкальных инструментов  были созданы и новые изображения, в которых  запечатлевался не только сам процесс музицирования, но и  то эмоциональное состояние, которое вызывала музыка. Однако при всей достоверности и эмоциональности  музыкальных сюжетов в изобразительном искусстве они не  сообщают живописи новых качеств музыкальности. Ведь это ­ её темы, существующие наряду с другими темами, а темы  сами по себе, без участия мастерства, таланта,  индивидуальности художника не могут повлиять на  художественный уровень произведения искусства. Рассматривание репродукций картин. Слушание:  Ф. Торре. Данца альта. Данца альта – испанский придворный танец XV века. Ему  присущи подвижный темп, прыжки. Иногда его исполняли  только мужчины.Итог урока: «Изображая музыкантов, занятия музицированием,  восприятие и творчество музыки и т. д., живопись  запечатлевает историю музыкального искусства, прежде  всего в его внешней, жизненно­бытовой стороне. Это  позволяет по произведениям изобразительного искусства  судить об инструментах, формах музицирования, о связи  музыки с бытом и общественной жизнью той или иной эпохи  (её участии в праздниках, массовых действиях, парадах и т.  д.), а также о воздействии музыки на людей. Но к характеру  самой живописи все это имеет не большее отношение, чем  любая другая подвластная ей тематическая сфера» ­ такой  вывод искусствоведа В. Ванслова верно характеризует  влияние тем «музыка в жизни» и «жизнь в музыке» на  качество и уровень произведения живописи. Итак, мы видим, что музыкальность часто присутствует в  произведениях музыкального искусства. Это непросто  изображения музыкальных инструментов, портреты  композиторов, картины природы. Музыкальностьживописных произведений следует видеть в общем  характере, настроении картины, в её неповторимой  поэтичности. Может быть, в этом смысле особенно  понятными становятся слова из эпиграфа – в своём  наивысшем совершенстве изобразительное искусство  должно стать музыкой. Вопросы и задания: 1. К каким музыкальным темам чаще всего обращались  художники? 2. Можно ли считать, что музыкальность картины зависит  от изображения на ней музыкальных инструментов? 3. 4. Приведите другие примеры живописных произведений,  связанных с изображением музыкальных инструментов. О  чём рассказывают их сюжеты? При подготовке задания  используйте возможности сети Интернет. В каком смысле можно говорить о музыкальности в  портретных изображениях?5. 6. Как может проявлять себя музыкальность в картинах,  не связанных с музыкальной темой? В «Дневнике музыкальных наблюдений» попробуйте  выразить какую­нибудь наиболее близкую вам  музыкальную идею. Дайте  рисунку название. Тема богатырей в музыке. (5 класс) Цели урока: понимать значение народного творчества в  сохранении и развитии общей культуры народа; находить  ассоциативные связи между художественными образами  музыки и других видов искусства; творчески  интерпретировать содержание музыкальных произведений в  пении, изобразительной деятельности. Материалы к уроку: портреты композиторов, музыкальный  материал, иллюстрации.Ход урока: Организационный момент: Слушание: А. Бородин. Вторая Симфония «Богатырская».  IV часть. ­ Прочитайте эпиграф к уроку. Как вы его понимаете? Запись на доске: А и сильные, могучие богатыри на славной Руси! Не скакать врагам по нашей земле, не топтать их коням  землю русскую, Не затмить им солнце наше красное! Век стоит Русь – не шатается, и века простоит – не  шелохнётся!  Сообщение темы урока: Дух богатырских былин пронизывает всё русское искусство. В них художники видели и истоки национального характера, и защиту и надежду Русской земли. Богатыри – истинно  могучий русский характер, который по­своему воплотился вобразах Ивана Сусанина, пушкинского Руслана, князя  Игоря... Но и собственно богатырская тема ­ подлинное достояние  русского искусства. Творчество лучших композиторов пронизано горячим  чувством любви к родной стране, к своему народу, к  русской природе. Тема нашего урока посвящена богатырям, которыми издавна славилась земля русская. Работа по теме урока: 1. Богатырская тема ­ подлинное достояние русского  искусства. «Никому зла не причинял, ничего силой не отнимал, не  досаждал, не укорял, не бесчинствовал, но всех любил и в  чести держал, и веселился с вами, с вами же и горе  переносил» ­ эти слова русского полководца Дмитрия  Донского мог бы сказать о себе любой русский богатырь.Вторая симфония Бородина ­ одна из вершин его  творчества. Она принадлежит к мировым симфоническим  шедеврам. В 1875 году русский композитор Александр Порфирьевич  Бородин заканчивает свою Вторую симфонию – одно из  лучших произведений русской симфонической музыки. Её  премьера состоялась 2 февраля 1877 года в одном из  концертов Русского музыкального общества в Петербурге  под управлением одного из крупнейших дирижёров той  поры Эдуарда Направника. Она была восторженно встречена его именитыми друзьями,  которые оценили её как лучшую русскую симфонию.  Обсуждение после прослушивания было бурным: Модест  Петрович Мусоргский предложил её назвать «Славянская  героическая», однако, критик Владимир Васильевич Стасов  запротестовал: «Не вообще славянская, а конкретно –  русская, богатырская!»«Богатырская» ­ это название Вторая симфония А. П.  Бородина носит и по сей день. По свидетельству Стасова, прозвавшего симфонию  «Богатырской», Бородин представлял в третьей, медленной  части образ Баяна, в первой ­ русских богатырей, а в финале ­ сцену разудалого богатырского пира. Первый музыкальный мотив симфонии, решительный и настойчивый, из которого  вырастает музыка всей первой части, создаёт могучий образ  русских богатырей. Слушая музыку Второй – «Богатырской» симфонии А.  Бородина, мысленно представляешь образ Древней Руси, её  бескрайние степи, богатырские заставы ­ весь образ далёких  веков. Но не только история «звучит» в музыке Бородина.  Она, как писал известный музыкант Б. Асафьев,  «возбуждает ощущение силы, бодрости, света; в ней могучее дыхание, размах, ширь, простор; в ней гармоничное здоровое чувство жизни, радость от сознания, что живёшь».Не этот ли благотворный оптимизм снова и снова  возрождает к жизни богатырские образы в изобразительном  искусстве и в музыке ­ как олицетворение светлой  созидательной силы, всегда могучей, не умирающей даже в  дни самых тяжёлых испытаний? Симфонию начинает волевая, решительная тема, интонации  которой близки суровым былинным напевам. Она сразу же  приковывает к себе внимание слушателя, рождая  представление о могучем, простом и суровом облике  великого русского народа. Это поистине богатырский образ. Слушая эту тему, невольно вспоминаешь могучего Илью  Муромца или Святогора, так прочно вросшего в эту землю,  что его с места не сдвинешь. Для того чтобы эту массивную  глыбу сдвинуть с места, надо её раскачать. И тема будто  раскачивается, сползая на целый тон вниз и обнаруживая  ещё большую глубину и весомость. В итоге, все развитие  приводит к утверждению уже знакомой «богатырской»  темы.Картина «Три богатыря» была завершена В. Васнецовым  в 1898 году, спустя 11 лет после смерти композитора. В  русском искусстве она «прозвучит» не менее громко и  победно, чем Вторая симфония Бородина. Слушание: А. Бородин. Вторая Симфония «Богатырская». I  часть. Былинная богатырская тема присутствует и в цикле М.  Мусоргского «Картинки с выставки» ­ в пьесе «Богатырские ворота».   «Картинки с выставки» — широко известная сюита М. П. Мусоргского из 10 пьес с интермедиями, созданная в 1874  году в память о друге Мусоргского художнике и  архитекторе В. А. Гартмане. Фортепианный цикл «Картинки с выставки» завершается  пьесой «Богатырские ворота». В. Гартман создал для Киева  проект Триумфальных ворот. Он выполнен в «русском  стиле».Три полукруглые арки, словно выхваченные из старинных  боярских теремов. Столбы с капителями в народном духе.  Резной кокошник с иконами и двуглавым орлом над  центральным пролётом. К воротам примыкает часовня со  звонницей, укрытой куполом, похожим на богатырский  шлем. Чем­то пряничным, сусальным отдаёт этот рисунок. Мусоргский далеко отошёл от этой «картинки» Гартмана.  Он создал пьесу, созвучную могучим финалам опер Глинки,  прославляющим мощь и подвиг русского народа. Мелодия «Прогулки» приобретает здесь величавый,  торжественный вид. В неё вплетается суровая тема,  напоминающая о тяжких годинах Руси. И снова ­  колокольный звон, ликующая мелодия. Пирует народ на  празднике победы в славном стольном городе Киеве. Ворота русских богатырей. Памятник величия и славы  русского народа! Слушание: М. Мусоргский. «Богатырские ворота» из цикла  «Картинки с выставки».Так в музыкальном творчестве находит своё выражение  главное, что определяет характер любого народа. Это –  глубокая любовь к жизни, богатая фантазия, чуткое  отношение к красоте, патриотизм и недюжинная сила – не  разбойная, не варварская, а мудрая и правая. Итог урока: «Святая Русь не пуста стоит, на Святой Руси есть сильны,  могучи богатыри» ­ эти слова Ильи Муромца звучат как  девиз всего русского богатырства. Сказки, легенды, предания, былины из века в век передают  потомкам богатый опыт народа. Добро и зло, сила и немощь, реальность и вымысел в своей бесконечной веренице  художественных воплощений образуют мощный  поэтический поток вечных образов, которые называются  великим словом «традиция». Вопросы и задания: 1. Какие черты богатырского характера объединяют  изображение богатырей на картине В. Васнецова«Богатыри» с богатырской темой в музыке Второй  «Богатырской» симфонии А. Бородина и «Богатырскими  воротами» из «Картинок с выставки» М. Мусоргского? 2. Почему, когда композиторы обращаются к сказочным  сюжетам, в их музыке так возрастает изобразительное  начало? 3. В «Дневнике музыкальных наблюдений» нарисуй свой  любимый персонаж из музыкальной сказки.Сказочные герои в музыке. (5 класс) Цели урока: анализировать многообразие связей музыки,  литературы и изобразительного искусства; рассуждать о  яркости и контрастности образов в музыке; ориентироваться в специфике выразительных средств музыки (с учётом  критериев, представленных в учебнике). Материалы к уроку: портреты композиторов, репродукции  картин, музыкальный материал. Ход урока: Организационный момент: Слушание: Н. Римский­Корсаков. «Пляска златопёрых и  сереброчешуйных рыбок» из оперы «Садко». ­ Прочитайте эпиграф к уроку. Как вы его понимаете? Запись на доске:«Искусство ­ есть способность видеть невидимое, осязать  неосязаемое и рисовать то, что не имеет облика…»                                                        (Жозеф Жубер) Сообщение темы урока: Ребята, тема нашего урока сегодня «Сказочные герои в  музыке». Мы с вами на уроках много раз слушали  фрагменты, посвящённые различным музыкальным героям.  Достоверно ли композиторы рисуют звуками музыки  портреты этих героев? Работа по теме урока: 1. Разнообразие сказочных образов. Сказки сами по себе очень музыкальны: герои в них охотно  поют и танцуют, и очень часто эти песни и танцы становятся частью волшебного мира чудес, праздников и светлых  надежд. И может быть, оттого сказочная музыка так  живописна, что она заключает в себе все представления о  волшебном, таинственном, что она ­ воплощённая мечта  человека о прекрасном?Ведь не случайно прекрасные сказочные образы в фантазии  художников превосходят всю мыслимую красоту, которая  встречается в реальности. Учащиеся зачитывают фрагмент стихотворения из учебника  на стр. 185. Говорят, царевна есть, Что не можно глаз отвесть. Днём свет божий затмевает, Ночью землю освещает ­ Месяц под косой: блестит, А во лбу звезда горит. Как вы помните, этими словами А. С. Пушкин рисует нам  дивную красоту Царевны Лебедь. Такая неземная красота  отличает многие сказочные персонажи ­ неслыханно хороша  Василиса Прекрасная, загадочно прекрасна Шемаханская  царица из «Сказки о золотом петушке», очаровательна  хрупкая Золушка...Но не только люди в сказках красивы сверхъестественной  красотой ­ тот же чарующий облик могут иметь и животные, и птицы, и цветы. Музыка, воссоздающая сказочные образы в своих звучаниях, достигает небывалой красочности ­ может  быть, даже большей, чем это возможно на полотнах  живописцев. 2. Образы в балете И. Стравинского. Одному из самых фантастических и красочных сказочных  образов ­ Жар­птице ­ посвящён балет И. Стравинского. Жар­птица и сама неслыханно прекрасна, её оперение сияет  всеми мыслимыми цветами и оттенками, буквально  ослепляет. Но пейзаж, в котором она является,­ безмолвное  причудливое Кащеево царство, нарисованное как будто  неземными, «потусторонними» красками,­ ещё более  усиливает впечатление безграничной колористичности. Не случайно французский критик Анри Леон писал о балете  «Жар­птица», что это произведение представляет собою«чудо восхитительного равновесия между движениями,  звуками и формами. Отливающая темно­золотистым цветом  декорация заднего плана как будто сделана тем же  способом, как и полная оттенков ткань оркестра. Музыка ещё больше усиливает впечатление фантастической  красочности. В оркестре поистине слышны голоса  волшебника и беснующихся ведьм и гномов. Когда  пролетает птица, кажется, что её несёт музыка». Слушание: И. Стравинский «Заколдованный сад Кощея». Посмотрите эскизы костюмов Жар­птицы на странице 188,  выполненные Л. Бакстом. Для того чтобы достигнуть  определённого настроения как в живописи, так и в музыке,  нужна особая тонкость работы с цветом. Композиция  полотна объединяет все выразительные элементы, вызывая  законченное стройное звучание. 3. Сказочная тема в искусстве. О том, какую роль играла сказочная тема в искусстве,  можно судить по ещё одному необыкновенно красочномуживописному произведению М. Мусоргского «Картинки с  выставки». Мы с вами слушали одну из пьес этого цикла,  вспомните, как она называлась? (Эта пьеса называлась  «Гном», она была посвящена забавному гномику,  превращённого композитором в глубоко страдающего  человека.) А что явилось толчком к написанию этого цикла? (Рисунки  близкого друга композитора В. Гартмана.) Гартман был весёлым, живым, быстрым на разные выдумки и очень требовательным к себе и другим. Он умер  неожиданно, совсем молодым, в возрасте 39 лет. Чтобы  почтить память художника, была организована выставка  произведений Гартмана в Петербурге. Были собраны  архитектурные проекты, чертежи, эскизы декораций и  костюмов к русским операм, рисунки и наброски. Мусоргский не один раз обошёл выставку. Всматриваясь в  работы друга, он загорелся страстным желанием запечатлеть его «картинки» в своей музыке.Весь цикл «Картинки с выставки» был написан меньше, чем  за три недели. Из множества экспонатов выставки  композитор отобрал всего десять. Открывает цикл своеобразный пролог «Прогулка». Что­то  родное русскому сердцу слышится в этой музыке ­ звучит  русский распев, а потом мелодия «Прогулки» будет  сопровождать нас по выставке, служа как бы связующим  звеном между пьесами. И даже там, где надобность в такой  интермедии отпадает, мелодия её входит в музыкальную  ткань очередной картинки ­ изменённая и преобразованная,  но всегда узнаваемая. «В интермедиях, ­ усмехнулся Мусоргский, ­ моя  физиономия видна». Это музыкальный автопортрет  композитора. Русский человек пришёл на выставку работ  русского по духу художника. Мелодия «Прогулки» ведёт  нас от экспоната к экспонату ­ «Старый замок», «Балет  Невылупившихся птенцов», «Катакомбы», «Гном» и т.д.В «Картинках с выставки» Мусоргский рисует и  музыкальный портрет Бабы­Яги, излюбленного персонажа  русских волшебных сказок и русского классического  искусства. Гартман набросал эскизы для часов, на которых изобразил  домик на курьих ножках ­ жилище лесной колдуньи.  Композитор сделал домик обитаемым. Музыкант хорошо представлял себе домик Бабы­Яги.  Однажды он даже появился в её костюме на маскараде в  Академии художеств: рыжие космы, мохнатая шапка,  надвинутая на глаза, ноги в лаптях, костлявые руки,  реденькая бородка на остром подбородке, страшные глаза  на размалеванном лице. Колдунья быстро семенила,  разметая перед собой дорогу взмахами громадной метлы.  Вот такую героиню русских народных сказок ­ смешную и  страшную – изобразил в своей музыке Мусоргский, а вовсе  не манерный проект часов, сделанный Гартманом в модном  тогда стиле а La russe.Баба­Яга Мусоргского настоящая волшебница. Она  способна на неожиданные превращения. Полёт Бабы­Яги в ступе – полёт шумный, дикий, «с треском и посвистом». В средней части пьесы резкие скачки и свист стихают,  сменяются звуками колдовского леса. Лес наполняют  шорохи: трещат сучья, оживают пни, скрипят ветви. Старуха оборачивается  сказочной царевной, прогуливающейся по  берегу таинственного озера. Скользят по небесной лазури  стрекозы, порхают нарядные бабочки. Весело щебечут  птицы. В музыке снова возникает вихрь резких скачущих звуков.  Злая колдунья продолжает свой разбойничий полёт. Слушание: М. Мусоргский. «Избушка на курьих ножках»  (Баба­Яга) из цикла «Картинки с выставки». Какие у вас есть мнения? (Прозвучала пьеса «Избушка на  курьих ножках» (Баба­Яга) М. П. Мусоргского из  фортепианного цикла «Картинки с выставки». Музыкуможно разделить на три части. Первая часть звучала  резко, угловато, со свистом, изображён, наверное, полёт  Бабы­Яги в ступе. Во второй части, видимо, происходили  какие­то превращения, музыка звучала нежно, красиво,  волшебно, а в третьей части колдунья, очевидно, опять  летит в ступе.)  «Картинки с выставки» во всём мире звучат в исполнении  лучших пианистов. Сделано несколько переложений  «Картинок» для симфонического оркестра. Самая яркая из  них ­ оркестровка французского композитора Мориса  Равеля, автора знаменитого «Болеро». Композитор  сознательно стремился к «картинности» своей музыки,  справедливо считая, что благодаря этому его сочинения  станут более доходчивыми, волнующими всех. И оказался  совершенно прав. Итог урока: Музыка необыкновенно живописно рисует нам сказочных  персонажей, будь то люди, животные, птицы, либонесуществующие в реальной жизни сказочные персонажи. И  именно музыка и живопись могут при помощи  выразительных средств настолько реально нарисовать  сказочных героев, что иногда начинаешь верить в их  существование... Вопросы и задания: 1. Каким в музыке И. Стравинского предстаёт  фантастический мир Кащеева царства? Звучание какого  инструмента придаёт этой музыке волшебный колорит? Какие картины представляются вам в музыке пьесы  «Избушка на курьих ножках (Баба­Яга)» М. Мусоргского? В чём проявляется в этой пьесе контраст между  крайними разделами и серединой? 2. 3.Музыкальные сказки (5 класс) Цели урока: анализировать многообразие связей музыки и  изобразительного искусства; находить ассоциативные связи  между художественными образами музыки и других видов  искусства; воспринимать музыкальные произведения с точки зрения единства содержания и выражения.Материалы к уроку: портреты композиторов, репродукции  картин, музыкальный материал. Ход урока: Организационный момент: Слушание: Интродукция «Океан ­ море синее» из оперы  «Садко» Н. А. Римского­Корсакова. ­ Прочитайте эпиграф к уроку. Как вы его понимаете? Запись на доске. «Мой род – это сказка, былина, и непременно русские...»                         (Н. А. Римский­Корсаков) Сообщение темы урока: ­ Ребята, я думаю, что многие из вас бывали на музыкальных спектаклях, быть может, даже видели балеты­сказки, оперы­ сказки. Скажите, отличается ли музыка, написанная для  таких спектаклей, скажем, от спектаклей на не сказочные  сюжеты? (Да, конечно, музыка, написанная к  музыкальным сказкам, рисует нам волшебный, сказочныймир, она помогает окунуться в атмосферу необычную,  нереальную.) Сегодня наш урок посвящён музыкальным сказкам. Работа по теме урока: 1. Сказка как основа сюжета для музыкального  произведения Роль сказки в музыке очень велика. Облик сказочных героев, лесные, подводные и горные сказочные пейзажи и царства,  птицы и животные ­ словом, всё богатство видимого  волшебного мира получило своё звуковое выражение.  Благодаря музыке мы узнали, что в сказке все звуки  особенные, волшебные: необычно шуршат и падающие  снежинки, и золотые рыбки пляшут в воде по­особенному, и  лесное озеро не простое, а волшебное. Причудливый, волшебный, фантастический мир сказочного  творчества по­разному находил своё выражение в музыке.  Сказка могла стать основой сюжета оперы, балета или  инструментального сочинения.Великим сказочником в музыке по праву считается русский  композитор Н. Римский­Корсаков. Он написал семь  сказочных опер: «Снегурочка», «Ночь перед Рождеством»,  «Садко», «Сказка о царе Салтане», Кащей Бессмертный»,  «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии»,  «Золотой петушок». Один из примеров сказочной музыки – «Пляска златопёрых  и сереброчешуйных рыбок» из оперы «Садко». Уже в самом  названии этого фрагмента видна изобразительность и  живописность музыкального замысла. Композитор воспроизводит не просто весёлую пляску  рыбок, резвящихся в подводном царстве, он воспроизводит  своеобразный танец цветов, бликов ­ золотых, серебряных,  сверкающих, изменчивых. Все средства музыки ­ от гибких и прихотливых мелодических линий до тембрового  разнообразия оркестра ­ направлены на создание красочной  музыкальной картины. Многие музыканты называли оперу  «Садко» энциклопедией сказочного музыкального языка  XIX столетия.Слушание: Н. Римский­Корсаков. «Пляска златопёрых и  сереброчешуйных рыбок» из оперы «Садко». ­ Услышали ли вы какие­либо особенные сказочные звуки,  рисующие рыбок? (Музыка рисует подводное сказочное  царство, игривых весёлых рыбок, резвящихся в нём. Но  кроме этого он изображает своеобразный танец цветов и бликов подводного мира ­ сверкающих, изменчивых.  Использование различных тембров, гибких мелодических  линий создаёт красочную музыкальную картину.) 2. Портретные сказочные образы. ­ В опере также присутствуют и портретные сказочные  образы. Они, конечно, отличаются от музыкальных  портретов реальных людей. Как вы думаете,  почему? (Отличие в изображении сказочных героев от  музыкальных портретов реальных людей заключается в  привнесении таинственного, загадочного, связанного с  непостижимым волшебным миром).Посмотрите внимательно на картину Михаила Врубеля  «Царевна Лебедь» ­ это не просто иллюстрация к «Сказке о  царе Салтане». Кто является автором этой  сказки? (Великий русский поэт А. С. Пушкин.) «Царевна­Лебедь» М. Врубеля ­ это обобщённый образ  женских сказочных образов. В чем­то он сродни образу  Морской царевны Волховы из оперы «Садко», так же  исполненной невыразимой прелести, ­ и вместе с тем  загадочной, непостижимой. Когда Морская царевна поёт свою чудесную колыбельную  песню, она вкладывает в неё очень много лирического  чувства. В музыке звучат интонации народной песни,  придающие Волхове тёплые, живые черты реальной  девушки. И все же, когда в мелодию «Колыбельной»  вплетаются интонации «волшебного» характера, становится  очевидной нерасторжимая связь Морской царевны с  фантастической сказочной стихией.Таинственная природа Морской царевны подчёркивается  колоритом инструментальных звучаний – особенно в конце  «Колыбельной», когда в мелодии флейты и арфы начинает  «струиться» мотив ручейков. Царевна Волхова, полюбившая гусляра Садко за его волшебный дар, не обретает, подобно  другим сказочным героиням (Русалочке, Снегурочке),  человеческую душу, а остаётся верна своему морскому  миру с его таинственной жизнью и холодным безмолвием.  Это возвращение в привычную свою стихию передаётся в  музыке исключительно выразительно: царевна принимает  облик утреннего тумана и растекается по лугу широкой  светлой Волховой­рекой. Мелодия колыбельной Волховы ­ простая, задушевная,  бесконечно близкая языку русской народной песни.  Баюкающий припев напоминает тихое мерное колыхание  волн. Римский­Корсаков высоко ценил музыку последнего  появления Волховы. «Вариации её колыбельной песни,­  писал он,­ считаю за одну из лучших страниц среди своей  музыки фантастического содержания».Слушание: Н. Римский­Корсаков. «Колыбельная Волховы»  из оперы «Садко». Многие известные и любимые сказки обогатились  музыкальными звучаниями. Мы услышали, под какую  музыку плясала Маша в «Щелкунчике», услышали не только музыку самого танца, но всего празднично убранного зала ­  ёлки, новогодних игрушек, снежинок за окном. П.  Чайковский, как добрый волшебник, только прикоснулся к  сказке своей волшебной палочкой музыканта ­ и она сразу  ожила, наполнилась очарованием настоящего праздника,  тёплого и глубокого чувства ­ и словно стала реальностью,  частью нашей жизни. Но ведь даже и на сказочном празднике всё происходит по­ настоящему. Герои «Щелкунчика» совершают подвиги,  поддерживают друг друга в минуты испытаний. Наградой  становится тёплое и глубокое чувство, которое рождается  между девочкой Машей и Щелкунчиком, превратившимся в  конце сказки из уродливой куклы в прекрасного принца.Поэтому и в музыке мы слышим не только сказочные звуки,  но и выражение живой человеческой любви. Слушание: П. Чайковский. «Па­де­де» из балета  «Щелкунчик». Мы узнали также, какая музыка звучала на балу у Золушки,  что танцевали гости и она сама. Мы всегда знали, что  роковым моментом была полночь, впервые услышали, как  звучали часы, как отбивали они свои двенадцать ударов и  как постепенно, с каждым новым ударом, исчезало  колдовство доброй Феи. Бой часов похож на колокольный  звон ­ тревожный, яростный, неумолимый. Сначала как бы  слышится громкое тиканье часов, а затем раздаются  двенадцать гулких, хриплых, зловещих ударов,  изображаемых оркестром. А сделал это зримым ещё один волшебник ­ Сергей  Сергеевич Прокофьев. Слушание: С. Прокофьев. «Полночь» из балета «Золушка»  (фрагмент)Итог урока: Итак, мы видим, что сказки сами по себе очень музыкальны:  герои в них охотно поют и танцуют, и очень часто эти песни  и танцы становятся частью волшебного мира чудес,  праздников и светлых надежд. И может быть, оттого  сказочная музыка так живописна, что она заключает в себе  все представления о волшебном, таинственном, что она ­  воплощённая мечта человека о прекрасном? Вопросы и задания: 1. Почему, когда композиторы обращаются к сказочным  сюжетам, в их музыке так возрастает изобразительное  начало? 2. 3. В чём разница между музыкальными портретами  реального человека и сказочного героя? Какими средствами передаётся красочность образа в  «Пляске златопёрых и сереброчешуйных рыбок» из оперы  «Садко» Н. Римского­Корсакова?4. 5. Что, кроме новогоднего волшебства, звучит в музыке П. Чайковского «Щелкунчик»? В «Дневнике музыкальных наблюдений» нарисуй свой  любимый персонаж из музыкальной сказки. Где музыка берет начало? (5 класс) Ход урока: Урок начинается с песни «Где музыка берёт начало?», Е.  Крылатова, слова Ю. Энтина. ­ Прочитайте эпиграф к уроку. Как вы его понимаете? Запись на доске: «Всё, что звучит в природе и есть музыка…» И. Гердер ­ Ребята, мы не зря начали урок с этой удивительно  красивой и содержательной песни. Наш разговор сегодня  пойдёт о том, откуда приходит музыка, каковы её истоки,  где берёт она свое начало.1. Музыкальный эксперимент ­ Представьте себе, что вы оказались на далёком­далёком  острове, где живет племя дикарей, которое оторвано от  всего культурного человечества, и не пользуется знаниями и достижениями остальных людей, а вам хочется рассказать о  музыкальном чуде, при помощи, к примеру, магнитофона.  Но у магнитофона, к сожалению, села батарейка, а  подключиться, сами понимаете, не к чему. Я предлагаю вам разделиться на две команды: команда  «дикарей» (большая по численности), команда  «музыковедов» (5 человек). Команда «музыковедов» должна любым способом объяснить команде «дикарей», что такое  музыка. Выслушиваются различные версии, рассматриваются  различные действия учащихся до тех пор, пока не получен  нужный результат. ­ Итак, используя слова, жесты, мимику ребята изо всех сил  пытались объяснить жителям этого острова, что же такоемузыка, но всё было тщетно до тех пор, пока Ваня  (представитель команды «музыковедов») не запел свою  любимую песню... и в глазах «дикарей» появился интерес,  они притихли и стали слушать. Ваня показал зрителям самое главное, что есть в музыке,­ «поющий» звук, музыкальный  звук. Именно из него и «делают» музыку, только его  специально для этого обрабатывают. Конечно же, музыка ­ это не только звук, но и многое  другое, о чём мы обязательно с вами поговорим, но без  музыкального «поющего» звука не может быть музыки.  Именно звук ­ её главное начало. Задумывались ли вы когда­ нибудь о том, что звук ­ это одно из самых ярких  проявлений жизни? А оказывается, что у каждого звука есть  свое «лицо», и мы, даже ничего не видя, с закрытыми  глазами, лишь по звуку, можем угадать, что происходит  вокруг. Учитель включает записи звуков природы.