Урок: Блеск и мощь полонеза

Блеск и мощь полонеза Истинно польским танцем ­ танцем аристократии ­ стал полонез. Европа назвала самый парадный, самый торжественный и великолепный из всех церемониальных танцев «полонезом» (фр. polonais ­ польский). Полонез открывал государственные приёмы, великосветские свадьбы, королевские рауты. Есть версия, что прототипом полонеза стало свадебное шествие, исполнявшееся в Познани. По другой версии ­ первым полонез исполнил король Польши Генри III. Дело было во французском городе Анжу, где публика была покорена величием и царственным благородством нового короля. Со   временем   в   этом   парадном   шествии   стали   принимать   участие   все   гости. Полонезом открывали придворные балы. Длинной вереницей шествовали красиво одетые танцоры, изящно приседая в конце каждого такта. В первой паре выступал хозяин бала с самой уважаемой гостьей. Кроме   придворного   существовал   и   крестьянский   полонез   ­   более   спокойный   и плавный.Вспомните, какие величественные полонезы писал великий сын польского народа Фредерик   Шопен.   В   творчестве   Шопена   мы   встречаем   разные   по   характеру полонезы: и лирические, и драматичные, и бравурные, похожие на рыцарские. Особой известностью пользуется Полонез ля мажор (ор. 40 № 1). Он овеян духом рыцарской доблести.   Это торжественное сочинение ярко подтверждает, что свои полонезы, так же как и мазурки, Шопен писал не для того, чтобы под них танцевали. Это яркие концертные пьесы. Вот   что   рассказывает   об   этой   музыке   композитор Ференц   Лист:   «Энергические ритмы   полонезов   Шопена   заставляют   трепетать...   самых   бесчувственных   и безучастных.   Здесь   собраны   наиболее   благородные,   исконные   чувства   древней Польши...   Перед   нашим   умственным   взором   в   полонезах   как   бы   встают   образы древних поляков, какими рисуют их летописи: крепкого сложения, ясного ума... необузданной храбрости в сочетании с рыцарством, не покидавшим сынов Польши ни на поле сражения, ни накануне, ни на следующий день после битвы». Рассказывают, что...   В   годы   Великой   Отечественной   войны,   когда   наши   воины освобождали   Варшаву,   одним   из   первых   было   отбито   у   фашистов   здание радиоцентра. И тогда на весь город по радио стали исполнять этот величественный полонез Шопена. Под эту музыку шёл бой за столицу родины, подарившей миру великого гения – Фридерика Шопена.А как популярен знаменитый полонез М. Огиньского! В   XIX   веке   полонез   всё   чаще   появляется   как   инструментальная   миниатюра,   не предназначенная для танца. Около 20 «полонезов не для танца» написал польский дипломат   и   композитор­любитель   Михал   Клеофас   Огиньский.   Его   ля­минорный лирический Полонез для фортепиано получил мировую известность. Полонез был сочинён как отклик на события в Польше 1794 года. Тогда в Варшаве разгорелось   народное   восстание   против   войск   царской   России.   После   его подавления   Огиньский   навсегда   покинул   родную   Польшу.   Отсюда   и   название произведения – «Прощание с родиной». Поначалу   это,   скорее,   не   полонез,   а   «воспоминание   о   полонезе».   В   напевной, выразительной   грустной   мелодии   первого   раздела   нет   танцевальной   чёткости полонеза, лишь характерная ритмическая фигурка во втором такте напоминает об этом жанре. Вообще эта мелодия удивительна по широте дыхания, необыкновенной напевности. Но не только польские композиторы в своём творчестве использовали ритм этого танца. Блистательный  полонез  открывает  сцену  польского  бала в опере Михаила Ивановича   Глинки«Жизнь   за   царя».   Высокомерные   поляки,   уверенные   в   своей непобедимости, предвкушают скорую победу над Россией.Полонез часто танцевали и на балах в России, поэтому Пётр Ильич Чайковский ввёл его в сцену бала из оперы «Евгений Онегин». Вопросы и задания: 1. Что в переводе с польского означает слово «полонез»? 2. Обратите внимание на характерный ритм полонеза. Прохлопайте его. 3. Что определяет уверенный, победный характер полонеза из оперы М. Глинки  «Жизнь за царя»? 4. Сравните характеры полонезов М. Глинки и М. Огиньского. Похожи они или  заметно отличаются? Симфонический оркестр. Дирижёр Представьте, что вы пришли в концертный зал. На сцене необычное «общество» ­ пюпитры, стулья, на них ­ музыкальные инструменты. Потом на эстраду вышли люди, одетые, как на бал: мужчины в черных фраках, дамы в красивых платьях. Расселись, взяли в руки свои инструменты, и вдруг началось нечто невообразимое!Хаос звуков! Страшный шум! Это музыканты проверяют настройку инструментов. А   затем   на   сцену   вышел   ещё   один   человек   во   фраке   с   палочкой   в   руках, повернулся к нам спиной, взмахнул волшебной палочкой и ... совершилось чудо ­ зазвучала МУЗЫКА. Играет симфонический оркестр. Слушание: И. Штраус (сын). Вальс «Сказки Венского леса». У   замечательного   поэта   Юрия   Давыдовича   Левитанского   есть   стихотворение «Музыка»: Есть в музыке такая неземная, Как бы не здесь рождённая печаль, Которую ни скрипка, ни рояль До основанья вычерпать не могут. И арфы сладкозвучная струна Или органа трепетные трубы Для той печали слишком, что ли, грубы, Для той безмерной скорби неземной. Но вот они сошлись, соединясь В могучее сообщество оркестра… Здесь мы прервём стихотворение, послушаем тишину и попытаемся услышать  внутри себя оркестр, его звуковые краски, его могучее дыхание, уносящее нас…Туда, туда, всё выше, всё быстрей, где звёздная неистовствует фуга… Метёт метель. Неистовствует вьюга…  Слушание: Л. Бетховен. «Ода к радости». Финал симфонии № 9. Да,   оркестр   ­   самый   могущественный,   самый   волшебный   музыкальный «инструмент». И мы с вами чуть приоткроем тайну этого волшебства, взглянем на «устройство», складывавшееся веками, этого «инструмента». В Древней Греции глагол «орхео» означал «танцую», а орхестрой (orchestra) греки называли полукруглую площадку перед сценой, на которой, совершая ритмические движения, пел свою партию хор, участник каждой античной пьесы. Прошли века, погибла великая цивилизация, но слово это осталось жить. Через десятки   веков   так   стали   называть   помещение   в   театре,   где   размещались музыканты, а позже – сам ансамбль музыкальных инструментов и исполнителей на них. В этих ансамблях участвовали самые различные инструменты.  Слушание: Франческо да Милано. «Канцона». Нам сегодня трудно представить, что было время, когда симфонический оркестр выглядел   совсем   иначе.   Он   вообще   достаточно   молод.   В   эпоху,   когда   жили великие   художники   Микеланджело   и   Тициан,   оркестра   ещё   не   было   вовсе.   Во времена Шекспира он только зарождался.Слушание: Ф. Лист. «Грёзы любви». Конечно, вы можете спросить: разве в то время люди не собирались вместе, чтобы помузицировать или послушать музыку? Конечно, собирались со времён глубокой древности. Историк Иосиф Флавий описывал один пышный культовый праздник в Палестине в I в. н. э., в котором участвовали двадцать тысяч певцов, двадцать тысяч трубачей, сорок   тысяч   арфистов   и   сорок   тысяч   исполнителей   на   систрах   (инструмент, похожий на погремушку). Вот какой колоссальный оркестр. А ещё один комический случай описал греческий историк Полибий. В III в. до н. э. тринадцать греческих флейтистов приехали в Рим показать своё искусство. Но римская   публика   не   была   искушённой   в   такого   рода   музицировании,   и,   чтобы развлечься, они заставили музыкантов... подраться между собой. Но вернёмся к нашему оркестру. История   симфонического   оркестра   восходит   к   рубежу   XVI­XVII   вв.,   когда появились новые жанры музыки, такие  как опера, оратория и другие. Оркестр тогда   выполнял   функцию   сопровождения.   В   него   часто   входили   старинные инструменты, такие как лютня, виола. Для услаждения слуха аристократов при королевских дворах стали образовываться оркестры, часто состоявшие только изструнных   инструментов.   Названия   их   говорили   сами   за   себя.   Например,   во Франции такой оркестр называли «24 скрипки короля». С первой половины XVIII в. состав оркестра зависел от места исполнения музыки, ее слушателей. Чаще всего оркестры были у богатых аристократов. Именно от вкуса   и   содержимого   кошелька   хозяина   зависели   число   музыкантов   и   состав инструментов.   Обычно   состав   ранне   классического   оркестра   сводился   к   двум гобоям,   двум   валторнам   и   струнным.   Если   количество   струнных   превышало двенадцать инструментов, оркестр считался большим. Слушание: Й. Гайдн. «Серенада». К   концу   XVIII   в.   сложился   так   называемый   малый   оркестр:   около   тридцати струнных инструментов, две флейты, два гобоя, две­три валторны и литавры. Для такого состава  писали Й. Гайдн, В. Моцарт. И только в творчестве  Бетховена (1770­1827) сложился «Классический» состав оркестра. Но он тоже отличался от современного.   Только   в   эпоху   романтизма   в   состав   оркестра   вошли   многие духовые инструменты, была расширена струнная группа. 3а   несколько   веков   музыкальная   практика   выработала   несколько   типов симфонического оркестра. Во­первых, концертный оркестр. Он располагается на возвышенной эстраде в зале, и мы, сидя на своих местах, постоянно видим и оркестр, и дирижёра.Во­вторых,   оперный   оркестр.   Он   предназначен   для   исполнения   музыки   опер   и балетов. Чтобы не закрывать нам артистов на сцене, этот оркестр рассаживают в специальном углублении ­ оркестровой яме. Видите, оперный оркестр «сидит в яме»! В наши дни есть ещё оркестры радио, телевидения, кино. Чаще всего они нам не видны, так как располагаются в особых студиях, порой за тысячи километров. Расположение инструментов оркестра Где бы ни работал оркестр, строение его одинаково.  Как вы думаете, имеет ли значение, как рассаживаются музыканты в оркестре? Конечно, сидят музыканты не так, как им захотелось, а в строгом порядке. На опыте десятков дирижёров и оркестров стало ясно, что музыканты хорошо видят дирижёрскую палочку, если располагаются веерообразно, а дирижёр находится в центре. Опыт   показал,   что   все   однородные   инструменты   надо   собрать   вместе.   Это позволяет музыкантам лучше слышать друг друга в совместной игре. Очень важно равномерное   звучание   всего   оркестра.   Что   бы   было,   если   бы   впереди располагались   трубы   и   тромбоны,   а   скрипки   в   глубине   сцены?   Медные инструменты   перекрыли   бы   звучание   струнных.   Поэтому   впереди   мы   видим инструменты с более тихим голосом.Вот мы ещё раз произнесли это слово ­ ДИРИЖЁР. Кто же это такой? Давно ли возникло   дирижёрское   искусство,   в   чём   его   особенности   и   секреты?   На   эти вопросы мы сейчас попробуем ответить. Перенесёмся   в   далёкое   прошлое.   У   костра   собралось   всё   племя,   чтобы отпраздновать удачную охоту. Мужчины исполняют ритуальный танец. Во главе танцующих ­ вождь племени. Движениями своего тела он задаёт ритм танцующим и музыкантам, играющим на тростниковых флейтах, раковинах и барабанах. Каждый жест тела вождя ­ понятный всем условный знак, подсказывающий, каким должно быть продолжение танца. Наверное, именно так выглядели первые сцены дирижирования. Именно от них и пошла традиция: во главе группы музыкантов или певцов должен стоять человек, которому подчиняются все, ­ дирижёр. А   теперь   попробуем   мысленно   перенестись   в   античную   Грецию,   в   огромный открытый театр, где собрались десятки тысяч зрителей. Главной фигурой в древнегреческом театре был корифей. Он дирижировал хором ­ так в то время называлась группа актёров, которым нужно было петь, танцевать, исполнять   пантомимы.   Жестам   корифея   подчинялись   и   музыканты, сопровождавшие спектакль игрой на разных инструментах.Хотя   нужный   ритм   корифеи   отбивали   ударами   окованной   железом   подошвы, основным   орудием   дирижирования   были   руки.   Тогда   и   возникла   дошедшая   до наших дней система дирижирования, названная хейрономией. Для того чтобы управлять большим музыкальным коллективом, нужен дирижёр (французское diriger ­ управлять, направлять, руководить). Дирижёры существуют в   музыке   очень   давно.   В   средние   века   они   назывались   по­разному   ­   магистры, проценторы,   канторы.   Символом   их   высокого   положения   служил   тяжёлый, искусно отделанный жезл. Во время службы церковный дирижёр обычно ставил его на самое видное место. В конце средних веков этот жезл превратился в важного помощника   дирижёра   ­   батуту,   прообраз   дирижёрской   палочки.   Правда,   на палочку она была мало похожа ­ это была массивная, длиной около метра палка. Поначалу   батутой,   как   это   делали   первобытные   музыканты,   отсчитывали   ритм ударами.   Но   такое   «шумное»   дирижирование   часто   мешало   слушать   музыку. Прошло   время,   и   некоторые   дирижёры,   желая   избежать   «шумного» дирижирования, стали вместо батуты использовать «тихие» предметы: свёрнутые в рулон ноты или даже носовой платок. Было   время,   когда   дирижёр   руководил   оркестром,   играя   на   скрипке   или клавесине. Этот способ предпочитал И.С. Бах. Но пришло время, когда состав оркестра настолько увеличился, что, играя самому, таким большим коллективом руководить стало невозможно.И вот в начале XIX в. сложилось понятие дирижёра, близкое нашему. Но в то время   он   ещё   стоял   лицом   к   публике,   так   как   считалось   неприличным поворачиваться к ней спиной. Поэтому он стоял спиной к оркестру и руководил им, не видя музыкантов. Это, конечно, было неудобно. Революцию в этом деле совершили Ф. Мендельсон и Р. Вагнер, впервые решившиеся повернуться во время концерта лицом к оркестру. В начале же XIX в. композиторы и дирижёры К. М. Вебер и Л. Шпор впервые применили для дирижирования небольшую палочку. С тех пор она стала верной помощницей дирижёра. Однажды русский композитор А. Глазунов приехал в Англию, где должен был дирижировать оркестром. Он не знал английского языка, поэтому выучил только одну   фразу:   «Господа,   прошу   вас   сыграть   то,   что   я   нарисую   концом   своей палочки». Слушание: В. Моцарт. Симфония № 40 (фрагмент). Одна из главных задач дирижёра ­ заставить весь оркестр играть строго ритмично и слаженно. Это достаточно сложно. Представьте, что дирижёр показал музыкантам первую долю такта, то есть взмахнул палочкой именно тогда, когда уже должна звучать музыка. Но ведь кому­то из оркестрантов надо набрать воздух в лёгкие, кому­то­ поднять смычок, то есть всем надо приготовиться, чтобы начать вместе.Поэтому   дирижёр   даёт   заблаговременную   команду   –   «ауфтакт».   Именно   он   ­ основа дирижирования. Но   дирижёр   не   только   следит   за   тем,   чтобы   все   играли   согласованно.   Он разучивает   произведение   с   исполнителями,   показывает   вступление   всем инструментам, быстро или медленно, громко или тихо они должны играть. Главная задача дирижёра ­ наиболее полно передать авторский замысел. Для этого он   должен   обладать   тонким   слухом   и   огромной   творческой   фантазией,   быть человеком,   широко   образованным.   Только   если   он   обладает   этими   качествами, если у него есть любовь к своему искусству, он подчинит себе оркестр и вместе с ним подарит слушателям ту великую радость, которую несёт в себе музыка. Слушание: П. Чайковский. Концерт для фортепиано с оркестром № 1 (фрагмент). И вновь вспомню слова Ю. Башмета: «Нужно быть сильным человеком, чтобы не нуждаться   в   опоре,   не   зависеть   от   окружающих.   Вести   за   собой,   ничуть   не сомневаясь,   что   за   тобой   пойдут.   Иными   словами,   дирижёр   должен   обладать харизмой (харизма ­ Божий дар, благодать, обаяние; умение вести за собой) и для своих оркестрантов, и для слушателей». О   роли   дирижёра   в   оркестре   очень   точно   рассказывает   стихотворение   В. Солоухина «Дирижёр».Я слушал музыку, следя за дирижёром. Вокруг него сидели музыканты, У каждого особый инструмент, Сто тысяч звуков, миллион оттенков! А он один, над ними возвышаясь, Движеньем палочки, бровей, и губ, и тела, И взглядом, то молящим, то жестоким, Те звуки из безмолвья вызывал... То скрипки вдруг польются, то тревожно Господствовать начнёт виолончель. То фортепьяно мощные фонтаны Ударят вверх, и взмоют, и взовьются, И в недоступной зыбкой вышине Рассыплются на брызги и на льдинки, Чтоб с лёгким звоном тихо замереть... Все правильно. Держать у ног стихию И есть искусство. Браво, дирижёр! Дирижёр необходим в любом оркестре. И каждый из них по­своему откликнется на движение дирижёра. «Камерный оркестр, так же как автомобиль «Порше»,способен реагировать быстро. А первоклассный симфонический оркестр подобен  «Роллс­ройсу»: он не может так же быстро развернуться, но ездить на нём  потрясающе». (Ю. Башмет. Вокзал мечты). Ответьте на вопросы: 1. Что такое оркестр и когда впервые появилось это слово? 2. Когда зародился симфонический оркестр и с чем это связано? 3. Для какого состава писали Гайдн и Моцарт? 4. В творчестве какого композитора сложился классический состав оркестра? 5. Как располагаются инструменты симфонического оркестра? 6. Выберите правильный ответ на вопрос: «Кто руководит оркестром?» ­ скрипач, трубач, органист, дирижёр, контрабасист.Скрябин. Поэма огня «Прометей» Флейты звук зорево­голубой, Так по­детскому ласково­малый, Барабана глухой перебой, Звук литавр торжествующе­алый... (К. Бальмонт) Музыкант­философ   Александр   Николаевич   Скрябин,   чьё   творчество   оказалось созвучным бурной эпохе рубежа двух веков, отразило его смелые поиски новых путей. Стремление к идеалам добра, справедливости и всеобщего братства людей пронизывает всё его музыкальное искусство. Александр Скрябин родился в Москве 6 января 1872 года в семье дипломата, рано потерял мать, и его взяла на воспитание родная тётушка Любовь Александровна Скрябина, давшая ему первые уроки музыки. Она вспоминала, что уже с грудного возраста он тянулся к звукам фортепиано. А в три года уже часами просиживал за инструментом. К роялю мальчик относился как к живому существу. Он и сам их мастерил в детстве ­ маленькие игрушечные рояли...Музыку Скрябин стал сочинять рано ­ в семь лет он написал свою первую оперу, назвав её именем девочки, в которую был тогда влюблён. В 11­летнем возрасте, параллельно обучению в московском кадетском корпусе в Лефортове, начались и его регулярные музыкальные занятия в классе известного преподавателя Московской консерватории Н. С. Зверева, у которого в ту пору уже учился Серёжа Рахманинов. В ранней юности его любимый композитор ­ Шопен, позднее ­ Бетховен. Искусство композиции он изучал у С. И. Танеева, а Московскую консерваторию закончил в двадцать лет по классу фортепиано, получив малую золотую медаль. В   то   же   время   он   испытал   большое   чувство   любви.   Его   избранницей   была пятнадцатилетняя  Наташа Секерина. На своё предложение он получил отказ, но чувство, испытанное к ней, осталось с ним на всю жизнь и больше не повторилось. Скрябин   начинает   рано   и   успешно   гастролировать   ­   Берлин,   Дрезден,   Люцерн, Генуя, Париж. Рецензенты, как и публика, благосклонны к нему. «Он ­ весь порыв и священное   пламя»,   «он   раскрывает   в   своей   игре   неуловимое   и   своеобразное очарование славян ­ первых пианистов в мире», ­ писали о нём. Скрябин обретает славу и в отечестве, и за рубежом. Композитор Анатолий Лядов приветствовал   его   новые   творения   словами:   «Появилось   новое   и   великое искусство». Николай Римский­Корсаков о нём писал: «Звезда первой величины».Лев Толстой, услышав одну из фортепианных миниатюр композитора, откликнулся так: «Очень искренне, искренность дорога. По одной этой вещи можно судить, что он большой художник». Музыка его оказалась столь новой и непривычной, столь дерзкой, что, например, исполнение его Второй симфонии в Москве 21 марта 1903 года превратилось в форменный скандал. Мнения публики разделились: одна половина зала свистела, шикала и топала, а другая, встав возле эстрады, бурно аплодировала. «Какофония» ­ таким страшным словом назвал симфонию мэтр и учитель Н. А. Римский­Корсаков, а вслед за ним и десятки других музыкальных авторитетов. Но Скрябин ничуть не был смущён. Он уже ощущал себя мессией, провозвестником новой   религии.   Такой   религией   для   него   было   искусство.   Он   верил   в   его преобразующую силу, он верил в творческую личность, способную создать новый, прекрасный мир. Скрябин считал, что только искусство способно очистить человека от злобы мира. Это стихотворение ­ яркое подтверждение поэтического дара композитора: О, Гармоний Тебе Хвалу восторженного чувства! Божества, искусство! мы   приносим   чистое           дружно   дивный образдар   приносишь     светлая ты       людям мечта, отдохновенье, ты       и   полна находит холодный       час, смятенья, человек       душа           тот   мрачный жизни праздник, Ты Ты Как Свои волшебные виденья. В Когда В тебе Живую радость утешенья. Ты Чудесно В Ты мыслей новых строй рождаешь. Ты Рождаешь И Твой жрец, тобою вдохновлённый. Царит Твой Тобой Свершает славно подвиг лучший. силы,   уме чувств в лучших дух               к       всевластно   павшие   усталом   жизни   в   и     песней безбрежный сердце,     песнь свободный поднятый   на   и             борьбе, призываешь. больном океан восхищённом, поёт   Земле могучий. человеквсе     мира, народы Придите, Искусству славу воспоём! (А. Скрябин) Скрябин   много   сочиняет,   его   издают,   исполняют,   но   всё   же   он   живёт   на   грани нужды, и желание поправить свои материальные дела снова и снова гонит его по городам и весям. Исполнение его произведений в Европе и Америке, как правило, вызывало восторженный приём слушателей. Издатель журнала «Новое звено» А. Брянчанинов, в корреспонденции из Лондона писал,   как   восторженно   принимала   аудитория   концерт   Скрябина:   «Меломаны, тридцать лет посещающие лондонские концерты, не забудут тех оваций, которыми отблагодарила зала Скрябина. В зале стоял какой­то вопль, махали платками, чем попало.   Оркестр,   заражённый   общим   настроением,   встал   и   поклонился   новому светилу». Композитор   всё   больше   чувствовал   постоянное   переутомление.   Это   находило отражение  в  его музыке. Например, в  Девятой   сонате  появился  мотив,  который произвёл впечатление на внимательных слушателей. Когда у композитора спросили, что он означает, Скрябин ответил: «Это ­ тема подкрадывающейся смерти». Ответ сразу стал известен друзьям композитора. И смерть не замедлила: прервав работу над всеми грандиозными замыслами, она наступила через два месяца послепроизнесённых слов. Он умер 27 апреля 1915 г. от внешне незначительной причины ­ карбункула на губе, вызвавшего общее заражение крови. Весть   о   смерти   композитора   мгновенно   облетела   всю   Москву.   На   кладбище Новодевичьего монастыря его провожала многотысячная толпа. 16   января   далёкого   1896   года   в   Парижской   газете   «Музыкальный   гид»   было напечатано: «Александр Скрябин! Запомните это имя! Оно ещё прозвучит в веках!» Предсказание   сбылось.   Его   имя,   его   творения   продолжают   звучать   в   веках   и радовать человечество. Звуки музыки Каждый воистину великий поэт, художник, композитор дарит потомкам частицу своей души, величайшие творения мировой культуры. Их с увлечением читают, ими любуются, их слушают. Такова судьба каждого из гениальных творцов. Но трём композиторам Вселенной подарено было нечто большее. Можно ли себе представить, скольких младенцев матери в разных странах мира уже в   первые   дни   жизни   приветствуют   колыбельной   «Спи   моя   радость,   усни», написанной,   как   утверждает   легенда,   великим   Моцартом?   А   сколько   миллионов молодожёнов вступают в брак под торжественную и ликующую музыку «Свадебного марша» Мендельсона­Бартольди! И уж совершенно неожиданный масштаб оказался предуготован наследию Скрябина. Не миллионы, а миллиарды землян повседневновстречаются с его наследием. Где бы они ни родились, где бы ни жили, чем бы ни занимались ­ хоть раз в жизни им доводилось общаться с его подарком человечеству. В далёком 1910 году (более ста лет назад!) он завершил своё гениальное творение ­ симфоническую поэму «Прометей». Прометей – один из древнейших мифологических героев. В мифах Древней Греции он предстаёт как благодетель (человек, который оказывает бескорыстную помощь) человечества, наделивший разумом «слепых, жалких людей, живших как муравьи в пещерах». Именно Прометей научил их строить дома, заниматься ремёслами, писать и считать, понимать искусство. Для   блага   людей,   Прометей   похитил   у   всемогущего   Зевса   божественный   огонь. Рассерженный Зевс жестоко наказал дерзкого героя. По его повелению Прометея цепями   приковали   к   скале,   где   огромный   орёл   клевал   его   печень,   за   ночь, выраставшую вновь. Позже Зевс смиряет свой гнев: его сын Геракл освобождает героя. И поскольку героем является в поэме легендарный похититель огня, подаривший человечеству  этот символ цивилизации, композитор впервые  вводит в партитуру музыкального произведения «голос» огня. Впервые сочетает музыку со светом и цветом.Попробуйте представить себе сегодня землянина, пусть и далёкого от музыки, пусть и   не   слышавшего   никогда   даже   имени   Скрябина   ­   но   не   встречавшегося   с   его наследием в области цветомузыки! Ведь наверняка каждый человек хоть раз в жизни побывал в дискотеке, на эстрадном концерте, хоть когда­нибудь слушал концерт по телевидению.   И   всё   это   происходило   в   содружестве:   музыки   симфонической, эстрадной, джазовой и празднества цвета и света! Александр   Скрябин   сразу   же   стал   родоначальником   нового   направления   в музыкальном искусстве ­ цветомузыки. «Прометей»   должен   был   сопровождаться   светоэффектами   с   помощью   световой клавиатуры.   Зал   должен   был   погружаться   в   сияние   красного,   синего   и   других цветов. В этом сочинении воплощались мечты композитора о синтезе искусств, о «световой симфонии». В партитуру была введена особая нотная строка. Композитор обозначил её итальянским словом «luce», означающим «свет». Она предназначалась для ещё не существующего инструмента. В течение многих лет люди пытались осуществить это световое сопровождение. К сожалению, мы так и не узнаем, как представлял себе это световое сопровождение сам композитор. Оркестровая   ткань   произведения   то   ювелирно   прозрачна   (соло   фортепиано, скрипки, виолончели), то сгущается до мощных эпизодов всего оркестра. В главнойкульминации в конце коды «громадный лучезарный подъем» (хор, орган, колокол, весь   состав   медных   и   ударных   инструментов).   Однако,   при   всей   грандиозности кульминации  «Прометей» воспринимается  скорее, как самое утончённое, нежели как самое мощное произведение Скрябина. Вопросы и задания: 1. Что олицетворяет образ Прометея в одноимённом симфоническом произведении А. Скрябина? В чём состоит необычность партитуры этого произведения? 2. 3. Послушайте   заключительный   фрагмент   поэмы,   воплощающий   «громадный лучезарный подъём. Какие группы симфонического оркестра усиливает главную кульминацию произведения? 4. Во   время   прослушивания   обратите   внимание   на   введение   в   состав   оркестра редких партий – фортепиано, хора, органа и колоколов. Подумайте. С какой целью они использованы.Оливье Мессиан. Турангалила­симфония. Вознесение к звёздам ...Таинство, Лучи света в ночи, Отражение радости, Птицы безмолвия... (О. Мессиан) Его называли: сын Франции и всего мира. Оливье Мессиан ­ один из самых ярких, универсальных и своеобразных музыкантов ХХ века. Современникам казалось, что творческий путь Мессиана был спокоен и тих, ведь всю жизнь он был верен двумзанятиям ­ музыке и орнитологии, а историки музыки нередко сравнивают его с Бахом.   Будучи   примерным   католиком,   значительную   часть   своей   жизни   он проработал   церковным   органистом,   написавшим   немало   произведений   духовного содержания. Оливье   Мессиан   ­   композитор,   который   придумал   свою   музыкальную   и мировоззренческую Вселенную, свой музыкальный и ритмический порядок, при этом сам уверял, что не придумал ничего нового. Детские годы будущий композитор провёл в Авиньоне и Гренобле, городах, где его отец ­ знаток английской литературы, переводчик Шекспира ­ преподавал в лицее английский   язык.   Сильное   влияние   на   формирование   художественной   натуры ребёнка оказала его мать, довольно известная в своё время поэтесса Сесиль Соваж. Сам Оливье с раннего детства проявил склонность и талант к музыке и в 11 лет уже поступил   в   Парижскую   консерваторию,   где   занимался   с   Жаном   Галлоном гармонией, с Марселем Дюпре игрой на органе и с Полем Дюка композицией. Блестящие   способности   мальчика   обратили   на   себя   внимание   музыкантов   и   за пределами консерватории. Его сочинения для органа и для фортепиано, написанные ещё   в   стенах   консерватории,   были   услышаны   в   концертах   и   встретили благоприятный отклик критики.После   окончания   в   1930   году   консерватории   Мессиан   получает   назначение органистом   в   один   из   крупнейших   парижских   соборов   ­   Святой   Троицы,   где проработал свыше шестидесяти лет. Уже в ту эпоху молодой композитор проявляет себя как пытливый искатель новых технических средств в музыке. Он разрабатывает свою систему ладовых формул и ритмических конструкций, основанных отчасти на пристальном  изучении древних музыкальных  источников ­  греческих, индийских, григорианских. Особый интерес молодого композитора вызывает «музыка птиц». Он приступает к систематической записи звучаний голосов различных представителей царства пернатых. Мессиан нотами записывал голоса птиц, пренебрегая всеми правилами орнитологов­ традиционалистов.   Специалист   Московского   зоопарка   Иннокентий   Сметанин говорит,   что   правильную   картину   голосов   птиц   дают   только   графическая   и фонозапись.   «Были   попытки   записывать   голоса   и   нотной   записью,   но   адекватно записать   не   удалось»,   ­   утверждает   он.   Не   удалось   никому,   кроме   Мессиана, который сам ходил по лесам с нотной тетрадкой в руках, а потом переносил пение птиц на бумагу. С   началом   в   Европе   Второй   мировой   войны   Оливье   пошёл   на   фронт,   а   через несколько месяцев, во время отступления, он оказался в немецком плену. Один из немецких офицеров из лагерной охраны оказался любителем музыки. Он подарилМессиану нотную бумагу, карандаш и резинку. Среди товарищей по заключению были скрипач, кларнетист и виолончелист. «Квартет на конец мира» написан для скрипки, кларнета, виолончели и фортепиано. Однако поскольку в распоряжении композитора не было фортепиано, его партия была сочинена позже, когда в лагерь было доставлено старое разбитое пианино и устроен концерт для заключённых. Конечно,   самый   факт   создания   музыкального   произведения   в   столь   трагической обстановке,   и   организация   его   исполнения   перед   пятитысячной   толпой заключённых, испытывавших тяжкие муки голода, холода (исполнение состоялось 15 января 1941 года в лютый мороз), болезней, унижений, является актом высокого мужества и стойкости перед лицом суровых испытаний. Освобождённый из концлагеря летом 1942 года, Мессиан возвратился в Париж где продолжил работать при церкви, а также преподавать в Парижской консерватории по классу гармонии. У него учились Булез, Штокхаузен, Ксенакис. Есть последователи Мессиана и в России. Среди наград композитора ­ премия Эрнста Сименса 1975 года, Премия Эразмус 1971­го,   награда   от   Королевского   филармонического   общества   и   много   прочих.Кроме   того,   Мессиан   был   удостоен   почётных   степеней   от   нескольких   учебных заведений Франции. Оливье Мессиан много выступал как органист и пианист, исполнитель собственных сочинений. Яркое отражение в творчестве Оливье Мессиана нашла тема Востока. Увлечение этой интереснейшей темой возникло у композитора после того, как он ознакомился с   трактатом   (трактат   –   научный   труд),   содержащим   120   индийских   ритмов. Глубокие смыслы, заключённые в них, были связаны с древневосточными учениями о божествах, о космосе, о Вселенной. После   изучения   культуры   восточных   народов   Мессиан   создаёт   одно   из   своих лучших творений – «Турангалилу­симфонию», написанную по заказу Бостонского симфонического оркестра. Название турангалила имеет древнеиндийское происхождение. «Туранга» означает «бегущее   время»,   «движение   и   ритм»,   «гимн   радости».   «Лила»   ­   «божественная игра», «игра   творения», «любовь». Симфония   «Турангалила» ­   это  песнь   любви, гимн радости» ... Для   воплощения   грандиозных   смыслов,   заключённых   в   названии,   композитор обратился к крупному музыкальному жанру симфонии. При этом симфонический цикл он расширил до десяти частей!Потрясает   огромный   состав   оркестра,   в   котором   особенно   выделяется   группа ударных   инструментов.   Помимо   большого   барабана   мы   слышим   мощные, «колокольные» удары тамтама, сверкающие серебристые звоны турецких тарелок, шумовой гул китайских тарелок. Ярчайший фрагмент симфонии – пятая часть «Ликование звёзд». В огненном вихре звучаний   перед   нами   проносятся   мириады   (неисчислимое   множество)   звёзд, освещаемых красочными потоками света. Не только звёзды, но и вся природа – горы,   моря,   океаны   –   участвует   в   грандиозном   музыкальном   действии.   Мы наблюдаем  космическую  игру, по словам  Мессиана, «ослепительную, безмерную, сверхчеловеческую радость». В середине и в заключении солирует музыкальный инструмент «Волны Мартено». Его   необычное,   «космическое   «звучание   достигается   за   счёт   электрозвуковых вибраций. Во   время   Первой   мировой   войны,   когда   на   долгое   время   гул   разрывающихся снарядов, свист пуль, скрежет гусениц танков и т.п. наполняли окружающий мир, французский радист Морис Мартено, сидя в окопах, мечтал найти новое звучание,   которое   бы   заглушило   ноты   войны.   Экспериментируя   с   военной радиостанцией,   он   заинтересовался   необычным   «поющим»   звуком,   который издавали   лампы   оборудования.   Будучи   музыкантом   по   призванию   (он   всовершенстве играл на скрипке), ему не составило труда превратить случайные электрические звуки радиостанции в незатейливые мелодии. После окончания войны, увлечённый электрическим звучанием, Морис Мартено продолжил   свои   эксперименты.   Почти   десять   лет   он   работал   над   своим проектом и только лишь в 1928 году достиг желаемого результата. В этом же году   на   Парижской   выставке   он   представил   мировому   сообществу   своё изобретение, назвав его «Волны Мартено. Поскольку это был один из первых подобных инструментов, изобретение Мартено вызвало оживлённый интерес. Мартено   действительно   удалось   найти   новое   звучание.   Люди,   впервые услышавшие в 1928 году его инструмент, окрестили его «космическим пианино», поскольку   он   издавал   необычные   для   того   времени   неземные   звуки,   которые одновременно кажутся и радостными, и загадочными, и величественными! В настоящее время, когда современные  синтезаторы способны воспроизвести множество  сложнейших   звуков,  инструмент   Мориса  Мартено  потерял  свою актуальность,   но   некоторые   музыканты,   отдавая   дань   истории,   всё   же продолжают его использовать в своём творчестве. Вопросы и задания: 1. Какие смыслы заключает в себе древнеиндийское слово «турангалила»?2. Послушайте пятую часть «Турангалилы­симфонии» О. Мессиана. За счёт каких средств   музыкальной   выразительности   достигается   эффект   грандиозности звучания?   Слова   для   справок:   ритм,   мелодия,   лад   (мажор,   минор),   динамика, тембр, оркестровка. Роберт Шуман. Карнавал. Арлекин и Пьеро Музыка ­ воспоминание о самом прекрасном, что когда­либо жило и умирало на земле.(Р. Шуман) Роберт Шуман родился 8 июня 1810 года в городе Цвиккау, в музыкальной семье. Отец его был известный торговец книгами, книгоиздатель, и Роберт был младший из 5 детей. От отца Шуман унаследовал  страстную любовь к поэзии и литературе. Учась в гимназии он организовал там поэтический кружок, сам писал стихи и даже драмы.   Увлечение   поэзией   сыграло   очень   важную   роль   в   будущем   музыкальном творчестве Шумана. С семи лет Роберт обучался музыке, брал уроки фортепиано у местного органиста, импровизировал, сочинял пьесы. Его импровизации, его дирижирование маленьким оркестром товарищей по гимназии, когда ему было 12 лет, указывали на то, что в нём наряду с литературным таится музыкальное дарование. До 16 лет мальчик не знал, кем он будет, какую дорогу в жизни ему избрать. Хотя, он по желанию матери, и поступил в университет города Лейпцига, чтобы стать юристом, но занятия юридическими науками не особенно увлекали его. Юноша уже почувствовал вкус удачного старта в мире музыкального искусства. Он достиг больших успехов как виртуозный пианист и органист. Он старательно изучал музыку великих композиторов Моцарта и Вебера. Он сам создавал музыкальные зарисовки,   которые   музыкальными   звуками   умело   передавали   изображение человека. Он полюбил творчество Шуберта, и сам написал несколько песен.Добившись разрешения матери посвятить себя музыке, Шуман начинает готовить себя к карьере пианиста­виртуоза. Молодой музыкант понимал, что упустил много времени   в   совершенствовании   игры   на   фортепиано.   Желая   поскорее   добиться совершенства, он изобрёл аппарат, который, по его мнению, должен был ускорить процесс развития его рук. Он представлял собой гирю, которая подвешивалась к потолку и прикреплялась к пальцу пианиста. К сожалению, аппарат этот не помог, а, наоборот, привёл к тому, что Шуман повредил себе палец. Для пианиста это было непоправимое горе! Шуман понял, что карьера великого пианиста для него стала недосягаемой, и тогда он решил заняться композиторством. Он стал ещё усерднее изучать музыкальные труды других авторов, в первую очередь И. С. Баха. Композиторская деятельность Шумана   продолжалась   24   года.   В   его   сочинениях   присутствует   удивительная самобытность – его мелодии узнаются с первых звуков. Красивые напевы, полные необычайной прелести и выразительности, широкий полёт романтической фантазии придают фортепианным пьесам Шумана особенное звучание. В 1844 году Шуман вместе со своей женой – пианисткой Кларой Шуман – совершил концертную   поездку   в   Россию.   В   Петербурге   и   Москве   музыка   Шумана   имела большой   успех.   Великие   русские   музыканты   – Чайковский, Рубинштейн, представители «Могучей кучки» ­ были подлинными ценителями его творчества.Во время поездки в Россию Клара Шуман вела путевой дневник, и об этом она написала в своём дневнике. Сейчас её дневник издан в виде книги, и каждый может прочитать о том, как Шумана встречали в России. Русским музыкантам пришлись по душе   новаторство   Шумана,   оригинальность   его   музыки,   свобода   творческих замыслов   и   поэтичность,   всё   это   привлекло   к   нему   симпатии   широких   кругов слушателей и передовых музыкантов. Немецкий   композитор   Роберт   Шуман   хотел,   чтобы,   по   его   словам,   «музыка исходила из глубины настоящего и была не только приятной забавой, красивой по звучанию, но и стремилась к чему­то ещё». В своей музыке – и для детей, и для взрослых – Шуман дал именно такие замечательные образцы, способные вызывать восторг у слушателей до сих пор. Каждое из произведений Шумана ­ это прекрасная музыка, полная соцветия образов, равнозначных   по   яркости   и   глубине   мыслей.   Шуман   вкладывал   в   каждое   своё сочинение всего себя, всю свою жизнь. Жизнь  композитора  закончилась  рано. Но, несмотря  на это, мы всё­таки  можем считать его счастливым. Он выполнил задачу своей жизни: оставил нам на память образец   настоящего   артиста,   который   был   исполнен   честного   прямодушия, благородства   и   духовности.   Поэтому,   перечисляя   имена   великих   композиторов, люди будут вспоминать и имя Роберта Шумана.Звуки музыки Карнавал   –   это   народный   танец­шествие,   первоначально   возникший   в   Италии. Карнавал – это веселье и радость, море красок, обилие зажигательных мелодий и ритмов. Его участники одеты в яркие костюмы и маски. Привычными   гостями   итальянских   карнавалов   являются   любимые   народно­ комедийные персонажи. Среди них задира и насмешник Пульчинелла (итальянский «брат»   русского   Петрушки.   Нескладный   и   ребячливый   Арлекин,   мечтательный Пьеро. Эти  персонажи показывают  весёлые представления. Развлекая  народ, они много балагурят, танцуют и поют. Итак,   поднимем   крышку   рояля,   пригласим   пианиста   и   ­   на   карнавал!   Мы отправляемся на «Карнавал» немецкого композитора Роберта Шумана. ...Рояль зазвучал точно фанфары ­ весело и торжественно. Фанфары возвещают нам, что праздник уже начался. Вот он, непременный участник всех карнавалов ­ вальс. Танцуют   пёстрые   маски,   кружится,   кружится   вальс.   Потом   музыка   изменилась, теперь   рояль   звучит   взволнованно,   страстно...   Мы,   кажется,   услышали   чей­то разговор?   Нет­нет,   не   будем   подслушивать   чужие   секреты.   Скорее   дальше   за пёстрым и ярким хороводом. Звучит уже не вальс, а задорный галоп. Закончилось вступление к «Карнавалу». Теперь будем рассматривать маски....Нехорошо смеяться над грустным человеком. Но удержаться от смеха трудно ­ уж очень он неуклюж. Бродит среди толпы и каждую минуту на что­то натыкается. Чем­то   он   напоминает   нам   гномика   из   «Картинок   с   выставки».   Но   гномик   был деловитым, серьёзным и таинственным, а этот ­ унылый и меланхоличный. Таким нам рисует его музыка ­ медленная, словно нехотя сыгранная фраза, и сразу же её обрывает другая, коротенькая ­ из трёх нот, громких и резких. Помните, в «Гноме» тоже так чередовались  музыкальные  фразы. Только там энергично, напористо, а здесь ­ вяло, медленно. Да, удивительно нелепая фигура встретилась нам на карнавале. А ведь вы очень хорошо знаете эту маску. Вы встречались с ней, когда читали «Золотой ключик» Алексея   Толстого.   Это   Пьеро.   Унылый   Пьеро   в   белом   балахоне   с   чёрными помпонами, с рукавами, свисающими почти до полу. Топчется среди весёлых гостей, скучает... Казалось бы, ему здесь и быть не хочется. А вот поди ж ты ­ ни один карнавал без него не обходится. Ну, а там, где Пьеро, там ищи его всегдашних спутников ­ Арлекина и Коломбину. Эта   троица   всегда   неразлучна.   С   самых   давних   времён,   когда   только   начинал создаваться народный итальянский театр масок, или, как его называют в Италии, «комедия дель арте». Мы сказали, что эта троица неразлучна. Почему же тогда в «Золотом ключике» один только Пьеро? Где же остальные?А   они   там   есть,   только   зовут   их   иначе.   Ведь   озорной   деревянный   мальчишка, непоседа и хитрец Буратино, очень похож на Арлекина. А место Коломбины заняла кокетливая, хорошенькая Мальвина. Значит, и здесь, на карнавале, они тоже втроём. Так и есть. Живая, лёгкая и чуть поддразнивающая музыка. Вот он, насмешник и весельчак Арлекин! Так и видишь перед собой его изящную фигурку в пёстром трико. Сквозь прорези маски блестят лукавые живые глаза. Этот не станет спотыкаться на каждом шагу. Слышите, как озорно взлетает музыка... Несколько лёгких шагов ­ и взлёт, прыжок.   Ещё,   ещё...   Только   что   был   здесь,   и   вот   его   уже   нет   ­   стремительно пронеслась вихрем музыка ­ и закончилась. Снова  проходят  перед  нами   маски...  Наконец­то!..   Вот  она,  Коломбина.  Музыка кокетливая, дразнящая ­ Коломбина танцует... А кто её партнёр? Смешной старик Панталоне ­ тоже один из героев комедии дель арте. Он уморительно ковыляет на своих худых, негнущихся ногах, ухаживает за красоткой Коломбиной. Коломбина подшучивает над стариком Панталоне, кокетничает с ним и, конечно же, убегает ­ зачем ей старый Панталоне, когда где­то здесь, на карнавале, её Арлекин. Снова проходят перед нами маски... Эвзебий, Флорестан, Киарина, Эстрелла… А   теперь   попрошу   вас   пройти   вот   сюда.   Здесь   собралась   группа   людей   без карнавальных костюмов и масок. Это друзья Шумана.«Шляпы долой, господа! Перед вами ­ гений!» ­ сказал об этом человеке Шуман. Сказал тогда, когда этот человек был ещё очень молод, когда его музыку знали ещё очень немногие. Музыку? Значит, этот человек композитор? Совершенно верно. Что напоминает нам музыка, изображающая этого человека? Пожалуй, вот что ­ прелюдию Шопена. Те же мелодические обороты, то же настроение ­ лирическое и грустное, та же поэзия звуков, а главное ­ звучание рояля... Помните? «Он ­ душа фортепиано».   Сам   Шуман   тоже   гениально   чувствовал   природу   рояля,   он   очень много писал для фортепиано. Так ему ли не понять душу юного Шопена!.. Да, друзья мои, это Шопен. Ещё один человек без маски в пёстрой толпе. Подойдём к нему. ...Как   удивительно,   непривычно   звучит   рояль!   Стремительные   резкие   скачки, неудержимое, вихревое движение ­ всё это скорей подошло бы скрипке в руках виртуоза. Маэстро Паганини!   И   вы   пришли   на   карнавал?   Простите,   пожалуйста,   вы   не встречали здесь композитора Шумана? Нам непременно нужно его найти. Должен же он быть на этом карнавале. Торжественно   зазвучал   марш.   В   нём   чувствуется   какой­то   воинственный   задор. Началось финальное шествие.Но куда же делись маски? Панталоне, Пьеро, Коломбина, Арлекин?.. Их больше нет. Карнавал окончен. О! Здравствуйте, композитор Шуман. Наконец­то мы встретились. Снята последняя маска   ­   и   под   ней   то   же,   знакомое   всему   миру   лицо   гениального   немецкого композитора Роберта Шумана. Ярко, красиво нарисовал Роберт Шуман музыкальные портреты­маски! В   юности   Шуман   был   очень   весёлым   человеком,   неистощимым   выдумщиком.   В музыке   «Карнавала»   это   чувствуется   особенно   сильно.   Вот   что   писал   русский композитор   и   критик   Цезарь   Кюи,   когда   услышал   «Карнавал»:   «Нужно   иметь неисчерпаемый талант Шумана, чтобы так беспечно и в таком количестве расточать его в одном произведении». В России карнавальные шествия появились в XVIII веке. Впервые они прошли в Петербурге 300 лет назад в честь проводов зимы и встречи весны. Вопросы и задания: 1. Можно   ли   считать   пьесы   Р.   Шумана   «Арлекино»   и   «Пьеро»   музыкальными портретами? Какими показаны персонажи этих пьес? Что отличает их характеры, походку, движения?2. Послушайте   романс К.   Дебюсси «Пьеро».   Только   ли   потешным   комедиантом предстаёт его герой? В чём причина несчастья Пьеро? Эдвард Григ. Суровая красота Норвегии Много разных стран есть на свете, и почти в каждой из них есть свои особенности. Сегодня с помощью музыки мы с вами совершим путешествие в северную страну, которая называется Норвегией. Это суровый, холодный, но необыкновенно красивый край: неприступные горные скалы летом одеты в ярко­зелёный наряд, а зимой – в сверкающий белый. По крутым склонам низвергаются водопады и шумят горные речушки. Глубоко врезаются в берег узкие и извилистые морские заливы – фьорды. На их берегах  приютились  живописные рыбацкие  селения и деревеньки. Северное  небо отражается в синих бездонных озёрах. Здесь, в Норвегии, городе Бергене 15 июня1843 года родился Эдвард Григ, норвежский композитор, чьё творчество неразрывно связано   с   мелодиями   его   родины.   Один   из   восторженных   поклонников   Грига русский писатель Лев Кассиль сказал так: «Его мелодии выпадают кристаллами». И, действительно, музыка Грига удивительно мелодична. Его мотивы узнаёшь, даже если слышал их всего один раз. Вот, например, знаменитая «Песня Сольвейг» из музыки к драме писателя Генриха Ибсена «Пер Гюнт». Но может быть, не все знают содержание этой пьесы. Тогда послушайте. Давно ушёл Пер Гюнт странствовать по свету. Но в родной деревушке его осталась ждать верная невеста по имени Сольвейг. В своей песне Сольвейг тоскует о женихе, которого она давно не видела, и надеется на то, что он скоро возвратится. Вот как поётся об этом в её песне. Зима пройдёт, и весна промелькнёт, Завянут все цветы, снегом их занесёт. Но ты ко мне вернёшься, мне сердце говорит, Тебе верна останусь, тобой лишь буду жить. Музыка в начале песни грустная, распевная. Но в середине Сольвейг вспоминает весёлые дни, когда она была счастлива. И тогда мелодия становится оживлённой, лёгкой, похожей на народный танец.Много диковинных странствий выпадает на долю Пера Гюнта. Вот он оказался в пещере Горного Короля. Послушайте, какими удивительными красками рисует бал в пещере Горного Короля композитор Григ. Здесь он использовал эффект, который называется   «приближение   и   удаление».   Сначала   мы   будто   слышим   издалека приближающиеся к нам шаги. Пляска начинается тихо, ровно. Но вот словно зловещий вихрь врывается в пещеру, и   волшебный   танец   начинает   напоминать   бешеный   хоровод.   А   в   самом   конце раздаются   громкие   удары   всего   оркестра:   праздник   кончился,   все   сказочные существа улетают прочь. Что же спугнуло бешено веселящихся троллей, гномов, кобольдов и гоблинов? Эти существа ночные и боятся только одного ­ ясного солнца.   Значит, пришла пора послушать пьесу Грига, которая называется «Утро» и рисует восход солнца на небе. Музыка   сначала   рисует,   как   просыпается   земля,   оживает   ветер,   начинают раскрываться  цветы на полях. Солнышко бросает на землю лишь первые робкие лучи.   Но   оркестр   рисует   картину,   как   эти   лучи   растут,   крепнут,   как   кругом светлеет. И вот, наконец, из­за горизонта показывается яркий солнечный диск. Благодаря своему таланту Григ умел делать людей счастливыми. Вот какая встреча однажды   произошла   между   композитором   и  маленькой   норвежской   девочкой   по имени Дагни Педерсен...Композитор Эдвард Григ проводил осень в лесах около Бергена. Однажды Григ встретил в лесу маленькую девочку с двумя косичками ­ дочь лесника. Она собирала в корзину еловые шишки. ­ Как тебя зовут, девочка? ­ спросил Григ. ­ Дагни Педерсен, ­ вполголоса ответила девочка. ­ Вот беда, мне нечего тебе подарить. Я не ношу в кармане ни кукол, ни лент, ни бархатных зайцев. Но не беда. Я придумал. Я подарю тебе одну интересную вещь. Но только не сейчас, а лет через десять. ­ Ой, как долго! ­ Дагни даже всплеснула руками. ­ Понимаешь, мне нужно её ещё сделать. ­ А что это такое? ­ Узнаешь потом.  ­ Разве за всю свою жизнь, ­ строго спросила Дагни, ­ вы можете сделать всего пять или шесть игрушек? Григ смутился. ­   Да   нет,   это   не   так,   ­   неуверенно   возразил   он.   ­Я   сделаю   её,   может   быть,   за несколько дней. Но такие вещи не дарят маленьким детям. Я делаю подарки для взрослых. А теперь давай корзину. Ты её едва тащишь. Я провожу тебя.Когда среди деревьев показался дом лесника, Григ сказал: ­ Ну, теперь ты побежишь сама, Дагни Педерсен. В Норвегии много девочек с таким именем и фамилией, как у тебя. Как зовут твоего отца? ­ Хагеруп. ­ Прощай, Дагни! Григ пригладил волосы девочки и пошёл в сторону моря. ­ Я напишу музыку, ­ решил Григ. ­  На заглавном листе я прикажу напечатать: «Дагни   Педерсен   ­   дочери   лесника   Хагерупа   Педерсена,   когда   ей   исполнится восемнадцать лет». Григ   писал   музыку   для   Дагни   Педерсен   больше   месяца.   Он   писал   и   видел,   как навстречу ему бежит, задыхаясь от радости, девушка с зелёными сияющими глазами. Она   обнимает   его   за   шею   и   говорит   «спасибо»,   сама   ещё   не   зная,   за   что   она благодарит его.  ­ Ты, как солнце, ­ говорит ей Григ. ­ Как нежный ветер и раннее утро. У тебя на сердце расцвёл белый цветок и наполнил все твоё существо благоуханием весны. Я видел жизнь. Что бы тебе ни говорили о ней, верь всегда, что она удивительна и прекрасна. Ты ­ белая ночь с её загадочным светом. Ты ­ счастье. Ты ­ блеск зари. Да будет благословенно всё, что окружает тебя.В 18 лет Дагни окончила школу. По этому случаю отец отправил её погостить к своей сестре Магде. Пускай девочка (отец считал её девочкой, хотя Дагни была уже стройной девушкой с тяжёлыми русыми косами) посмотрит, как устроен свет, как живут люди и немного повеселится. Кто знает, что ждёт Дагни в будущем? Тётушка Магда и её муж Нильс предложили Дагни сходить на концерт, и Дагни надела чёрное платье из шелковистого мягкого бархата. Дагни  впервые  слушала  симфоническую  музыку. Она  произвела  на неё странное действие.   Все   переливы   и   громы   оркестра   вызвали   у   Дагни   множество   картин, похожих на сны. Потом она вздрогнула и подняла глаза. Ей почудилось, что худой мужчина во фраке, объявлявший программу концерта, назвал её имя. ­ Это ты меня звал, Нильс? ­ спросила Дагни дядюшку Нильса. Дядюшка Нильс смотрел на Дагни не то с ужасом, не то с восхищением. И так же смотрела на неё, прижав ко рту платок, тётушка Магда. ­ Что случилось? ­ спросила Дагни. И она услышала, как человек во фраке сказал: ­   Слушатели   из   последних   рядов   просят   меня   повторить.   Итак,   сейчас   будет исполнена   знаменитая   музыкальная   пьеса   Эдварда   Грига,   посвящённая   дочери лесника Хагерупа Педерсена Дагни Педерсен по случаю того, что ей исполнилось 18 лет.Дагни   нагнулась   и   закрыла   лицо   ладонями.   Так,   значит,   это   был   он,   тот   седой человек,   что   помог   ей   донести   до   дому   корзину   с   еловыми   шишками.   Это   был Эдвард Григ, волшебник и великий музыкант. И она его укоряла, что он не умеет быстро работать! Так вот тот подарок, что он обещал сделать ей через 10 лет. Дагни плакала, не скрываясь, слезами благодарности. В наплыве звуков вдруг возник знакомый голос. «Ты счастье, ­ говорил он. ­ Ты ­ блеск зари!» ­ Если бы можно было увидеть его! ­ думала Дагни. ­ Если бы он появился здесь! С каким стремительно бьющимся сердцем я побежала бы ему навстречу, обняла бы за шею и казала бы только одно слово – «спасибо!» ­ За что? ­ спросил бы он. ­ Я не знаю, ­ ответила бы Дагни. ­ За то, что вы не забыли меня. За вашу щедрость. За то, что вы открыли передо мной то прекрасное, чем должен жить человек. Дагни шла по пустынным улицам. Она не замечала, что следом за ней, стараясь не попадаться ей на глаза, шёл Нильс, посланный Магдой. Сумрак ночи ещё лежал над городом. Но в окнах слабой позолотой уже занимался северный рассвет. Дагни вышла к морю. Оно лежало в глубоком сне, без единого всплеска. Дагни сжала руки и застонала от неясного ещё ей самой, но охватившего всё её существо чувства красоты этого мира.– Слушай, жизнь, – тихо сказала Дагни, – я люблю тебя. И   она   засмеялась,   глядя   широко   открытыми   глазами   на   огни   пароходов.   Они медленно качались в прозрачной серой воде. Нильс, стоявший поодаль, услышал её смех и пошёл домой. Теперь он был спокоен за Дагни. Теперь он знал, что её жизнь не пройдёт даром. «Корзина с еловыми шишками» ­ одно из наиболее лирических произведений К. Паустовского. Эта новелла радостна и чиста, как и сама музыка Эдварда Грига. Вот он, невысокий, седоволосый, идёт по осеннему лесу, наполненному солнцем и терпким   запахом   смолы...   Беззвучно   покачиваются   ветви,   тихо   опадают   жёлтые листы. Вокруг густая таинственная тишина. Но для Грига даже тишина была полна неповторимых   мелодий   и   звуков.   Для   него   весь   мир   ­   это   величественная   и прекрасная симфония, в которую вплетают свои голоса и золотисто­зелёные сосны, и   сумрачные   громады   скал,   и   зыбкий   воздух   над   фьордами,   и   даже   корзина, наполненная смолистыми шишками. Да,   мир   прекрасен,   и   его   красота   особенно   чувствуется   на   закате   жизни.   Дочь лесника   восьмилетняя   Дагни   Педерсен,   беззаботно   собирающее   шишки,   даже   не подозревает   до   чего   красива   земля:   горы,   море,   люди,   как   красива   она   сама... Старый композитор, встретивший её в лесу, задумывает сделать Дагни подарок.Это будет не тряпичная кукла и не безделушка, решает Григ, он напишет для неё музыкальную пьесу ­ о тишине весенних рассветов, о рокоте моря, бьющегося у норвежских берегов, о синеве неба и золотой осени. Это будет его подарок ко дню совершеннолетия   Дагни,   чтобы   она,   вступая   в   жизнь,   шла   рука   об   руку   с прекрасным, а, главное, чтобы помнила, что человек счастлив и красив только тогда, когда отдаёт людям всю свою жизнь, работу, талант». Мы не знаем, какова была дальнейшая жизнь Дагни Педерсен, но невольно верим, что её жизнь не прошла впустую. Ну вот, мы и совершили путешествие в Норвегию, где познакомились с музыкой композитора Эдварда Грига. И теперь, я думаю, музыку Грига вы не спутаете ни с какой другой.Иоганн Себастьян Бах. «Не ручей – море ему имя...» … Бах! С тобой немногий мог сравниться: Ты стал как органист Великим издавна, А то, что ты нанёс на нотные страницы, На долгие тебя прославит времена… (Г. Телеман)  Удивительна   судьба   музыки   этого   великого   немецкого   композитора,   со   дня рождения которого прошло более трёхсот лет. При жизни он получил признание преимущественно как органист и знаток музыкальных инструментов, а после смерти был   почти   забыт   на   несколько   десятилетий.   Но   затем   постепенно   стали   словно заново   открывать   его   творчество   и   восхищаться   им   как   драгоценным художественным сокровищем, непревзойдённым по мастерству, неисчерпаемым по глубине и человечности содержания. «Не ручей! ­ Море должно быть ему имя». Так сказал о Бахе другой музыкальный гений ­ Бетховен. Посмотрите   на   портрет   великого   композитора.   На   нас   смотрит   сам   Иоганн Себастьян Бах. Обратите внимание, как необычно одевались музыканты тех времён. На его голове – парик с буклями. Он одет в тёмный кафтан, на шее повязан белый платок. Он глядит на нас через три века. Его взгляд серьёзен, волевой подбородок поджат, губы твёрдо сомкнуты, словно он предвидит все испытания, которые емупридётся пережить в этом мире, но он готов к проверкам судьбы. Как появился в этом   мире   такой   великий   композитор?   Как   сложилась   его   судьба?   Какая   тайна хранится в его музыке и почему она безгранична во времени? В музыкальном искусстве фамилия Бах связана с древним немецким родом. Одни представители этого рода были композиторами, другие – церковными органистами, третьи – городскими музыкантами… Мировую   славу   приобрело   творчество   Иоганна   Себастьяна   Баха   –   гениального композитора и органиста. Он жил почти 300 лет назад, но писал такую возвышенную и гениальную музыку, что люди до сих пор слушают её. Родился Иоганн Себастьян Бах в Германии. Представьте себе старинный немецкий городок Эйзенах – узенькие улочки, забитые камнями, дома с высокими шпилями, каменная церковь. Здесь в 1685 году 21 марта и появился на свет мальчик, которому суждено было стать великим, недосягаемым Бахом. Родился   он   в   семье   музыканта,   отец   учил   его   игре   на   скрипке   и   клавесине, музыкантами были и его братья. Один из них, Иоганн Кристоф, когда умер отец, взял Себастьяна к себе на воспитание. И мальчик уже с 10 лет сам заботился о себе, он прекрасно играл на скрипке и органе, пел в хоре, сочинял изумительную музыку. А ещё он не упускал случая изучать творения великих мастеров, которые создавали свои   сочинения   раньше,   до   него.   Например,   у   его   брата   были   ноты   старинныхкомпозиторов,   которыми   он   очень   дорожил,   настолько,   что   не   давал   по   ним заниматься   Себастьяну.   И  мальчик   по  ночам   переписывал   эти   ноты   при   лунном свете. Каково же было его несчастье, когда однажды брат вошёл в его комнату и отобрал   почти   переписанные   ноты!   Вот   было   горе   у   Себастьяна!   Этой   работой Себастьян сильно повредил себе зрение. Но его упорству в овладении музыкальным искусством не было предела! Например, он очень полюбил звучание органа, работая органистом. Но когда он услышал, что в соседний город приезжает знаменитый композитор, прославленный органист Дитрих Букстехуде, чтобы давать свои концерты, то выпросил у своего начальства отпуск на   месяц   и   пешком   отправился   слушать   эти   концерты.   А   ведь   соседний   город находился почти за 100 км, и весь этот путь молодой Себастьян туда и обратно проделал пешком. Вот так упорство! Летом 1696 года Себастьян стал учеником местной гимназии. Ордруфская гимназия считалась одной из лучших в Тюрингии. Здесь серьёзно изучали латынь, читали в подлинниках   римских   авторов.   Очень   ценилось   грамотное   письмо.   В   старших классах устраивались диспуты на самые разные темы. 5 часов в неделю отводилось на уроки музыки. Себастьяну исполнилось пятнадцать лет. Закончив гимназию, Себастьян продолжает учение  в лицее Святого Михаэля в г. Люнебурге. Он рад, что больше не будетсидеть на шее у старшего брата. Он полон мечтаний и надежд. Начинается новая самостоятельная жизнь. Музыкальная   библиотека   лицея   славилась   далеко   за   пределами   Люнебурга. Себастьян   многие   часы   проводил   в   школьной   библиотеке,   изучая   композиторов прошлого и традиционные методы композиции, включая многоголосие. А в то же время его игра на органе становилась всё более совершенной в результате уроков, которые он брал у знаменитого органиста Георга Бёма. Бах сочинил органную фугу и принёс её Бёму. Тот небрежно посмотрел ноты и отложил их в сторону. Потом улыбнулся и сказал: ­ Мой орган захворал. Не желаете, дорогой коллега, проведать его со мной? Озадаченный Себастьян лишь кивнул в ответ. Служба   в   церкви   Святого   Иоанна   давно   закончилась.   Вокруг   органа   суетились служащие в рабочих одеждах. Одна из ручных клавиатур была разобрана. Пожилой мастер прилаживал на место западавшую прежде клавишу. ­ Ну вот, господин Бём. Теперь всё в порядке. ­ А мехи? ­ Кожа действительно истёрлась. Пришлось поменять. Однако же, господин Бём, сдаётся мне, не в мехах дело.­ А в чём? Нижние регистры кашляют, как старый пьяница с утра. Мастер почесал затылок: ­ Сдаётся мне, что придётся разбирать трубы. Что­то в них попало. ­ Что в них могло попасть? Что ж, пойдём посмотрим. Они обошли орган с другой стороны. Двое рабочих заканчивали обновлять мехи, способные   вдохнуть   воздух   в   молчащее   до   поры   до   времени   сооружение.   У Себастьяна возникло ощущение, что он находится вблизи спящего божества. Каким­ то голосом заговорит оно, когда проснётся?.. Тем   временем   мастер   маленьким   молоточком   принялся   легонько   простукивать трубы   одну   за   другой.   Кто­то   из   рабочих   заговорил,   и   Бём   шикнул   на   него, приложив   палец   к   губам.   Все   замолчали,   прислушиваясь   к   глуховатому постукиванию латуни о свинец. И вдруг в одной из труб раздался жалобный звук, который ни с каким другим невозможно было спутать. И это было так неожиданно, что все расхохотались. ­ Котёнок, чёрт меня дери! – воскликнул Бём, забыв, что находится в Божьем храме. – Как он туда попал? ­ Настоятель наш привечает кошек, чтобы крыс вывести, ­ пояснил мастер. – А этот, верно с верхней балки сорвался. Да прямо в раструб. И как ведь не задохнулся, бедняга!Через некоторое время котёнка освободили. Учёба   в   лицее   Святого   Михаэля   подходила   к   концу.   Весной   1703   года   Иоганн Себастьян   Бах   получил   диплом,   дающий   право   продолжить   образование   в университете. Но ни учёным, ни пастором он себя в будущем не представлял. Одна лишь музыка всецело владела его сердцем. Так зачем же изменять ей? В течение своей жизни Иоганн Себастьян Бах несколько раз переезжал из города в город,   меняя   место   работы,   так   как   почти   всегда   были   неудовлетворительные условия работы, унизительное, зависимое положение. Бах стремился своей музыкой пробудить в людях живые человеческие чувства, а церковные власти боялись, что эта музыка уведёт прихожан из­под их власти. Иоганна Себастьяна Баха обвиняли в том, что его музыка слишком сложна и в то же время слишком народна, что она мешает верующим сосредоточиться в религиозном настроении. Иоганн Себастьян Бах всё время не ладил с церковным начальством, не раз   собирался   оставить   свою   должность.   Только   мысль   о   необходимости прокормить большую семью останавливала его. А музыку он всё равно продолжал писать такую, какую подсказывало ему его сердце, ­ человечную, одухотворённую живыми мыслями и глубокими чувствами, свободную от церковных ограничений. Единственной отрадой на протяжении всей жизни были творчество и семья.Подросшие сыновья – Вильгельм Фридеман, Филипп Эммануэль, Иоганн Кристиан – оказались талантливыми музыкантами. Ещё при жизни отца они стали известными композиторами. Большой музыкальностью отличалась Анна Магдалена Бах – вторая жена композитора. Хорошо пела старшая дочь Баха.   Поэтому в его доме часто звучала   музыка.   Для   своей   семьи   Иоганн   Себастьян   Бах   сочинял   вокальные   и инструментальные ансамбли. Последние годы жизни композитора были омрачены серьёзной болезнью глаз. После неудачной   операции   Иоганн   Себастьян   Бах   ослеп.   Но   и   тогда   он   продолжал сочинять, диктуя свои произведения для записи. Однажды июльским утром Бах открыл глаза и понял, что произошло нечто чудесное. Он   вновь   видит!   За   окном   буйно   зеленели   знаменитые   лейпцигские   сады.   На полуоткрытую   штору   села   чёрно­бордовая   бабочка.   Небо   наполнилось   тёплой солнечной синевой. ­ Благодарю Тебя, Господи, что улыбнулся мне на прощание, ­ прошептал Бах. – Благодарю Тебя, мой единственный Наставник… 28 июля 1750 года, Иоганн Себастьян Бах ушёл из жизни. О нём скоро забыли... Звуки музыки«Шутка»  Как раньше часто бывало, при жизни Иоганна Себастьяна Баха почти ничего из его сочинений не было напечатано, он умер в бедности и безвестности. Только спустя почти 100 лет его музыка была оценена по достоинству, и сейчас его имя знает весь мир. Но, несмотря на тяжёлую жизнь, у Иоганна Себастьяна Баха бывали и весёлые минуты. Вероятно, в одну из таких минут он и сочинил свою «Шутку» ­ пьесу для флейты в сопровождении камерного оркестра. Для того, чтобы передать шутливый, искрящийся характер музыки, Иоганн Себастьян Бах избрал достаточно быстрый темп, и его «Шутку» исполнить не так­то просто. С ней может справиться только настоящий виртуоз. Менуэт Иоганн Себастьян Бах сочинил множество маленьких лёгких пьес для детей, для тех, кто учился играть на клавире и органе. И эти пьесы он записывал нотами в нотную тетрадь. Этот сборник он посвятил Анне Магдалене Бах. С тех пор он так и называется – «Нотная тетрадь Анны Магдалены Бах». Менуэт ­ старинный танец французского происхождения. Слово менуэт произошло от французского слова menu, что означает «маленький, мелкий». Три столетия назад и позже менуэт был очень популярен в разных странах. В России его танцевали при дворе   царя   Петра   I.   Этот   танец   танцуют   маленькими,   мелкими   шажками   вумеренном темпе, плавно, церемонно, с поклонами и приседаниями. Это старинный танец, сдержанный, церемонный, галантный. Токката и фуга ре минор Во время службы в церкви Бах играл на органе. Органист­виртуоз покорял людей искусством исполнения. Многие поражались тому, «как он мог так особенно и так быстро   переплетать   пальцы   рук   и   ноги…   не   допуская   не   единого   фальшивого звука». Бах   часто   импровизировал,   то   есть   сочинял   музыку   в   момент   исполнения.   Его органные импровизации отличаются мощью, огромной драматической силой. Вершиной творчества Баха является его органная музыка. Именно в ней композитор воплотил величие и могущество человеческого духа. Его органные произведения знают и любят слушатели всего мира. Среди них органная Токката и фуга ре минор. Что поражает слушателей в музыке Токкаты? За вступительным разделом, похожим на  страстную   речь  человека, начинается  взволнованное  движение, напоминающее безостановочный   поток,   который   прерывают   властные   аккорды.   В   свободной импровизационной манере композитор переходит от одного эпизода к другому: друг друга   сменяют   пассажи,   звучание   органа   подобно   торжественному   пению церковного хора, возникают переплетения голосов (полифония), словно рисует ввоображении  слушателя  величественный  собор с витражами, арками  и шпилями, устремлёнными в небеса. Токката в переводе с итальянского означает «трогать», «прикасаться» (к клавишам). Это виртуозная пьеса для клавишного инструмента. Вопросы и задания: 1. С   каким   музыкальным   инструментом   в   основном   связано   композиторское   и исполнительское творчество Баха? 2. Слово «бах» по­немецки значит «ручей». В связи с этим интересно высказывание Л.   Бетховена   о   Бахе:   «Не   ручей   –   море   ему   имя».   Подумайте,   какой   смысл заключён в приведённом сравнении. 3. Что означает слово «токката»? Каков характер органной токкаты ре минор И. С. Баха? Франц Шуберт. Песни и танцы Австрийский   композитор   Франц   Шуберт,   современник   Моцарта   и   Бетховена, Шуберт прожил очень мало – всего 31 год. Но зато его наследие огромно. За своюкороткую   и   притом   нелёгкую   жизнь   Шуберт   успел   создать   более   тысячи произведений и в них одарил человечество настоящими россыпями музыкальных драгоценностей. Это прежде всего его песни для голоса с фортепиано, которых он написал более шести сотен, подняв жанр на небывалую художественную высоту. Много шедевров и среди других его произведений ­ симфоний, фортепианных сонат и пьес, камерных инструментальных ансамблей. Однако   самыми   популярными   его   сочинениями   остаются   песни   и   фортепианные пьесы. Никто из юных музыкантов не прошёл мимо вальсов или других его танцев для фортепиано. Очень жаль, что композитор прожил такую недолгую жизнь. Но и то, как он её прожил, заставляет говорить о настоящем творческом подвиге. Юный Франц Шуберт ещё в школьные годы начал сочинять музыку, причём он делал это настолько профессионально, что это вызывало у его отца тревогу. Отец Шуберта хорошо знал, как труден был путь музыкантов, даже всемирно признанных, таких, как Моцарт и Бетховен. Отец хотел уберечь своего сына от подобной участи, и его усилия вылились в серьёзную ссору с сыном, в результате чего юный Шуберт был вынужден уйти из дома.В течении всей жизни композитор не имел своего собственного угла. Он проживал то у одного из своих приятелей, то у другого. Большей частью он жил в столице Австрии – городе Вене. И венцы узнали и полюбили его музыку. Главным образом его   песни.   Секрет   их   выразительности   заключался   в   близости   к   народным   – австрийским, венгерским, славянским. Песни занимали в творчестве Шуберта главное место. Интересно отметить, что в своих произведениях Шуберт выводит нового героя – простого скромного человека, который рассказывает с помощью музыки о своих маленьких жизненных событиях, об эпизодах счастья или страданий. Словом, песни Шуберта повествуют о том, с чем в жизни обычно сталкивается каждый человек. Часто   единственным   другом   героя   Шуберта   становится   природа.   Природе   он поверяет свои мысли, надежды и печали. Поэтому в песнях присутствуют образы ручейка,   леса,   цветов,   птиц,   ночного   простора.   Эти   художественные   образы окружают героя песен, разделяют его странствия, радости и горести. Одна из песен называется «В путь». Эта песня открывает целый музыкальный цикл Шуберта под названием «Прекрасная мельничиха». Юноша­мельник отправляется в путь на поиски счастья. Это рассказ о первой встрече на пути странника – встрече радостной, созвучной его настроению.Музыкальное   сопровождение   песни   «В   путь»   рисует   игру   воды   в   ласковом   и приветливом ручейке. Водяная мельница с крутящимися колёсами, бегущей водой создаёт образ весёлого движения. Простая бесхитростная мелодия очень хорошо передаёт радостное настроение мельника. Песня Шуберта «Форель» ­ одна из самых популярных его произведений. В песне говорится о том, как поэт наблюдает за игрой весёлой серебристой рыбки в горном ручье.   Но   рыбак,   ловящий   рыбу,   чтобы   поймать   её,   замутил   воду   в   ручье,   и бедняжка форель попалась на его удочку. Поэт сострадает бедной рыбке, описывая злорадство рыбака: «Он взял её с улыбкой, я волю дал слезам». Мелодия песни звучит на фоне быстрых скользящих вверх фраз, напоминающих всплески воды. Вечная материальная необеспеченность и беспрерывные жизненные неудачи тяжело отразились на здоровье Шуберта. Однако никто из его друзей не отмечал, чтобы Шуберт впадал в мрачное настроение. Маленького роста, плотный, коренастый и близорукий,   Шуберт   превращал   встречи   с   друзьями   в   настоящие   музыкальные праздники, которые даже прозвали «шубертиадами». В такие вечера композитор не отходил от фортепиано, на глазах у публики сочиняя свои замечательные вальсы. Но   вместе   с   тем   композитор   был   большим   тружеником.   Он   много   работал, систематически, изо дня в день. Сам он так и говорил: «Я сочиняю каждое утро. Когда   кончаю   одну   пьесу,   я   начинаю   другую».   Были   дни,   когда   он   сочинял   до десяти песен в день!Также Шуберт мог к одним и тем же словам написать по нескольку различных мелодий.   Так,   к   одному   варианту   текста   он   однажды   сочинил   семь   различных мелодий.   Музыкальные   мысли   посещали   его   даже   во   время   сна.   Тогда   он просыпался и стремился  скорее их записать. Поэтому он даже  спал  в очках! А друзья старались помогать ему в покупке нотной бумаги. Настоящей жемчужиной вокальной лирики является «Серенада» Ф. Шуберта. Песни под названием серенада обычно исполнялись влюблёнными юношами под окнами у возлюбленных.   Пелись   они   в   вечернее   или   ночное   время.   Исполнители   серенад аккомпанировали себе на гитаре или мандолине. Серенада Шуберта полна светлых, мечтательных настроений. Её мелодия льётся плавно и неторопливо, а написана она в   мягком   ритме   вальса.   Фортепианное   сопровождение   серенады   напоминает   нам звучание гитары. «Ave, Maria» ­ одно из самых светлых и лирических вокальных произведений Ф. Шуберта. Неземная красота этой музыки сделала молитву Деве Марии наиболее популярным   религиозным   сочинением   Шуберта.   «Ave   Maria»   ­   начальные   слова католической молитвы, обращённой к Святой Деве Марии, которую у нас называют Богородицей. Текст для этой песни Шуберт взял из поэмы «Дева озера» английского писателя Вальтера Скотта ­ автора «Айвенго» и многих других увлекательных романов. В поэме, действие которой происходит в XVI веке, это слова песни, которую поётюная   девушка   Эллен.   Вместе   с   отцом,   храбрым   воином,   оклеветанным   перед королём Шотландии и изгнанным им, и верным старым бардом она скрывается в глухих   дебрях   ­   краю   диких   скал,   мрачных   лесов   и   хрустальных   озёр. (В средневековой Шотландии бардами называли странствующих поэтов­певцов.) В своей песне, которой бард аккомпанирует на арфе, Эллен обращается к Деве Марии, прося защиты от жестоких преследователей. Песня Шуберта пленяет красотой своей плавной мелодии, сочетающей лирическую выразительность, женственность и возвышенность настроения. Музыкальный момент ­ это небольшая инструментальная пьеса, в которой могут быть   выражены   разные   переживания   человека:   лёгкая   грусть   и   грусть­скорбь, взволнованность и тревога. Впервые в музыке это название ­ музыкальный момент ­ появилось у Франца Шуберта. Исключительной популярностью пользуется «Музыкальный момент» фа минор. Он представляет   собой   один   из   немногих   образцов   лирически   опоэтизированного чешского народного танца ­ польки. Лет через десять после возникновения этой очаровательной   небольшой   пьесы   Шуберта   полька   стала   приобретать   широкую известность во многих странах Европы, включая Россию, как развесёлый бальный танец   с   характерной   задорной   припрыжкой.   Под   музыку   же   Шуберта   может танцевать,   пожалуй,   кто­то   юный   ­   и   грациозный,   и   застенчивый,   лишь   робко обнаруживающий свою ласковую, иногда чуть лукавую игривость.Пьеса звучит то с нежной грустью, то шутливо, то ярко, решительно, игриво, то очень хрупко и легко. В этой музыке много украшений (мелких, лёгких звуков), которые придают ей утончённость и изысканность, делают её очень красивой. Этой пьесой   любуешься   как   драгоценной,   тонко   и   с   мастерством   сделанной   вещью, хочется рассматривать в ней каждый узор и завиток, следить, как она искрится и переливается. Город   Вена,   в   котором   жил   композитор,   всегда   славился   вальсами.   Такие танцевальные пьесы сочинял и сам Шуберт. Обычно их мелодии возникали у него на вечерах   «шубертиадах»,   на   балах   или   загородных   прогулках.   Там   он импровизировал, сопровождая танцы или просто радуя своей игрой друзей. Жаль, что не все свои музыкальные пьесы он успевал записывать. Но вот один из вальсов – си минор – наверняка знают юные музыканты. Этот вальс несложен, у него есть особенное светлое, мягкое звучание. Но в середине вальс меняет свою тональность с минорной на мажорную, становится более бодрым, решительным. Наверное, сочиняя этот  вальс, Шуберт  вспоминал   что­то  радостное  из своей   жизни,  а может  быть, мечтал о своём будущем. Музыка Шуберта сама была похожа на ручеёк, который неоднократно звенел в его песнях. Подобно светлому ручейку, она передавалась от певца к певцу, и простые люди,   которые   жили   в   предместьях   Вены,   полюбили   её.   Надеемся,   что   и   Вы полюбите музыку Франца Шуберта.Вопросы и задания: 1. Сколько песен написано Шубертом? 2. Кто является «героем» песен Шуберта? 3. Сделалось ли в шубертовских песнях более тесным единение музыки и поэзии? 4. Какая роль стала принадлежать фортепианной партии в песнях Шуберта? 5. Что представляет собой по содержанию жанр серенады? Какой характер имеет вокальная мелодия и какой ­ фортепианная партия в «Серенаде» Шуберта? 6. Из   какого   литературного   произведения   взяты   слова   песни   Шуберта   «Аве Мария»? Каково содержание этой песни и каков её характер? 7. К каким жанрам в области фортепианной музыки обращался Шуберт? 8. Какие жанры в этой области он ввёл первым? 9. Какие черты характерны для произведений Шуберта для фортепиано? 10. Чем примечателен по своему характеру Вальс си минор? 11. Какой танцевальный жанр опоэтизировал Шуберт в «Музыкальном моменте» фа минор?Цвет и звук: Музыка витража Чудо­прибор калейдоскоп знают все. Глядя в глазок «волшебной трубки», вращая её, можно наблюдать сменяющиеся разнообразные узоры из стекла. Между этими узорами немало общего, при том все они отличаются друг от друга. Выдающиеся   произведения   из   стеклянного   материала   представлены   в   искусстве витражей. Витраж   –   это   картина   или   узор   из   цветного   стекла. Как   правило,   витражи расположены в окнах архитектурных сооружений. Со   времён   средневековья   до   нас   дошли   витражи,   украшающие   соборы западноевропейских   стран.   Обычно   образы,   запечатлённые   на   них,   связаны   с сюжетами из Библии. В   маленьком   сказочно   красивом   городке   Шартр   неподалёку   от   Парижа расположился   изумительный   собор,   известный   как   «Стеклянная   Библия»   или Шартрский собор Богоматери. История этого величественного и загадочного здания тянется ещё со времён существования Римской Империи. Если ехать по дороге Париж ­ Нант, километрах в 60 от столицы после одного из поворотов   дороги   далеко   в   поле   вдруг   появляется   силуэт   готического   собора. Сначала   даже   кажется,   что   это   мираж,   как   в   пустыне.   Сверившись   с   картой,понимаешь, что это Шартр. А чуть позже раскрывается и загадка миража: город ­ это как бы приложение к храму, его подножие. Где­то там, в древнем соборе, ждут вас голубые витражи, таинственные крипты с Чёрной   Мадонной, колодец   друидов   и   загадочный   лабиринт,   и   вы   спешите   им навстречу, ожидая чуда... Друиды   ­   жрецы   и   поэты   у   древних   кельтских   народов,   были   хранителями героических преданий и мифологических поэм. Собор заслонить трудно: он виден из любого уголка города ­ за домами, в просветах улиц,   из   окна   кафе.   Он   как   путеводная   нить,   как   цель   и   смысл   всего   этого маленького мира. Известно,   что   как   город   Шартр   появился   в   середине   I   тысячелетия   на   месте кельтского святилища, у святого источника. А вот когда появилось святилище ­ неизвестно... Шартр ­ одно из тех особых мест, которые, кажется, были священными всегда, какой бы народ ни жил здесь. На месте современного Шартрского собора издавна стояли церкви, которые в силу разных причин не раз страдали от пожаров и разрушений. Сразу после пожара 1194 года в Шартре началось строительство нового собора. Христиане  всех сословий  устремились  в город, чтобы помочь восстановить  Дом Богородицы. Каждый приносил что мог ­ кто камни, кто дерево, кто золото, ктосъестные   припасы.   И   даже   больные   и   неимущие   помогали   общему   делу   своими молитвами. Новый храм, получивший  название  Нотр­Дам  де Шартр, стал  первым  в истории Франции собором, посвящённым Деве Марии. Это грандиозное здание дошло до нас в том самом виде, в каком и было построено. Кафедральный собор в Шартре был единственным, который не пострадал во время Великой французской революции, что само по себе удивительно. Уже при входе мы видим статуи царицы Савской, царя Давида, Соломона. Богатейшее   наружное   и   внутреннее   убранство   насчитывает   в   общей   сложности около   10   тысяч   скульптурных   изображений.   Кто­то   назвал   этот   Храм   каменной книгой ­ и чтобы прочитать её, потребуются годы и годы. Христос поучающий и осёл, играющий на виелле, фигуры, изображающие сезонные полевые   работы,   и   символы   знаков   Зодиака,   пророки   и   философы,   короли   и святые... И   чем­то   трогающий   душу   ангел   с   солнечными   часами   на   углу   южной башни. Собор в Шартре гордо носит имя Королевы соборов. Ведь это не только шедевр архитектуры   и   искусства.   Это   и   величайшая   святыня,   и   ведущий   центр философского   образования,   внёсший   больший   вклад   в   формирование   мышления своего времени.Знатоки говорят, что лучше всего смотреть собор утром ясного зимнего дня, тогда игра   света   витражей   предстаёт   во   всем   своём   великолепии.   Но   знаменитая «шартрская синь» ­ так называют её за особый голубоватый свет, который наполняет собой пространство, ­ поражает в любой день. Шартр ­ один из немногих соборов готической Франции, который, пройдя через все исторические   катаклизмы,   сохранил   почти   неизменным   своё   остекление.   Он украшен   витражами   XII­XIII   веков,   занимающими   около   2600   м2,   ­   это   самый большой   из   дошедших   до   нас   ансамблей   витражей   той   эпохи.   В   соборе   146 витражей,   на   которых,   кроме   отдельных   фигур,   изображены   1359   различных сюжетов. Витражи украшают также розы главного фасада и трансепта. Витражные розы Их называли «глазами небес» … Огромные, более 10 метров в диаметре, витражные окна­розы словно стягивают к центру, к единой точке под сводом, все элементы фасада готического собора. Роза ­ один из древнейших образов божественной красоты и гармонии мироздания. Её   лепестки   ­   это   бесконечное   множество   миров,   разворачивающихся   из   одного центра и создающих круг, идеальную, совершенную форму. Роза ­ вечный символ любви. Любви, не имеющей преград, любви, побеждающей смерть, любви жертвенной, отдающей. Поэтому роза на фасаде собора ­ символБогоматери,   «розы   без   шипов»,   светлой   розы,   что   росла   когда­то   в   эдеме.   Она, вместившая в себя и родившая Бога, стала олицетворением преображённой материи, пропитанной духовным светом. Собрание витражей кафедрального собора в Шартре называют стеклянной библией. Каждый витраж представляет собой эпизод из Библии или картину из французской жизни XIII века. «Читать» их нужно слева направо, но не так, как книги, а снизу­ вверх, то есть от земли к небу. Звуки музыки Разноцветный витраж заиграл, засиял… Сложен нежной рукой за осколком осколок… Из разбитых надежд мозаичным узором Мастер живую картину по кусочкам собрал… Давно забыт тот мастер, что когда­то Собрал витраж из пёстрого стекла. А мы все тщимся подобрать слова, Чтоб воссоздать творение собрата. И наконец, мы, дрогнувшей рукой, Осколки сложим в пёструю картину.И, засияв по­новому, стекло Стихом иным в столетиях застынет… А мастер тот, что нами был забыт,  С улыбкой грустною на нас с небес глядит… Потоки света, проходящие сквозь витражные окна, окрашиваются в различные цвета и оттенки. Вместе они образуют яркую, искристую «симфонию красок». В музыке эффект витража использовал французский композитор Оливье Мессиан. «Я могу точно сказать, что моё предпочтение относится к красочной, переливчатой музыке…   похожей   на   церковные   витражи,   на   божественную   радугу»,   ­   говорил композитор. После   окончания   консерватории   О.   Мессиан   был   назначен   органистом   церкви Святой Троицы в Париже. Витражи этого прекрасного собора вдохновили его на создание многих музыкальных образов.   Игра   света,   преломлённого   в   цветных   стёклах   витража,   стала   игрой музыкальных звуков – необычных, порой удивительных. Одно   из   произведений   О.   Мессиана,   в   котором   применён   эффект   витража, называется «Рождество Господне».Эпиграфом   к   пьесе   О.   Мессиана   «Пастухи»   из   органного   цикла   «Рождество Господне» стали слова: «Увидев младенца, пастухи направились к нему, прославляя Бога…». Вопросы и задания: 1. Что означает слово «витраж»? 2. В   творчестве   какого   композитора   используется   эффект   «музыкального витража»? 3. Каков   характер   музыки   пьесы   «Пастухи»?   Ощущается   ли   присутствие изобразительности в музыкальном звучании?