«Совместное музицирование – от простого к сложному».

Муниципальное казенное учреждение дополнительного образования

«Острогожская детская школа искусств»

Методическая разработка открытого урока

преподавателя Пономаревой А.Н.

Тема урока:

«Совместное музицирование – от простого к сложному».

Май 2019 год.

г. Острогожск.

Преподаватель Пономарева А.Н.

Технологическая карта урока.

1.Ф.И.О.преподавателя: Пономарева Анжела Николаевна.

2.Учебная дисциплина: музыкальный предмет.

3.Класс: уч-ся всего класса (1-8 класс).

4.Тип урока: комбинированный.

5.Цели урока: развитие творческого подхода уч-ся к работе над фортепианными ансамблями, трудности и их преодоление при совместном музицирование, расширение состава ансамбля до 4-х человек.

6.Задачи урока: заинтересовать уч-ся и педагогов в системной работе над произведениями, а не от случая к случаю, демонстрация новых сборников и интересных пьес.

7.Методы работы: словесный, практический, игровой, наставнический.

8.План работы: организационный момент, разыгрывание уч-ся, методическое сообщение, работа с учениками, методы и решения трудностей в работе над ансамблем с каждым уч-ся и концерт, чаепитие с родителями и участниками урока.

9.Ожидаемый результат: помочь преодолеть ансамблисту присущие ему недостатки (неумение держать темп, играть ритмично), учитывать индивидуальные качества партнера, умение найти общий язык.

10.Оборудование: 2 рояля, музхыкальная аппаратура.

11. Музыкальные примеры: программа выступления прилагается ниже.

Фортепианный ансамбль известен как один из распространенных видов музицирования и является самым доступным для всех категорий учащихся. В искусстве ансамблевого музицирования заложен богатейший педагогический потенциал. Именно этот вид деятельности способствует формированию интереса к музыкальным занятиям, расширению музыкального кругозора, развитию музыкально-исполнительских способностей.

Согласно наблюдениям ведущих специалистов в области фортепианного ансамблевого музицирования.в последние десятилетия интерес к жанру фортепианного ансамбля значительно возрос. Ансамблевый репертуар детских музыкальных школ обогатился оригинальными произведениями и переложениями современных авторов. Регулярными стали конкурсы фортепианных ансамблей.

Ансамбль – вид сотворческой деятельности, способствующий всестороннему развитию учащихся. Как справедливо замечают педегоги ведущий школ России, курс фортепианного ансамбля, составляет  единый педагогический комплекс с дисциплиной специального фортепиано и  является «плацдармом» для развития базовых музыкальных способностей учащихся – интонационного и гармонического слуха, метроритма, музыкальной памяти.

Публичному выступлению предшествует долгий репетиционный процесс творческого общения, который всегда протекает в соответствии с внутренними закономерностями, свойственными сотворческой деятельности, независимо от того, осуществляется ли он стихийно или организуется педагогом. В  сферу сотворческой деятельности учащихся при игре в ансамбле включаются: время, ритм, интонация, единое исполнительское дыхание, единая исполнительская воля .

Игра в ансамбле как нельзя лучше дисциплинирует ритмику, учит считать паузы и вступать вовремя. «Чувство ровности движения приобретается всякой совместной игрой», – писал Н.А. Римский-Корсаков, подчеркивая ритмически дисциплинирующее, свободно корректирующее воздействие ансамблевого музицирования на каждого из партнеров.

Ансамблевая игра обладает широкими возможностями в развитии различных видов слуха (мелодического, гармонического, полифонического, тембро-динамического).

Велика роль ансамблевой игры в развитии такой важной музыкальной способности, как память. Заметим, что ансамблевое исполнение имеет свою специфику запоминания произведения. Если в сольном музицировании при выучивании ученик нередко использует стратегию «вызубривания», идущую от привычки к механическим упражнениям, мало вникая в смысл заучиваемого, то игра в ансамбле этого не допускает. В связи с этим память ансамблиста, , формируется более интенсивно, на основе осмысления и внимания .

Компонент сотворческой деятельности «единая исполнительская воля» взаимосвязан с ансамблевыми феноменами синхронности и единого исполнительского дыхания. Достижение синхронности связано с развитием умений осознанного восприятия, слухового самоконтроля, оценки слаженности звучания обеих партий. Единое дыхание связано с общим темпом и совместным «движением эмоций» учащихся. Не случайно все музыканты-педагоги говорят о необходимости единого дыхания в ансамблевой игре

Единая исполнительская воля способствует достижению качественного результата совместной деятельности учащихся в ансамбле. С единой исполнительской волей связаны такие качества, как заразительность, артистизм ансамблевого выступления. При этом, стремясь к ансамблевой слаженности, каждый участник стремится внести «свой нюанс» в исполнение.

Немаловажно и то, что в ансамбле снимается страх перед публичными выступлениями. Испытав радость успешных выступлений в ансамбле, ученик начинает более комфортно чувствовать себя и в качестве исполнителя-солиста.

Несомненно, что игра в фортепианном ансамбле открывает самые благоприятные возможности для всестороннего и широкого ознакомления с музыкальной литературой. Благодаря тому, что партии ансамбля сравнительно легки, они доступны для чтения с листа и быстрого разучивания. При этом ученики-пианисты находятся в особо выгодных условиях, поскольку, наряду с репертуаром для рояля, они могут исполнять переложения симфонических, оперных, вокальных и других произведений. С этой точки зрения ансамбль отвечает современной концепции развивающего обучения, согласно которой задачи общемузыкального и творческого развития учащегося-пианиста выдвигаются как особо важная цель его подготовки.

Одним из направлений нашей работы стало внимание к ансамблевой этике, разъяснение учащимся норм профессионального поведения в ансамбле: понимание ответственности перед товарищем, дисциплинированность, хорошую подготовку к каждому уроку, устремленность к единой цели, способность к диалогу в общении и «переменному лидерству» в ансамбле.

Надо конечно указать такие моменты как: «Добросовестно учи свою партию, не задерживай работу всего ансамбля»; «Знай партию своего партнера. Это поможет тебе лучше сориентироваться и не ошибаться в игре и концертном исполнении»; «Внимательно слушай замечания педагога, сделанные не только тебе, но и твоему партнеру»; «Если прав – умей убеждать, если не прав – прислушайся»; «Никогда не опаздывай на репетиции» .

Продуктивная работа в фортепианном ансамбле требует определенных условий, методов и приемов работы.

Приемы:

Начальный этап работы - знакомство с произведением. Краткая информация об авторе.. Формирование музыкального образа.

Процесс ознакомления с нотным текстом.

На этом этапе учащиеся внимательно знакомятся с произведением, уясняют его форму, стиль, тональность, размер, темповые обозначения, динамические оттенки, характер мелодии, штрихи.

Далее следует тщательная работа над фрагментами сочинения или отдельными элементами музыкальной ткани. Уделяется внимание выразительности голосов, ощущение движения гармоний, индивидуальный подбор аппликатуры. Уточняются места смены дыхания, определяются трудные технические места, которые предстоит преодолеть. Определяются характерные особенности в строении мелодии: нахождение в ее контуре смысловых акцентов, кульминаций, элементов выразительности и звукового колорита.

После всего перечисленного можно начинать учить произведение наизусть.

При четырёхручной игре за одним фортепиано отличие от сольного исполнительства начинается с самой посадки, так как каждый пианист имеет в своём распоряжении только половину клавиатуры. Партнёры должны уметь «поделить» клавиатуру и так держать локти, чтобы не мешать друг другу, особенно при сближающемся или перекрещивающемся голосоведении (один локоть под другим). Исполнителю второй партии необходимо заострить внимание на гармоническом анализе и, опираясь на гармонию, нужно учиться мысленно слышать всю музыкальную ткань произведения. Кроме того, исполнитель второй партии должен педализировать, потому что вторая партия служит фундаментом произведения. При этом второй партии необходимо очень внимательно следить за тем, что происходит в соседней партии. Слушать своего товарища и учитывать его исполнительские «интересы». Это умение слушать не только то, что сам играешь, а одновременно и то, что играет партнёр. Общее звучание обеих партий, сливающихся в единое целое – основа совместного исполнительства.

Сольное исполнение приучает пианиста к «слушанию» себя, его внимание собрано в определённом фокусе, изменить который не так легко. Недостаточно сказать ученику: «Ты не слушаешь партнёра». Это приведёт к раздвоению фокуса внимания, нечёткому слушанию и того и другого («я» и «он»); нужно слушать не себя, не его, а только общее звучание ансамбля (ни «я», ни «он», а «мы»). Замечание педагога «Ты не слушаешь партнёра» должно пониматься только так: «Ты не слушаешь, что у вас вместе получается».

Полезно учащемуся, исполняющему вторую партию, предложить, ничего не играя, только педализировать во время исполнения другим пианистом 1-ой партии. При этом сразу обнаружится, насколько это непривычно и требует особого внимания и навыка. Также полезно менять пианистов местами.

С самого начала необходимо приучать учащихся, чтобы один из играющих не прекращал игру при остановке другого. Это научит их быстро ориентироваться и вновь включиться в игру.

Синхронность исполнения

Под синхронностью ансамблевого звучания понимается совпадение с предельной точностью мельчайших длительностей (звуков, пауз) у обоих исполнителей. Синхронность является результатом важнейших качеств ансамбля – единого понимания и чувствования партнёрами темпа и ритмического пульса.

При рассмотрении проблемы синхронного исполнения можно выделить три момента: как начать пьесу, как играть вместе и как закончить. Нужно выбрать одного из учащихся для роли дирижёра – он должен показывать вступление, замедление. Сигнал к вступлению – небольшой кивок головы, состоящий из 2х моментов: едва заметного движения вверх (ауфтакт), затем – чёткого, довольно резкого движения вниз. Последнее служит сигналом к вступлению.

Полезно посоветовать одновременно с этим жестом обоим партнёрам взять дыхание (в самом прямом смысле - сделать вдох). Это делает начало исполнения естественным, органичным, снимает сковывающее напряжение.

Очень важно тут же обратить внимание на то, что не меньшее значение, чем синхронное начало, имеет и синхронное окончание, «снятие звука», «рваные» и «лохматые» аккорды, в которых одни звуки длятся дольше других, «загрязняют», уродуют паузу и производят самое неприятное впечатление.

Также нельзя недооценить огромное выразительное значение паузы. Недооценка его – весьма распространенный недостаток среди учащихся. Пауза – это дыхание в музыке, которое бывает коротким или более длинным, но обязательно длится определённое время. Самый простой и эффективный способ преодолеть возникающее в паузах напряжение и боязнь пропустить момент вступления – это проиграть звучащую у партнёра музыку. Тогда пауза перестанет быть томительным ожиданием и заполняется живым музыкальным чувством.

Синхронность вступления и снятия звука достигается значительно легче, если партнёры правильно чувствуют темп ещё до начала игры.

Ритм как фактор ансамблевого единства

Особое место, в совместном исполнительстве занимают вопросы, связанные с метроритмом. Он, по существу, выполняет функции дирижёра в ансамбле. Ощущение каждым участником сильных долей есть тот «скрытый дирижёр», «жест» которого способствует объединению ансамблистов, а значит, и их действий, в одно целое. Ощущение сильных и слабых долей такта, с одной стороны, и ритмическая определённость «внутри такта», с другой, вот тот фундамент, на котором основывается искусство ансамблевой игры. Если при неточности исполнения остальных компонентов снижается общий художественный результат, то при нарушении метроритма рушится ансамбль.

В ансамбле ритм должен обладать особым качеством: быть коллективным. Малозаметные иной раз в сольной игре ритмические недочёты в ансамбле могут резко нарушать целостность впечатления, дезориентировать партнёров.

Каждому музыканту присуще своё ощущение ритма – взаимопонимание и согласие достигаются далеко не сразу.

При всей строгости и незыблемости общего коллективного ритма он должен быть вполне естественным и органичным для каждого участника ансамбля.

Воспитание в учениках чувства коллективного ритма – одна из важнейших задач ансамблевого класса. Наиболее распространёнными недостатками учащихся являются: отсутствие чёткости ритма, его устойчивости. Искажения ритмического рисунка (нечёткое его исполнение) чаще всего встречаются: в пунктирном ритме, при смене длительности. (Например: восьмых шестнадцатыми). Хорошо, если один партнёр ритмически устойчив. В противном же случае задача ещё более осложняется.

Темп как средство выразительности

Отсутствие ритмической устойчивости часто связано с тенденцией к ускорению или, наоборот, к замедлению. Это может сказаться в постепенном общем изменении темпа пьесы (что легко установить, сравнив исполнение коды с началом).

При объединении в дуэте двух пианистов, страдающих таким недостатком, «минус» на «минус» не даёт, к сожалению, «плюса». Но, как говорится, нет худа без добра. Свойственный обоим партнёрам недостаток в совместной игре становится сразу заметным и очевидным для исполнителей, что, конечно, облегчает педагогу его задачу. Если же этот недостаток присущ только одному из участников, то второй оказывается верным союзником и помощником преподавателя.

Таким образом, в условиях совместных занятий возникают некоторые благоприятные возможности для исправления не только общих, но и индивидуальных погрешностей исполнения.

Технические затруднения возникают не только в материале каждой партии, но и при элементарной координации исполнения участниками дуэта.

Разделение нотного материала на две партии обычно облегчает исполнение (ведь часть всегда легче сыграть, чем целое), но иной раз и усложняет его. Возникает специфическая трудность: то, что может быть сыграно без всяких затруднений двумя руками одного пианиста, становится более технически сложным, если играется двумя руками двух исполнителей. Каждый из них ощущает при этом непривычную неловкость, которая в процессе работы должна пройти.

Другие примеры элементарной техники ансамбля – это передача партнёрами друг другу «из рук в руки» пассажей, мелодии, аккомпанемента.

Пианисты должны научиться «подхватывать» незаконченную фразу и передавать её партнёру, не разрывая музыкальной ткани.

О динамике

Динамический диапазон четырехручного исполнения должен быть никак не уже, а шире, чем при сольной игре, так как наличие двух пианистов позволяет полнее использовать клавиатуру, построить более объемные, плотные, тяжелые аккорды, использовать для достижения яркого динамического эффекта равномерное распределение силы двух человек. Конечно, фортепиано не зазвучит от этого вдвое громче, но некоторый результат может быть достигнут.

Очень важно добиться ясного представления ученика о градациях forte и fortissimo. Разобравшись в общем динамическом плане произведения, нужно определить его кульминацию и fortissimo играть всегда «с запасом», а не «на пределе»..

Часто используются и такие приёмы:

слушание другой партии с закрытыми глазами (в это время ученик может мысленно «пропевать» свою партию) (Н.К. Метнер);

прием «подтекстовок» (подтекстовки становятся вспомогательным интонационно-ритмическим ориентиром

два такта играем – два такта слушаем (Г.Г. Нейгауз);

III.            Репертуар

Важнейшим средством оптимизации процесса обучения фортепианному ансамблю является репертуар.

Выбор репертуара должен опираться на принципы доступности и посильности, интереса, художественной и педагогической значимости, стилистического разнообразия. Содержание намеченных произведений должно быть созвучно жизненному и музыкальному опыту ребенка, то есть доступно его пониманию. Хотя работа «на опережение» приемлема – с ее помощью определяется перспектива музыкального и нравственного развития учащегося.

При подборе музыкального материала педагогу необходимо учитывать степень развития ученика – его достижения и недостатки, пройденный материал. Следует также учитывать и черты характера ребенка, его темперамент, артистизм. В то же время репертуар должен быть разнообразным, чтобы ученик имел возможность развиваться разносторонне.

Использование разнообразного по формам, жанрам, стилям музыкального ансамблевого репертуара, а также переложений симфонической, камерно-инструментальной, вокальной музыки пополняет фонд слуховых впечатлений ученика, расширяет музыкальный кругозор и формирует художественный вкус.

Заключение

В процессе совместного творчества пианисты обмениваются не только своими представлениями, идеями относительно трактовки исполняемых произведений, но также секретами мастерства, интересами, чувствами. Происходит взаимообогащение партнеров, нередко приводящее к настоящей дружбе.

Это становиться особенно актуальным в эпоху информационных технологий, когда нормой является виртуальное общение, а личностные контакты сводятся подчас к минимуму.

И еще. Когда учащиеся впервые получат удовлетворение от совместной работы, почувствуют радость общего порыва, объединения усилий, взаимной поддержки - можно считать, что занятия в классе дали принципиально важный результат.

                               Программа:

1.«Колыбельная Светланы» (облегченное переложение Балаева) – исполняет Николаева Виктория

2. Соловьев-Седой «Подмосковные вечера» (переложение Балаева)- Будзишвили Гиорги и Немченко Анжелика.

3.М.Легран «Французская тема» (облегченное переложение Балаева) - Будзишвили Гиорги и Кузьмичева Яна.

4. «Песня шофёра» (облегченное переложение Балаева) – исполняют Кузякина Татьяна и Николаева Виктория.

5.Вебер «Вальс» из оперы «Волшебный стрелок» - Семенова Ева и Немченко Анжелика.

6. Симонян «Полька Хоттабыча» - Семенова Ева и Немченко Анжелика.

7.Иванько «Вальс Сашенька» - Пономарева А.Н.,Николаева Вика и Обручникова Варя.

8.Захаров «Вальс лягушат» - Семенова Ева и Пономарева А.Н.

9. Глинка «Полька» в восьмиручном переложении Иванько для двух фортепиано – Семенова Ева, кузякина Таня, Немченко Анжелика, обручникова Варя.

10. Иршаи «Слон-Бостон» - Семенова Ева и Пономарева А.Н.

11.Птушкин «Потасовка» - Кузьмичева Яна и Никулина Анастасия.

12.Птушкин «Увертюра»  из сюиты «Гулливер» - Кузьмичева Яна и Николаева Ангелина.

13.  Бибберган «Полька-буфф» - Кузякина Татьяна и  Щербаков Кирилл.

14.Косма «Мелодия» из кинофильма «Игрушка» - Щербаков Кирилл.

15.Тодоровский  «Танцующие клавиши» из к/ф «Какая чудная игра» - Щербаков Кирилл и Пономарева А.Н.

16.Дюбюк «Полька - Блины»- Семенова Ева и Голованева Алиса.

17.Балаев «Танго» - Голованева Алиса и Пономарева А.Н.

18. Эйленберг «Катание на санях по Санкт-Петербургу» - Щербаков Кирилл и Пономарева А.Н.

19.Лавиньяк «Галоп для одинокого рояля» - Никулина Настя, Кузьмичева Яна, Щербаков Кирилл, Семенова Ева.